Quelle: FineArtAmerica

Figurator – steuerbare Freiheitsgrade

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Quelle: REUTERS/Mohamed Al Hwaity

Tipping Point – Konzepte im Schwebezustand

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Pitch-Present

Die zunächst euphorisch begrüßte künstlerische Forschung steht heute unter dem Verdacht, das künstlerische Denken den wissenschaftlichen Anforderungen zu opfern. Die eigenständigen Wissensformen der Künste scheinen ebenso in den Hintergrund zu geraten wie die ästhetischen Verfahren innerhalb der Philosophie, mit denen seit der Romantik in Essays, Aphorismen und Denkbildern experimentiert wird. Im Seminar soll mit Methoden eines offenen, experimentieren Denkens bekannt gemacht werden, das sich einer Einzwängung in die Wissenschaft entgegenstellt. Neben dem literarischen und philosophischen Essay wird auch dem Essayismus in Film und Video sowie Modellen und Diagrammen als Formen ästhetischer Wissensproduktion nachgegangen. Die Frage, auf welche Weise das ästhetische Denken ein anderes Wissen hervorbringt, welche Rolle der Einbildungskraft dabei zukommt, wie das ästhetische Unbewusste, Affektivität und Materialität in dieses Denken hineinspielen, soll Gegenstand der gemeinsamen Diskussionen und Lektüren sein.

Modul 16 || Kulturwissenschaften || Studium Generale

Mi. 12-15 || Raum 207 || Beginn: 15. April

Fluss oder Regen

basisprojektProdukt + basisprojektMode

Einführung in den Entwurf
Modul 1, Designgrundlagen

Prof. Robert Scheipner
KM Johanna Dehio
KM Franziska Schreiber
Prof. Wowo Kraus
Dorothée Warning
Silvia Schüller
LB Dipl. Des. Marco Warmuth
LB Dipl. Des. Ivo Woijcik
+ Gäste

Start: 13.4.2015
Mo 10–17 Uhr, Di 13–17 Uhr

basislabor, STR, R008

  Schnittseminar // Raum 312

Während des Grundstudiums vom 1. bis 4. Semester findet ein wöchentliches Schnittseminar statt. In den ersten beiden Semestern werden die Grundlagen der Schnittkonstruktion vermittelt; im 3. und 4. Semester liegt der Fokus auf der Entwicklung von Modellschnitten.

Parallel wird die Technik der Drapage gelehrt.

Die Werkstatt bietet ein Schnittarchiv, aus dem sich jeder Studierende Grund- bzw. Modellschnitte und die dazu gehörenden Nesselmodelle, für die Realisierung der Projektideen, ausleihen kann. 

Während der Projekte werden die Arbeiten schnitttechnisch betreut und Anproben durchgeführt, sowie Verarbeitungsdetails besprochen.

Die Schnitterstellung mittels CAD GRAFIS und ASSYST und die 3D Darstellung am Computer werden projektbezogen unterrichtet.

Nähwerkstatt // Raum 302/305/306

Betreuung beim Realisieren der entworfenen Modelle, d.h. Nähanleitungen; Hilfe bei Anproben und Zuschneiden, Nähexperimente bei der Stoffwahl.

Neben der Verarbeitung von normalen Stoffen haben wir auch Maschinen zum nähen von Leder, elastischen Materialien und Pelz. Wir experimentieren auch mit für Bekleidung unüblichen Materialien, einfach fragen!

Nähpraktikum in den Semesterferien.

Färberei // Raum 317a

Siebdruckwerkstatt // Raum 318

Strickerei // Raum 314

Ansprechpartnerin für die Strickerei

Johanna Braun

Weberei // Raum 314

Die Weberei verfügt über insgesamt 11 Webstühle, davon werden drei Webstühle von ARM und ein Webstuhl von Toika elektronisch über die Software Weavepoint gesteuert. Bei zwei dieser Webstühle können die Bindungen auch direkt in einem sogenannten Steuerungskasten eingegeben werden. Die übrigen Webstühle sind mechanische Tastaturwebstühle, die sich sehr gut für den Einstieg in die Weberei eignen.

Die maximale Webbreite am großen ARM-Webstuhl und am Toika mit 24 resp. 32 Schäften beträgt 1,20 m, so dass breite Metragen hergestellt werden können, die sich gut für die Weiterverarbeitung zu Bekleidung oder grösseren textilen Produkten eignen.

Die anderen Webstühle haben eine Webbreite zwischen 50 und 70 cm und 8 bis 16 Schäfte.
Einige Webstühle haben 2 Kettbäume, zum Weben von mehrlagigen Geweben oder Faltgeweben.

