Archiv der Kategorie: Allgemein
Der Tagesspiegel| Januar 2014

superior | Januar 2014
STYLEproofed | Januar 2014
SRF | Januar 2014
Berliner Morgenpost

BLUE IS IN FASHION THIS YEAR | Januar 2014

Dazed digital | May 2013

Die Welt | Juli 2011
I HEART BERLIN | Juli 2014
I love Ponys | Juli 2010

i-D VICE | JANUAR 2015
Figurator | 2015

Quelle: FineArtAmerica
Figurator – steuerbare Freiheitsgrade
Projektbetreuung:
Prof. Burkhard Schmitz
Dipl.-Des. Ariane Jäger
Dipl.-Des. Antonia Kühne
Verstärker
Dipl.-Des. Jannis Thiele
Tutoren
Johanna Gieseler
Anna Drewes
Youyuan Zhao
Kick-Off
Montag, 14.04.15
10.00 Uhr
GRU, Raum 20
Teilnehmer
Cathryn McAnespy
Katharina Bellinger
Fabian Haarbeck
Sabrina Hämmerling
Laureanne Kootstra
Julia Rölle
Daniel Valencia Ferrá
Mit dem 4. Semester befassen wir uns mit den Regeln der Variation und gehen in Serie.
Die Studierenden entwerfen verwandte Objekte, die individuell konfigurierbar sind und dadurch ihr Wesen verändern. Das Modul bietet einen Einstieg
in den parametrisch-generativen Gestaltungsprozess zur Vertiefung der Pro/E-Kenntnisse in Kombination mit der Erstellung eines Konfigurations-Interfaces.
Projektergebnisse
- 1 + 3 Vases – Cathryn McAnespy
- 1 + 3 Vases – Cathryn McAnespy
- 1 + 3 Vases – Cathryn McAnespy
- Design from Equation – Daniel Valencia Ferrá
- Design from Equation – Daniel Valencia Ferrá
- Design from Equation – Daniel Valencia Ferrá
- Spoon sensation – Katharina Bellinger
- Spoon sensation – Katharina Bellinger
- Spoon sensation – Katharina Bellinger
- Concrete – Sabrina Hämmerling
- Concrete – Sabrina Hämmerling
- Concrete – Sabrina Hämmerling
- Kanen – Fabian Haarbeck
- Kanen – Fabian Haarbeck
- Kanen – Fabian Haarbeck
- Buddies – Laureanne Kootstra
- Buddies – Laureanne Kootstra
- Buddies – Laureanne Kootstra
- Zeitreise – Julia Rölle
- Zeitreise – Julia Rölle
- Zeitreise – Julia Rölle
Zurück zu Projektgruppe Prof. Burkhard Schmitz
Tipping Point

Quelle: REUTERS/Mohamed Al Hwaity
Tipping Point – Konzepte im Schwebezustand
Projektbetreuung
Prof. Burkhard Schmitz
KM Ariane Jäger
KM Antonia Kühne
T Johanna Gieseler
T Anna Drewes
T Youyuan Zhao
Kick-Off
Dienstag, 15.04.15
10.00 Uhr
GRU, Raum 20
Teilnehmer
Yomi Ajani
Anna Drewes
Jana Franke
Johanna Gieseler
Lisa Hagedorn
Dario Iannone
Cindy Peng
Julia Walk
Youyuan Zhao
Vom Knackfrosch über den Chapeau Claque bis zur Skischuh-Bindung, alle vereint der gescheiterte Balance Akt bis zum Eingeschnappt sein. Diese Beispiele nehmen kompromisslose Zustände ein, die durch einen Scheitelpunkt bestimmt werden. Diese Qualität möchten wir näher erforschen und machen uns auf die Suche nach Entwürfen, die den Wendepunkt zum Thema haben – ob digital oder analog.
Projektergebnisse
- Falta – Johanna Gieseler
- Falta – Johanna Giesela
- Falta – Johanna Gieseler
- Spirit – Youyuan Zhao
- Spirit – Youyuan Zhao
- Spirit – Youyuan Zhao
- Shortcut – Anna Drewes
- Shortcut – Anna Drewes
- Shortcut – Anna Drewes
- Flii – Dario Iannone
- Flii – Dario Iannone
- Flii – Dario Iannone
- Vergnet – Lisa Hagedorn
- Vergnet – Lisa Hagedorn
- Vergnet – Lisa Hagedorn
- Clockal – Cindy Peng
- Clockal – Cindy Peng
- Clockal – Cindy Peng
- Bol – Jana Franke
- Bol – Jana Franke
- Bol – Jana Franke
- linxxx – Yomi Ajani
- linxxx – Yomi Ajani
- linxxx – Yomi Ajani
Wonderland. | September 2014
FASHION STREET BERLIN | JULI 2014
FASHION STREET BERLIN | JANUAR 2014
LES MADS | JULI 2013
Gala | August 2014

PITCH-PRESENT | MAI 2013
THIS IS JANE WAYNE | JULI 2012
DER TAGESSPIEGEL | JULI 2014
LES MADS | JUNI 2014
Huh. | Januar 2013

BLOUIN ARTINFO | JANUAR 2014
THIS IS JANE WAYNE | JANUAR 2014
MITTESCHÖN | JUNI 2011
STYLE/RANKING | JULI 2012
MODABOT | JANUAR 2014
VOGUE.IT | OKTOBER 2014
DER TAGESSPIEGEL | NOVEMBER 2014
i-D VICE | MÄRZ 2015
Da ist Musik drin! The Sound of Music!
Profession Design Vortrag #3: Alice Holmberg | Helge-Christian Schmidt: 16. Juni 2015, 19 Uhr
Design-Absolventen der UdK Berlin geben Auskunft und gewähren Einblick in eine facettenreiche Profession. Wir bitten Gäste aus dem professionellen Kontext zurückzuschauen und über ihre Erfahrungen zu sprechen: über die Ausbildung an der UdK, Berlin als Katalysator, hilfreiche Netzwerke, Plattformen und Partner – auf dem Weg in die großen und/oder das eigene Studio. Und wir bieten damit Gelegenheit für weiterführende Fragen.
