Alle Beiträge von Jean-Claude Granval

Publikationen | WM Jan Sieber

Herausgeberschaft

Anthropology & Materialism. A Journal of Social Research. Discontinous Infinities. Benjamin and Philosophy, Sonderausgabe, 2017. (zusammen mit Sebastian Truskolaski)

Anthropology + Materialism. A Journal of Social Research. Myth, No. 2 (2014). (zusammen mit Marc Berdet)

Anthropology + Materialism. A Journal of Social Research. In the Magnetic Fields of Anthropology and Materialism, No. 1. (2014). (zusammen mit Marc Berdet, Sébastien Broca, Christos Lynteris, Carlos Perez, Meike Schmidt-Gleim)

 

Aufsätze (Auswahl)

„’Der Schatten des wildesten Interesses’. Sublimierung und Begehren in Adornos Ästhetischer Theorie“, in: Zeitschrift für Kritische Theorie, Nr. 44, 2017.

„’Always Crashing in the Same Car’. History and Repetition in Benjamin and Lacan“, in: Anthropology + Materialism. A Journal of Social Research. Discontinous Infinities. Benjamin and Philosophy, Sonderausgabe, hrsg. v. Jan Sieber und Sebastian Truskolaski, 2017.

„Técnica“, in: Glosario Walter Benjamin. Conceptos y figuras, hrsg. v. Esther Cohen und Marc Berdet, Mexico: UNAM, 2016.

„Resisting Myth“, in: Anthropology + Materialism. A Journal of Social Research. Myth, No. 2 (2014). (zusammen mit Marc Berdet)

„Allegorie und Revolte bei Baudelaire und Blanqui“, in: Kunst, Spektakel, Revolution, No. 4 (2014).

„Schweigen, Streiken, Vergessen. Zur Aktivierung durch Passivierung bei Walter Benjamin“, in: Theorien der Passivität, hrsg. v. Kathrin Busch und Helmut Draxler, München: Fink 2013, S. 217-235.

 

Vorträge (Auswahl)

11/2016               „’that which sees itself in him’. Max Ernst and the Object of Desire in Painting“, Konferenz Dream and Visuality. 1900-1930, Universität von Lausanne, Schweiz.

09/2016               „Ästhetiken der Kritik. Adorno, Foucault, Ranciere“, Jahrestagung der Gesellschaft für Medienwissenschaften, Freie Universität Berlin.

09/2016               „’today only exaggeration per se can be the medium of truth’. On the Dialectic of Exaggeration and Repetition in Adorno“, Konferenz Repetition/s, University of Ljubljana, Slowenien.

05/2016               „Dealing with the Invisible. The Function of modern art according to Marcel Gauchet’s Idea of a History of the Subject„, Workshop, Universität von Göttingen.

03/2016              „’Always Crashing in the Same Car’. History and Repetition in Benjamin and Lacan“, Symposium History           as Tragedy, Comedy and Farce, American University Beirut, Libanon.

11/2015              „Walter Benjamin als Übersetzer. Warensprache, wahre Sprache… Universalsprache“, Literaturhaus, Berlin.

07/2015              „Beyond the Mimetic Principle. Kant with Lacan“, Konferenz Jaw versus Eye Attack, JVE A, Berlin.

06/2014              „’Blanqui’s deed was the sister of Baudelaire’s dream’. Language and Politics in Charles Baudelaire and Louis-Auguste Blanqui“, Konferenz Modernism Now!, The British Association for Modernist Studies, London, GB.

06/2014              „Allegory and Significance in Photography“, Veranstaltungsreihe parallax, Berlin.

05/2014               „’Shadowed by the wildest Interest’. Sublimation and Desire in Adorno’s Aesthetic Theory“, 7th International Critical Theory Conference, John Felice Rome Center of Loyola University Chicago, Rom, Italien.

12/2012               „Nihilism without end“, Symposium Nihilism, Destruction, Negativity. Walter Benjamin and the »Organization of Pessimism«, Jan van Eyck Academie, Maastricht, Niederlande.

10/2012               „Allegorie und Revolte bei Baudelaire und Blanqui. Walter Benjamins Zeugen der Urgeschichte des 19. Jahrhunderts“, Golem, Hamburg.

Publikationen | Prof. Dr. Kathrin Busch

Monographien

P – Passivität, Reihe: Stimmungsatlas in Einzelbänden, Hamburg: Textem 2012.

Geschicktes Geben. Aporien der Gabe bei Jacques Derrida, München: Fink 2004.

 

Herausgeberschaft

Das Ästhetisch-Spekulative, Paderborn: Fink 2021 (gemeinsam mit Georg Dickmann, Felix Laubscher und Maja Figge).

Radikale Passivität: Politiken des Fleisches, Ausst.-Kat., nGbK, Berlin 2020.

Wessen Wissen? Materialität und Situiertheit in den Künsten, Paderborn: Fink 2018. (gemeinsam mit Christina Dörfling, Kathrin Peters und Ildikó Szántó)

Andrea Winkler, Köln: Snoeck 2017.

Anderes Wissen, München: Fink 2016.

Aus stellen. Zur Kritik der Wirksamkeit in den Künsten, Zürich: diaphanes 2016. (gemeinsam mit Burkhard Meltzer und Tido von Oppeln)

Theorien der Passivität, München: Fink 2013 (gemeinsam mit Helmut Draxler).

Bildtheorien aus Frankreich. Ein Handbuch, Reihe: Eikones, München: Fink 2011 (gemeinsam mit Iris Därmann).

Künstlerische Transformationen. Modelle kollektiver Kunstproduktion und der Dialog zwischen den Künsten, Berlin: Reimer 2010 (gemeinsam mit Dagmar Jäger et al.).

Stefan Panhans. 5 Videos, Stuttgart: merz & solitude 2009.

A Portrait of the Artist as a Researcher. Andere Sinema – a visual culture quarterly 179 (2007) (Antwerpen MuHKA) (gemeinsam mit Dieter Lesage).

»pathos«. Konturen eines kulturwissenschaftlichen Grundbegriffs, Bielefeld: Transcript 2007 (gemeinsam mit Iris Därmann).

Philosophie der Responsivität. Festschrift für Bernhard Waldenfels zum 70. Geburtstag, München: Fink 2007 (gemeinsam mit Iris Därmann und Antje Kapust).

Jacques Derrida, Schwerpunktheft Journal Phänomenologie 23 (2005).

 

Aufsätze

„Das Gespenst der künstlerischen Forschung“, in: Kunstforum International, Bd. 277 (Oktober 2021), S. 57-68.

„Deflating the fetishes of knowledge. Über Knowledge beside Itself. Contemporary Art’s Epistemic Politics von Tom Holert“, in: Texte zur Kunst, Online-Ausgabe, Juli 2021. https://www.textezurkunst.de/articles/kathrin-busch-deflating-fetishes-knowledge/

„zweifeln“, in: Das Wissen der Künste ist ein Verb – Ein Glossar. Online-Publikation des DFG-Graduiertenkollegs „Das Wissen der Künste“, No. 10 (2021). https://www.wissenderkuenste.de

„Selbstverlust als Wissensform“, in: Selbstverlust und Welterfahrung. Erkundungen einer pathischen Moderne, hrsg. v. Björn Bertrams und Antonio Roselli, Turia + Kant: Wien 2021, S. 212-225.

„Digitales Fleisch. Spekulieren mit künstlichen Körpern“, in: Das Ästhetisch-Spekulative, hrsg. v. K.B. et al., Paderborn: Fink 2021, S. 63-86.

„The Aesthetics of Radicalized Passivity“, in: Unworking, hrsg. v. Peer Illner, Berlin: August Verlag: Berlin 2021.

„Kräfte ästhetischen Denkens“, in: Studium Generale – als Einübung in Paradoxien. Diskurse, Verortungen und Schaustücke, hrsg. v. Thomas Düllo et al., Berlin 2020, S. 247-251.

„Ästhetische Amalgamierung. Zu Kunstformen der Theorie“, in: Feld – Zeitschrift der HFBK, Heft 49 (2019), S. 3-11 (Wiederabdruck).

„Das Wahre, das Unangenehme und die Rissigkeit des Selbst“, in: Unangenehme Gefühle 2. Lügen, hrsg. v. Sonja Cvitkovic & Megan Francis Sullivan, Berlin: Black Palms S*I*G Verlag 2019, S. 10-15.

„Phantasmagorical Research: How Theory Becomes Art in the Work of Roland Barthes“, in: Artistic Research and Literature, ed. by Corina Caduff and Tan Wälchli, München/ Amsterdam: Fink 2019, S. 185-193. https://doi.org/10.30965/9783846763339

„Kunstformen der Theorie. Zum Künstlerisch-Werden des Denkens beim späten Roland Barthes“, in: allmende 101 (2018), S. 35-50.

„Kräfte ästhetischen Denken“, in: Diversität im Dialog – Gestaltung von Diversität, hrsg. v. Thomas Düllo et al., Berlin 2018 (im Erscheinen).

„Ästhetik des Fleisches. Sensibilität bei Claire Denis und Jean-Luc Nancy“, in: Burkhard Liebsch (Hg.), Sensibilität der Gegenwart. Wahrnehmung, Ethik und politische Sensibilisierung = Sonderheft der Zeitschrift für Ästhetik und Kunstwissenschaft, Bd. 17 (2018), S. 235-251.

„Das Bild zur Lektüre. Zu einigen Zeichnungen von Patrizia Bach / Reading the Image. On a Few of Patrizia Bach’s Drawings“ (Wiederabdruck & Übersetzung), in: Patrizia Bach, Passagen-Arbeit. Zeichnungen zu / Drawings on Walter Benjamin, Berlin: Revolver 2017, S. 216-229.

„Fetisch“, in: Oh… Jakob Lena Knebl und die mumok Sammlung, Köln: Verlag der Buchhandlung Walther König, 2017, o. S.

„Ästhetiken radikalisierter Passivität“, in: Pathos/Passibilität. Internationales Jahrbuch für Medienphilosophie 3 (2017), S. 51-79.

„Wild things“, in: Andrea Winkler, hrsg. v. Kathrin Busch, Köln: Snoeck 2017, S. 8-34 und 105-119.

„Rehearsing Failure“, in: Putting Rehearsals to the Test. Practices of Rehearsal in Fine Arts, Film, Theater, Theory, and Politics, hrsg. v. Sabeth Buchmann, Ilse Lafer und Constanze Ruhm, Berlin 2016, S. 130-137.

„Wissen anders denken“, in: Anderes Wissen, hrsg. v. Kathrin Busch, München: Fink 2016, S. 10-33.

„Das Bild zur Lektüre. Zu den Zeichnungen von Patrizia Bach“, in: Anderes Wissen, hrsg. v. Kathrin Busch, München: Fink 2016, S. 176-187.

„Ästhetische Amalgamierung. Zu Kunstformen der Theorie“, in: Wie verändert sich Kunst, wenn man sie als Forschung versteht?, hrsg. v. Judith Siegmund, Bielefeld: Transcript 2016, S. 163-178.

„Figuren der Deaktivierung“, in: Aus stellen. Zur Kritik der Wirksamkeit in den Künsten, hrsg. v. Kathrin Busch, Burkhard Meltzer und Tido von Oppeln, Zürich: diaphanes 2016.

„Über das Kitzeln“, in: Ränder der Darstellung. Leiblichkeit in den Künsten, hrsg. v. Christian Grüny, Weilerswist: Velbrück 2015, S. 171-179.