Das Verweben feiner Garne mit hohen Kettdichten ist ebenso möglich wie das Herstellen grober, schwerer Gewebe aus textilen und nichttextilen Materialien.
In Kombination mit Garnfärbung, Kettdruck oder Nachbehandlungen wie Überfärben oder Waschen lassen sich je nach Material spannende Effekte erzielen.

In der Regel finden die Webseminare zu einem bestimmten Thema im Wintersemester statt, im Sommersemester kann frei gearbeitet werden. Selbstständiges Arbeiten an den Webstühlen ist erst nach einem Seminar oder einer Einführung durch die Werkstattleiterin oder Tutorin möglich.

Der Garnverkauf erfolgt über die Werkstattleitung.

Ansprechpartnerin: Moa Hallgren-Brekenkamp

Raum: 314 L

Öffnungszeiten: Di & Mi

E-Mail:

Einladung

35 Studierende aus dem Studiengang Mode/Produkt Design zeigen Ergebnisse aus dem ersten Semester
Designgrundlagen in einer ca. 40-minütigen Performance und anschliessender Ausstellung.

Am Montag, 09. Februar, 18 Uhr in der Aula im 4. Obergeschoß der UdK, Strasse des 17. Juni 118.

Papier Orchester

meint die Orchestrierung unterschiedlicher Aspekte des gestalterischen Umgangs mit Papier bezogen auf Materialität, Form, Raum, Ausdruck, Klang, Körper, Interaktion und Präsentation.

Im Mittelpunkt steht die Einführung, Entdeckung und Aneignung des Entwurfes als dialogischer Prozess, über die Entwicklung eines Erfahrungsfeldes (Recherche, Experiment, Variantenbildung), differenzierte Selektion (Kriterienbildung, Entscheidungsfähigkeit) und die Ausbildung artikulierter Kompetenz (Diskurs, Reflexion, Darstellung).

Eine Übersicht über alle Präsentationstermine steht unter presentationstermine-final-WS14-15 bereit.

CUCULA – DAS UNTERNEHMEN VON UND FÜR FLÜCHTLINGE
CUCULA ist ein Modellprojekt, das fünf Flüchtlingen hilft, sich selbst eine Zukunft aufzubauen.
DIE IDEE
Durch die Produktion von Designklassikern, die Wegzeichen ihrer Reise über das Mittelmeer integrieren, verleihen sie ihrer eigenen Geschichte und der Vision einer selbstbestimmten Zukunft Ausdruck. Um eine berufliche Perspektive aufbauen und eine Ausbildung anpacken zu können, brauchen die fünf Flüchtlinge eine Aufenthalts- und Arbeitsbewilligung.
Durch den Verkauf der Möbel werden fünf Ausbildungsstipendien realisiert welche den Weg hierzu ebnen.

WER SIND DIE FÜNF TRAINEES?
Ali, Maiga, Saidou, Moussa und Malik stammen aus Westafrika, aus Niger und aus Mali. Sie haben ihre Heimatländer
verlassen, weil Krieg und Dürre alle Grundlagen für ihre Zukunft zerstört haben. Sie haben die mörderische Bootsfahrt über das Mittelmeer überstanden, über Lampedusa und Italien sind sie schließlich nach Deutschland eingewandert.
In Berlin möchten sie bleiben und für ihren Unterhalt sorgen.
CUCULA möchte den Flüchtlingen helfen, die Stigmatisierung als „Opfer“ zu durchbrechen, gleichzeitig ihre Selbstwirksamkeit zu entfalten und sich eine Perspektive auf ein selbstbestimmtes Leben zu eröffnen.

DIE AUSBILDUNG
Seit einigen Monaten unterhält cucula eine eigene Werkstatt, in der gemeinsam mit Designern und Pädagogen ein lebendiger Produktionsraum entstanden ist. Hier entstehen im Spannungsfeld von afrikanischer Tradition und europäischer Moderne Werkstücke. Wissen über Holzverarbeitung, Konstruktion und Planung werden vermittelt. Darüber hinaus bietet CUCUCLA schulische Angebote wie Deutschunterricht, Alltagshilfen und Rechtsberatung – Cucula Education. Ausgestattet mit einem Ausbildungsstipendium kann für jeden der Flüchtlinge in Zukunft ein Visum zwecks Ausbildung erreicht werden: eine stabile Lösung, die gleichzeitig ein ökonomisch tickendes Integrationsmodell etabliert.