Vorträge und Diskussion: 16. Juni 2015, 19 Uhr
“Da bleibt uns nichts anderes übrig als kreativ zu sein!”
Moderation: Prof. Dr. Ingeborg Harms
Alice Holmberg
Nach ihrem Diplom im Studiengang IBT 2007 hat sie den Berufseinstieg bei Mode Start-ups wie Giles, Jaspar Conran und Roksanda Ilincic gemacht. Ihre unternehmerische Ader konnte sie in der Collaborative Design Agency Clear Village ausleben, die sie mit aufgebaut hat, und dies ist auch die Richtung, in der Alice heute weiterarbeitet: Sie hat die Firma Pride & Produce gegründet, unterrichtet an der Central St Martins und berät als Selbständige so verschiedene Organisationen wie Vitsœ, Human Cities und die Stadt München. Alice setzt sich mit den Themen Creative Resilience, Erlebnis-Ökonomie, Strategie Innovation und Co-Creation auseinander. Dabei arbeitet sie europaweit und lebt derzeit in London.
Helge-Christian Schmidt
Nach seinem Diplom im Studiengang Modedesign 2007 arbeitete er zunächst international bei Stephan Schneider, Antwerpen und Costume National in Mailand, zurück in Deutschland bei Dorothee Schumacher und zurzeit als Senior Creative Manager bei der HUGO BOSS AG.
Helge lebt in Stuttgart und Berlin.
In Kooperation mit Prof. Axel Kufus & Team (IPP)
Adresse
Einsteinufer 43
10587 Berlin-Charlottenburg
Tel. +49 (0)30 3185 -2858
Fax +49 (0)30 3185 -2859
designtransfer[at]udk-berlin.de
www.designtransfer.udk-berlin.de
Prof. Dr. Kathrin Busch im Gespräch mit der Künstlerin Patrizia Bach, Freitag 15. Mai 2015

ÜBER DIE FARBEN UND SYMBOLE IN WALTER BENJAMINS PASSAGENARBEIT
Eine Zeichenarbeit von Patrizia Bach
Projektraum LOTTE
Land Of The Temporary Eternity
Schnittpunkt-Kunst e.V.
Willy-Brandt-Strasse 18
70173 Stuttgart
Eröffnung: Freitag, 15. Mai 2015, 19 Uhr
Patrizia Bach im Gespräch mit Kathrin Busch (Philosophin, Universität der Künste, Berlin) und Heike Gfrereis (Leiterin der Literaturmuseen des Deutschen Literaturarchivs Marbach).
Ausstellung: 16.–22. Mai 2015
tägl. 18–21 Uhr und auf Anfrage
Zusatzveranstaltung: Sonntag, 17. Mai 2015, 11 Uhr
Patrizia Bach im Gespräch mit Heike Gfrereis „Über die Ästhetik von Manuskriptseiten am Beispiel Walter Benjamin“ im Literaturmuseum der Moderne, Schillerhöhe 8–10, Marbach
www.dla-marbach.de
Die Künstlerin Patrizia Bach setzt sich auf verschiedenen Ebenen mit Walter Benjamins Arbeit über die Pariser Passagen auseinander. Ausgehend von einer künstlerischen Forschung an den Originalmanuskripten, publiziert in Form einer Webseite, die erstmals den Text in seiner Neuordnung nach den Benjaminschen Siglen zeigt, entwickelte sie ein Zeichenkonzept, indem sie die Struktur des Passagenprojektes aufgreift – so wie Benjamins Passagen sind auch alle Zeichnungen miteinander verbunden.
LOTTE präsentiert das umfangreiche Konvolut an Zeichnungen, Abschriften und Systematisierungen und stellt Fragen zur künstlerischen Forschung.
Patrizia Bach ist Zeichnerin und lebt und arbeitet in Berlin. Sie studierte in Berlin und Istanbul Bildende Kunst und Visuelle Kommunikation. Aktuell arbeitet sie an einem Projekt zu Walter Benjamins Geschichtsbegriff in Istanbul und bringt dort türkische und deutsche Künstler_innen zusammen.
http://patriziabach.de/
MASTER KOLLOQUIUM | AGENDA

//Foto: Julian Zigerli
Mode und Produkt, MAProf. Marloes ten Bhömer
Prof. Axel Kufus
KM Hanna WiesenerStart: Di 21.04.2015, 16-18 Uhr, STR, R309
Alle Lehrenden und BA Studenten sind herzlich dazu eingeladen!
Guest: Kristine Salviejo
Date: Tuesday, 21st April 2015 | From 16:00
Kristine Salviejo studied at Parsons School of Design, NY, and recently moved to Berlin. After her fashion studies the young designer specialized in knitting and founded a knit studio called Para Dys with Giuliana Raggiani. The duo currently offers courses in Berlin and New York. Kristine has experience with a variety of clients, such as Nike, Alexander Wang, Art Basel, and Barney’s New York.
Guest: Julian Zigerli
Date: Monday, 4th May 2015 | From 16:00 (date to be confirmed)
Born and raised in Switzerland, Julian Zigerli graduated from UdK in 2015 before returning to his roots in Zurich to launch his successful label. He was awarded multiple fashion awards, operating nationally and internationally. He is an officially listed brand showing at Milan Men’s Fashion Week. He has further presented his collection in Paris, New York, London, Berlin and Seoul.
Guest: Helen Laura Gimber
Date: Tuesday, 26th May 2015 | From 16:00
Helen Laura Gimber is originally from Britain, currently based in Berlin. She is a surface pattern and fashion print designer who teaches textile technology and gives workshops on the activities of Clean Clothes Campaign. This afternoon she will introduce us to her design work and and her activism.
