Manifest // WS16/17 // Entwurfsprojekt 5. – 7. Semester

Der Kurs untersucht den Spannungsbogen zwischen Modedesign als individuelle Selbstdarstellung einerseits und ihre kollektiv – gesellschaftliche Relevanz andererseits. Kritische Fragen über künstlerischen Ausdruck, Sinn, Notwendigkeit, Luxus, Eliten, Nachhaltigkeit, Zukunft, Kommerz, Kapitalismus, Narzissmus, Kollektiv, …etc. soll nicht aus dem Weg gegangen werden.

Lehrende:  Prof. Carolin Lerch // KM Evelyn Sitter

Studierende:   Jasmin Halama // Pia Hintz // Megan Ashton // Daniel Juhart // Mia Kather // Christine Sattler // Anna Luiese Sinning // Lea Wittich 

// Video: Jasmin Halama

Credits: Modelfreunde: Aleftina Karasyova / Artur Chruszcz // Setting: Jasmin Halama // Clothes: “ // Ceramic objects: Nik Mantilla // Video_edit: Jasmin Halama // Creative direction: Jasmin Halama // Music: Amnesia Scanner

//Manifest: Jasmin Halama

Ein Manifest sucht nach einem gleichgeschlechtlichen Körper, dem eine liberale Gleichstellung vorausgeht.

Die hier aufgezeigte nicht-binäre Geschlechtsidentität empfindet sich außerhalb des gesellschaftlich anerkannten Zweiersystems und befindet sich irgendwo im Dazwischen von maskulin und feminin.

Maskulin und Feminin sind hierbei gestalterische Bausteine, die zu Hybriden oszillieren und sich komplementieren, jedoch in ihren eigenen Entitäten bestehen bleiben.

Eine modellhafte Gleichstellung von Geschlecht bedingt einer Ungleichstellung der normierenden Physiognomie und Funktion von beiden geschlechtsspezifischen Bekleidungsmerkmalen.

Hierbei dienen die Geschlechterstereotypen lediglich als Relikt und müssen decodiert und einem Chaosunterzogen werden, wenn sie sich in einem Körper wieder zu einem Komplex vereinen.

Androgynität steht in dieser Arbeit nicht nur für die anatomische Form der Vereinigung, sondern auch für soziokulturelle Zweigeschlechtlichkeit bzw. Geschlechtslosigkeit. Dabei kann Androgynität entweder für ein neutrales Wesen stehen, oder für ein Wesen mit sowohl femininen und maskulinen Elementen oder aber für ein Wesen, welches zwischen makulin und feminin hin und her pendelt.

Das Dazwischen kann auf den unbesetzten Raum, ein Fehlen, eine Lücke gerichtet sein; es kann aber auch eine Grenze, einen Übergang benennen. Es handelt sich in jedem Fall um einen relationalen Begriff, der zwingend an eine Differenz gebunden ist.

Das Dazwischen setzt immer ein „Etwas“ voraus, das mit mindestens einem weiteren „Etwas“ in eine systematische Beziehung gesetzt werden kann.

Ein Tool zur Formenfindung fand sich im RITUAL DES BEKLEIDENS, welches sich hier umgedreht vollzieht, die Grundordnung auflöst -decodiert- und die Unterbekleidungzur Oberbekleidung deklariert.

My MANIFEST searches for a same-gendered body,
which aims for liberal equalization.

The demonstrated non-binary gender-identity positions
itself outside of the commonly known dyadic of our society and
locates itself somewhere between masculine and feminine.

In this case masculine and feminine can be seen as two artistic
building blocks, which oscillate and complement each other by remaining in their own entities.

An exemplary equalization of gender calls for an un-equalization
of physiognomy and function of both gender specific codes.

In that case both gender stereotypes are merely a relict and
have to be decoded and have to undergo chaos, before getting
together again as a whole complex on the wearers body.

In this workpiece androgyny means not only the anatomic form of union, but also sociocultural ambisexuality.
Respectively: Genderlessness.

In such case androgyny can either way stands for a neutral being
or for one, who sees themself somewhere between masc and fem,while oscillating between both.

The in-between can be directed towards an unoccupied space,
something missing or a gap; while it can also address a border or
a transition. It is about a term, which is compelled to
difference. The in-between always asks for a somewhat to be put in a systematic relation with.

A form-finding tool has been the ritual of enrobing/dressing,which in this case takes place vice versa;the normative order is dissolved – decoded – and the underwear is declared as overwear.

MUSICAL CHAIRS // WS 16/17 // Entwurfsprojekt 5.-7. Semester

Beim ständigen Wechsel von Creative DirectorInnen fragt man sich, wo das Interesse des Modehauses am Kunden bleibt. Man denke nur an Maria Grazia Chiuri, die als dritte Creative Directorin bei Dior in den letzten 5 Jahren eingesetzt wird.

But customers should not expect the same Dior, he said. “It will be different. We have our codes, absolutely, and we have our values about the excellence, the savoir-faire, the silhouette. But Dior is also a house where you have to take l’air du temps and project it for the future.”It’s not a constant look and she will have to put her own way to [how to] do it. The codes of Dior, they exist but they are not so [strict], you can play with them. This is something that Raf did and John [Galliano] did before, so there are some codes, but we expect her to bring something into the evolution of the brand,“ Toledano said.

In den letzten zwei Jahren hat sich die Situation zugespitzt: An den Modehäusern in Paris und Mailand kommt es zu häufigen und schnellen Wechseln in der kreativen Chefetage. Die Nachfrage nach jungen Talenten, die bereits durch Erfahrung glänzen, ist groß. Experten und Laien fragen sich, zu welchen Veränderungen es in der Modewelt kommen wird, wenn sich Karl Lagerfeld und Giorgio Armani zurückziehen, denn dann faengt das Spiel um die Top-Positionen von Neuem an.

Welche Fragen tun sich auf, wenn man sich vorstellt, Creative DirectorIn eines existierenden oder fiktiven Modehauses zu sein? Führt der erste Weg ins Archiv, um unter Betrachtung der Vergangenheit und althergebrachter Codes die „Linie“ fortzuführen? Welche Alternativen gäbe es, der Geschichte des Hauses treu zu bleiben und durch die eigene Handschrift gleichzeitig neue Wege einzuschlagen? Was bedeutet Autorenschaft in diesem Zusammenhang?