„Affection and Contagion“, in: Art in the Periphery of the Center, hrsg. v. Christoph Behnke et al., Berlin: Sternberg Press 2015, S. 68-80.

„Exposition as Form-of-Life“, in: Post-Studio Tales, hrsg. v. Daniel Falb, Ulrike Gerhardt, Friedemann Heckel mit John Beeson, Hamburg: Textem 2015, S. 31-39.

„Essay“, in: Künstlerische Forschung. Ein Handbuch, hrsg. v. Jens Badura et al., Zürich/Berlin: diaphanes 2015, S. 235-238.

„Kunst und Design“, in: Begriffslexikon zur zeitgenössischen Kunst, hrsg. v. Hubertus Butin, Köln: Snoeck 2014, S. 169-173.

„Künstlerische Forschung“, in: Bild. Ein interdisziplinäres Handbuch, hrsg. v. Stephan Günzel und Dieter Mersch, Stuttgart/Weimar: Metzler 2014, S. 453-458.

„John Stezaker und das ästhetische Unbewusste“, in: Psychoanalyse. Texte zur Sozialforschung 18 (2014), S. 5-19.

„Künstlerische Recherche und Poetiken des Wissens“, in: Vorsicht Wagnis. Kunst – Wissen – Forschen, hrsg. v. Susanne Märtens und Hannes Böhringer, Nürnberg: Verlag für moderne Kunst 2013, S. 40-49.

„Heidegger und die Kunst“, in: Heidegger-Handbuch, hrsg. v. Dieter Thomä, Stuttgart: Metzler 2013.

„Elemente einer Philosophie der Passivität“, in: Theorien der Passivität, hrsg. v. K.B. und Helmut Draxler, München: Fink 2013, S. 14-31.

„Anderes Wissen – Traumbilder, Imagination und das ästhetisch Unbewusste. Eine Miniatur“, in: Paradoxalität des Medialen, hrsg. v. Jan-Henrik Möller, Jörg Sternagel u. Leonore Hipper, München: Fink 2013, S. 223-235.

„Gegeben sei: das Unsichtbare. Zur Anökonomie des Bildes“, in: BildÖkonomie. Haushalten mit Sichtbarkeiten, hrsg. v. Emmanuel Alloa u. Francesca Falk, Reihe: Eikones, München: Fink 2013, S. 371-393.

„Aktant“, „Gabe“, „Pathos“, in: Lexikon der Raumphilosophie, hrsg. v. Stephan Günzel, Darmstadt: Wissenschaftliche Buchgesellschaft 2012, S. 19f., 131f., 300.

„Jean-Luc Nancy. Exposition und Berührung“, in: Leiblichkeit. Begriff, Geschichte und Aktualität eines Konzepts, hrsg. v. Emmanuel Alloa et al., Tübingen: Mohr Siebeck 2012, S. 305-319.

„Jacques Derrida“, in: Bildtheorien aus Frankreich. Ein Handbuch, hrsg. v. K.B. und Iris Därmann, Reihe: Eikones, München: Fink 2011, S. 125-137.

„Wissensbildung in den Künsten – eine philosophische Träumerei“, in: Texte zur Kunst 82 (2011), S. 70-80.

„Philosophischer Essayismus im Zeitalter künstlerischen Experimentierens“, in: Virtualität und Kontrolle, hrsg. v. Hans-Joachim Lenger, Michaela Ott, Sarah Speck und Harald Strauß, Hamburg: Textem Verlag 2010, S. 152-164.

„Kraft der Räume“, in: Die Religion des Raumes und die Räumlichkeit der Religion, hrsg. v. Thomas Erne und Peter Schüz, Göttingen: Vadenhoeck & Ruprecht 2010, S. 53-66.

„Aufpfropfen, Kontaminieren, Parasitieren. Zur Ästhetik der Transformation“, in: Künstlerische Transformationen. Modelle kollektiver Kunstproduktion und der Dialog zwischen den Künsten, hrsg. v. Dagmar Jäger et al., Berlin: Reimer 2010, S. 22-28.

„Bernhard Waldenfels. Kultur als Antwort“, in: Kultur.Theorien der Gegenwart, hrsg. v. Stephan Moebius und Dirk Quadflieg, 2. erweiterte und aktualisierte Ausgabe, Wiesbaden: Verlag für Sozialwissenschaften 2010, S. 290-299.

„Kunst – Geben“, in: feld 04 (2010), S. 22-30.

„Enklaven im Selbst. Die Figur der Ent-/Aneignung bei Derrida“, in: Das Fremde im Selbst – das Andere im Selben. Transformationen der Phänomenologie, hrsg. v. Matthias Flatscher und Sophie Loidolt, Würzburg: Königshausen & Neumann 2010, S. 176-188.

„Raum geben. Aporien der Gastlichkeit bei Derrida“, in: Unsichere Zeiten. Kongressband Soziologie Jahrestagung 2008, Wiesbaden: Verlag für Sozialwissenschaften 2010.

„Klossowski, Pierre“, in: Die französische Philosophie im 20. Jahrhundert. Ein Handbuch, hrsg. v. Thomas Bedorf und Kurt Röttgers, Darmstadt: Wissenschaftliche Buchgesellschaft 2009, S. 173-175.

„Artistic Research and the Poetics of Knowledge“, in: Art and Research, Vol. 2 (2009), www.artandresearch.org.uk (Wiederveröffentlichung)

„Subversion des Bildes. Zu den Spuren der surrealistischen Bildauffassung in der französischen Gegenwartsphilosophie“, in: Zeitschrift für Ästhetik und Allgemeine Kunstwissenschaft 54/1 (2009), S. 7-25.

„Wissenskünste. Künstlerische Forschung und ästhetisches Denken“, in: Kunst des Forschens, hrsg. v. Elke Bippus, Zürich/ Berlin: diaphanes 2009, S. 141-158.

„Angst“, in: Stefan Panhans. 5 Videos, hrsg. v. K.B., Stuttgart: merz & solitude 2009, S. 75-85.

„Topographien der Heimsuchung“, in: Zugänge, Ausgänge, Übergänge. Konstitutionsformen des sozialen Raumes, hrsg. v. Thomas Bedorf und Gerhard Unterthurner, Würzburg: Königshausen & Neumann 2009, S. 41-53.

„Kraft der Dinge. Notizen zu einer Kulturtheorie des Designs“, in: Image. Zeitschrift für interdisziplinäre Bildwissenschaft 8 (2008). http://image-online.info/

„Künstlerische Forschung – Potentialität des Unbedingten“, in: Blind Date. Zeitgenossenschaft als Herausforderung, hrsg. v. Viktor Kittlausz, Gabriele Mackert und Winfried Pauleit, Nürnberg: Verlag der Kunst 2008, S. 88-97.

„Wie gesprochen werden. Zur Passion der Rede bei Jacques Derrida“, in: Nicht(s) sagen. Strategien der Sprachabwendung im 20. Jahrhundert, hrsg. v. Emmanuel Alloa und Alice Lagaay, Bielefeld: Transcript 2008, S. 101-114.

„Artistic Research and the Poetics of Knowledge“, in: AS – a visual culture quarterly 179 (2007), S. 36-45.

„Raum, Kunst, Pathos. Topologie bei Heidegger“, in: Topologie, hrsg. v. Stephan Günzel, Bielefeld: Transcript 2007, S. 115-131.

„Hybride. Der Raum als Aktant“, in: Kultureller Umbau. Räume, Identitäten, Re/Präsentationen, hrsg. v. Kerstin Mey, Yvonne Spielmann und Meike Kröncke, Bielefeld: Transcript 2007, S. 13-28.

„Künstlerische Transformationsprozesse zwischen Aneignen und Befremden“, in: Ästhetik und Kommunikation 137 (2007), S. 23-29.

„Einleitung“, in: »pathos«. Konturen eines kulturwissenschaftlichen Grundbegriffs, hrsg. v. K.B. und Iris Därmann, Bielefeld: Transcript 2007, S. 7-31 (gemeinsam mit Iris Därmann).

„Ansteckung und Widerfahrnis. Für eine Ästhetik des Pathischen“, in: »pathos«. Konturen eines kulturwissenschaftlichen Grundbegriffs, hrsg. v. K.B. und Iris Därmann, Bielefeld: Transcript 2007, S. 51-73.

„Vorwort“, in: Philosophie der Responsivität. Festschrift für Bernhard Waldenfels zum 70. Geburtstag, hrsg. v. K.B., Iris Därmann und Antje Kapust, München: Fink 2007, S. 7-14 (gemeinsam mit Iris Därmann).

„Bruchlinien der Raumerfahrung“, in: Philosophie der Responsivität. Festschrift für Bernhard Waldenfels zum 70. Geburtstag, hrsg. v. K.B., Iris Därmann und Antje Kapust, München: Fink 2007, S. 59-72.

„Dingsprache und Sprachmagie. Zur Idee latenter Wirksamkeit bei Walter Benjamin“, in: Politics of Translation, eipcp Webjournal Translate, www.translate.eipcp.net (2006) (dt./engl.).

„Pathische Repräsentation“, in: Handlung, Kultur, Interpretation. Zeitschrift für Sozial- und Kulturwissenschaften 15 (2006), S. 349-375.

„Vorbemerkung zum Spiel“ und „Umschaffen umdenken“, in: Stille Post!, Ausstellungskatalog, hrsg. v. Sigrid Haase, Berlin: Universität der Künste 2006, S. 7-9 und S. 29-34.

„Befremdliche Räume“, in: Sic et Non. Zeitschrift für Philosophie und Kultur im Netz 4 (2005), www.sicetnon.org.

„Derrida überleben – zum Schwerpunktthema“ und „Das Bild zum Empfang“, in: Journal Phänomenologie 23 (2005), S. 4-7 und S. 23-30.

„›…dass gut schenken eine Kunst ist‹. Für eine Ästhetik der Gabe“, in: Zeitschrift für Ästhetik und allgemeine Kunstwissenschaft 50/1 (2005), S. 27-55.

„Bilderschrift und kartographischer Eingriff“, in: EIPCP. Multilingual Webjournal (2004), wieder abgedruckt in: Republic art. Practices, hrsg. v. Bernhard Hummer u.a., Wien 2005, S. 201-208.

„Besessenheit und Ansteckung. Formen pathischer Repräsentation“, in: Eingreifen. Viren, Modelle, Tricks, hrsg. v. Andrea Sick u.a., Bremen: Thealit 2003, S. 323-333.

„Verspiegelt“, in: Many Happy Returns, Ausstellungskatalog, hrsg. v. Bettina von Dziembowski, Frankfurt a.M.: Revolver 2003, S. 25-32.

„Auszug aus dem unveröffentlichten Briefwechsel zwischen Martin Heidegger und Otto Pöggeler“, eingel. v. O. Pöggeler, in: Studia Phaenomenologica. Romanian Journal for Phenomenology, Vol. 1, No. 3-4 (2001), S. 11-35 (hrsg. gemeinsam mit Christoph Jamme).

 

Miszellen

„Kitzeln – eine Erregung“, in: Skulpi III (2015), S. 62-65.

„Gabe “, in: Formen der Selbstorganisation, hrsg. v. Hans-Christian Dany et al., Hamburg 2012 (im Erscheinen)

„Parasit, Parasitentum“, in: Formen der Selbstorganisation, hrsg. v. Hans-Christian Dany et al., Hamburg 2012 (im Erscheinen)

„Fremdeste Ferne – noch in der Berührung. Zu den Paradoxien des Bildes in der Malerei von Peter Holl“, in: Nähe im Überblick. Peter Holl, Ausst.-Kat., Galerie der Stadt Backnang, Backnang 2011, S. 4-6.