Excursion: BLESS BERLIN
Date: Wednesday, 27th May 2015 | From 16:00
BLESS is a well-known conceptual brand based in Berlin and Paris. UdK students are welcome to visit their store, known as BLESS HOME in Oderberger Straße, Prenzlauer Berg. The concept of this shop and residency is opening up to friends and fans who will be hosted by a different resident each period. BLESS HOME is fully equipped with a wide range of BLESS products: e.g. a working bed, printed wallpaper, original wardrobe systems, digital print beddings, a complete fashion wardrobe including sunglasses and jewels… At BLESS, nothing is what it seems to be and this afternoon will give you an insight in their Wunderkammer…
Attention: Limited to 2 groups, 6 students each. MA and BA students can sign up asap by writing an email to
Profession Design Vortrag
Design-Absolventen der UdK Berlin geben Auskunft und gewähren Einblick in eine facettenreiche Profession. Wir bitten Gäste aus dem professionellen Kontext zurückzuschauen und über ihre Erfahrungen zu sprechen: über die Ausbildung an der UdK, Berlin als Katalysator, hilfreiche Netzwerke, Plattformen und Partner – auf dem Weg in die großen und/oder das eigene Studio. Und wir bieten damit Gelegenheit für weiterführende Fragen.
Vorträge und Diskussion: 5. Mai 2015, 19 Uhr
“Diskursraum Auto”
Moderation: Prof. Axel Kufus
Susan Michel absolvierte 2009 den Diplom Studiengang Industrial Design an der Universität der Künste Berlin.
Ihr Studienschwerpunkt war die Verbindung zweier Disziplinen, Produkt- und Modedesign.
Seit 2010 arbeitet Sie bei Opel als Color & Trim Designer. Sie ist zuständig für den Außenfarben-Design Bereich und alle Advanced Color & Trim Aktivitäten. Susan lebt in Frankfurt am Main.
Kristof Speer begann sein UdK Studium 2004, wechselte nach dem Vordiplom zur KHB Weissensee wo er im Jahr 2010 sein Diplom erhielt. Im Laufe des Hauptstudiums absolvierte er Praktika bei Porsche Design Austria, im VW Designcenter Potsdam und im BMW Designstudio München wo in Kooperation auch seine Diplomarbeit entstand. Von 2011 bin 2014 war er Teil des BMW Interieurdesignteams und betreute unter anderem die Interieurlicht-Themen. Seit 2015 bearbeitet er als selbstständiger Designer Strategie- und Interaktionsprojekte für verschiedene Auftraggeber inner- und ausserhalb des automotiven Sektors.
Daniel Schulze absolvierte 2010 den Diplomstudiengang Industrial Design an der UdK. Seine Arbeiten erforschen das Spannungsfeld zwischen Design, Kunst und Technologie, aus Sicht eines Produktgestalters. Dabei steht für ihn nicht die Technik selbst, sondern gestalterische Entscheidungen in Bezug zur Interaktion und zum Erlebnis mit der Technik im Vordergrund. In den letzten Jahren erforscht er in seinen Arbeiten die Neugestaltung der Mensch-Maschine-Interaktion im Fahrzeug-Innenraum von Autos.
Der Abend bringt drei Absolventen der UdK und der KHB Weissensee wieder zusammen, deren Berufsbiographien seit ihrem Diplom ganz unterschiedliche Wege und Abzweigungen nahmen. Ihnen gemeinsam ist neben der gleichen Ausbildungsstätte die gestalterische Arbeit an und im Auto, ob als Freelance für verschiedene Unternehmen oder eingebunden in die Designabteilung führender, deutscher Autohersteller. Welche entwerferischen Herausforderungen und Fragestellungen damit verbunden sind und wie wandlungsfähig oder vielschichtig die Rolle des Designers innerhalb des Transportation Designs ist, wird Teil der einzelnen Vorträge und der anschliessenden Diskussionsrunde sein.
Adresse
Einsteinufer 43
10587 Berlin-Charlottenburg
Tel. +49 (0)30 3185 -2858
Fax +49 (0)30 3185 -2859
designtransfer[at]udk-berlin.de
Geschützt: SS 15 | HOT SPOTS | Am fliessenden Band | Recherche
Publikationen | WM Jan Sieber
Herausgeberschaft
Anthropology & Materialism. A Journal of Social Research. Discontinous Infinities. Benjamin and Philosophy, Sonderausgabe, 2017. (zusammen mit Sebastian Truskolaski)
Anthropology + Materialism. A Journal of Social Research. Myth, No. 2 (2014). (zusammen mit Marc Berdet)
Anthropology + Materialism. A Journal of Social Research. In the Magnetic Fields of Anthropology and Materialism, No. 1. (2014). (zusammen mit Marc Berdet, Sébastien Broca, Christos Lynteris, Carlos Perez, Meike Schmidt-Gleim)
Aufsätze (Auswahl)
„’Der Schatten des wildesten Interesses’. Sublimierung und Begehren in Adornos Ästhetischer Theorie“, in: Zeitschrift für Kritische Theorie, Nr. 44, 2017.
„’Always Crashing in the Same Car’. History and Repetition in Benjamin and Lacan“, in: Anthropology + Materialism. A Journal of Social Research. Discontinous Infinities. Benjamin and Philosophy, Sonderausgabe, hrsg. v. Jan Sieber und Sebastian Truskolaski, 2017.
„Técnica“, in: Glosario Walter Benjamin. Conceptos y figuras, hrsg. v. Esther Cohen und Marc Berdet, Mexico: UNAM, 2016.
„Resisting Myth“, in: Anthropology + Materialism. A Journal of Social Research. Myth, No. 2 (2014). (zusammen mit Marc Berdet)
„Allegorie und Revolte bei Baudelaire und Blanqui“, in: Kunst, Spektakel, Revolution, No. 4 (2014).
„Schweigen, Streiken, Vergessen. Zur Aktivierung durch Passivierung bei Walter Benjamin“, in: Theorien der Passivität, hrsg. v. Kathrin Busch und Helmut Draxler, München: Fink 2013, S. 217-235.
Vorträge (Auswahl)
11/2016 „’that which sees itself in him’. Max Ernst and the Object of Desire in Painting“, Konferenz Dream and Visuality. 1900-1930, Universität von Lausanne, Schweiz.
09/2016 „Ästhetiken der Kritik. Adorno, Foucault, Ranciere“, Jahrestagung der Gesellschaft für Medienwissenschaften, Freie Universität Berlin.