Die Teilnehmer des Projektes suchen sich am Anfang des Semesters ein etabliertes Modehaus aus, dessen Codes sie sich aneignen, auseinandernehmen um die Identität des Hauses auf ihre Weise wieder zusammen zu setzen. Als Endresultat soll eine Kollektion aus 10 gezeichneten Silhouetten und 3 in Stoff gefertigten Outfits entstehen, die den Stil des gewählten Hauses respektieren, interpretieren oder auch neu definieren.

Lehrende: Prof. Wowo (Waldemar) Kraus,  Silvia Schüller , Dorothèe Warning

Studierende: Carmen Abele // Jan Geiger Dedio // Justine Masché // Katharina Heinze // Ronja Biggemann

//Skizzenbuch + Photoshooting: Carmen Abele

Fotograf: Jaap Bräutigam,  Model: Adrian Hörr

//Skizzenbuch + Photoshooting:  Jan Geiger Dedio

//Skizzenbuch + Photoshooting: Justine Masché

Fotograf: Simon Gentry, Models: Lex & Sekou

// Skizzenbuch + Photoshooting: Katharina Heinze

Fotografin: Mathilda Bernmark, Model: Andjela Bursac, Iconic Management

// Skizzenbuch + Photoshooting: Ronja Biggemann

Fotograf: Moritz Haase, Model: Freddy

Copycat // SS17 // Entwurfsprojekt 4. Semester

Das Plagiat und die Kopie scheinen der größte Feind des schaffenden Designers zu sein, der fortan seine schützende Hand über die sorgsam erstellten Kollektionsteile halten muss – immer abwägend, wann das öffentliche Präsentieren oder Verbergen erfolgsversprechender scheint.
Couture-Kollektionen wurden im 20. Jahrhundert nur einem erlesenen Kreis potentieller Kunden präsentiert, um das Risiko der Kopie der Entwürfe abzuwenden, und auch in den letzten Jahren, in Zeiten digitaler Transparenz und Live-streams, hatten einige Labels sich dazu entschlossen, ihre Kollektionen nicht gleich nach der Präsentation online zu veröffentlichen, sondern erst Wochen danach. Gleichzeitig senden Modehäuser ihre Designer vor Kollektionserstellung zu Recherchereisen, in denen Archive besucht und Kleidungsstücke anderer Designer als Inspiration gesammelt werden – und beauftragen im gleichen Atemzug ganze Abteilungen, die in aufwändiger Recherche Plagiate eigener Entwürfe auffinden und deren Macher verklagen.
Das Label Vetements hat sich diese Ambivalenz in ihrer letzten Kollektion 2016 zu Nutzen gemacht, und einfach ihre eigene Kopie-Kollektion selbst erstellt – und somit geschafft, eine Kollektion gleich zweimal zu vermarkten. Die Sehnsucht nach der Kopie eindeutig zugeordneten Kleidungsstücks lösen sie, indem sie mit anderen Labels kooperieren, anstatt sie zu kopieren. Diese Strategien verweisen wiederum an Martin Margiela, der hier nicht unerwähnt bleiben darf, der Geist hinter der Idee des Ready-mades und des Zitats in der Mode. Seit langem führt das Label eine Serie mit dem Namen „Replika“ , in der die Düfte von bekannten Räumen und Momenten imitiert werden, die keinen Eigentümer benennen können, wie „By the Fireplace“, „Beachwalk“ oder „At the Barber’s“.
Die Analyse von Beispielen aus der Mode und Kunst, wie z.B. das der Künstlerin Amalia Uhlmann, die stets 1:1 die Inszenierungen von Richkids auf Instragram kopiert und es somit schafft, ihre eigene Identität auszuwechseln und Tausende Follower zu generieren, soll Studierende anregen, über die Kopie und seinem Potential nachzudenken, und eine Strategie zu entwickeln, Bekanntes in einem neuen Kontext zu imitieren und einen Mehrwert zu generieren. Annähern werden wir uns außerdem in Form eines Research-Trips, mit dem fast jede Saison in

Modehäusern beginnt: Auf einer Reise werden in wenigen Tagen Vintage-Archive besichtigt und Second-Hand-Länden durchforstet, um mit dem freiem Geist des Reisenden und eher intuitivem als konzept-lastigen

Interesse Inspirationen in großen Formen und kleinen Details zu finden. Diese Art der Recherche ist eine gängige in großen und kleinen Modeunternehmern, und soll hier erprobt und trainiert werden – denn das wertvolle vom wertfreien Fundstück zu unterscheiden scheint auf den ersten Blick einfach, erweist sich auf den zweiten meist als durchaus fordernde Aufgabe. Die Studierenden werden in der vorlesungsfreien Zeit aufgefordert, aufregende Kleidungsstücke und -Details aufzufinden, die gemeinsam im Projekt gesichtet werden, die Besonderheiten analysiert und im weiteren nach der tatsächlich originären Herkunft recherchiert wird. Die Vertiefung in den Ursprung der Objekte, sowie die Erlebnisse und Geschichten der Recherchereise werden dabei zur Inspirationsquelle für die Erstellung der zwei Outfits. Zeitgleich zur Analyse werden in den ausgewählten Vintage-Teilen drei Elemente festgemacht, die aufgenommen bzw. kopiert werden: eine Schnittführung, ein Verarbeitungsdetail und eine Stoffqualität / -manipulation.

Lehrende: Prof. Wowo (Waldemar) Kraus,  KM Evelyn Sitter , Silvia Schüller , Dorothèe Warning