„Echos aus Malls“, in: Stefan Panhans. Alicja Kwade,Ausstellungskatalog. Kunsthaus Hamburg, Hamburg 2008, S. 5-8.

„OLGA in der Galerie Kai Hoelzner“, in: vonhundert 2 (2008), S. 22.

„Licht-Spiel-Raum“, in: Jürgen Albrecht. Licht und Raum, Ausstellungskatalog, Hamburger Kunsthalle, Hamburg 2005, o.S.

„Bildschön / Real Vision“ (dt./ engl.), in: Stefan Panhans. Künstlerstätte Schloss Bleckede, Lüneburg 2005, o.S.

„Die Tode Derridas“, in: Camera Austria 88 (2004), S. 98.

„Transform site“, in: Journal For Northeast Issues. Art and Related Disciplines, No. 2 (2003), S. 22-23 (gemeinsam mit E. Bippus u.a.).

Grundlagen einer ästhetischen Theorie der Gestaltung | Prof. Dr. kathrin Busch

Im Seminar sollen Grundbegriffe der Ästhetik wie Produktion, Formgebung, Materialität und Schönheit anhand klassischer Texte erarbeitet und für eine Theorie der Gestaltung fruchtbar gemacht werden.

Wir beginnen mit einer Lektüre von Hanna Arendts Vita activa, um das Herstellen im Unterschied zum Handeln und Arbeiten zu bestimmen. Sodann soll Richard Sennetts Buch zum Handwerk in Auszügen gelesen und seine Hochschätzung des händischen Könnens nachvollzogen werden. Gestaltgebung verleiht der menschlichen Welt seine Festigkeit. Dies ist allerdings nur ein Aspekt menschlicher Produktivität. Sofern wir uns in einer bereits weitgehend gestalteten Welt wiederfinden, gehören Momente der Auflösung und Destruktion zum Prozess des Schaffens hinzu. Dieses Moment der „Entstaltung“ lässt sich nicht nur in Texten zur Phantasie, sondern auch im Denken von Form und Stoff, in Konzepten des Formlosen und niederen Materialismus nachvollziehen. Von hier aus soll ein Blick in die aktuellen Materialitätsdiskurse geworfen werden, die von der Dynamisierung von Stoff und Form geprägt sind. Man spricht von einer Macht des Materials, einer Plastizität der Stoffe sowie einem Leben der Formen. Abschließend wird das traditionelle Verständnis von Ästhetik als Theorie der Schönheit und sinnlichen Erkenntnis in Grundzügen vorgestellt und die Bedeutung einer Reflexivität im Ästhetischen auf das Design bezogen.

 

Modul 8: Designtheorie

Do. 11-14 || Raum 207

Ästhetisches Denken – Kunstformen der Theorie | Prof. Dr. Kathrin Busch

Die zunächst euphorisch begrüßte künstlerische Forschung steht heute unter dem Verdacht, das künstlerische Denken den wissenschaftlichen Anforderungen zu opfern. Die eigenständigen Wissensformen der Künste scheinen ebenso in den Hintergrund zu geraten wie die ästhetischen Verfahren innerhalb der Philosophie, mit denen seit der Romantik in Essays, Aphorismen und Denkbildern experimentiert wird. Im Seminar soll mit Methoden eines offenen, experimentieren Denkens bekannt gemacht werden, das sich einer Einzwängung in die Wissenschaft entgegenstellt. Neben dem literarischen und philosophischen Essay wird auch dem Essayismus in Film und Video sowie Modellen und Diagrammen als Formen ästhetischer Wissensproduktion nachgegangen. Die Frage, auf welche Weise das ästhetische Denken ein anderes Wissen hervorbringt, welche Rolle der Einbildungskraft dabei zukommt, wie das ästhetische Unbewusste, Affektivität und Materialität in dieses Denken hineinspielen, soll Gegenstand der gemeinsamen Diskussionen und Lektüren sein.

 

Modul 16 || Kulturwissenschaften || Studium Generale

Mi. 12-15 || Raum 207 || Beginn: 15. April

Waren|Sprachen der Postmoderne | Jan Sieber

Copyright: Barbara Kruger | Courtesy: Mary Boone Gallery, New York

Mit dem Nachkriegs-Wirtschaftsboom ab den 1950er Jahren – the Golden Age of Capitalism – bildete sich die später so genannte Konsumgesellschaft sowie die für die Spätmoderne und Postmoderne so charakteristische Warensprache bzw. Warenästhetik heraus. Gegenüber den Mechanismen und Effekten dieser schönen, neuen, mit Waren gesättigten Welt war der moderne Anspruch auf Autonomie und Rationalität von Gestaltung immer schwerer aufrecht zu erhalten. Dem Individualismus der spätkapitalistischen, postfordistischen Konsumgesellschaft erschien die moderne Idee der Universalität nicht mehr angemessen. Wenn die Krise der Moderne, als Krise der auf Universalität zielenden Sprache moderner Gestaltung, zusammenfällt mit dem Anbruch der Postmoderne, dann zeichnet sich letztere vor allem auch durch ihr Bewusstsein für die Sprachlichkeit von Gestaltung aus – aber nicht im Sinne einer universalen Sprache, sondern einer Pluralität und Multivalenz von unterschiedlichen Sprachspielen. Darin bildet sich zugleich die Logik der Warenästhetik ab. Alles kann – unabhängig vom Gebrauch bzw. der Funktion – der Produktion von Wert bzw. von Bedeutung dienen.

Im Seminar beschäftigen wir uns als Einstieg mit der Krise der Moderne in den 1950er und 60er Jahren sowie mit der Kritik der Warenästhetik. Im Anschluss daran diskutieren wir einige für die Postmoderne paradigmatische Positionen aus Design, Kunst und Architektur – und zwar stets in der Spannung zwischen Warensprache und Sprachlichkeit der Gestaltung.

 

Modul 4: Kultur- und Designgeschichte 2 || BA – 2. Studienjahr

Do 15.00–18.00 Uhr || Raum 207

THEORIEBÖRSE, Montag, 13.04., 18 Uhr, Hardenbergstraße, Raum 310

Alle Studierenden der Fakultät 2, der Fakultät 1 sowie alle anderen Interessierten sind eingeladen, sich zum Semesteranfang einen Überblick über das Angebot an Theorie-Lehrveranstaltungen zu verschaffen.

Die THEORIEBÖRSE findet am Montag dem 13. April 2015 um 18 Uhr in der Hardenbergstraße im Raum 310 statt.

Das Café Mittelachse ist geöffnet.

mit freundlichen Grüßen
Judith Siegmund

TAGUNG „Wie verändert sich Kunst, wenn man sie als Forschung versteht?“ 23./24.01.

Tagung „Wie verändert sich Kunst, wenn man sie als Forschung versteht?“

am 23./24. Januar 2015 in der Universität der Künste in der Hardenbergstraße 33, Raum 110. 

Programm 

Freitag, 23.01.

17:00
Begrüßung
Judith Siegmund (Institut für Geschichte und Theorie der Gestaltung der Universität der Künste)
Juliane Laitzsch (Graduiertenschule der Universität der Künste)

17:15
Reinold Schmücker (Münster)
Künstlerisch forschen: Über Herkunft und Zukunft eines ästhetischen Programms

18:00
Cornelia Sollfrank (Dundee/Celle)
The Pervert’s Guide to Artistic Research

Moderation: Karlheinz Lüdeking (Berlin)

Sonnabend, 24.01.

10:00
Judith Siegmund (Berlin)
Poiesis und künstlerische Forschung

11:00
Eva-Maria Jung (Münster)
Implizites Wissen im künstlerischen Schaffensprozess

12:00 Pause

12:30
Kathrin Busch (Berlin)
Ästhetische Amalgamierung. Zu Kunstformen der Theorie

Moderation: Jan Sieber (Berlin)

13:30 – 15:00 Mittag

15:00
Lutz Hengst (Berlin)
Felduntersuchung im Vorgarten – Individualzentrierte künstleriche Forschungen der 1970er Jahre zwischen Adaption und Abgrenzung

16:00
Bernadette Collenberg-Plotnikov (Hagen/Münster)
Forschung als Verkörperung. Zur Parallelisierung von Kunst und Wissenschaft bei Edgar Wind

17:00 Pause

17:30
Rahel Puffert (Oldenburg/Hamburg)
Vom Umgehen mit Zeit. Forschung in Kunst und Wissenschaft

Moderation: Susanne Hauser (Berlin)

Eine Veranstaltung des Instituts für Geschichte und Theorie der Gestaltung der UdK Berlin in Zusammenarbeit mit der Graduiertenschule der UdK Berlin,
dem Postgradualen Forum der UdK, dem Philosophischen Seminar der Universität Münster sowie dem Duncan of Jordanstone College for Art and Design, University of Dundee, Schottland, UK.

Forschungsprojekte | Prof. Dr. Kathrin Busch

Das Wissen der Künste

DFG-Graduiertenkolleg an der Universität der Künste Berlin

seit 2015 Mitglied im Leitungsteam.

https://www.udk-berlin.de/forschung/dfg-graduiertenkolleg-das-wissen-der-kuenste/

 

Anderes Wissen – in künstlerischer Forschung und ästhetischer Theorie

DFG-Netzwerk 2017-2020

Das Netzwerk bringt Forschungsprojekte miteinander in ein Gespräch, die entweder die epistemische Bedeutung der Kunst oder die ästhetischen Bedingungen der Theoriebildung untersuchen. Ausgehend von der These, dass die Wissensproduktion in den Künsten, die heute unter dem Begriff der ‚künstlerischen Forschung’ firmiert, ihr strukturelles Pendant in einer Reflexion auf die ästhetischen Bedingungen der Theoriebildung hat, werden die Wanderbewegungen zwischen Kunst und ästhetischer Theorie erforscht. Indem das ‚Wissen der Künste’ systematisch auf ein künstlerisches Wissen und eine künstlerische Theorie bezogen wird, sollen die gegenseitigen Anleihen einer forschend verfahrenden Kunst und einer ästhetisch verfahrenden Theorie freigelegt werden. Dabei geht das Netzwerk erstens von der These aus, dass man es heute, angesichts der epistemischen Bedeutung von Kunst und der ästhetischen Bedingtheit der Theoriebildung, mit einer Neuaufteilung des Feldes des Wissens zu tun hat, in dem sich ein dritter Bereich zwischen Kunst und Theorie konstituiert. Zweitens nimmt das Netzwerk an, dass diese Emergenz mit einer paradigmatischen Verschiebung in der Reflexion über Kunst einhergeht, die sich von ästhetischen Begriffen zu denen des Wissens verlagert: Kunst manifestiert sich heute zunehmend als epistemische Praxis. Das ästhetische Regime der Kunst wird durch ein epistemisches Regime ergänzt, in dem nicht primär neues positives Wissen gewonnen, sondern mit anderen Erkenntnispraktiken expermientiert wird. Dieses „andere Wissen“ der Kunst korrespondiert mit „anderen“ Erkenntnispraktiken in der Theorie, deren Episteme ebenfalls ästhetisch verfasst ist, nicht nur in Bezug auf ihre Darstellungsbedingungen, sondern auch in Bezug auf die Materialität und Affektivität ihrer Artikulation. Daher wird zu diskutieren sein, wie sich durch die gegenseitigen Anleihen und Übersetzungen zwischen Kunst und Theorie das neue Feld eines „anderen Wissens“ herausbildet, das nicht nur die künstlerische Forschung sondern ebenso die Theoriebildung – der philosophischen Ästhetik wie der Kunstwissenschaft – betrifft.