09/2016 „’today only exaggeration per se can be the medium of truth’. On the Dialectic of Exaggeration and Repetition in Adorno“, Konferenz Repetition/s, University of Ljubljana, Slowenien.
05/2016 „Dealing with the Invisible. The Function of modern art according to Marcel Gauchet’s Idea of a History of the Subject„, Workshop, Universität von Göttingen.
03/2016 „’Always Crashing in the Same Car’. History and Repetition in Benjamin and Lacan“, Symposium History as Tragedy, Comedy and Farce, American University Beirut, Libanon.
11/2015 „Walter Benjamin als Übersetzer. Warensprache, wahre Sprache… Universalsprache“, Literaturhaus, Berlin.
07/2015 „Beyond the Mimetic Principle. Kant with Lacan“, Konferenz Jaw versus Eye Attack, JVE A, Berlin.
06/2014 „’Blanqui’s deed was the sister of Baudelaire’s dream’. Language and Politics in Charles Baudelaire and Louis-Auguste Blanqui“, Konferenz Modernism Now!, The British Association for Modernist Studies, London, GB.
06/2014 „Allegory and Significance in Photography“, Veranstaltungsreihe parallax, Berlin.
05/2014 „’Shadowed by the wildest Interest’. Sublimation and Desire in Adorno’s Aesthetic Theory“, 7th International Critical Theory Conference, John Felice Rome Center of Loyola University Chicago, Rom, Italien.
12/2012 „Nihilism without end“, Symposium Nihilism, Destruction, Negativity. Walter Benjamin and the »Organization of Pessimism«, Jan van Eyck Academie, Maastricht, Niederlande.
10/2012 „Allegorie und Revolte bei Baudelaire und Blanqui. Walter Benjamins Zeugen der Urgeschichte des 19. Jahrhunderts“, Golem, Hamburg.
Publikationen | Prof. Dr. Kathrin Busch
Monographien
P – Passivität, Reihe: Stimmungsatlas in Einzelbänden, Hamburg: Textem 2012.
Geschicktes Geben. Aporien der Gabe bei Jacques Derrida, München: Fink 2004.
Herausgeberschaft
Das Ästhetisch-Spekulative, Paderborn: Fink 2021 (gemeinsam mit Georg Dickmann, Felix Laubscher und Maja Figge).
Radikale Passivität: Politiken des Fleisches, Ausst.-Kat., nGbK, Berlin 2020.
Wessen Wissen? Materialität und Situiertheit in den Künsten, Paderborn: Fink 2018. (gemeinsam mit Christina Dörfling, Kathrin Peters und Ildikó Szántó)
Andrea Winkler, Köln: Snoeck 2017.
Anderes Wissen, München: Fink 2016.
Aus stellen. Zur Kritik der Wirksamkeit in den Künsten, Zürich: diaphanes 2016. (gemeinsam mit Burkhard Meltzer und Tido von Oppeln)
Theorien der Passivität, München: Fink 2013 (gemeinsam mit Helmut Draxler).
Bildtheorien aus Frankreich. Ein Handbuch, Reihe: Eikones, München: Fink 2011 (gemeinsam mit Iris Därmann).
Künstlerische Transformationen. Modelle kollektiver Kunstproduktion und der Dialog zwischen den Künsten, Berlin: Reimer 2010 (gemeinsam mit Dagmar Jäger et al.).
Stefan Panhans. 5 Videos, Stuttgart: merz & solitude 2009.
A Portrait of the Artist as a Researcher. Andere Sinema – a visual culture quarterly 179 (2007) (Antwerpen MuHKA) (gemeinsam mit Dieter Lesage).
»pathos«. Konturen eines kulturwissenschaftlichen Grundbegriffs, Bielefeld: Transcript 2007 (gemeinsam mit Iris Därmann).
Philosophie der Responsivität. Festschrift für Bernhard Waldenfels zum 70. Geburtstag, München: Fink 2007 (gemeinsam mit Iris Därmann und Antje Kapust).
Jacques Derrida, Schwerpunktheft Journal Phänomenologie 23 (2005).
Aufsätze
„Das Gespenst der künstlerischen Forschung“, in: Kunstforum International, Bd. 277 (Oktober 2021), S. 57-68.
„Deflating the fetishes of knowledge. Über Knowledge beside Itself. Contemporary Art’s Epistemic Politics von Tom Holert“, in: Texte zur Kunst, Online-Ausgabe, Juli 2021. https://www.textezurkunst.de/articles/kathrin-busch-deflating-fetishes-knowledge/
„zweifeln“, in: Das Wissen der Künste ist ein Verb – Ein Glossar. Online-Publikation des DFG-Graduiertenkollegs „Das Wissen der Künste“, No. 10 (2021). https://www.wissenderkuenste.de
„Selbstverlust als Wissensform“, in: Selbstverlust und Welterfahrung. Erkundungen einer pathischen Moderne, hrsg. v. Björn Bertrams und Antonio Roselli, Turia + Kant: Wien 2021, S. 212-225.
„Digitales Fleisch. Spekulieren mit künstlichen Körpern“, in: Das Ästhetisch-Spekulative, hrsg. v. K.B. et al., Paderborn: Fink 2021, S. 63-86.
„The Aesthetics of Radicalized Passivity“, in: Unworking, hrsg. v. Peer Illner, Berlin: August Verlag: Berlin 2021.
„Kräfte ästhetischen Denkens“, in: Studium Generale – als Einübung in Paradoxien. Diskurse, Verortungen und Schaustücke, hrsg. v. Thomas Düllo et al., Berlin 2020, S. 247-251.
„Ästhetische Amalgamierung. Zu Kunstformen der Theorie“, in: Feld – Zeitschrift der HFBK, Heft 49 (2019), S. 3-11 (Wiederabdruck).
„Das Wahre, das Unangenehme und die Rissigkeit des Selbst“, in: Unangenehme Gefühle 2. Lügen, hrsg. v. Sonja Cvitkovic & Megan Francis Sullivan, Berlin: Black Palms S*I*G Verlag 2019, S. 10-15.