//Video: Paula Keilholz

Film : Ghayoung Oh , Model: Jasmin Halma // Talin Seigmann

//Skizzenbuch + Photoshooting:  Nghiem Tuong Vi

Fotograf: Aleksandru Plescu,  Model: Janna Kreger

//Skizzenbuch + Photoshooting: Katharina Achterkamp

// Skizzenbuch : Sara Jensen Smed

// Skizzenbuch : Jasmin Erb

//Skizzenbuch + Photoshooting : Nina Birri

Fotograf: Veit Vogel , Model: Carlotta Diercks//Marian

//Skizzenbuch + Photoshooting : Youjung Kim

Fotograf: Jungwoo Kang , Model: Danah Kim//Caro Greifenstein

//Skizzenbuch + Photoshooting : Patricia Wagner

Model: Laura Talkenberg

Denim Otaku  // WS 2015/16  // Grundstudium

Die japanische Kultur zeichnet sich durch ihre Fähigkeit, auswärtige Einflüsse zu verarbeiten und zu transformieren, aus. In kulturellen Transformationsprozessen wurden und werden die Stilelemente analysiert und verfeinert.
Der Begriff Otaku bezeichnet im Japanischen Fans, die von von ihrer Leidenschaft besessen sind.
So wurde auch die Jeans, ausgelöst durch die Faszination der japanischen Jugend der 50er Jahre für alles Amerikanische,  in Japan nachgewebt und zur Perfektion gebracht dies führte zur Neuinterpretation und Verfeinerung des ur- amerikanischen Textiles.
Heute gilt japanisches Denim als das beste weltweit.
Im Entwurfsprojekt werden traditionelle japanische Kleidung und der Denim mit seinen Kulturhistorischen  Bedeutung Ausgangspunkt für den eigenen Entwurf sein.
Der weltgrößte Denimhersteller VICUNHA wird als Kooperationspartner verschiedenen Denimqualitäten für Experimente und den Entwurf zur Verfügung stellen.
In diesem ersten Entwurfsprojekt gibt es einen sehr großen Schwerpunkt im textilen Gestalten – mit Hilfe von verschiedene Siebdrucktechniken und der Oberflächen Manipulation des textilen Materials sollen unterschiedliche Ansätze experimentell entwickelt werden und später im Entwurf und dem Outfit umgesetzt werden.
Gestalterisches Ziel des Projekts ist die Umsetzung und Inszenierung eines visuell und gedanklich nachvollziehbar erarbeiteten Entwurfs.
Dieses Projekt versteht sich als Qualifikationsaufgabe für das weitere Studium in der Bekleidungsgestaltung.

Lehrende: KM Karin Hoffmann // KM Jana Patz // (Gast) Prof. Philipp Rupp // Silvia Schüller // Dorothèe Warning //

Studierende: Daniel Juhart // Anna-Luiese Sinning // Pia Marietta Waller // Ilona Karácsony // Marina Kitsukawa // Katharina Achterkamp // Carmen Abele // Ronja Biggemann // Lisa-Mia Katter // Christine Sattler // Justine Masché // Katharina Heinze // Lea Wittich // Jasmin Halama

// Katharina Heinze:

Innerhalb meiner Recherche zu verschiedenen Formen des traditionellen Kimonos stieß ich auf Fotografien von Nobuyoshi Araki. Dessen Abbildungen gewähren private Einblicke in das Leben junger Japanerinnen, die sich ihm in intimen Momenten im ‚Nagajuban‘, dem körpernahen und häufig transparenten Unterkimono präsentieren. Dieser bildet die Ausganslage meiner Entwurfsideen innerhalb des Projektes ‚Denim Otaku‘. Während der Analyse der Fotografien von Araki stieß ich auf wiederkehrende Symbole –Merkmale aus Kinderzimmern wie Plüschtiere und Spielzeug zeigen sich auf seinen Abbildungen, während diese befremdlich wirken im Kontext einer Erwachsenenwelt und intimer geschlechtlicher Momente. Kuraiko, eine von mir fiktive Person verkörpert den Zwiespalt einer jungen Japanerin – sie lebt angepasst und zurückhaltend in der Öffentlichkeit, innerhalb von vier Wänden erscheint sie jedoch im zwiespältigen Licht. Es besteht eine große Diskrepanz zwischen der Außenwahrnehmung Kuraikosund ihrer realen Persönlichkeit, die sich offenherzig und spielfreudig im privaten Raum präsentiert. Die Mode- und textilen Entwürfe handeln von oben beschriebener Diskrepanz: Der Vorhang wird zum Symbol von Zwiespältikeiter gewährt intimste Einblicke einerseits und verhüllt und zensiert den Zugang andererseits. Dieser steht ausserdem im Mittelpunkt textiler Flächenbearbeitung, welche das Spiel zwischen Bedecken und offen legen thematisieren. Während sich die Enthüllung erogener Zonen im Entwurf präsentieren, zeigen sich andere Bereiche des Körpers, entsprechend gesellschaftlicher Vorstellungen von Sittlichkeit bedeckt. Dabei spielt die Arbeit mit verschiedenen Formen von Unterbekleidung eine wesentliche Rolle. Elemente der westlichen Leibwäsche, wie dem Büstenhalter, werden neben Auszügen der traditionellen japanischen Unterbekleidung erkennbar.

Verspielte Elemente werden ausserdem an Träger- und Schuhgestaltung sichtbar.

// Lea Wittich:

„DENIM ABSTRACT“
Die Grundlagen meiner Thematik finden sich in der Jeanshose und in einem höfischen Kimono aus
der Heian-Ära für die Frau. Beide Kleidungsstücke scheinen zunächst recht wenig miteinander zutun zu haben: Die Jeans, welche nach westlicher Schnittkonstruktion den Körper abformt,
nachformt (extrem: Skinny Jeans) oder sogar formt (Push-Up Jeans) und die Körperformen extrem
zur Schau stellt, steht dem Flächenschnitt des Kimono diametral gegenüber, der die Formen des
weiblichen Körpers durch seine Verhüllung nahezu komplett negiert.
Dennoch ist das Verhältnis beider Teile zur jeweiligen Trägerin sehr ambivalent aufgeladen: Obwohl die Jeans einen unangepassten Charakter der Selbstbestimmung verkörpert, so
beispielsweise in der 68er Bewegung von Frauen getragen wurde, gerade um ihren Körper zu
zeigen und sich den einengenden Kleidungsnormen der 50er/60er Jahre zu entziehen, avancierte
sie jedoch zu einem Kleidungsstück, das sich vor allem durch die Marketingstrategie der
Sexualisierung des weiblichen Körpers zum „Objekt der Begierde“ verkauft.
Auch der Heian Kimono und die Rolle seiner Trägerin zeichnen sich durch ihre Ambivalenz aus.
Die soziale Position der Frau scheint in der Heian-Zeit (794-1185) außergewöhnlich: Die adligen
Frauen durften zu dieser Zeit eigenes Eigentum (Häuser, Vermögen) besitzen, was im
mittelalterlichen Europa nicht zu denken wäre. Dies waren allerdings nur die adligen Frauen und
auch hier beschränkte sich ihre Unabhängigkeit weitestgehend auf dieses Recht. Allerdings wurde
die Prosa dieser Zeit, die die klassische Phase der japanischen Literaturgeschichte darstellt, in
erster Linie von Frauen verfasst.
Dennoch war der weibliche Körper extrem stigmatisiert, der Kimono sollte die Körperformen
großflächig verdecken. Einzig das Gesicht durfte sichtbar sein, hier mussten sich die Frauen
aufwändigen Schönheitsritualen unterziehen (Entfernen der Augenbrauen und auf der Stirn dick
aufzeichnen, schwarze Zähne,etc.), taten sie das nicht wurden sie von Frauen und Männern als
hässlich angesehen.
Der weibliche Körper wird also in den verschiedensten Formen zum (Sex-)Objekt erniedrigt: die
Degradierung des weiblichen Körpers, der wie eine Art Produkt konsumiert wird und im Sinne des
Objekts die Konnotation der Unmündigkeit besitzt.
Eine psychologische Studie der University of Nebraska hat ergeben, dass selbst unsere
unbewusste Wahrnehmung den weiblichen Körper eher als Objekt, denn als Person wahrnimmt.
Nachgewiesen wurde dies durch die Überprüfung verschiedener psychologischer Effekte, unter
anderem der globalen Wahrnehmung (Wahrnehmung als Persönlichkeit) und lokalen
Wahrnehmung (Wahrnehmung als Ansammlung von Fragmenten), so konnten die Probanden
erheblich mehr Frauen an der isolierten Darstellung von Körperteilen erkennen als Männer. Daraus
schlossen die Forscher, dass der weibliche Körper eher lokal wahrgenommen wird, was eigentlich
nur bei Objekten der Fall ist.
Hier findet sich der Ausgangspunkt meines Konzepts: Wir objektifizieren den (weiblichen) Körper.
Vor allem die Mode scheint diesen Prozess zu versinnbildlichen. Der Körper wurde seit jeher
modelliert, abgeschnürt, aufgepolstert, etc., um ihn einem abstrakten kulturellen Konstrukt
namens
Körper(-bild) anzupassen. Das Vorgehen scheint fast dem Prozess eines Bildhauers gleich, der
aus meist leblosen Materialien Figuren formt.
In meinem Entwurf möchte ich diese Objektifizierung verdeutlichen und ins Extreme steigern. Der
Körper des Mannequins wird zu einem statischen Konstrukt, das Attribute einer Skulptur aufweist
und Aspekten von Kleidung, tatsächlicher und textiler Körperlichkeit begegnet.
Das Konstrukt, welches hier entsteht, illustriert also unsere Zuschreibungen von Körperlichkeit, die
wir als tatsächlichen Körper ansehen und unserer Betrachtung von Körper dadurch immer ein
fiktives Konglomerat als Körperbild zugrunde legen. Statisch wird dieses Konstrukt, da es im Sinne
des Vorwurfs der Unmündigkeit kein funktionales Objekt, sondern ein skulpturales Objekt ist,
welches im Dienste des Ästhetischen Amusements steht.
Der Aspekt des Skulpturalen wird durch die Materialbearbeitung thematisiert, das bekannte
Material Denim wird durch Gips entfremdet und ausgesteift, schränkt also die Mobilität des Trägers
ein. Wichtig für meinen Entwurf sind aber auch die bekannten Aspekte von Kleidung:
Verarbeitungsdetails (Kappnähte, Bewegungsfalten, Nieten etc.), sowie das Anmuten von
bekannten Kleidungsstücken (Jeansjacke/hose). Schließlich ist es ja gerade die Kleidung, die den
Körper konstruiert, da sie vorgibt Körper zu sein ( Vgl. Lehnert). Des Weiteren ist der tatsächliche,
individuelle Körper einer potentiellen Trägerin schließlich kein abstraktes Gebilde sondern wird
durch die Kleidung abstrahiert, der Körper und die Kleidung, als vermeintlich bekannte Elemente
sollten also durchaus noch erkennbar sein.
Der Körper der Trägerin wird hier teilweise negiert aber auch explizit zur Schau gestellt: In meinem
Entwurf mache ich mir das Prinzip des Verhüllens und Zeigens des Kimonos, sowie die
fragmentierte Wahrnehmung, welche in der zuvor genannten Studie problematisiert wird, nun
gelenkt zu nutze machen.
Hier entsteht ein interessanter Spannungspunkt zwischen Objekt und Subjekt, ein Störfaktor, der
die objektifizierende Wahrnehmung in Frage stellt. Das skulpturale Anmuten eines explizit
lebendigen Subjekts und die Verhüllung der Körperlichkeit, im Kontrast zu der fragmentarischen
Preisgabe der Körperteile, irritiert unsere Wahrnehmung und erscheint ästhetisch äußerst
interessant aber auch befremdlich.

// Justine Masché: 

// Ronja Biggemann:

// Marina Kitsukawa 

MENSCHEN AM SONNTAG // SS 2016 // Entwurfsprojekt 4. Semester

Der Sonntag – oder auch „dies solis“, der Sonnentag – wurde als Ruhetag geschaffen. In der christlich geprägten Kultur des Okzidents war und ist der Sonntag historisch gesehen der „Tag des Herrn“, der Tag, an dem bis heute in Kirchen Gottesdienst gefeiert wird. Der Begriff „Sonntagskleidung“ kann historisch gesehen nicht ohne die althergebrachte Bedeutung des siebten Wochentags gedacht werden: Nach einer durch den harten Arbeitsalltag geprägten Woche, warf man sich am Sonntag in „Schale“, holte zur „Feier des Tages“ seine beste Kleidung – die Tracht, den Anzug, das Kleid – aus dem Schrank. Man ging in die Kirche, unternahm Spazierfahrten, flanierte, kurzum: Man zeigte sich im öffentlichen Raum.

Was bedeutet der Sonntag für unsere heutige Gesellschaft?

Zumindest in den städtischen Umgebungen ist der Kirchengang bei den meisten kein Thema mehr. Heute schläft man – nach einer nunmehr anders gearteten anstrengenden Arbeitswoche – aus. Wohlmöglich hat man sich außerdem am Abend zuvor dem Nachtleben hingegeben. Nach dem Aufstehen greift man zu „Wohlfühlkleidung“; der repräsentative Charakter, der mit dem Sonntag einherging, ist, so scheint es, in den Hintergrund getreten bzw. orientiert sich an anderen Denkmodellen.