DIE MÖBEL
Die Möbel von CUCULA sind nicht nur Designklassiker, sondern stehen für die Geschichten ihrer Erbauer. Sie basieren auf dem Buch „Autoprogettazione“ von Enzo Mari, das 1974 mit seinen 19 Möbelentwürfen zum Selbstbau einen Meilenstein im Design formuliert. Entworfen als Gegenentwurf zum Formalismus und gedacht als Demokratisierung des Designs provozierte Enzo Mari eine Identifikation mit den eigenen Möbeln und einen Lern- und Reflexionsprozess. 40 Jahre später räumt er dem Team von CUCULA das Recht ein, die Modelle zu nutzen. Gute Voraussetzungen für einen realen Wirtschaftsbetrieb! Durch den Verkauf von Werkstücken und durch Spenden soll nun der Ausbildungsbetrieb finanziert werden.

www.cucula.org

// WS 2013/14

„Körperschmuck-Klangobjekte“ ist ein Experiment, bei dem das Zusammentreffen von Klang, Objekt und Körper erforscht wird.Durch experimentelle Annäherung werden akustische Qualitäten und Gesten sensibilisiert und dienen als Gestaltungsmaterial zur Entwicklung von Körperschmuck. Es gilt ein auditives Pendant, ein klangliches gegenüber oder auch eine musikalische Interpretation dessen zu erarbeiten, was sich zwischen Subjekt und Objekt abspielt.Wann ist das Körperschmuck-Klangobjekt ein eigenständiges Objekt und wann ein Teil des Körpers? Wie kann ich Erwartungshaltungen benutzen oder gewollt mit Ihnen brechen? Welche Rolle spielt dabei der Klang? Körper und Objekt treten in Beziehung und lassen eben diese Grenzen verschwimmen. Das Objekt bzw. der Klang folgt den Bewegungen des Körpers – ungehörte Momente werden hörbar gemacht.

Projektleiter: Jana Patz (Modedesign) //Amelie Hinrichsen (Produktdesign) // Tilmann Dehnhart (Jazz) // Joshua Rutter (Tanz / Choreographie) // Sibel Celik (Modedesign)

„WENN ICH EINEN FILM DREHEN KÖNNTE, DANN WÄRE DIE KULISSE VOLL MIT HOCHHÄUSERN. PLATTENBAU AN PLATTENBAU UND GENZ GANZ VIELE STRAßEN.“

Du studierst im dritten Semester Modedesign an der UdK. Was interessiert Dich an Mode?

Mode ist ein Kommunikationsmittel nach außen. Das ist so das, woran man alle Leute zuerst klassifiziert, die man eigentlich gar nicht kennt. Mode fasst alles zusammen. Es geht um mehr, als um das was man trägt. Sie spiegelt wieder, welche Filme gerade im Kino kommen, welche Musik man hört oder welche Musik es gerade gibt.

Worum geht es in ‚The Planetary Catwalk’, Deinem Projekt, das von Prof. Marloes ten Bhömer und Franziska Schreiber betreut wird?

Ziel ist es, sich einen Planeten auszudenken. Wie funktioniert der Planet? Gibt es eine extreme Wettersituation? Was kann es überhaupt für einen anderen Planteten geben? Natürlich soll der auch mit dem Planeten, auf dem wir leben irgendeine Verbindung oder eine Ähnlichkeit haben. Für die Bewohner, die auf diesem Planeten leben soll ein einfarbiges Outfit entworfen werden, das nur aus Nessel gemacht wird.

Wie hast Du die Aufgabe für Dein eigenes Projekt interpretiert?

Der Planet heißt Eisenhüttenstadt, wie die erste Planstadt in der DDR. Das habe ich mal in Geschichte gelernt und fand das immer sehr faszinierend. Es gibt eine große Straße, am Ende ist die Fabrik, in der alle arbeiten und an den Seiten der Straße wohnen alle. So in etwa sieht der Planet auch aus. Alle sind gleich, es gibt keine Wünsche, die Bewohner sind einfach nur da und erfüllen eine Aufgabe.

Natürlich ist alles rechtwinklig. Jeder ist in seinem Bereich. Ich, als die Schöpferin dieses Planeten, weiß nicht so genau was die Bewohner machen. Aber ich stelle mir ein großes Gewusel vor, Treppe hoch, Treppe runter. Dann gibt es da Maschinen, die sich bewegen.

Was genau fasziniert Dich an dieser Uniformität?

Ich habe ein bisschen das Gefühl, das junge Menschen sich gerade anfangen sehr zu uniformieren, was vielleicht ein Zeichen von Angst ist. Sie gehören zu der ersten Generation, die völlig planlos ist, sich aber dem Zwang unterlegen fühlt, dauernd irgendwelche Aufgaben erfüllen zu müssen. Man hat alle Möglichkeiten, aber gleichzeitig fühlt man sich als kann man eigentlich nichts machen. Und es ist sicher, sich so anzuziehen, wie es von den meisten Leuten erwartet wird.