„Phantasmagorical Research: How Theory Becomes Art in the Work of Roland Barthes“, in: Artistic Research and Literature, ed. by Corina Caduff and Tan Wälchli, München/ Amsterdam: Fink 2019, S. 185-193. https://doi.org/10.30965/9783846763339
„Kunstformen der Theorie. Zum Künstlerisch-Werden des Denkens beim späten Roland Barthes“, in: allmende 101 (2018), S. 35-50.
„Kräfte ästhetischen Denken“, in: Diversität im Dialog – Gestaltung von Diversität, hrsg. v. Thomas Düllo et al., Berlin 2018 (im Erscheinen).
„Ästhetik des Fleisches. Sensibilität bei Claire Denis und Jean-Luc Nancy“, in: Burkhard Liebsch (Hg.), Sensibilität der Gegenwart. Wahrnehmung, Ethik und politische Sensibilisierung = Sonderheft der Zeitschrift für Ästhetik und Kunstwissenschaft, Bd. 17 (2018), S. 235-251.
„Das Bild zur Lektüre. Zu einigen Zeichnungen von Patrizia Bach / Reading the Image. On a Few of Patrizia Bach’s Drawings“ (Wiederabdruck & Übersetzung), in: Patrizia Bach, Passagen-Arbeit. Zeichnungen zu / Drawings on Walter Benjamin, Berlin: Revolver 2017, S. 216-229.
„Fetisch“, in: Oh… Jakob Lena Knebl und die mumok Sammlung, Köln: Verlag der Buchhandlung Walther König, 2017, o. S.
„Ästhetiken radikalisierter Passivität“, in: Pathos/Passibilität. Internationales Jahrbuch für Medienphilosophie 3 (2017), S. 51-79.
„Wild things“, in: Andrea Winkler, hrsg. v. Kathrin Busch, Köln: Snoeck 2017, S. 8-34 und 105-119.
„Rehearsing Failure“, in: Putting Rehearsals to the Test. Practices of Rehearsal in Fine Arts, Film, Theater, Theory, and Politics, hrsg. v. Sabeth Buchmann, Ilse Lafer und Constanze Ruhm, Berlin 2016, S. 130-137.
„Wissen anders denken“, in: Anderes Wissen, hrsg. v. Kathrin Busch, München: Fink 2016, S. 10-33.
„Das Bild zur Lektüre. Zu den Zeichnungen von Patrizia Bach“, in: Anderes Wissen, hrsg. v. Kathrin Busch, München: Fink 2016, S. 176-187.
„Ästhetische Amalgamierung. Zu Kunstformen der Theorie“, in: Wie verändert sich Kunst, wenn man sie als Forschung versteht?, hrsg. v. Judith Siegmund, Bielefeld: Transcript 2016, S. 163-178.
„Figuren der Deaktivierung“, in: Aus stellen. Zur Kritik der Wirksamkeit in den Künsten, hrsg. v. Kathrin Busch, Burkhard Meltzer und Tido von Oppeln, Zürich: diaphanes 2016.
„Über das Kitzeln“, in: Ränder der Darstellung. Leiblichkeit in den Künsten, hrsg. v. Christian Grüny, Weilerswist: Velbrück 2015, S. 171-179.
„Affection and Contagion“, in: Art in the Periphery of the Center, hrsg. v. Christoph Behnke et al., Berlin: Sternberg Press 2015, S. 68-80.
„Exposition as Form-of-Life“, in: Post-Studio Tales, hrsg. v. Daniel Falb, Ulrike Gerhardt, Friedemann Heckel mit John Beeson, Hamburg: Textem 2015, S. 31-39.
„Essay“, in: Künstlerische Forschung. Ein Handbuch, hrsg. v. Jens Badura et al., Zürich/Berlin: diaphanes 2015, S. 235-238.
„Kunst und Design“, in: Begriffslexikon zur zeitgenössischen Kunst, hrsg. v. Hubertus Butin, Köln: Snoeck 2014, S. 169-173.
„Künstlerische Forschung“, in: Bild. Ein interdisziplinäres Handbuch, hrsg. v. Stephan Günzel und Dieter Mersch, Stuttgart/Weimar: Metzler 2014, S. 453-458.
„John Stezaker und das ästhetische Unbewusste“, in: Psychoanalyse. Texte zur Sozialforschung 18 (2014), S. 5-19.
„Künstlerische Recherche und Poetiken des Wissens“, in: Vorsicht Wagnis. Kunst – Wissen – Forschen, hrsg. v. Susanne Märtens und Hannes Böhringer, Nürnberg: Verlag für moderne Kunst 2013, S. 40-49.
„Heidegger und die Kunst“, in: Heidegger-Handbuch, hrsg. v. Dieter Thomä, Stuttgart: Metzler 2013.
„Elemente einer Philosophie der Passivität“, in: Theorien der Passivität, hrsg. v. K.B. und Helmut Draxler, München: Fink 2013, S. 14-31.
„Anderes Wissen – Traumbilder, Imagination und das ästhetisch Unbewusste. Eine Miniatur“, in: Paradoxalität des Medialen, hrsg. v. Jan-Henrik Möller, Jörg Sternagel u. Leonore Hipper, München: Fink 2013, S. 223-235.
„Gegeben sei: das Unsichtbare. Zur Anökonomie des Bildes“, in: BildÖkonomie. Haushalten mit Sichtbarkeiten, hrsg. v. Emmanuel Alloa u. Francesca Falk, Reihe: Eikones, München: Fink 2013, S. 371-393.
„Aktant“, „Gabe“, „Pathos“, in: Lexikon der Raumphilosophie, hrsg. v. Stephan Günzel, Darmstadt: Wissenschaftliche Buchgesellschaft 2012, S. 19f., 131f., 300.
„Jean-Luc Nancy. Exposition und Berührung“, in: Leiblichkeit. Begriff, Geschichte und Aktualität eines Konzepts, hrsg. v. Emmanuel Alloa et al., Tübingen: Mohr Siebeck 2012, S. 305-319.
„Jacques Derrida“, in: Bildtheorien aus Frankreich. Ein Handbuch, hrsg. v. K.B. und Iris Därmann, Reihe: Eikones, München: Fink 2011, S. 125-137.