Was bedeutet „Sonntagskleidung“ oder „Festtagskleidung“ heutzutage für uns? Und zu welchen Anlässen holen wir sie aus dem Schrank? Was bedeutet der Sonntag, für den nach wie vor – ja fast anachronistisch – strenge Geschäftsschließzeiten gelten? Wie verbringen wir diesen Tag? Und welche Bedeutung hat er, sobald wir über den Tellerrand des „Okzidents“ schauen?

Von dem von jedem Studenten zunächst individuell zu definierenden Konzept der „Festtagskleidung“ ausgehend, soll zeichnerisch eine Kollektion aus 10 Silhouetten entstehen, von der zwei Silhouetten in Material gefertigt werden.

Lehrende: Prof. Wowo (Waldemar) Kraus ,KM Sarah Effenberger , Silvia Schüller , Dorothèe Warning

Studierende: Carmen Abele // Ronja Biggemann // Jasmin Halama // Katharina Heinze // Pia Marietta Hintz // Daniel Juhart // Ilona Lena Karacsony // Lisa Mia Kather  // Marina Kitsukawa // Louisa Krüger  // Justine Masché // Anna-Luise Sinnig  //  Lea Wittich

//Skizzenbuch: Carmen Abele

//Skizzenbuch:  Ronja Biggemann

//Skizzenbuch: Jasmin Halama

// Skizzenbuch: Katharina Heinze

// Skizzenbuch: Pia Mariette Hintz

//Skizzenbuch: Daniel Juhart

//Skizzenbuch: Ilona Lena Karacsony

//Skizzenbuch: Lisa Mia Kather

//Skizzenbuch: Marina Kitsukawa

//Skizzenbuch: Louisa Krüger

//Skizzenbuch: Justine Masché

//Skizzenbuch: Anna-Luise Sinnig

//Skizzenbuch: Lea Wittich 

//Skizzenbuch: Christine Sattler

I am you and you are me too // SS 2015 // Hauptstudium

Im Kontext einer von Überproduktion gekennzeichneten Ökonomie, internationalen Modewochen, die saisonal ein Meer neuer Namen anspülen und einer Designmethodik, die in ihrer Anwendung transparent und vergleichbar scheint, stellt sich die Frage, was der Beitrag zukünftiger Designer zu diesem Geschehen sein kann. Welche Schlussfolgerungen ergeben sich aus diesem Kontext, welche aus der eigenen Praxis und welche Strategien folgen daraus?
Das Entwurfsprojekt I am you and you are me too soll den Kursteilnehmern in einem freien Format Impulse geben sich mit diesen Fragen auseinanderzusetzen, eine übergeordnete Narrative in der eigenen Praxis auszumachen und eine daraus resultierende Projektarbeit zu entwickeln.
Wo finden sich gestalterische Allianzen oder Oppositionen? Was sind Zielsetzungen in der eigenen Arbeit? Welche Motive und Beweggründe treiben diese Arbeit voran?
Welche Rolle spielt der Körper in dieser Arbeit, welche Rolle Design, Bekleidung und Produkt?
Präsentationen und Workshops zu den breiteren Überthemen Bild, Körper und Schönheit sollen die Teilnehmer dazu animieren sich bewusst mit diesen grundlegenden
Begriffen in der Mode auseinanderzusetzen. Sie sollen zudem ein Vehikel zur Positionierung in einen breiteren Designkontext darstellen.  Mode soll demnach nicht als Medium abstrakte Konzepte zu übersetzen, sondern als Gestus und Beitrag verstanden werden.
Das Projekt wird zusammen mit i-D Magazine, unter regelmäßiger Berichterstattung und mithilfe weiterer Gäste realisiert werden. Die Arbeit der Teilnehmer erfährt dadurch eine von der persönlichen Narrative unabhängige Reflektion und einen neuen Kontext. Die Struktur des Projekts setzt sich aus Kolloquien, Gruppenkritiken, Workshops, Einzelgesprächen und Anproben zusammen. Ziel ist es inhaltlich und ästhetisch möglichst eigenständige Kollektionen (mind. 3 Outfits) zu entwickeln. Diese Projekte können in Gruppen oder auch in Zusammenarbeit mit Gestaltern oder Künstlern anderer Disziplinen erarbeitet werden.

Lehrende: Prof. Wowo (Waldemar) Kraus, KM Lars Paschke, Dorothée Warning , Silvia Schüller

Studierende: Nicolas Fischer  // Avigail Koren  // Katharina Heckmann //  Kasia Kucharska // Katharina Lutat // Laura Stellaci // Florian Mathé // Tuan Nguyen // Eric Schieler //  Wanda Wollinsky // André Törner // Julia Bajanova

// i-D Magazine

CLASS OF 2015: DIE STUDENTEN DER UDK PRÄSENTIEREN IHRE KOLLEKTIONEN

// Julia Bajanova // i-D Magazine

Warum denkst du, dass Berlin immer noch für viele Kreative eine solche Anziehungskraft hat?
Weil man in Berlin nirgendwo sonst die Menschen kennenlernen kann, die das Leben komplett auf dem Kopf stellen.

// Laura Stellaci  und Katharina Lutat  // i-D Magazine

Warum arbeitet ihr zusammen?
In den letzten zwei Jahren sind uns gegenseitig Ähnlichkeiten in unserer Arbeitsweise und Gedankenwelt aufgefallen und es war klar, dass wir im Laufe unseres Studiums gemeinsam an einem Projekt arbeiten wollten. Deshalb ist dieses, unser letztes Projekt im Hauptstudium, eine gedankliche und emotionale Zusammenarbeit.

// Wanda Wollinsky und   André Törner // i-D Magazine

Wie würdet ihr eure Kollektion beschreiben?
Unsere Kollektion ist für sexuell verirrte Frauen und Männer und Transgender und Hasen und Minions und Drake und Vladimir Putin. „With love, you should go ahead and take the risk of getting hurt because love is an amazing feeling.“ -Britney Spears

// Florian Mathé  // i-D Magazine

Hat das Projekt I am me and you are me too deine Arbeitsweise verändert? 
I am you and you are me too habe ich genutzt um meine Grenzen auszutesten, alle Materialen, Styles zu verwenden, die ich sonst nie verwenden würde und trotzdem mein eigenes Ding zu machen. Es hat mir eine Offenheit gegeben, sich nicht zu scheuen, Neues auszuprobieren. Nur durch diese Mischung entstehen interessante Looks. Außerdem ist mir endlich klar geworden, welche Richtung ich einschlagen werde.