 

Design, Kunst, Lebenswelt. Ästhetische Strategien und kulturelle Wirksamkeit.

DFG-Projekt in Kooperation mit dem Institut für Theorie der Zürcher Hochschule der Künste

2012-2014

Nicht lediglich Kunstwerke tragen zur Konstitution einer Lebenswelt bei, wie in der Ästhetik des 20. Jahrhunderts etwa von Nelson Goodman oder Martin Heidegger vertreten wird, sondern auch die Dinge der alltäglichen Praxis haben wesentlichen Anteil daran, wie sich unser Eingebundensein in die Welt gestaltet. Im Unterschied zur Kunst ist jedoch das designte Artefakt nicht aufgrund seiner Symbolisierungsfunktion allein welterzeugend, sondern kraft Gebrauchsfunktion. Als Vermittler bestimmter Handlungen schließen die gestalteten Dinge die Lebenswelt bedeutungshaft auf. Die Designprodukte modulieren unser Tun und modellieren unseren Habitus. Design ist daher immer auch eine dinghaft vermittelte Selbst- und Sozialtechnik, es fundiert kulturelle Praktiken, Lebensstile und Vergemeinschaftungsweisen. In der bildenden Kunst des 20. Jahrhunderts wird vielfach auf diese kulturelle und gesellschaftliche Wirksamkeit des Designs rekurriert, um die mit dem Autonomiestatus der Kunst verbundene gesellschaftliche Folgenlosigkeit zu überwinden. Umgekehrt finden die ästhetischen und selbstreflexiven Standards der Kunst Eingang in das Design. Im Forschungsprojekt wird den Übersetzungen und wechselseitigen Anleihen von Kunst und Design vor allem im Hinblick auf die Kraft gestalteter Objekte bezüglich Subjektivierungs- und Sozialformen nachgegangen. Wobei angesichts der Durchdringung der kulturellen Sphären von Kunst und Design dafür argumentiert wird, dass es verkürzend wäre, allein die Kunst als ausgezeichneten Ort einer Reflexion heutiger Kultur anzusehen und ihr allein das Vermögen der Kritik zuzuschreiben.

 

Kulturen der Leiblichkeit

DFG-Netzwerk

2011-2013

Das von der Deutschen Forschungsgemeinschaft geförderte Netzwerk „Kulturen der Leiblichkeit“ widmet sich der Frage, ob und inwieweit die Differenz zwischen Leib und Körper für die Kulturwissenschaften fruchtbar gemacht werden kann. Es wird danach gefragt, ob es mit dem Leibbegriff gelingen kann, die Körperlichkeit der Kultur zwischen Diskursivierung des Körpers und unhistorischer Materialität oder anders gesagt: zwischen Konstruktivismus und Objektivismus zu vermitteln. Das Forschungsprojekt widmet sich dabei sowohl einer Erhebung der kurrenten Leib-Begriffe wie deren Anschlussmöglichkeiten in konkreten kulturwissenschaftlichen Forschungsfeldern. www.leiblichkeit.net

 

Wissensbildung in den Künsten

Kooperationsprojekt an der Merz Akademie Stuttgart gefördert durch den Innovations- und Kreativitätsring Baden-Württemberg

2011-2012

Unter künstlerischer Forschung wird eine Wissensproduktion verstanden, in der sowohl die Erkenntnispotentiale der Künste als auch die ästhetischen Bedingungen des Denkens Berücksichtigung finden. In dem gemeinsamen Projekt steht die Eigenständigkeit einer solchen kunstbasierten Forschung und ihre spezifische Differenz zu wissenschaftlicher Forschung im Vordergrund. Es zielt darauf, Wissensbildungsprozesse im Medium von Kunst und Gestaltung voranzutreiben, sie epistemologisch zu beschreiben, ihre ontologischen Implikationen herauszuarbeiten und ihren Stellenwert in der heutigen und künftigen Gesellschaft zu konkretisieren. Künstlerische Forschung ist weit mehr als die bloße Umsetzung oder Vermittlung wissenschaftlicher Kenntnisse. Sie zielt auf ein anderes, eigenständiges, in und durch künstlerische Strategien und ästhetische Darstellungsformen hervorgebrachtes Wissen, das sich in anderen Formen, Präsentationsweisen und Rezeptionsstrukturen als die Wissenschaften vermittelt, andere Evidenzen produziert und sich in einer ganz spezifischen Weise auf die Lebenswelt und die Gesellschaft auswirkt. www.käpsele-connection.de

 

Künstlerische Wissensformen und die Transformation der Theorie

Forschungskooperation zwischen der Zürcher Hochschule der Künste (Prof. Dr. Elke Bippus) und der Merz Akademie Stuttgart gefördert vom Schweizerischen Nationalfonds

2010-2011

Das Projekt widmet sich der Forschung in den Künsten in ihren unterschiedlichen Ausprägungen und interdisziplinären Verschränkungen. Ziel ist die Konturierung und Analyse divergenter künstlerisch-wissenschaftlicher Wissensformen, deren Forschungen sich weder den klassischen Künsten noch den etablierten Wissenschaften eindeutig zuordnen lassen. In den Künsten, so die These, haben sich zunehmend hybride Weisen der Wissensbildung entwickelt, die sich mit neuen Formaten der Wissenschaften, dem sogenannten „Mode 2 Research“, in dem Punkt treffen, dass sie projektorientiert und transdisziplinär verfahren und sich nicht dem tradierten Modell akademischer Wissenschaftlichkeit fügen. Das Projekt will diese neuartigen künstlerisch-wissenschaftlichen Mischformen in den Grenzbereichen zwischen Bildender Kunst, Philosophie, Design, Raumgestaltung und Performance herausarbeiten, untersuchen und erproben. Die leitende Annahme lautet, dass sich hybride Wissensformen und Methoden weder umfassend abbilden noch disziplinär organisieren lassen, sondern sich vielmehr in „Mikrologien“ oder pluralen Ordnungen des Wissens etablieren.

 

Forschungsprojekte | WM Jan Sieber

Das nächtliche Selbst. Traumwissen und Traumkunst im Jahrhundert der Psychologie (1850-1950)

DFG-Netzwerk

2015-2018

Das DFG-Netzwerk untersucht einen zentralen Ausschnitt aus der Kultur- und Wissensgeschichte des Traums, der erstmals in interdisziplinärer Perspektive rekonstruiert wird. Sein Ziel ist die Analyse der säkularen Traumkulturen seit der Aufklärung. Leitend ist dabei die Frage nach dem Verhältnis von Traum und Subjekt: Welchen Beitrag leistet die wissenschaftliche und künstlerische Auseinandersetzung mit dem „nächtlichen Selbst” zur Neudefinition oder gar Neukonstitution von Subjektivität?

Historischer Fokus der Untersuchung ist das Jahrhundert der Psychologie. In der Traumforschung sind seine Eckdaten die Durchsetzung empirisch-experimenteller Forschungsmethoden (um 1850) und die Etablierung eines neuen wissenschaftlichen Paradigmas, der Neurophysiologie (um 1950). In diesem Zeitraum entfaltet sich ein intensives Zusammenspiel zwischen neuen Traumtheorien, wie sie in Psychologie, Medizin, Philosophie und Ästhetik diskutiert werden, und innovativen Darstellungsformen des Traums, wie sie sich sowohl in den Wissenschaften als auch in Literatur, bildender Kunst und im Film entwickeln.

Die Frage der Traumdarstellung ist dabei von entscheidender Bedeutung, weil Träume  ‒ genauer: Trauminhalte ‒ niemals unmittelbar wahrgenommen werden können. Einer Traumforschung, die nicht nur an Gehirnphysiologie, sondern auch an Trauminhalten interessiert ist, stehen daher als Untersuchungsgegenstand nur Traumerinnerungen zur Verfügung, die in einem sprachlichen oder visuellen Medium zur Darstellung gebracht sind. Für die anthropologischen und philosophischen Ansätze zur Neukonzeption von Subjektivität, die dem „nächtlichen Selbst” und seinen Träumen gerecht zu werden suchen, spielen deshalb formale und mediale Aspekte der Traumdarstellung, ihre Rhetorik, und ihre Ikonographie eine Schlüsselrolle.

Das Projekt wird von der Deutschen Forschungsgemeinschaft unterstützt.

http://dfg.culturaldreamstudies.eu/index.php/de/

Potentialitäten im Design | Prof. Dr. Kathrin Busch

Potentialitaeten

 

Das Seminar will Ansätze für eine Rahmenanalyse des Designs bereitstellen und die Frage diskutieren, inwiefern man als Gestalter in diese Rahmenbedingungen eingreifen kann. Wie kann eine Praxis des Designs beschaffen sein, die andere gesellschaftliche Möglichkeiten im Rahmen des gegenwärtigen Kapitalismus freilegt?

Wir werden im Seminar zunächst nach den konkreten Bedingungen heutigen Designs fragen und Themen wie das Kreativitätsparadigma, den neuen Materialismus sowie ein verändertes Denken des Körper und seiner Sensibilität aufgreifen. Außerdem werden wir uns mit heutigen Machtformen befassen und eine Mikropolitik des Designs entwerfen, die davon ausgeht, dass das Design als Gestaltung von Lebensformen eine eigene subversive Kraft beinhaltet. Ziel des Seminars ist eine „Institutionskritik“ des Designs, in der die normalerweise unthematischen Kontexte der Gestaltung zum Gegenstand sowohl der Reflektion als auch der Intervention werden.

 

Masterstudiengang || Wahlpflicht: Kulturwissenschaften || Do. 17-19 || Raum 207

Theorien des Designs | Prof. Dr. Kathrin Busch

Was ist Design? Was gestaltet man, wenn man Produkte oder Prozesse entwirft? Ist jedes Design sozial? Wie könnte ein Design der Gesellschaft aussehen? Ist es unsichtbar? Was ist das Material, das gestaltet wird? Gibt es eine Politik der Materialität? Besitzen Materialien Macht? Was ist Formgebung? Braucht man Modelle? Was lernt man von ihnen?

Das Seminar will Einblick in grundlegende Fragen der Gestaltung geben und die Bedeutung des Designs in der heutigen Gesellschaft diskutieren. Ausgehend von philosophischen und kulturwissenschaftlichen Texten soll eine theoretische Sprache erarbeitet werden, die es ermöglicht, die eigene designerische Positionen zu begründen.

 

3. Sem. Bachelor || Modul 8 || Do. 11-14 || Raum 207

WM Jan Sieber

Vita

Studium der Kulturwissenschaften, Philosophie und Kunstwissenschaften an der Universität Bremen, Leuphana Universität Lüneburg und Middlesex University London. 2011 Magisterabschluss an der Leuphana Universität Lüneburg. Von 2011 bis 2017 wissenschaftlicher Mitarbeiter an der UdK.

Forschungsschwerpunkte: Ästhetik, Psychoanalyse, Kritische Theorie, Kulturtheorie, französische Gegenwartsphilosophie.