Wie kann ich mir Deinen Entwurf vorstellen? Du hast von rechten Winkeln gesprochen, dass Du viel faltest?

Ich versuche alles nur mit rechten- und 45-Grad-Winkeln zu machen. Dafür habe ich angefangen Papier um die Puppe herum zu falten. Der linke Arm soll bewegungslos bleiben, der Träger ist in dem Ärmel gefangen. In der Grundschule hat unser Lehrer uns erzählt, dass die Linkshänder die kreativeren Menschen sind, weil die linke Gehirnhälfte alles blumige und schöne Denken übernimmt, wohingegen die rechte mehr mathematisch ist. Leute, die mit links arbeiten, sind näher an der kreativen Seite. Aus diesem Grund dürfen die Bewohner des Planeten Eisenhüttenstadt nicht mit links arbeiten.
Außerdem ist alles sehr gerade, geometrisch, steif und einschränkend und soll wahrscheinlich knallrot werden – die Farbe des Sozialismus. Dann bedrucke ich den Stoff mit Vierecken, dass wenn man den Stoff faltet, die Bewegung von den Vierecken gezeigt wird. Ich will, das man nicht sieht, das genäht worden ist, das es aussieht, als wäre es nach Plan aus der Maschine ausgestanzt worden, du kannst dir eines nehmen und faltest es dir nur zusammen.
Auch für die Schuhe habe ich schon Vorstellungen. Ich will eine Sohle aus Metall machen, die zwar beweglich ist, sodass man sich gut bewegen kann, aber durch das Metall so einschränkt, das die Füße nicht wirklich abheben können und der Träger somit am Boden bleiben müssen.

Ist Mode für Dich im Kontext Gesellschaft kritisch zu betrachten?

Natürlich ist es ein Mittel sich sozial zu abzugrenzen. Und jedem ist klar, das es eigentlich nicht geht, wie Kleidung produziert wird. Trotzdem denkt man, was kann ich denn machen? Aber ich würde nicht sagen, ich stelle mich hin und kritisiere die Gesellschaft, weil ich dieses „Ich stehe über Euch“ nicht mag. Aber Mode sollte zum Nachdenken anregen. So ist es auch mit meinem Thema.
Und natürlich habe ich mich auch für diesen Planeten entschieden, weil ich das Thema geil finde, mich faszinieren diese sozialistischen Bauten. Wenn ich einen Film drehen könnte, dann wäre die Kulisse voll mit Hochhäusern. Plattenbau an Plattenbau und ganz viele Straßen.

// Interview: Jessica Oemisch

// WS 2013/14
// Hauptstudium

„WENN DA DRAUßEN ZEHNTAUSEND LEUTE EIN JAKETT MACHEN, DANN MACH ICH LIEBER EIN ‚NOT-JACKETT'“

Wenn Du Dir die derzeitige Situation in Boutiquen und Geschäften ansiehst, die Vielzahl der Kollektionen, die jährlich produziert werden, wie empfindest Du Deine Rolle als zukünftige Designerin auf dem Markt?

Momentan kann ich die Frage gar nicht beantworten. Ich habe ja noch kein eigenes Label. Bei dem, was ich momentan mache geht es eher um eine persönliche Entwicklung. Ich probiere unterschiedliche Sachen und deswegen gibt es gerade nicht so eine enge Verbindung zwischen dem woran ich gerade arbeite und dem, was es auf dem Markt gibt. Außerdem mache ich mir jetzt gar keine Gedanken darüber, ob die Leute meine Sachen kaufen würden. Allerdings würde ich mir aber auch nicht anmaßen zu sagen, ich mache das jetzt so oder so und deswegen bin ich besser als der Designer oder die Designerin. Grundsätzlich geht es bei mir um etwas Anderes als bei anderen Designern. Oft haben diese ein Ziel, wissen ganz genau wie erfolgreich sie werden möchten und haben eine bestimmte Vorstellung von der Zielgruppe. Bei mir ist das anders.

Was genau fasziniert Dich an dieser Uniformität?

Es geht ja nicht nur um Klamotten. Natürlich – Fashion das sind Klamotten – aber wie sagt man, the clothes can only change the look of the day but fashion is something that inspires those people to change the future. Ich glaube, bei mir geht es eher darum, dass du einfach immer unterschiedliche Sachen anbietest. Was die Leute tragen, das entscheidet auch viel die Zeit in der sie leben, nicht nur die Designer.

Warum entwirfst Du?