// Nicolas Fischer  // i-D Magazine

Wo steht die Mode heutzutage?
Meiner Meinung nach fehlt es in der aktuellen Mode an Zugänglichkeit zu Emotion und Dramatik. Die konzeptuelle Arbeit sollte nicht in elitären Formen geschehen, sondern auf eine verständnisvolle Art und Weise. Ich denke, dass die Mode momentan den Konsumenten aus den Augen verloren hat und sich durch nicht mehr nachvollziehbare Referenzen narzisstischen Gedankenexperimenten hingibt. In einfachen Worten: die Mode ist arrogant geworden und überfordert den Betrachter mit nahezu kühl anmutenden Kollektionen oder bewusst inszenierten Schockmomenten.

// Kasia Kucharska // i-D Magazine

Warum denkst du, dass Berlin immer noch für viele Kreative eine solche Anziehungskraft hat?
Arm aber sexy.

// Avigail Koren   // i-D Magazine

Wo siehst du dich in 10 Jahren?
Irgendwo im Wald Dinge schaffend.

//Eric Schieler // i-D Magazine

Wo steht die Mode heutzutage?
Leider habe ich das Gefühl, dass es an Innovationsreichtum und handwerklichem Fachwissen fehlt. Wirkliche Innovation sollte  von innen heraus passieren und das Äußere beeinflussen. Das ist vielleicht der Grund, warum mich Mode in letzter Zeit nicht mehr wirklich überrascht oder erfreut.

//Katharina Heckmann // i-D Magazine

Wie kann man etwas Neues schaffen, wenn schon alles einmal da war?
Es geht bei Mode gar nicht um Neuheit, es geht darum den Kontext zu ändern.

// Tuan Nguyen // i-D Magazine

Hat das Projekt I am me and you are me too deine Arbeitsweise verändert? Bist du auf irgendetwas draufgekommen?
Ich denke, ich habe mich nicht nur als Mensch, sondern auch als Designer weiterentwickelt. Ich finde es ist immer gut, wenn man neues entdecken kann. Ich will auch etwas dazu lernen und mich nicht immer wiederholen.

//aus dem Sketchbook von Laura Stellacci und Katharina Lutat

Remaster // SS 2015 // Grundstudium

„In der Mode machen tatsächlich viele das, was man als „remixen“ bezeichnet, aber häufig ist es keine bewusste Entscheidung. Ob man enge Hosen, weite Hosen, einen übergroßen Mantel oder ein transparentes Hemd entwirft, alles durchläuft das eigenen System und steht so automatisch in Bezug zur eigenen Ästhetik.“ Raf Simons
Modeklassiker erzählen ein Stück Modegeschichte, aber oft wissen wir gar nicht genau wann und wo sie ihren Ursprung hatten.
Die Hintergründe von Kultobjekten und Klassikern in der Mode sind vielseitig und spannend. Viele Mythen ranken sich um Kleidungsstücke, Schuhe oder Taschen, die wir heute ganz selbstverständlich Tag für Tag tragen.
Jeder Studierende soll sich auf die Suche machen nach seinem ganz persönlichen Klassiker, Kultobjekt / Icon / Accessoires / Kleidungsstück
– welches als Grundlage dieses Projektes dient.
Was ist ein Klassiker für jeden Studierenden ganz persönlich?
Welche Geschichte erzählt er uns? Materialität, Silhouetten, Funktionalität, Wertigkeiten, Verarbeitung, Identität – das Bennen und Erkennen dieser formellen und theoretischen Aspekte dient als Recherche für die gestalterische Grundlage des eigenen Konzeptes. Sich zu positionieren und einen wegweisenden Ausdruck der eigenen Zeit finden – Mode schaffen.
In der zeichnerisch zu entwickelnden Kollektion, bestehend aus 20 Silhouetten, sollen deutlich Motive zitiert und neue Varianten entwickelt werden.
2 Silhouetten werden umgesetzt, wobei die  erste Silhouetten ein Remix des Originals ist und die 2 Silhouette der Ersten.

Lehrende: Prof. Wowo (Waldemar) Kraus, KM Jana Patz, Silvia Schüller, Dorothèe Warning

Studierende: Jan Geiger Dedio // Antonia Schreiter // Ronja Kösters // Lene Jürgensen // Megan Ashton // Viktoria Pichler // Liselotte Bramstang // Maja Svartaker // Katerina Ivanova // Rosina Koch //  Phoung Anh Lee // Milan Friedrich

//Skizzenbuch: Maja Svartaker

The starting point of this project was a Swedish rain jacket called a Galon jacket (Galon being a swedish invention from the 40’s). The task was to choose a classic garment, and it seemed important to choose something that would be part of a collective awareness, something that people from a variety of cultures, social groups and ages could relate to. I chose the Galon jacket because it fulfilled that criteria, but it is also someting that I have a personal relationship to.
You are likely to find an old Galon jacket in almost every dusty summer house in Sweden, most people born and raised there recognizes the sort of sound it makes when you move around and what it feels like to take it off when it’s wet. At some point I realized that the jacket represented a somewhat childish/romantic idea about identity caught in a piece of clothing.
Research done on the garment, aswell as rain clothing in general, led me on to fishermen and sailors, and two very much so different worlds; on the one side a romantic and escapistic idea about life at sea, the old silent fishermen, bottle ships, travelling, beautiful objects flushed ashore (Strandgut), seashell picking at the beach, hanging up floats in a three in the garden to make one’s house come off as though it’s located at the beach etc. It is especially tempting to capture these shall we say longings in mezmerising objects.
On the other side is the actual fisherman/seaman occupation. An actual life working at sea is often categorized by long periods of solitude, a very masculine working envioronment and extreme weather conditions. It is very hard work both physically and mentally. The actual modern working garments of fisher men have served as base for the silhouettes in this collection.
I’ve tried to unite and interpret the two worlds in fabric experiments, all of them achieved trough welding the material (welding is often used in rain garments as not to pierce the fabric and hence create possabilities for water to come in).  In each piece, I’ve tried to create a clash between escapism, simplification and actual reality, as a way of dealing with the topic of romantic stereotypes and collective awareness.