Prof. DR. Kathrin Busch

Vita

Studium der Philosophie, Kunstgeschichte und Literaturwissenschaft in Hamburg. 2001 Promotion an der Ruhr-Universität Bochum. 2002-2009 Juniorprofessorin für Kulturtheorie an der Universität Lüneburg, 2009-2010 Professorin für Kulturtheorie/Kulturwissenschaften an der Merz Akademie Stuttgart. Seit 2010 Professorin an der Universität der Künste Berlin.

Forschungsschwerpunkte: Kulturtheorie, französische Gegenwartsphilosophie, Ästhetik, Theorien der Passivität und der künstlerischen Forschung.

Moderne Reloaded. Die Postmoderne in Kunst, Design und Architektur | WM Jan Sieber

Wenn die Postmoderne das Ende der Moderne war, als welches sie sich selbst verstand, dann zeichnet sie sich zuerst einmal negativ durch das Ableben des Anspruchs auf Normativität und Universalität aus, die die Moderne für sich beanspruchte. Das bedeutet jedoch nicht, dass sie damit notwendig den Weg bereitete für eine tiefere Wahrheit, die moderne Gestaltung bis dahin verstellte. Die Wahl zwischen der roten und der blauen Pille, zwischen Wahrheit und Illusion ist am Ende doch nicht so einfach. Jenseits des modernen Anspruchs auf Universalität öffnete sich der postmodernen Gestaltung nicht „die Wüste des Realen“, sondern eine Pluralität von Welten, eine Spielwiese ohne feste Regeln.

In Seminar werden wir ansehen, was in der Postmoderne den modernen Anspruch auf durch Materialität vermittelte Normativität und Universalität ablöste. Als Einstieg dazu beschäftigen wir uns mit der Fortsetzung moderner Gestaltung an der HfG Ulm und der in den 1970er Jahren formulierten Kritik der Warenästhetik. Im Anschluss daran diskutieren wir einige für die Postmoderne paradigmatische Postionen in Design, Kunst und Architektur.

 

Modul 4: Kultur- und Designgeschichte || BA – 2. Semester || Di 9.00–12.00 Uhr || Raum 207

Von Ulm nach Las Vegas | WM Jan Sieber

„Von Ulm nach Las Vegas“ repräsentiert den Weg, den die westliche Kultur in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts einschlug, den Weg, auf dem sie als Postmoderne die Moderne zu Grabe tragen wollte. Aus gestalterischer-künstlerischer Perspektive bezeichnet „Von Ulm nach Las Vegas“ zwei Wegmarken, die für zwei gegensätzliche Auffassungen von Gestaltung stehen, die rationale und funktionalistische Gestaltungslehre der in der Bauhaus-Tradition stehenden HfG Ulm und die wuchernde, spektakuläre Architektur von Las Vegas, die Robert Venturi 1968 untersuchte und zum Vorbild seiner Architekturheorie machte.

Im Seminar werden wir diesen Weg aus der Moderne noch einmal beschreiten und ihn anhand von ausgewählten gestalterischen, künstlerischen sowie theoretischen Positionen nachvollziehen. Zunächst widmen wir uns dafür der Fortsetzung moderner Gestaltung an der Hochschule für Gestaltung Ulm und einigen ihrer Protagonisten. Im Anschluss daran setzen wir uns mit der in den 70er Jahren formulierten Kritik der Warenästhetik auseinander. Vor diesem Hintergrund untersuchen wir in der zweiten Hälfte des Seminars zentrale Positionen aus Design und Architektur der Postmoderne.

 

Modul 4: Designgeschichte || BA – 2. Studienjahr || Di 9.00–12.00 Uhr || Raum 207

Die Moderne ist tot, lang lebe die (Post)Moderne | WM Jan Sieber

Mit dem Ende der Postmoderne stellt sich heute die Frage, wo wir im Verhältnis zu diesem Ende und wo wir im Verhältnis zur Postmoderne stehen. Sie stellt sich sowohl als theoretische als auch praktisch künstlerische und gestalterische Frage. Und sie beinhaltet das Befragen des Endes der Moderne selbst, als das sich die Postmoderne im Allgemeinen ansah. So schrieb Charles Jencks im Jahre 1978: “Unsere gegenwärtige Welt als postmodern zu bezeichnen, ist etwa gleichbedeutend mit der Bezeichnung von Frauen als “Nichtmänner”. Es besagt nichts anderes als das, was wir verlassen haben – die Welt der Moderne, die paradoxerweise, wie ein durch die Ereignisse überholter Futurologe, zum Sterben verurteilt ist.” Dieses von Jencks diagnostizierte Sterben der Moderne werden wir im Seminar aus gestalterischer, künstlerischer, historischer, kritischer und philosophischer Perspektive genauer unter die Lupe nehmen. Zunächst widmen wir uns dafür unterschiedlichen Positionen nach 1945, die die Kontinuität mit der Moderne der 1920er und 1930er Jahre suchten, solchen, die die Moderne einer Kritik unterwarfen, sowie unterschiedlichen kritischen Rezeptionen der modernen historischen Avantgardebewegungen. Vor diesem Hintergrund untersuchen wir dann einige für die Postmoderne selbst paradigmatische Postionen in Design, Architektur, Kunsttheorie und Kulturkritik.

 

Modul 4: Designgeschichte || BA – 2. Studienjahr || Di 9.00–12.00 Uhr || Raum 207

Zwischen Kunst und Industrie | WM Jan Sieber

Die moderne Gestaltung war gespalten zwischen ihrer künstlerischen und ihrer industriellen Dimension. Im Versuch der Rückkehr zum Handwerk wider die Industrie wendete sie sich wieder mehr der Kunst zu. Als Ingenieursleistung war sie ganz der Industrie zugehörig. Dazwischen bildete sich das moderne Design heraus, das Kunst und Industrie miteinander zu vereinen versuchte. Für das moderne Design galten daher anders als für die klassische Autonomie-Ästhetik und die l’art pour l’art „nützlich“ oder „technisch“ und „schön“ nicht mehr als unvereinbare Gegensätze. Die erste Weltausstellung in London im Jahre 1851 und die dadurch ausgelöste Debatte über das Verhältnis von Kunst und Industrie markieren diesbezüglich eine Epochenschwelle und einen Bruch im ästhetischen Bewusstsein.

Vor diesem historischen Hintergrund behandelt das Seminar zentrale Positionen aus der Geschichte der modernen Gestaltung: Erstens Bestrebungen der Industrialisierung des Kunsthandwerks in den Weltausstellungen, dem Historismus und der Gründerzeit; zweitens Reaktionen auf diese Entwicklung in der Rückkehr zum Handwerk, vertreten durch John Ruskin, William Morris und der Arts and Crafts Bewegung; und drittens Versuche einer angemessenen Verbindung von Kunst, Handwerk und Industrie im Jugendstil, Werkbund und Bauhaus.

 

Modul 4: Kultur- und Designgeschichte || BA – 1. Studienjahr || Di 9.15–11.45 Uhr || Raum 207

Von Ornament zu Funktion | WM Jan Sieber

Beginnend in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts bis in die 1930er Jahre vollzieht sich ein epochales Umdenken hinsichtlich der Bedeutung und den Möglichkeiten der Gestaltung unserer materiellen Umwelt. Der paradigmatische Wandel von Ornament zu Funktion zeugt von einem wachsenden Bewusstsein moderner Gestaltung für das Zusammenspiel der praktischen, ästhetischen, symbolischen und sozialen Dimensionen der Objektwelt. Von den historistischen Dekorationsorgien des deutschen Großbürgertums in der Gründerzeit über die englische Arts and Crafts-Bewegung, den Jugendstil, den Deutschen Werkbund und die holländische Gruppe De Stijl bis zur funktionalen, industriellen Gestaltung mit universalistischem Anspruch im Bauhaus – das Seminar verhandelt die wichtigsten Bewegungen bzw. Schulen, ihre bedeutendsten Vertreter, deren Manifeste, theoretische Schriften und gestalteten Objekte.

 

Modul 4: Designgeschichte || BA – 1. Studienjahr || Di 9–12 Uhr || Raum 207

Fetischismus. Theorien zur Kraft der Dinge | Prof. Dr. Kathrin Busch

Fetische sind wirkmächtige Dinge. Sie faszinieren, verführen und bezaubern. Ethnologie, Psychoanalyse und Marxismus haben diese Kraft der Dinge im Hinblick auf magische Praktiken, sexuelle Orientierung und den Warenkonsum reflektiert. Sie verstehen den Fetischismus als eine Perversion im wörtlichen Sinne, nämlich als Verkehrung der menschlichen in eine dingliche Ordnung, in der sich die Objekte nicht mehr schlichtweg den Intentionen der Subjekte fügen wollen.

Neuerdings hat sich diese Einschätzung der perversen Logik des Fetischs grundlegend gewandelt. In den aktuellen Dingtheorien wird der Objektwelt unter positiven Vorzeichen eben die Wirkmächtigkeit zugeschrieben, die man als Fetischismus diffamierte. Diese Verschiebung im Hinblick auf die materielle Kultur gilt es vor allem im Kontext des Designs zu reflektieren. Denn wenn den Objekten tatsächlich Handlungsmacht zukommt, dann hat die Gestaltung der Dingwelt wesentlichen Anteil an der Formierung der sozialen wie kulturellen Welt.

Im Seminar werden historische und aktuelle Theorien zum Fetischismus erarbeitet und auf ihre designtheoretische Reichweite überprüft.

Design der kulturellen Praktiken | Prof. Dr. Kathrin Busch

Design erlebt derzeit eine außerordentliche Aufmerksamkeit vonseiten der Kulturwissenschaften. Die materielle Kultur rückt in den Blick, weil sich durch sie kulturelle Praktiken und das Eingebundensein in die Lebenswelt gestalten. Als Vermittler von Handlungen und Körpertechniken schließen Dinge die Lebenswelt bedeutungshaft auf. Durch sie konfiguriert sich jeweils eine alltagskulturelle Lebenspraxis. Geräte, Apparate, Bilder, Architekturen, Möbel, Kleidung oder Fahrzeuge erzeugen spezifische Kulturtechniken und bestimmen als solche das Handeln in wesentlichen Zügen mit. Aufgrund dieser Handlungsfunktion, die Artefakten übertragen wird, kann man sagen, sie seien die eigentlichen Agenten unseres Tuns. Designprodukte modulieren unsere Praxis und modellieren unseren Habitus. Design beinhaltet daher gewissermaßen immer auch dinghaft vermittelte, kulturelle Sozial- und Selbsttechniken. Es findet an der Schnittstelle von Mensch und Ding statt, dort, wo es zur Hybridisierung von Humanem und Ahumanen kommt und die neuzeitliche, säuberliche Trennung von Subjekt und Objekt misslingt.

Anhand ausgewählter Literatur soll solchem Übergreifen der materiellen Welt in die menschliche Sphäre nachgegangen und das Augenmerk auf die kulturellen Einlagerungen und unbewussten Übertragungen der Dingwelt gerichtet werden.