Es geht ja nicht nur um Klamotten. Natürlich – Fashion das sind Klamotten – aber wie sagt man, the clothes can only change the look of the day but fashion is something that inspires those people to change the future. Ich glaube, bei mir geht es eher darum, dass du einfach immer unterschiedliche Sachen anbietest. Was die Leute tragen, das entscheidet auch viel die Zeit in der sie leben, nicht nur die Designer.

Worum geht es in Deinem aktuellen Projekt ‚Ρ1ON33r2020l@b’, das von Prof. Jurgi Persoons und Lars Paschke betreut wird?

Wir sollen eine neue Modeströmung kreieren. Die moderne Zeit hat ungefähr vor einhundert Jahren angefangen. Jetzt ist gerade dieser Moment, wo es eine Art Revolution geben soll.

Wie hast Du die Aufgabe für Dein eigenes Projekt interpretiert?

Ich habe am Anfang gedacht, das ist eine total schwierige Aufgabe. Das lässt sich nicht so einfach lösen. Dann habe ich angefangen zu recherchieren. Bisher war Herrenbekleidung immer meins, deswegen habe ich mir die Entwicklung der Herrenbekleidung in den letzten einhundert Jahren angeschaut und gemerkt, dass eigentlich im Bezug auf Silhouette gar nicht soviel passiert ist. Es ist immer noch ganz klassisch, ein Hemd, darüber eine Weste, Jackett, ein Mantel und darunter eine Hose. Deswegen ist die Frage, ob man zu dem Thema überhaupt neue Klamotten entwerfen sollte. Meiner Ansicht nach macht das überhaupt keinen Sinn.
Von mir aus gibt es immer diesen rebel-Gedanken. Ich mag ungern Sachen die es schon gibt. Deswegen habe ich mir so gedacht, wenn ich jetzt unbedingt was Neues machen muss, dann mache ich etwas, was ‚Nicht-Bekleidung’ ist, also ‚not clothes’. Und dann habe ich mich gefragt, was sind dann ‚clothes’ und wie werden die gemacht? Und egal, ob man Schnitt konstruiert oder drapiert an der Puppe, am Ende hast du, wenn du den Schnitt ausgeschnitten hast die ‚Outlines’ und es bleibt etwas übrig. Die negativen Schnittformen werden dann weggeschmissen. Ich habe mir dann gedacht, okay they are not pattern, so they are turning into ‚not-clothes’. Das heißt, ich arbeite nur mit den festen Formen. Ich fange mit Papier an. Außen gibt es die rechten Winkel und innen die Outline. Durch drapieren und falten entstehen dann ‚not clothes’.
Einerseits geht es darum, diesen rebel-Wunsch zu realisieren, andererseits wollte ich immer etwas mit Schnittentwicklung machen. Deswegen versuche ich jetzt eine Art zweidimensionales draping zu entwickeln, etwas, dass bisher noch nicht wirklich gemacht wurde, eine Zwischenform von Schnittkonstruktion und Drapieren. Bei der Schnittkonstruktion werden die Maße gebraucht und beim draping reicht die Puppe aus. Ich versuche jetzt die Maße zu berücksichtigen, ohne die Linien zu rechnen. Auf einer zweidimensionalen Ebene, wie auf Papier, drapiert ich diese dann.

Wie siehst Du Deine Idee im größeren Kontext? Ist Dein Kommentar, Deine Kritik eher humoristischer, ideologischer oder persönlicher Natur?

Es hat schon etwas mit diesem intuitiven rebel-Gedanken zu tun. Ich mache nicht gerne etwas, das es schon gibt. Also wenn da draußen zehntausend Leute ein Jackett machen, dann mach ich lieber ein ‚not-Jackett’.

Du studierst inzwischen im 5. Semester Modedesign an der UdK. Was interessiert Dich an Mode?

Die Entscheidung Modedesign zu studieren habe ich relativ spät getroffen. Das Interesse an Mode gab es allerdings schon als ich ganz klein war. Als kleines Kind habe ich in Shanghai für einige Jahre gelebt, das ist sehr westlich geprägt, und in den achtziger Jahren gab es dort schon so eine Art Fashion. Absurd war, dass ich schon als fünfjähriges Kind immer Schaufensterbummeln spielen wollte.
Ich habe später auf eine unfreiwillige Art und Weise etwas ganz anderes in Peking studiert. Als ich dann fertig war, habe ich mich dann aber doch dafür entschieden nach Berlin zu gehen und an der UdK zu studieren. Auf eine übertrieben Art und Weise könnte man sagen, weil ich irgendwie weiß, ich bin dafür geboren, um so etwas zu machen. Neutral betrachtet bin ich nur eine von denen, die von diesem Fashioneffekt inspiriert werden. Fashion hat so eine Power. Nach meinem Bachelor hätte ich damals auch einfach einen Job suchen können, in Peking leben. Aber ich wollte etwas machen, das nur ich machen kann, die anderen Leute nicht. Und Fashion ist so ein Ding. Es gibt mir die Möglichkeit, etwas Eigenes zu machen.