//Skizzenbuch: Jan Geiger Dedio

„WAITING FOR KAIROS“
Kairos beschäftigt sich mit dem Rollkragenpullover, im besonderen mit dem Nonkonformismus, der ihm innewohnt. Zunächst getragen von Fischern der englischen Kanalinseln wird er in den 40er Jahren zum Erkennungsmerkmal der Existentialisten, der Bohème und der Avantgarde. Wichtige Momente sind der Bruch mit Konventionen und das Spontane, formelle Kleidung wird informell. Thema ist der Mann, der sich mit aller Konzentration einem Sachverhalt zuwendet, ihn beobachtet und reflektiert. Dieser Prozess schafft eine intensive Atmosphäre, das Warten auf etwas noch nicht Greifbares, eine Idee, eine Vision.  Der Ausgangspunkt für die Silhouette ist der dreiteilige Herrenanzug mit Mantel. Großzügiges Volumen, Layering und grobe Wollqualitäten nehmen den Outfits das streng Formelle. ! Grob- und Feinstrick kontrastieren mit dichten Webstoffen. Der ‘sehr angezogene’ Look der Kollektion stellt Kopf und Hände in den Fokus – Denken und Handeln

//Skizzenbuch: Megan Ashton

Exploring the difference between looking strong and being strong. A girl, a woman, taking on the appearance of A fighter, a boxer, all muscles. Protection. You can act tough and intimidating, puff yourself out, strut around, inflict fear; but this is not bravery, it is not true strength, this is a front. This is Bravado. Look through the gaps in this hard exterior shell. Glimpse the person within. Daring and fearless. Real bravery comes from hard work, courage to change and stand up to your convictions, even when it is difficult and everything seems to be fighting against you. Don’t be afraid to be different.

// Skizzenbuch: Katerina Ivanova

mornings – were the most wonderful time to spend. she liked getting up early, because then she would have time for her ceremony of getting ready. she loved to get dressed in general, although it were the little details of her routine that would make her feel wholesome and at peace. like the procedure of painting her lips, when she was in the mood for red; or closing the buttons of her blouse which made her feel graceful and sophisticated at once. and spending a while brushing her hair; just brushing her hair. she liked the way her tight dress would devour her curves, partly because she had silky layers underneath, only for her to know; partly because it was her way of seducing herself.

// Skizzenbuch: Viktoria Pichler

The project „Remaster“ starts with the choice of a classic piece of clothing, which is important to me personal. I chose the „Hubertusmantel“ of my father, it is a special kind of coat, which is worn by many Austrian men on special occasions. The coat is formal and made out of loden. By reconstructing the piece of cloth I found out that it has a total different processing than normal coat constructions. The sleeves are finished with lining as a separate piece of clothing, as well as the corpus. The armhole has a open construction, because the coat has it’s origin in hunting clothes, the arm construction was created to guarantee mobility to shoot. I started to work with this mobility, by giving the wearer the possibility of moving. That fact was the starting point of my collection of two sewn outfits and drawn collection of 20 looks. Two important inspirations for „remaster“ are the photo box of my family with pictures of my working relatives on the farm and the research of this specific coat and sleeve construction. Important for my design was home, tradition, handicraft and generations. Most people leave home, but we all take values, moments and family backgrounds with us. This makes every person special. By showing my stock, I try to combine the feeling of where I come from with the fact that the world is open to me. With the use of a crafting technique with straw and a modern design I remastered my personal classic in my collection.

//Skizzenbuch: Antonia Schreiter

GEN · T · LE · MAN
The Budapester is characterised by its special hole pattern (Lyra perforation) and the enormous quality. A shoe can be composed of up to 30 pattern pieces and each layer is assembled with highly precision. This explains the special quality of craftsmanship and the durability of up to 20 years. My grandfather inspired me to choose this men’s shoe – I’ve always looked up to him from when i was very little and admired his way of dressing and the importance he put on details for his outward appearance. That took me back in a time/generation (forties) where strict dress conventions determined the society. Wearing no vest with a suit was considerd a stylistic inconsistency. I was especially fascinated by the Gentlemen’s scene – a world that offers an amazing number of accessories and details and a way of life which is hard to find nowadays. The collection reflects the „being perfectly dressed“ and puts the focus on paying attention to every detail and to use each layer systematically. I used photographies of brogues by printing and drawing my designs upon them. This way I created my design concept. The question I asked myself was how can you set the processing and the quality of this shoe in a textile context? The starting point for the patterns was the three-piece suit and the man’s overcoat. Nevertheless, the silhouettes of the collection play with volume, and break out of the line of the classic boxy conventions. An important role is played by material and color contrasts, as well as the confrontation of the closed processing like the three-piece suit and the robust processing of Budapester.The processing of leather takes up the Lyra perforation of the shoe and can be found in details of the garments. Smooth goatskin and slightly textured wool are combined with flowing and transparent fabrics to create a clear contrast in the materiality.

//Skizzenbuch: Liselotte Bramstang

NEOABSURDISM // WS 2014/15 // Grundstudium

Was passiert, wenn sich Sinn und Nachvollziehbarkeit verwehren? Wie gestalten sich Absurditäten und was offenbaren sie über das Verständnis unserer Umwelt? Lösen sich Werte und Inhalte in ihrem Verständnis auf, je nachdem aus welchem Blickwinkel wir sie betrachten?
Die persönliche und weitgehend akzeptierte Selbstvermarktung in sozialen Netzwerken könnte unter anderen gesellschaftlichen Normen, einer anderen Zeit oder einem anderen Wirtschaftssystem als absurd bezeichnet werden.
Kann ein absurder Umstand überraschend, verstörend und gleichzeitig so reizvoll sein, um dem gesamten Modesystem einen Impuls zu geben? Leigh Bowerys ‚Looks’ aus den 80er Jahren setzten diese Impulse durch die überraschende Störung des Verständnisses vom bekleideten Körper. Auch 30 Jahre später sind seine Inszenierungen noch überraschend und originell. Gelingt es uns, Arbeiten zu schaffen, die diesem Anspruch genügen können?