 

Seminar zur Designtheorie || Hauptstudium: Diplom

Do. 15-18 – Raum 110 || Straße des 17. Juni 118

Kunst & Design | Prof. Dr. Kathrin Busch

Die geläufige Gegenüberstellung von selbstreflexiver, kritischer Kunst auf der einen Seite und einem bloß affirmativen Design auf der anderen Seite ist spätestens mit Minimal art und Institutional Critique hinfällig. Seit den 1960er Jahren werden die Rahmenbedingungen der Kunst wie Ausstellungsraum, Display, Beleuchtung, Kataloggestaltung etc. in ihrer maßgeblichen Bedeutung für die Kunst ausgelotet und es wird unmöglich, Kunstwerke von ihren gestalterischen Inszenierungen zu trennen. Umgekehrt wäre es verkürzend, Design auf eine unkritische Ästhetisierung der Lebenswelt eingrenzen zu wollen. Denn die Gestaltungen der Lebenswelt sind in hohem Ausmaße mit Subjektivierungsformen und Sozialtechniken verschränkt und haben damit immer schon gesellschaftliche Bedeutung, die im Sinne eines kritischen Designs zunehmend reflektiert und eingesetzt wird.

Angesichts der wechselseitigen Anleihen von Kunst und Design werden im Seminar Exempel einer Revision ihres Verhältnisses unter Berücksichtigung der kulturellen und ästhetischen Bedeutung der Dinge und ihrer Gestaltung behandelt.

 

Modul 8: Designtheorie || BA – 2. Studienjahr || Do 10-13h || Raum 207

Kreativität und Devianz | Prof. Dr. Kathrin Busch

Kreativität, einstmalig das Zauberwort für nicht-entfremdete, selbstbestimmte Arbeit, ist heute gleichsam zu einem neuen gesellschaftlichen Imperativ geworden. Jeder hat kreativ zu sein und Devianz ist mittlerweile regelrecht die Norm. Hatte man vor nicht allzu langer Zeit noch ein Freiheitsversprechen mit der Forderung nach kreativer Selbstverwirklichung verbunden, so ist sie inzwischen, folgt man der heutigen kritischen Gesellschaftsanalyse, in ihr Gegenteil umgeschlagen und fungiert als Instrument von Reglementierung und Kontrolle. Die Ansprüche an das kreative Tätigsein sind außerdem in einer Weise angewachsen, dass sie mit Unmut, wenn nicht mit Erschöpfung oder Depression beantwortet werden. Diesem Befund, dass die kreative Klasse nicht floriert, sondern ausgebrannt ist, korrespondiert auf philosophischer Seite eine auffällige Befürwortung von Theorien der Passivität, ein Lob der Müdigkeit, des Nichtstuns oder Unvermögens – alles Strategien, die zu anderen Formen von Subversion und Widerstand geworden sind.

 

FG 5: Kulturwissenschaften Diplom || Modul 13: Kulturwissenschaften BA

Fr. 12-15h || Raum 207

Wirksamkeiten im Design | Prof. Dr. Kathrin Busch

Die Erfahrung der Entfremdung ist paradigmatisch für die Moderne der zweiten Hälfte des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts – als Entfremdung von den Dingen, von den eigenen Bedürfnissen, von der eigenen Arbeit. Ihr gegenüber steht die Utopie als die Idee ihrer Aufhebung.
In der Geschichte der modernen Gestaltung und Kunst hat die Erfahrung der Entfremdung zu den unterschiedlichsten utopischen Gegenentwürfen geführt: zum Versuche einer neuen, der Moderne angemessenen Klassifikation der Dinge, zur Rückkehr zum Handwerk als nicht-entfremdete Form der Arbeit, zur Nachahmung von Formen der Natur in der Hoffnung auf eine Renaturalisierung der Menschen oder zur Affirmation von industrieller Arbeit und Warenwirtschaft als unhintergehbare Bedingung der Produktion einer neuen, einheitlichen Kultur.
Im Seminar werden wir zentrale Positionen und Texte aus der Geschichte der modernen Gestaltung hinsichtlich ihres Ortes im Spannungsfeld zwischen Entfremdung und Utopie befragen.

 

Modul 8: Designtheorie || BA – 2. Studienjahr || Mi. 15-18h || Raum 207

Ästhetik & Politik | Prof. Dr. Kathrin Busch

Traditionell steht das Ästhetische als ein autonomer Bereich dem Feld des Politischen gegenüber. Während man sich in der Ästhetik mit dem Schönen und den Künsten auseinandersetzt, betreffen Fragen des Politischen die Formen des Zusammenlebens und der Regierung. Die Vermengung beider Bereiche ist in der Vergangenheit vielfach kritisiert worden: als eine unstatthafte Ästhetisierung der Politik, die im Verdacht steht, Ideologien zu transportieren und illegitime Herrschaftsformen durchzusetzen. In neuerer Zeit wird diese strikte Abgrenzung zwischen dem Politischen und dem Ästhetischen hinterfragt. Denn es gibt nicht nur eine ästhetische Dimension politischer Praktiken, von Herrschaftsrepräsentation in der Architektur bis hin zur Inszenierung politischer Ereignisse, sondern auch politische Implikationen ästhetischer Strategien, die insbesondere für das Design von großer Bedeutung sind. Im Seminar soll im Rückgriff auf aktuelle und klassische Texte der ästhetischen Theorie diskutiert werden, wie sich das Ästhetische auf das Gesellschaftliche auswirkt, welche politische Wirksamkeit die Künste haben können und ob eine Politisierung der Ästhetik ebenso wie eine Ästhetisierung des Politischen unhintergehbar sind.

 

Modul 8: Designtheorie || BA – 2. Studienjahr

Mi. 15-18h || Raum 207

Entfremdung und Utopie. Die Gestaltung des Alltags zwischen 1850 und 1930 | Jan Sieber

Die Erfahrung der Entfremdung ist paradigmatisch für die Moderne der zweiten Hälfte des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts – als Entfremdung von den Dingen, von den eigenen Bedürfnissen, von der eigenen Arbeit. Ihr gegenüber steht die Utopie als die Idee ihrer Aufhebung.

In der Geschichte der modernen Gestaltung und Kunst hat die Erfahrung der Entfremdung zu den unterschiedlichsten utopischen Gegenentwürfen geführt: zum Versuche einer neuen, der Moderne angemessenen Klassifikation der Dinge, zur Rückkehr zum Handwerk als nicht-entfremdete Form der Arbeit, zur Nachahmung von Formen der Natur in der Hoffnung auf eine Renaturalisierung der Menschen oder zur Affirmation von industrieller Arbeit und Warenwirtschaft als unhintergehbare Bedingung der Produktion einer neuen, einheitlichen Kultur.

Im Seminar werden wir zentrale Positionen und Texte aus der Geschichte der modernen Gestaltung hinsichtlich ihres Ortes im Spannungsfeld zwischen Entfremdung und Utopie befragen.

 

Modul 4: Kultur- und Designgeschichte || BA – 1. Studienjahr

D0 14.15–16.45 Uhr || Raum 207

 

Designtheorie Forschungsprojekte

Design, Kunst, Lebenswelt. Ästhetische Strategien und kulturelle Wirksamkeit.

DFG-Projekt in Kooperation mit dem Institut für Theorie der Zürcher Hochschule der Künste

Projektmitglieder: Prof. Dr. Kathrin Busch

 

Nicht lediglich Kunstwerke tragen zur Konstitution einer Lebenswelt bei, wie in der Ästhetik des 20. Jahrhunderts etwa von Nelson Goodman oder Martin Heidegger vertreten wird, sondern auch die Dinge der alltäglichen Praxis haben wesentlichen Anteil daran, wie sich unser Eingebundensein in die Welt gestaltet. Im Unterschied zur Kunst ist jedoch das designte Artefakt nicht aufgrund seiner Symbolisierungsfunktion allein welterzeugend, sondern kraft Gebrauchsfunktion. Als Vermittler bestimmter Handlungen schließen die gestalteten Dinge die Lebenswelt bedeutungshaft auf. Die Designprodukte modulieren unser Tun und modellieren unseren Habitus. Design ist daher immer auch eine dinghaft vermittelte Selbst- und Sozialtechnik, es fundiert kulturelle Praktiken, Lebensstile und Vergemeinschaftungsweisen. In der bildenden Kunst des 20. Jahrhunderts wird vielfach auf diese kulturelle und gesellschaftliche Wirksamkeit des Designs rekurriert, um die mit dem Autonomiestatus der Kunst verbundene gesellschaftliche Folgenlosigkeit zu überwinden. Umgekehrt finden die ästhetischen und selbstreflexiven Standards der Kunst Eingang in das Design. Im Forschungsprojekt wird den Übersetzungen und wechselseitigen Anleihen von Kunst und Design vor allem im Hinblick auf die Kraft gestalteter Objekte bezüglich Subjektivierungs- und Sozialformen nachgegangen. Wobei angesichts der Durchdringung der kulturellen Sphären von Kunst und Design dafür argumentiert wird, dass es verkürzend wäre, allein die Kunst als ausgezeichneten Ort einer Reflexion heutiger Kultur anzusehen und ihr allein das Vermögen der Kritik zuzuschreiben.

Busch Forschungsprojekte

 

2012-2014

Design, Kunst, Lebenswelt. Ästhetische Strategien und kulturelle Wirksamkeit.

DFG-Projekt in Kooperation mit dem Institut für Theorie der Zürcher Hochschule der Künste

Nicht lediglich Kunstwerke tragen zur Konstitution einer Lebenswelt bei, wie in der Ästhetik des 20. Jahrhunderts etwa von Nelson Goodman oder Martin Heidegger vertreten wird, sondern auch die Dinge der alltäglichen Praxis haben wesentlichen Anteil daran, wie sich unser Eingebundensein in die Welt gestaltet. Im Unterschied zur Kunst ist jedoch das designte Artefakt nicht aufgrund seiner Symbolisierungsfunktion allein welterzeugend, sondern kraft Gebrauchsfunktion. Als Vermittler bestimmter Handlungen schließen die gestalteten Dinge die Lebenswelt bedeutungshaft auf. Die Designprodukte modulieren unser Tun und modellieren unseren Habitus. Design ist daher immer auch eine dinghaft vermittelte Selbst- und Sozialtechnik, es fundiert kulturelle Praktiken, Lebensstile und Vergemeinschaftungsweisen. In der bildenden Kunst des 20. Jahrhunderts wird vielfach auf diese kulturelle und gesellschaftliche Wirksamkeit des Designs rekurriert, um die mit dem Autonomiestatus der Kunst verbundene gesellschaftliche Folgenlosigkeit zu überwinden. Umgekehrt finden die ästhetischen und selbstreflexiven Standards der Kunst Eingang in das Design. Im Forschungsprojekt wird den Übersetzungen und wechselseitigen Anleihen von Kunst und Design vor allem im Hinblick auf die Kraft gestalteter Objekte bezüglich Subjektivierungs- und Sozialformen nachgegangen. Wobei angesichts der Durchdringung der kulturellen Sphären von Kunst und Design dafür argumentiert wird, dass es verkürzend wäre, allein die Kunst als ausgezeichneten Ort einer Reflexion heutiger Kultur anzusehen und ihr allein das Vermögen der Kritik zuzuschreiben.