// Interview: Jessica Oemisch

// WS 2013/14
// Hauptstudium

// WS 2013/14

Friederike Haller
Hagar Rieger
Lenny Murr
Nora Maas
Momme Ries

// WS 2013/14

„ICH WERDE MAL SCHAUEN, OB ICH MICH IN ZUKUNFT AUF EINEN MINIROCK FÜR MÄNNER EINLASSEN KANN“

Warum Mode?

Das war ein recht unkonventioneller Weg. Ich habe vorher schon etwas anderes studiert, ein eigenes Café aufgemacht und war im Ausland. Irgendwann habe ich angefangen mich mit Textilien zu beschäftigen. Ich habe irgendwie schon immer etwas mit meinen Händen gemacht. Zu Weihnachten bekam ich dann eine Nähmaschine geschenkt, habe mir einiges selber beigebracht und ausprobiert was so geht. Nach eineinhalb Jahre kam der Punkt wo ich mir gesagt habe, jetzt möchte ich weiter. Auf der einen Seite gab es die Möglichkeit Kurse zu besuchen, bei denen mir von mal zu mal mehr beigebracht wird, auf der Anderen Seite gab es die Möglichkeit der Totalveränderung. Ich wechsle die Stadt, das Metier und finde etwas, das mich anspricht.Eine Freundin von mir hat an der UdK Produktdesign studiert. Von daher kannte ich die Werkstätten und wusste was hier passiert. Als ich sie hier besucht habe, fühlte ich mich einfach wohl.

Worum geht es in Deinem aktuellen Projekt „pur“, das von Prof. Valeska Schmidt-Thomsen und Jana Patz betreut wird?


Ziel ist es, einen minimalistischen Ansatz in der Mode zu finden. Das ist etwas sehr Wichtiges. Viele wollen immer Großes, Lautes und Schreiendes schaffen. Wenn es aber darum geht sich zu reduzieren und etwas Klares und Einfaches zu machen, wird das schon seltener. Es ist eine große Kunst in der heutigen Modewelt den Minimalismus umzusetzen, ohne dass nur ein Sack am Menschen hängt und trotzdem eine Kollektion entsteht, bei der alle denken „Wow!“. In dem Projekt „pur“ versucht jeder für sich den eigenen Ansatz für Minimalismus zu finden.

Und wie sieht Dein Ansatz aus?

Ich bin erst einmal völlig frei an das Thema Minimalismus rangegangen und habe geguckt, welche Künstler es gibt. Spannend fand ich vor allem, in welche Richtung diese arbeiten und was genau sie machen. Aber gar nicht auf der Ebene, dass ich den Minimalismus wissenschaftlich ergründen wollte. Ich wollte vielmehr eine Art Gefühl dafür zu bekommen, was die Leute wollten, was sie angetrieben hat. Im Laufe der Recherche kamen bei mir dann zwei Ansätze, die ich mir vorstellen konnte umzusetzen. Entweder man nimmt ein Kleidungsstück und guckt, was kann ich davon wegnehmen ohne das es ein Nicht-Kleidungsstück wird oder man stellt sich die Frage, was muss ich einem Stück Stoff hinzufügen, damit es zum Kleidungsstück wird? Und für dieses Herangehensweise habe ich mich jetzt entschieden.
Mein Grundansatz über den ich während meiner Recherche gestolpert bin sind fünf Teile aus einer Kollektion von Issey Miyake. Er hat mit 2D-Kleidungsstücken gearbeitet die auf dem Boden auslegbar sind, drei Einschnitte haben und achtundzwanzig Druckknöpfe. Durch die Einschnitte und die Druckknöpfe wird der Stoff zum Kleid. Weil ich es so faszinierend finde, habe ich mich daran orientiert. Am Anfang war sogar das Ziel, eine Kollektion zu machen, die genauso flach am Bode liegen kann. Aber dann habe ich festgestellt, dass ich meinen eigenen Weg gehen muss. Also habe ich mich gegen die „Issey Miyake-Variante“ entschieden. Ich arbeite jetzt mit Rechtecken, die so wenig wie möglich, aber so viel wie nötig Einschnitte bekommen und danach an der Puppe drapiert werden.
Zu Beginn nehme ich nur das Stück mit den Einschnitten, schaue wie es funktionieren kann, ändere etwas und dann falte ich die Schulternaht oder die Brustabnäher. Dann entscheide ich, wo muss eine Naht gesetzt werden, damit es als Kleidungsstück funktioniert.