Lehrende: Prof. Wowo (Waldemar) Kraus ,  KM Lars Paschke , Julia Kunze ,Silvia Schüller , Dorothèe Warning

Studierende: Jan Geiger Dedio // Antonia Schreiter // Ronja Kösters // Lene Jürgensen // Megan Ashton // Viktoria Pichler // Liselotte Bramstang // Maja Svartaker // Katerina Ivanova // Rosina Koch //  Phoung Anh Lee

// Schau 15 // Runway

//Skizzenbuch: Katerina Ivanova

//Skizzenbuch: Antonia Schreiter

  //Skizzenbuch: Antonia Schreiter

 //Skizzenbuch: Viktoria Pichler 

//Skizzenbuch: Rosina Koch

//Skizzenbuch: Liselotte Bramstang

 //Skizzenbuch: Maja Svartaker

Cutting and Editing // WS14/15 // Hauptstudium

„Der Fashion-Film ist über die Jahre mehr oder weniger verborgen im Internet herangereift – er gründet nicht auf Kommerz , sondern auf künstlerischer Leidenschaft, und das ist sehr wichtig für ein neues Medium. Ich halte den Modefilm für die derzeit aufregendste Entwicklung, denn er gibt die Vision eines Designers viel umfassender wieder, als es die Modefotografie mit ihren Mitteln kann. Film ist ein erzählerisches Medium, Fotografie dagegen ein eher sachliches. Erst bewegte Bilder werden dem Modedesign vollständig gerecht, alles andere ist nur ein Kompromiss.“ Nick Knight
In Zusammenarbeit mit dem Studiengang Bewegtbild unter Leitung von Prof. Anna Anders sollen im Wintersemester kurze Videos entstehen bei denen die Kleidungkonzepte sowie die inhaltliche und formale Gestaltung der Videos in kleinen Teams gemeinsam entwickelt werden.
Ausgangspunkt für die Modestudierenden sind bereits vorhandene Projektarbeiten, durch Weiterentwicklungen, Ergänzungen oder Modifizierungen entsteht eine neue Kollektionen aus 3 Silhouetten. Gemeinsam mit den Studierenden des Bewegtbild werden neue Konzepte für die filmische Inszenierung der Kollektion entwickelt und umgesetzt.

Lehrende:  Prof. Valeska Schmidt-Thomsen // KM Jana Patz // Prof. Anna Anders (Studiengang Bewegtbild) // Silvia Schüller // Dorothée Warning 

Studierende: Nicolas Fischer  // Friederike Stanitzek // Katharina Heckmann //  Kasia Kucharska // Katharina Lutat // Florian Mathé // Tuan Nguyen // Eric Schieler //  Wanda Wollinsky // Hanna Fischer // Julia Bajanova

//CO-OPERATIONSPROJEKT mit dem Studiengang Bewegtbild

„THE WELL CONSTRUCTED MEN“  – a film by Stini Röhrs / fashion by Florian Mathè

„ALL WHITE“ a film by Stini Röhrs / fashion by Eric Schieler

„CASUAL FRIDAY“ a film by  Claire van der Mee / fashion by Wanda Wollinsky

„Teaser for Kasia Kucharska SS 2015“ a film by Maryna Makarenko / fashion by Kasia Kucharska

„CAI LA“ a film by  Pawel Bartosik / fashion by Tuan Nguyen

„MAKING OFF “ a film by  Julia Tatarchenko / fashion by Katharina Lutat

„ZAR II – HUMAN“ a film by Sven Gutjahr /fashion by Julia Bajanova

„IF I WASN’T BIG“ a film by DARIYA SUSAK | JULIA TATARCHENKO /fashion by Friederike Stanitzek

„NARZISS UND GOLDMUND“ a film by Ella Funk /fashion by Katharina Heckmann

//Skizzenbuch: Eric Schieler

//Dokumentation: Florian Mathé

//Skizzenbuch: Friederike Stanitzek

//Dokumentation: Katharina Heckmann

//Skizzenbuch:  Wanda Wollinsky

Macht & Mode // WS 14/15 // Hauptstudium

Macht ist nicht gleich Gewalt, Macht scheint durch soziale Abhängigkeiten gekennzeichnet, ihr wohnt der Sinn inne und sie kann auf ein komplexes Wertesystem zurückgeführt werden. Macht verleiht Handlungsspielraum und Autorität.
Wo findet sich diese Macht und wie ist diese Macht bekleidet?
Übertragen auf das politische Feld, verkörpert der Machtinhaber in seiner Bekleidung nicht nur diese Macht sondern auch Werte und (eine) lokale/nationale Identität(en), zudem ist sie in das Zeitgenössische gebettet.
Wie repräsentieren sich Positionen und wechselseitige Verhältnisse in Mode? Was sind Machtklischees, was regionale/globale Klischees?
Modische Staatsgeschenke werden zum deutlichen Träger und Repräsentanten internationaler Beziehungen. Die Garderobe der Staatsoberhäupter passt sich auf Reisen den besuchten Ländern an, und integriert fremde Elemente in die vertraute Bekleidung.
Wie wirkt sich diese Repräsentation wiederum auf die Identität der Repräsentierten aus? Gibt es einen nationalen Stil? Was ist Stil und was macht ihn aus? Wie wird er geprägt von der ansässigen oder fehlenden Bekleidungsindustrie, von regionalen Traditionen?
Der zu bekleidende Körper in machtinnehabenden Positionen folgt aufgrund einer häufig langen vorangegangenen Karriere selten den Maßen der Models. Welcher Körper wird bekleidet und welche Herausforderungen bringt dies mit sich?
Die Studierenden sollen sich in diesem Entwurfsprojekt mit diesen Fragestellungen auseinandersetzen und eine Kollektion erarbeiten, wovon mindestens 4 Outfits umgesetzt werden. Diese Kollektion soll einer machtinnehabenden Person gewidmet sein, kann für sie aber auch aus ihr heraus gestaltet werden, sie kann Make-Over oder Widmung sein, oder sich als erweiterte These aus Beobachtungen ergeben. Ziel ist es klassische Mode und deren Verarbeitung zu recherchieren, Körperproportionen und –veränderung zu studieren, die Bedeutung von Farb- und Mustergebung zu analysieren. Die kommunikativen und identitätsstiftenden Mechanismen der Mode sollen somit am Beispiel erörtert werden und in der Kollektion zur Anwendung kommen.

Lehrende: Prof. Wowo (Waldemar) Kraus ,  KM Franziska Schreiber , Silvia Schüller  , Dorothée Warning

Studierende:   Lilo Klinkenberg // Lisa Oberländer // Aicha Abbadi // Lenny Murr // Marie Akoury // Hagar Rieger 

// Schau 15 // Runway

//Skizzenbuch:  Lisa Oberländer

//Skizzenbuch: Lenny Murr

//Skizzenbuch: Marie Akoury

//Skizzenbuch: Lilo Klinkenberg

//Skizzenbuch:  Hager Rieger