 

2011-2013

Kulturen der Leiblichkeit

DFG-Netzwerk

Das von der Deutschen Forschungsgemeinschaft geförderte Netzwerk „Kulturen der Leiblichkeit“ widmet sich der Frage, ob und inwieweit die Differenz zwischen Leib und Körper für die Kulturwissenschaften fruchtbar gemacht werden kann. Es wird danach gefragt, ob es mit dem Leibbegriff gelingen kann, die Körperlichkeit der Kultur zwischen Diskursivierung des Körpers und unhistorischer Materialität oder anders gesagt: zwischen Konstruktivismus und Objektivismus zu vermitteln. Das Forschungsprojekt widmet sich dabei sowohl einer Erhebung der kurrenten Leib-Begriffe wie deren Anschlussmöglichkeiten in konkreten kulturwissenschaftlichen Forschungsfeldern. www.leiblichkeit.net

 

2011-2012

Wissensbildung in den Künsten

Kooperationsprojekt an der Merz Akademie Stuttgart gefördert durch den Innovations- und Kreativitätsring Baden-Württemberg

Unter künstlerischer Forschung wird eine Wissensproduktion verstanden, in der sowohl die Erkenntnispotentiale der Künste als auch die ästhetischen Bedingungen des Denkens Berücksichtigung finden. In dem gemeinsamen Projekt steht die Eigenständigkeit einer solchen kunstbasierten Forschung und ihre spezifische Differenz zu wissenschaftlicher Forschung im Vordergrund. Es zielt darauf, Wissensbildungsprozesse im Medium von Kunst und Gestaltung voranzutreiben, sie epistemologisch zu beschreiben, ihre ontologischen Implikationen herauszuarbeiten und ihren Stellenwert in der heutigen und künftigen Gesellschaft zu konkretisieren. Künstlerische Forschung ist weit mehr als die bloße Umsetzung oder Vermittlung wissenschaftlicher Kenntnisse. Sie zielt auf ein anderes, eigenständiges, in und durch künstlerische Strategien und ästhetische Darstellungsformen hervorgebrachtes Wissen, das sich in anderen Formen, Präsentationsweisen und Rezeptionsstrukturen als die Wissenschaften vermittelt, andere Evidenzen produziert und sich in einer ganz spezifischen Weise auf die Lebenswelt und die Gesellschaft auswirkt. www.käpsele-connection.de

 

2010-2011

Künstlerische Wissensformen und die Transformation der Theorie.

Forschungskooperation zwischen der Zürcher Hochschule der Künste (Prof. Dr. Elke Bippus) und der Merz Akademie Stuttgart gefördert vom Schweizerischen Nationalfond

Das Projekt widmet sich der Forschung in den Künsten in ihren unterschiedlichen Ausprägungen und interdisziplinären Verschränkungen. Ziel ist die Konturierung und Analyse divergenter künstlerisch-wissenschaftlicher Wissensformen, deren Forschungen sich weder den klassischen Künsten noch den etablierten Wissenschaften eindeutig zuordnen lassen. In den Künsten, so die These, haben sich zunehmend hybride Weisen der Wissensbildung entwickelt, die sich mit neuen Formaten der Wissenschaften, dem sogenannten „Mode 2 Research“, in dem Punkt treffen, dass sie projektorientiert und transdisziplinär verfahren und sich nicht dem tradierten Modell akademischer Wissenschaftlichkeit fügen. Das Projekt will diese neuartigen künstlerisch-wissenschaftlichen Mischformen in den Grenzbereichen zwischen Bildender Kunst, Philosophie, Design, Raumgestaltung und Performance herausarbeiten, untersuchen und erproben. Die leitende Annahme lautet, dass sich hybride Wissensformen und Methoden weder umfassend abbilden noch disziplinär organisieren lassen, sondern sich vielmehr in „Mikrologien“ oder pluralen Ordnungen des Wissens etablieren.

 

Schwestern im Geiste | bis 25. April 2014

Das mit der Emanzipation ist durch. Findet die achtzehnjährige Milly jedenfalls. Aydin findet das nicht. Sie soll ihren Cousin Adem aus Izmir heiraten. Und auch wenn Adem angeblich ein bisschen aussieht wie Matt Damon, würde Aydin gerne selber über ihr Leben bestimmen. Lotte hat nicht das Gefühl, dass sie über ihr Leben bestimmt. Stattdessen steht sie vor ihrem neuen Leistungskurs und soll den Schülern etwas über englische Literatur erzählen. Und keiner will es hören.
Aber dann treffen Lotte, Aydin und Milly drei andere Frauen. Die sind zwar schon hundertfünfundsechzig Jahre lang tot, aber was die Schwestern Bronte in ihren Romanen und Briefen der Nachwelt hinterlassen haben, ist ganz plötzlich überraschend aktuell. Können moderne Menschen 2014 über ihr Leben genauso wenig selber entscheiden wie drei von der Welt abgeschnittene Pfarrerstöchter 1848? Das darf doch wohl nicht wahr sein! Ist es vielleicht auch nicht. Aber spannend ist es auf jeden Fall …
(Foto: Matthias Heyde, v.l.: Katharina Abt, Keren Trüger, Dalma Viczina)

Aufführungen: 13., 15./16., 20.-23. ,27.-30. März sowie 3.-6., 10.-13., 18.-20. und 24./25. April, jeweils 20 Uhr
Neuköllner Oper . Karl-Marx-Str. 131-133 . Berlin-Neukölln
Karten unter Tel: (030)-68 89 07 77 oder
Eintritt: 9-24 Euro

UdK-Absolvent erhält GASAG Kunstpreis

Der in Berlin tätige Künstler und UdK-Alumnus Nik Nowak (*1981 Mainz) erhält den GASAG Kunstpreis 2014. Die Auszeichnung wurde am 9. April 2014 zum dritten Mal in Kooperation mit der Berlinischen Galerie vergeben. Die Partner ehren mit dem Preis alle zwei Jahre eine herausragende künstlerische Position an der Schnittstelle von Kunst, Wissenschaft und Technik. Die Jury begründete die Entscheidung für Nik Nowak, der von 2002 bis 2007 an der Universität der Künste Berlin studiert hat und dort Meisterschüler von Lothar Baumgarten war, wie folgt: „Nik Nowak arbeitet an der Schnittstelle zwischen Skulptur und Klang, zwischen Objekt und Ungreifbarem. In seine futuristischen, mobilen Soundmaschinen fließen intensive Recherchen zur Bedeutung und Anwendung von Klang und Geräuschen ein. So ergeben sich ambivalente Denkräume zwischen Party- und Protestkultur, zwischen symbolischer Besetzung von Raum und Verwendung von Schall als physisch wirksamer Waffe. Optische und akustische Installationen sorgen nicht nur für ein rein ästhetisches, sondern auch physisch wahrnehmbares Erlebnis und loten die Grenzen und Möglichkeiten von Skulptur aus.“ (Abbildung: Museum-Berlin_Gasag-Kunstpreis-2014_Nik-Nowak-Panzer)

Ausstellung: Berlinische Galerie . Alte Jakobstraße 124-128 . Berlin-Kreuzberg
Die Ausstellung ist bis zum 30. Juni zu sehen.

Zwischen den Stühlen | bis 30. April 2014

Stühle gibt es ja wahrlich genug, warum entstehen eigentlich immer wieder neue? Prof. Axel Kufus sieht die unüberschaubaren Stuhl-Variationen, die von Handwerkern, Architekten, Designern, Ingenieuren aber auch von Kopisten in die Welt gesetzt wurden und werden, als wesentlichen und wertvollen Teil unserer Kulturtechnik, dem Menschen in immer neuen Arten und Weisen aus dem Staub zu helfen. So stellt die Ausstellung „Zwischen den Stühlen – Möglichkeitsmodelle als Sitzgelegenheiten“ fünf Prototypen aus dem UdK-Studiengang Design und spiegelt das innovative Potenzial eines forschenden Designs, das in vielfältigen Experimenten mit Materialien, Verfahren und Formgebungen immer wieder Entdeckungen ermöglicht. Die gezeigten Stuhl-Prototypen von Joscha Brose, Joerg Hoeltje, David Geckeler, Robert Fehse und Fynn Freischmidt / Pascal Hien / Max Schäth sind als Abschlussarbeiten Zeugnis eines Studiums, das Experiment und Praxis hautnah verknüpfen will und damit Positionen auch zwischen den Stühlen riskiert. Parallel zur Ausstellung erscheint die Publikation Möglichkeitsmodelle – Designing Models von Axel Kufus im Revolver Verlag.

Eröffnung: 3. April 2014, 19 Uhr,
zu sehen im Werkbundarchiv bis zum 30. April 2014
Werkbund Galerie . Goethestraße 13 . Berlin-Charlottenburg
www.design.udk-berlin.de/idk

Zwischen den Stühlen | bis 30. April 2014

Stühle gibt es ja wahrlich genug, warum entstehen eigentlich immer wieder neue? Prof. Axel Kufus sieht die unüberschaubaren Stuhl-Variationen, die von Handwerkern, Architekten, Designern, Ingenieuren aber auch von Kopisten in die Welt gesetzt wurden und werden, als wesentlichen und wertvollen Teil unserer Kulturtechnik, dem Menschen in immer neuen Arten und Weisen aus dem Staub zu helfen. So stellt die Ausstellung „Zwischen den Stühlen – Möglichkeitsmodelle als Sitzgelegenheiten“ fünf Prototypen aus dem UdK-Studiengang Design und spiegelt das innovative Potenzial eines forschenden Designs, das in vielfältigen Experimenten mit Materialien, Verfahren und Formgebungen immer wieder Entdeckungen ermöglicht. Die gezeigten Stuhl-Prototypen von Joscha Brose, Joerg Hoeltje, David Geckeler, Robert Fehse und Fynn Freischmidt / Pascal Hien / Max Schäth sind als Abschlussarbeiten Zeugnis eines Studiums, das Experiment und Praxis hautnah verknüpfen will und damit Positionen auch zwischen den Stühlen riskiert. Parallel zur Ausstellung erscheint die Publikation Möglichkeitsmodelle – Designing Models von Axel Kufus im Revolver Verlag.

Eröffnung: 3. April 2014, 19 Uhr,
zu sehen im Werkbundarchiv bis zum 30. April 2014
Werkbund Galerie . Goethestraße 13 . Berlin-Charlottenburg
www.design.udk-berlin.de/idk

UdK-Absolvent erhält GASAG Kunstpreis

Der in Berlin tätige Künstler und UdK-Alumnus Nik Nowak (*1981 Mainz) erhält den GASAG Kunstpreis 2014. Die Auszeichnung wurde am 9. April 2014 zum dritten Mal in Kooperation mit der Berlinischen Galerie vergeben. Die Partner ehren mit dem Preis alle zwei Jahre eine herausragende künstlerische Position an der Schnittstelle von Kunst, Wissenschaft und Technik. Die Jury begründete die Entscheidung für Nik Nowak, der von 2002 bis 2007 an der Universität der Künste Berlin studiert hat und dort Meisterschüler von Lothar Baumgarten war, wie folgt: „Nik Nowak arbeitet an der Schnittstelle zwischen Skulptur und Klang, zwischen Objekt und Ungreifbarem. In seine futuristischen, mobilen Soundmaschinen fließen intensive Recherchen zur Bedeutung und Anwendung von Klang und Geräuschen ein. So ergeben sich ambivalente Denkräume zwischen Party- und Protestkultur, zwischen symbolischer Besetzung von Raum und Verwendung von Schall als physisch wirksamer Waffe. Optische und akustische Installationen sorgen nicht nur für ein rein ästhetisches, sondern auch physisch wahrnehmbares Erlebnis und loten die Grenzen und Möglichkeiten von Skulptur aus.“ (Abbildung: Museum-Berlin_Gasag-Kunstpreis-2014_Nik-Nowak-Panzer)

Ausstellung: Berlinische Galerie . Alte Jakobstraße 124-128 . Berlin-Kreuzberg
Die Ausstellung ist bis zum 30. Juni zu sehen.