„Wissensbildung in den Künsten – eine philosophische Träumerei“, in: Texte zur Kunst 82 (2011), S. 70-80.
„Philosophischer Essayismus im Zeitalter künstlerischen Experimentierens“, in: Virtualität und Kontrolle, hrsg. v. Hans-Joachim Lenger, Michaela Ott, Sarah Speck und Harald Strauß, Hamburg: Textem Verlag 2010, S. 152-164.
„Kraft der Räume“, in: Die Religion des Raumes und die Räumlichkeit der Religion, hrsg. v. Thomas Erne und Peter Schüz, Göttingen: Vadenhoeck & Ruprecht 2010, S. 53-66.
„Aufpfropfen, Kontaminieren, Parasitieren. Zur Ästhetik der Transformation“, in: Künstlerische Transformationen. Modelle kollektiver Kunstproduktion und der Dialog zwischen den Künsten, hrsg. v. Dagmar Jäger et al., Berlin: Reimer 2010, S. 22-28.
„Bernhard Waldenfels. Kultur als Antwort“, in: Kultur.Theorien der Gegenwart, hrsg. v. Stephan Moebius und Dirk Quadflieg, 2. erweiterte und aktualisierte Ausgabe, Wiesbaden: Verlag für Sozialwissenschaften 2010, S. 290-299.
„Kunst – Geben“, in: feld 04 (2010), S. 22-30.
„Enklaven im Selbst. Die Figur der Ent-/Aneignung bei Derrida“, in: Das Fremde im Selbst – das Andere im Selben. Transformationen der Phänomenologie, hrsg. v. Matthias Flatscher und Sophie Loidolt, Würzburg: Königshausen & Neumann 2010, S. 176-188.
„Raum geben. Aporien der Gastlichkeit bei Derrida“, in: Unsichere Zeiten. Kongressband Soziologie Jahrestagung 2008, Wiesbaden: Verlag für Sozialwissenschaften 2010.
„Klossowski, Pierre“, in: Die französische Philosophie im 20. Jahrhundert. Ein Handbuch, hrsg. v. Thomas Bedorf und Kurt Röttgers, Darmstadt: Wissenschaftliche Buchgesellschaft 2009, S. 173-175.
„Artistic Research and the Poetics of Knowledge“, in: Art and Research, Vol. 2 (2009), www.artandresearch.org.uk (Wiederveröffentlichung)
„Subversion des Bildes. Zu den Spuren der surrealistischen Bildauffassung in der französischen Gegenwartsphilosophie“, in: Zeitschrift für Ästhetik und Allgemeine Kunstwissenschaft 54/1 (2009), S. 7-25.
„Wissenskünste. Künstlerische Forschung und ästhetisches Denken“, in: Kunst des Forschens, hrsg. v. Elke Bippus, Zürich/ Berlin: diaphanes 2009, S. 141-158.
„Angst“, in: Stefan Panhans. 5 Videos, hrsg. v. K.B., Stuttgart: merz & solitude 2009, S. 75-85.
„Topographien der Heimsuchung“, in: Zugänge, Ausgänge, Übergänge. Konstitutionsformen des sozialen Raumes, hrsg. v. Thomas Bedorf und Gerhard Unterthurner, Würzburg: Königshausen & Neumann 2009, S. 41-53.
„Kraft der Dinge. Notizen zu einer Kulturtheorie des Designs“, in: Image. Zeitschrift für interdisziplinäre Bildwissenschaft 8 (2008). http://image-online.info/
„Künstlerische Forschung – Potentialität des Unbedingten“, in: Blind Date. Zeitgenossenschaft als Herausforderung, hrsg. v. Viktor Kittlausz, Gabriele Mackert und Winfried Pauleit, Nürnberg: Verlag der Kunst 2008, S. 88-97.
„Wie gesprochen werden. Zur Passion der Rede bei Jacques Derrida“, in: Nicht(s) sagen. Strategien der Sprachabwendung im 20. Jahrhundert, hrsg. v. Emmanuel Alloa und Alice Lagaay, Bielefeld: Transcript 2008, S. 101-114.
„Artistic Research and the Poetics of Knowledge“, in: AS – a visual culture quarterly 179 (2007), S. 36-45.
„Raum, Kunst, Pathos. Topologie bei Heidegger“, in: Topologie, hrsg. v. Stephan Günzel, Bielefeld: Transcript 2007, S. 115-131.
„Hybride. Der Raum als Aktant“, in: Kultureller Umbau. Räume, Identitäten, Re/Präsentationen, hrsg. v. Kerstin Mey, Yvonne Spielmann und Meike Kröncke, Bielefeld: Transcript 2007, S. 13-28.
„Künstlerische Transformationsprozesse zwischen Aneignen und Befremden“, in: Ästhetik und Kommunikation 137 (2007), S. 23-29.
„Einleitung“, in: »pathos«. Konturen eines kulturwissenschaftlichen Grundbegriffs, hrsg. v. K.B. und Iris Därmann, Bielefeld: Transcript 2007, S. 7-31 (gemeinsam mit Iris Därmann).
„Ansteckung und Widerfahrnis. Für eine Ästhetik des Pathischen“, in: »pathos«. Konturen eines kulturwissenschaftlichen Grundbegriffs, hrsg. v. K.B. und Iris Därmann, Bielefeld: Transcript 2007, S. 51-73.
„Vorwort“, in: Philosophie der Responsivität. Festschrift für Bernhard Waldenfels zum 70. Geburtstag, hrsg. v. K.B., Iris Därmann und Antje Kapust, München: Fink 2007, S. 7-14 (gemeinsam mit Iris Därmann).
„Bruchlinien der Raumerfahrung“, in: Philosophie der Responsivität. Festschrift für Bernhard Waldenfels zum 70. Geburtstag, hrsg. v. K.B., Iris Därmann und Antje Kapust, München: Fink 2007, S. 59-72.
„Dingsprache und Sprachmagie. Zur Idee latenter Wirksamkeit bei Walter Benjamin“, in: Politics of Translation, eipcp Webjournal Translate, www.translate.eipcp.net (2006) (dt./engl.).