Verwendest Du auch Reißverschlüsse und Knöpfe oder bedeutet „pur“ für dich, dass du bewusst darauf verzichtest?


Es gab die Überlegung das zu machen. Im Endeffekt habe ich mich noch nicht einhundertprozentig dazu entschlossen was genau kommen wird, aber ich habe bereits bei zwei Teilen einen Reißverschluss eingearbeitet. Denn so ein Detail ist auch sehr charakteristisch.

Du machst auch dieses Mal eine Männerkollektion. Wie stehst Du zum Thema Hosen?


Ich bin in Europa aufgewachsen. Hier wird man geprägt, dass ein Mann eine Hose an hat. Ich bin nicht mehr geprägt, dass eine Frau einen Rock tragen muss, aber andersherum ist es eher untypisch. Ich finde es ansehnlich, vielen Männern steht das, aber bisher konnte ich mich nicht überwinden für einen Mann einen Minirock zu entwerfen. In meinem Hinterkopf schwirrt einfach dieser Gedanke, nein, ein Mann hat eine Hose an. In dieser Kollektion habe ich sogar versucht das zu brechen, denn bei einem Outfit trägt der Mann ein Kleid. Das ist schon mal ein Ansatz.
Wenn man sich die Kollektion von Yohji Yamamoto anschaut, hat man den Eindruck, die Männer würden alle Röcke tragen. Tatsächlich sind allerdings fast überall Hosen darunter, die so gelegt sind, dass es aussieht als wären es Röcke. Ich werde mal schauen, ob ich mich in Zukunft auf einen Minirock für Männer einlassen kann.

Deine aktuelle Kollektion ist komplett in schwarz. Warum?

Beim Thema „pur“ fallen mir zuerst weiß und schwarz ein. Wenn ich mich dann für eines von beiden entscheiden muss, sage ich eher schwarz. Für viele ist zwar eher weiß minimalistisch, aber für mich steht schwarz mehr im Hintergrund. Es ist vielmehr im Verborgenen, es nimmt sich zurück. Weiß ist für mich eher, „Bäm, ich bin da, guckt mich an!“. Das bin auch ich nicht. Und ich möchte mich einfach einbringen. Schwarz ist deswegen für mich mehr „pur“.

// Interview: Jessica Oemisch

// WS 2013/14
// Hauptstudium

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› KONGLOMERATE ‹ // Rundgang 2015

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Prof. Axel Kufus
e-mail:
Sprechstunde nach Vereinbarung.

// ABSOLVENTEN //

Inga Schulte

Jorinde Meline Barke

Julie Eilenberger

Laura Wollentarski

Rebecca Sammler

Vivienne Appelius

// PROJEKTE //

CHOOSE WHITE

NEAR EAST

COLLECTORS COLLECTION

LIMITED ADDITION

KLASSIKER

SUPERVISION

// PUBLIKATION ZUR SCHAU 11 //

// grafik: Studio Regular

Ich verstehe die Stadt nicht nur als Wohnraum, Infrastruktur und Dienstleistungen sondern auch als Ort der Begegnung und der Versammlung, des Dialoges und Erfahrungsaustausches, nämlich der Kommunikation. Wo Menschen und Nachbarn ihr tägliches Leben teilen an öffentlichen Plätzen, Straßen, Leerräumen, Brachflächen. Es bringt mich zur Frage auf welche Art ich vermitteln, artikulieren könnte, um diese Kommunikationen zu transfektieren. Eine konkrete Erfahrung wird entworfen, die aber nicht unbedingt eine Antwort auf ein bestimmtes Bedürfnis ist, sondern vielmehr, eine kostenlose Einladung zur Interaktion/Komunikation. Die Stadt kann von allen wieder erfunden werden. Es wird eine spontane Situationen verwirklicht; eine strategische Montage, die die Beziehung zwischen Körper und Stadt vermittelt, um eine städtische Erfahrung zu provozieren. Sie macht den Reichtum, die Identität, und die alternativen unserer Realität offensichtlich. Zu diesem Zweck, beschloss ich acht tragbare Strukturen zu bauen, die mir ermöglichen mit diesen an verschiedenen öffentlichen Plätzen zu experimentieren. Benutzt man sie auf horizontale Weise, laden sie Personen ein sich zu setzen und sich auf ihnen auszubreiten um so ihre Geschichten, Gedanken und Erfahrungen mit mir auszutauschen. Danach, benutze ich die Strukturen in vertikaler Form als Rahmen, um die Interaktionen der Kommunikation, gegeben durch die Personen und den Raum den sie bewohnen, zu zeichnen. Dadurch mache ich die unsichtbaren Gründe durch welche eine Stadt lebt sichtbar. Auf diese Weise zeichne ich die drei Dimensionen die sich in der Stadt binden: der physische, der mentale und der soziale Raum, um Körper in der Stadt sichtbar zu machen. So verbinden sich zwei Welten; eine Innere und eine Äussere.Jede Struktur ist ein Spiel von Spannung und Kompression und wird gestaltet um verschiedene Momente zu erschaffen, deswegen muss sich die Form verändern können. Um das zu erreichen kann man alle Teile (4) einfach an ihren Schnittstellen rotieren und somit auch schnell auseinander nehmen. Es ensteht ein Instrument; ein Handlungsraum der zur Besetzung freigegeben wird. Es wird reflektiert, erzählt und eingenommen. Durch die Auseinandersetzung mit der Realität und der in ihr befindlichen Dinge, werden Bilder gezeichnet, welche nach einer Reinterpretation eben dieser wie nach neuen Typologien der Dinge suchen. Sie werden auf einer Kugel wiedergespiegelt, um neue Formen der gemeinsamen Wahrnehmung zu erforschen.