Schwestern im Geiste | bis 25. April 2014

Das mit der Emanzipation ist durch. Findet die achtzehnjährige Milly jedenfalls. Aydin findet das nicht. Sie soll ihren Cousin Adem aus Izmir heiraten. Und auch wenn Adem angeblich ein bisschen aussieht wie Matt Damon, würde Aydin gerne selber über ihr Leben bestimmen. Lotte hat nicht das Gefühl, dass sie über ihr Leben bestimmt. Stattdessen steht sie vor ihrem neuen Leistungskurs und soll den Schülern etwas über englische Literatur erzählen. Und keiner will es hören.
Aber dann treffen Lotte, Aydin und Milly drei andere Frauen. Die sind zwar schon hundertfünfundsechzig Jahre lang tot, aber was die Schwestern Bronte in ihren Romanen und Briefen der Nachwelt hinterlassen haben, ist ganz plötzlich überraschend aktuell. Können moderne Menschen 2014 über ihr Leben genauso wenig selber entscheiden wie drei von der Welt abgeschnittene Pfarrerstöchter 1848? Das darf doch wohl nicht wahr sein! Ist es vielleicht auch nicht. Aber spannend ist es auf jeden Fall …
(Foto: Matthias Heyde, v.l.: Katharina Abt, Keren Trüger, Dalma Viczina)

Aufführungen: 13., 15./16., 20.-23. ,27.-30. März sowie 3.-6., 10.-13., 18.-20. und 24./25. April, jeweils 20 Uhr
Neuköllner Oper . Karl-Marx-Str. 131-133 . Berlin-Neukölln
Karten unter Tel: (030)-68 89 07 77 oder
Eintritt: 9-24 Euro

Schwestern im Geiste | bis 25. April 2014

Das mit der Emanzipation ist durch. Findet die achtzehnjährige Milly jedenfalls. Aydin findet das nicht. Sie soll ihren Cousin Adem aus Izmir heiraten. Und auch wenn Adem angeblich ein bisschen aussieht wie Matt Damon, würde Aydin gerne selber über ihr Leben bestimmen. Lotte hat nicht das Gefühl, dass sie über ihr Leben bestimmt. Stattdessen steht sie vor ihrem neuen Leistungskurs und soll den Schülern etwas über englische Literatur erzählen. Und keiner will es hören.
Aber dann treffen Lotte, Aydin und Milly drei andere Frauen. Die sind zwar schon hundertfünfundsechzig Jahre lang tot, aber was die Schwestern Bronte in ihren Romanen und Briefen der Nachwelt hinterlassen haben, ist ganz plötzlich überraschend aktuell. Können moderne Menschen 2014 über ihr Leben genauso wenig selber entscheiden wie drei von der Welt abgeschnittene Pfarrerstöchter 1848? Das darf doch wohl nicht wahr sein! Ist es vielleicht auch nicht. Aber spannend ist es auf jeden Fall …
(Foto: Matthias Heyde, v.l.: Katharina Abt, Keren Trüger, Dalma Viczina)

Aufführungen: 13., 15./16., 20.-23. ,27.-30. März sowie 3.-6., 10.-13., 18.-20. und 24./25. April, jeweils 20 Uhr
Neuköllner Oper . Karl-Marx-Str. 131-133 . Berlin-Neukölln
Karten unter Tel: (030)-68 89 07 77 oder
Eintritt: 9-24 Euro

UdK-Absolvent erhält GASAG Kunstpreis

Der in Berlin tätige Künstler und UdK-Alumnus Nik Nowak (*1981 Mainz) erhält den GASAG Kunstpreis 2014. Die Auszeichnung wurde am 9. April 2014 zum dritten Mal in Kooperation mit der Berlinischen Galerie vergeben. Die Partner ehren mit dem Preis alle zwei Jahre eine herausragende künstlerische Position an der Schnittstelle von Kunst, Wissenschaft und Technik. Die Jury begründete die Entscheidung für Nik Nowak, der von 2002 bis 2007 an der Universität der Künste Berlin studiert hat und dort Meisterschüler von Lothar Baumgarten war, wie folgt: „Nik Nowak arbeitet an der Schnittstelle zwischen Skulptur und Klang, zwischen Objekt und Ungreifbarem. In seine futuristischen, mobilen Soundmaschinen fließen intensive Recherchen zur Bedeutung und Anwendung von Klang und Geräuschen ein. So ergeben sich ambivalente Denkräume zwischen Party- und Protestkultur, zwischen symbolischer Besetzung von Raum und Verwendung von Schall als physisch wirksamer Waffe. Optische und akustische Installationen sorgen nicht nur für ein rein ästhetisches, sondern auch physisch wahrnehmbares Erlebnis und loten die Grenzen und Möglichkeiten von Skulptur aus.“ (Abbildung: Museum-Berlin_Gasag-Kunstpreis-2014_Nik-Nowak-Panzer)

Ausstellung: Berlinische Galerie . Alte Jakobstraße 124-128 . Berlin-Kreuzberg
Die Ausstellung ist bis zum 30. Juni zu sehen.

Zwischen den Stühlen | bis 30. April 2014

Stühle gibt es ja wahrlich genug, warum entstehen eigentlich immer wieder neue? Prof. Axel Kufus sieht die unüberschaubaren Stuhl-Variationen, die von Handwerkern, Architekten, Designern, Ingenieuren aber auch von Kopisten in die Welt gesetzt wurden und werden, als wesentlichen und wertvollen Teil unserer Kulturtechnik, dem Menschen in immer neuen Arten und Weisen aus dem Staub zu helfen. So stellt die Ausstellung „Zwischen den Stühlen – Möglichkeitsmodelle als Sitzgelegenheiten“ fünf Prototypen aus dem UdK-Studiengang Design und spiegelt das innovative Potenzial eines forschenden Designs, das in vielfältigen Experimenten mit Materialien, Verfahren und Formgebungen immer wieder Entdeckungen ermöglicht. Die gezeigten Stuhl-Prototypen von Joscha Brose, Joerg Hoeltje, David Geckeler, Robert Fehse und Fynn Freischmidt / Pascal Hien / Max Schäth sind als Abschlussarbeiten Zeugnis eines Studiums, das Experiment und Praxis hautnah verknüpfen will und damit Positionen auch zwischen den Stühlen riskiert. Parallel zur Ausstellung erscheint die Publikation Möglichkeitsmodelle – Designing Models von Axel Kufus im Revolver Verlag.

Eröffnung: 3. April 2014, 19 Uhr,
zu sehen im Werkbundarchiv bis zum 30. April 2014
Werkbund Galerie . Goethestraße 13 . Berlin-Charlottenburg
www.design.udk-berlin.de/idk

Schwestern im Geiste | bis 25. April 2014

Das mit der Emanzipation ist durch. Findet die achtzehnjährige Milly jedenfalls. Aydin findet das nicht. Sie soll ihren Cousin Adem aus Izmir heiraten. Und auch wenn Adem angeblich ein bisschen aussieht wie Matt Damon, würde Aydin gerne selber über ihr Leben bestimmen. Lotte hat nicht das Gefühl, dass sie über ihr Leben bestimmt. Stattdessen steht sie vor ihrem neuen Leistungskurs und soll den Schülern etwas über englische Literatur erzählen. Und keiner will es hören.
Aber dann treffen Lotte, Aydin und Milly drei andere Frauen. Die sind zwar schon hundertfünfundsechzig Jahre lang tot, aber was die Schwestern Bronte in ihren Romanen und Briefen der Nachwelt hinterlassen haben, ist ganz plötzlich überraschend aktuell. Können moderne Menschen 2014 über ihr Leben genauso wenig selber entscheiden wie drei von der Welt abgeschnittene Pfarrerstöchter 1848? Das darf doch wohl nicht wahr sein! Ist es vielleicht auch nicht. Aber spannend ist es auf jeden Fall …
(Foto: Matthias Heyde, v.l.: Katharina Abt, Keren Trüger, Dalma Viczina)

Aufführungen: 13., 15./16., 20.-23. ,27.-30. März sowie 3.-6., 10.-13., 18.-20. und 24./25. April, jeweils 20 Uhr
Neuköllner Oper . Karl-Marx-Str. 131-133 . Berlin-Neukölln
Karten unter Tel: (030)-68 89 07 77 oder
Eintritt: 9-24 Euro

UdK-Absolvent erhält GASAG Kunstpreis

Der in Berlin tätige Künstler und UdK-Alumnus Nik Nowak (*1981 Mainz) erhält den GASAG Kunstpreis 2014. Die Auszeichnung wurde am 9. April 2014 zum dritten Mal in Kooperation mit der Berlinischen Galerie vergeben. Die Partner ehren mit dem Preis alle zwei Jahre eine herausragende künstlerische Position an der Schnittstelle von Kunst, Wissenschaft und Technik. Die Jury begründete die Entscheidung für Nik Nowak, der von 2002 bis 2007 an der Universität der Künste Berlin studiert hat und dort Meisterschüler von Lothar Baumgarten war, wie folgt: „Nik Nowak arbeitet an der Schnittstelle zwischen Skulptur und Klang, zwischen Objekt und Ungreifbarem. In seine futuristischen, mobilen Soundmaschinen fließen intensive Recherchen zur Bedeutung und Anwendung von Klang und Geräuschen ein. So ergeben sich ambivalente Denkräume zwischen Party- und Protestkultur, zwischen symbolischer Besetzung von Raum und Verwendung von Schall als physisch wirksamer Waffe. Optische und akustische Installationen sorgen nicht nur für ein rein ästhetisches, sondern auch physisch wahrnehmbares Erlebnis und loten die Grenzen und Möglichkeiten von Skulptur aus.“ (Abbildung: Museum-Berlin_Gasag-Kunstpreis-2014_Nik-Nowak-Panzer)

Ausstellung: Berlinische Galerie . Alte Jakobstraße 124-128 . Berlin-Kreuzberg
Die Ausstellung ist bis zum 30. Juni zu sehen.

Schwestern im Geiste | bis 25. April 2014

Das mit der Emanzipation ist durch. Findet die achtzehnjährige Milly jedenfalls. Aydin findet das nicht. Sie soll ihren Cousin Adem aus Izmir heiraten. Und auch wenn Adem angeblich ein bisschen aussieht wie Matt Damon, würde Aydin gerne selber über ihr Leben bestimmen. Lotte hat nicht das Gefühl, dass sie über ihr Leben bestimmt. Stattdessen steht sie vor ihrem neuen Leistungskurs und soll den Schülern etwas über englische Literatur erzählen. Und keiner will es hören.
Aber dann treffen Lotte, Aydin und Milly drei andere Frauen. Die sind zwar schon hundertfünfundsechzig Jahre lang tot, aber was die Schwestern Bronte in ihren Romanen und Briefen der Nachwelt hinterlassen haben, ist ganz plötzlich überraschend aktuell. Können moderne Menschen 2014 über ihr Leben genauso wenig selber entscheiden wie drei von der Welt abgeschnittene Pfarrerstöchter 1848? Das darf doch wohl nicht wahr sein! Ist es vielleicht auch nicht. Aber spannend ist es auf jeden Fall …
(Foto: Matthias Heyde, v.l.: Katharina Abt, Keren Trüger, Dalma Viczina)

Aufführungen: 13., 15./16., 20.-23. ,27.-30. März sowie 3.-6., 10.-13., 18.-20. und 24./25. April, jeweils 20 Uhr
Neuköllner Oper . Karl-Marx-Str. 131-133 . Berlin-Neukölln
Karten unter Tel: (030)-68 89 07 77 oder
Eintritt: 9-24 Euro