„Pathische Repräsentation“, in: Handlung, Kultur, Interpretation. Zeitschrift für Sozial- und Kulturwissenschaften 15 (2006), S. 349-375.
„Vorbemerkung zum Spiel“ und „Umschaffen umdenken“, in: Stille Post!, Ausstellungskatalog, hrsg. v. Sigrid Haase, Berlin: Universität der Künste 2006, S. 7-9 und S. 29-34.
„Befremdliche Räume“, in: Sic et Non. Zeitschrift für Philosophie und Kultur im Netz 4 (2005), www.sicetnon.org.
„Derrida überleben – zum Schwerpunktthema“ und „Das Bild zum Empfang“, in: Journal Phänomenologie 23 (2005), S. 4-7 und S. 23-30.
„›…dass gut schenken eine Kunst ist‹. Für eine Ästhetik der Gabe“, in: Zeitschrift für Ästhetik und allgemeine Kunstwissenschaft 50/1 (2005), S. 27-55.
„Bilderschrift und kartographischer Eingriff“, in: EIPCP. Multilingual Webjournal (2004), wieder abgedruckt in: Republic art. Practices, hrsg. v. Bernhard Hummer u.a., Wien 2005, S. 201-208.
„Besessenheit und Ansteckung. Formen pathischer Repräsentation“, in: Eingreifen. Viren, Modelle, Tricks, hrsg. v. Andrea Sick u.a., Bremen: Thealit 2003, S. 323-333.
„Verspiegelt“, in: Many Happy Returns, Ausstellungskatalog, hrsg. v. Bettina von Dziembowski, Frankfurt a.M.: Revolver 2003, S. 25-32.
„Auszug aus dem unveröffentlichten Briefwechsel zwischen Martin Heidegger und Otto Pöggeler“, eingel. v. O. Pöggeler, in: Studia Phaenomenologica. Romanian Journal for Phenomenology, Vol. 1, No. 3-4 (2001), S. 11-35 (hrsg. gemeinsam mit Christoph Jamme).
Miszellen
„Kitzeln – eine Erregung“, in: Skulpi III (2015), S. 62-65.
„Gabe “, in: Formen der Selbstorganisation, hrsg. v. Hans-Christian Dany et al., Hamburg 2012 (im Erscheinen)
„Parasit, Parasitentum“, in: Formen der Selbstorganisation, hrsg. v. Hans-Christian Dany et al., Hamburg 2012 (im Erscheinen)
„Fremdeste Ferne – noch in der Berührung. Zu den Paradoxien des Bildes in der Malerei von Peter Holl“, in: Nähe im Überblick. Peter Holl, Ausst.-Kat., Galerie der Stadt Backnang, Backnang 2011, S. 4-6.
„Echos aus Malls“, in: Stefan Panhans. Alicja Kwade,Ausstellungskatalog. Kunsthaus Hamburg, Hamburg 2008, S. 5-8.
„OLGA in der Galerie Kai Hoelzner“, in: vonhundert 2 (2008), S. 22.
„Licht-Spiel-Raum“, in: Jürgen Albrecht. Licht und Raum, Ausstellungskatalog, Hamburger Kunsthalle, Hamburg 2005, o.S.
„Bildschön / Real Vision“ (dt./ engl.), in: Stefan Panhans. Künstlerstätte Schloss Bleckede, Lüneburg 2005, o.S.
„Die Tode Derridas“, in: Camera Austria 88 (2004), S. 98.
„Transform site“, in: Journal For Northeast Issues. Art and Related Disciplines, No. 2 (2003), S. 22-23 (gemeinsam mit E. Bippus u.a.).
Ästhetisches Denken – Kunstformen der Theorie | Prof. Dr. Kathrin Busch

Die zunächst euphorisch begrüßte künstlerische Forschung steht heute unter dem Verdacht, das künstlerische Denken den wissenschaftlichen Anforderungen zu opfern. Die eigenständigen Wissensformen der Künste scheinen ebenso in den Hintergrund zu geraten wie die ästhetischen Verfahren innerhalb der Philosophie, mit denen seit der Romantik in Essays, Aphorismen und Denkbildern experimentiert wird. Im Seminar soll mit Methoden eines offenen, experimentieren Denkens bekannt gemacht werden, das sich einer Einzwängung in die Wissenschaft entgegenstellt. Neben dem literarischen und philosophischen Essay wird auch dem Essayismus in Film und Video sowie Modellen und Diagrammen als Formen ästhetischer Wissensproduktion nachgegangen. Die Frage, auf welche Weise das ästhetische Denken ein anderes Wissen hervorbringt, welche Rolle der Einbildungskraft dabei zukommt, wie das ästhetische Unbewusste, Affektivität und Materialität in dieses Denken hineinspielen, soll Gegenstand der gemeinsamen Diskussionen und Lektüren sein.
Modul 16 || Kulturwissenschaften || Studium Generale
Mi. 12-15 || Raum 207 || Beginn: 15. April
Programm SS 2015

Fluss oder Regen
basisprojektProdukt + basisprojektMode
Einführung in den Entwurf
Modul 1, Designgrundlagen
Prof. Robert Scheipner
KM Johanna Dehio
KM Franziska Schreiber
Prof. Wowo Kraus
Dorothée Warning
Silvia Schüller
LB Dipl. Des. Marco Warmuth
LB Dipl. Des. Ivo Woijcik
+ Gäste
Start: 13.4.2015
Mo 10–17 Uhr, Di 13–17 Uhr
basislabor, STR, R008
Einführung in den Entwurf über zwei parallele, miteinander verbundene Basisprojekte mit den Schwerpunkten Produkt und Mode.
Beide Projekte beziehen sich auf das Motiv „Fluss oder Regen“. Diesen Bezug gilt es in einem angeleiteten Entwurfsprozeß zu definieren und zu gestalten und zwar über Recherche, Experimente, Ideenfindung, Teambesprechungen, Kolloquien, Teamarbeit, Modellversuche, Entwurfsmodelle, Dokumentation und Darstellung.