Betreut von: Prof. Axel Kufus // Robin Resch

›urbanes (ent)artikulieren‹ // Rundgang 2015

Projekt Vorschlag (2014)

Unter Hinweis auf die Herkunft des MA „Transfection designsystem“, wo der Begriff „transfection“ aus der Biologie kommt und das Verfahren der absichtlichen Einführung von Nukleinsäuren in Zellen bedeutet, ein DNA-transfer, der durch die Eröffnung von vergänglichen Poren oder „Löcher“ in der Zellmembran die Aufnahme von Material ermöglicht.

Mit diesem Konzept habe ich angefangen und mich gefragt, ob diese Definition auch für Berlin zutreffen könnte. Wenn ich mir Berlin als Zelle vorstelle und welche Art von Nukleinsäuren kann ich in diese Zelle einführen? Wo sind diese vergängliche Poren oder „Löcher“ in dieser Stadt/Membran?

Die Stadt und der Raum ist die beste Ausgangspunkt, hier findet die soziale Interaktion statt, denn es sind Elemente die sich selbst aktiv produzieren und wo wie Lefebvre meinte, sich drei Dimensionen binden; der mentale (Bachelard), der soziale und der physische Raum (Foulcault).

Deswegen habe ich angefangen die Stadt zu erkunden, sie zu beobachten, sie zu zeichnen und langsam in ihr zu experimentieren um auf sie reflektieren zu können. So habe ich erkannt, dass wir nicht in einem homogenen Raum leben, sondern, ganz im Gegenteil in einem Raum, der mit Eigenschaften geladen wird. Der durch eine Reihe von Gegensätzen gesteuert wird, die schwierig zu ändern sind.

Aber ebenso, findet man in Berlin Projekte und representationäle Plätze wie dasTempelhofer Feld, wo sich ein „sollte sein“ manifestiert. Räume die direkt von ihren Bewohnern erfahren werden und die über den physischen Raum sind, da die Menschen zimbolischen Gebrauch von den Objekten, die ihn komponieren, machen. Es sind ausweichende Räume, wo die Phantasie der Menschen versucht ihn zu verändern und sich anzueignen. Daher sind es oft Objekt der Begierde von Spezialisten die versuchen ihn zu kodifizieren, zu rationalisieren und schließlich zu reißen.

So kann ich mir jetzt vorstellen, dass solche andere Räume, die sich allen widersetzen irgendwie dazu bestimmt sind, zu löschen, zu kompensieren, zu neutralisieren oder zu reinigen, und mir die Möglichkeit jetzt geben sie wie die vergängliche Poren oder „Löcher“ in dieser Stadt/Membran zu finden.

Diese Räume geben mir die Möglichkeit zu phantasieren und zu fragen in welcher Art und Weise können wir mit unserer Umwelt interagieren und wie könnten wir unsere Welt leichter wahrnehmen.

// ABSOLVENTEN //

Amélie Jäger

Annika Ass

Gloria Landenberger

Janosch Mallwitz

Julian Zigerli

Katharina Jockwer

Mads Dinesen

Sina Thomaseth

// PROJEKTE //

Green Carpet

Askese / Ekstase

Modemythen

Real Fake

Spektakel

// PUBLIKATION ZUR SCHAU 10 //

// grafik: Studio Regular

Foto: Herbert Palme

›Lolium‹ // Rundgang 2015