Dreh und Angelpunkt für das basisprojektProdukt ist das Haut-Rippen-Prinzip wie es im Faltboot, dem Regenschirm oder dem Zelt Anwendung findet.
Wasser von oben, Wasser von unten, am oder im Wasser – modische Antworten gibt es darauf viele. Ausgangspunkt für das basisprojektMode ist die Recherche von Klassikern der Regen-, Wetter- und Wasserschutzbekleidung deren Image, Atmosphäre und Typologie. Die Auseinandersetzung mit Silhouetten, Volumen, Konstruktionen, Verarbeitung, funktionalen und/oder modischen Details bildet die Grundlage für ein Minikonzept zum Entwurf eines Rockes.
Abschlusspräsentationen vom 7. – 10. 4. 2015
Die studiengänge MODE- UND PRODUKTDESIGN laden vom 7. bis 10. April
zu den Abschlusspräsentationen der BA- und Diplomstudierenden
des Wintersemester 2014/15 ein.
Eine detailierte übersicht FINDEN SIE HIER: abschlusspraesentationen-wintersemester201415
Endpräsentation des Hauptstudiums
Macht und Mode // WS 2014/15 // Hauptstudium
Das Hauptstudium präsentierte Ihre Kollektionen Mitte Februar 2015 in einer Off-Location in Wedding, einem Rohbau, welche die Studenten selbst organisierten. Neben vier verschieden inszenierten Tableaux Vivantes konnte man auch eine Performance zu Gesicht bekommen.
Lehrende: Prof. Wowo (Waldemar) Kraus // KM Franziska Schreiber
Studierende: Aicha Abbadi // Lenny Murr // Lilo Klinkenberg // Lisa Oberländer // Marie Akoury
Personen_basislabor
Papierorchester, 2015
Abschlusspräsentation
35 Studierende aus dem Studiengang Mode/Produkt Design zeigen Ergebnisse aus dem ersten Semester Designgrundlagen in einer ca. 40-minütigen Performance und anschliessender Ausstellung.
Mit Papierorchester ist die Orchestrierung unterschiedlicher Aspekte des gestalterischen Umgangs mit Papier bezogen auf Materialität, Form, Raum, Ausdruck, Klang, Körper, Interaktion und Präsentation.
Im Mittelpunkt steht die Einführung, Entdeckung und Aneignung des Entwurfes als dialogischer Prozess, über die Entwicklung eines Erfahrungsfeldes (Recherche, Experiment, Variantenbildung), differenzierte Selektion (Kriterienbildung, Entscheidungsfähigkeit) und die Ausbildung artikulierter Kompetenz (Diskurs, Reflexion, Darstellung).
Montag, 09. Februar, Aula, 3D Haus UdK, Strasse des 17. Juni 118.
basislabor // Prof. Robert Scheipner, KM Dipl. Des Johanna Dehio // 2015
test
text
Schnitt
Schnittseminar // Raum 312
Während des Grundstudiums vom 1. bis 4. Semester findet ein wöchentliches Schnittseminar statt. In den ersten beiden Semestern werden die Grundlagen der Schnittkonstruktion vermittelt; im 3. und 4. Semester liegt der Fokus auf der Entwicklung von Modellschnitten.
Parallel wird die Technik der Drapage gelehrt.
Die Werkstatt bietet ein Schnittarchiv, aus dem sich jeder Studierende Grund- bzw. Modellschnitte und die dazu gehörenden Nesselmodelle, für die Realisierung der Projektideen, ausleihen kann.
Während der Projekte werden die Arbeiten schnitttechnisch betreut und Anproben durchgeführt, sowie Verarbeitungsdetails besprochen.
Die Schnitterstellung mittels CAD GRAFIS und ASSYST und die 3D Darstellung am Computer werden projektbezogen unterrichtet.
Nähen
Nähwerkstatt // Raum 302/305/306
Betreuung beim Realisieren der entworfenen Modelle, d.h. Nähanleitungen; Hilfe bei Anproben und Zuschneiden, Nähexperimente bei der Stoffwahl.
Neben der Verarbeitung von normalen Stoffen haben wir auch Maschinen zum nähen von Leder, elastischen Materialien und Pelz. Wir experimentieren auch mit für Bekleidung unüblichen Materialien, einfach fragen!
Nähpraktikum in den Semesterferien.
Färben
Färberei // Raum 317a
Do 10 – 18 Uhr
Tutoren: Maja Svartåker, Louisa Krüger
Die Textilsiebdruckwerkstatt und die Färberei sind ausgestattet mit einem großen Drucktisch, einer großen Auswahl an Siebdruckschablonen, Bügelpresse, Dämpfer und Profiherd zum Färben, Waschmaschine, Trockner.
Siebdruckwerkstatt // Raum 318
Do 10 – 18 Uhr
Tutoren: Maja Svartåker, Louisa Krüger
Die Textilsiebdruckwerkstatt und die Färberei sind ausgestattet mit einem großen Drucktisch, einer großen Auswahl an Siebdruckschablonen, Bügelpresse, Dämpfer und Profiherd zum Färben, Waschmaschine, Trockner.
Stricken
Weben
Weberei // Raum 314
In der Webereiwerkstatt befinden sich insgesamt 9 Webstühle, davon sind 3 Webstühle der Firma ARM elektronisch und über die Webereisoftware Pointcarré gesteuert. Bei den restlichen Webstühlen handelt es sich um mechanische Tastatur-Webstühle, die zum Einstieg in die Weberei sehr gut geeignet sind.
Die maximale Webbreite am großen ARM-Webstuhl beträgt 1,20m, dies erlaubt das Herstellen breiter Metragen, die sich gut für die Weiterverarbeitung zu Bekleidung oder größeren textilen Produkten eignen.
Die anderen Webstühlen haben eine Webbreite zwischen 50 und 70cm und 8 – 16 Schäfte.
Einige Webstühle haben 2 Kettbäume, zum Weben von mehrlagigen Geweben oder Faltengeweben.
Das Verweben feiner Garne mit hohen Kettdichten ist ebenso möglich wie das Herstellen grober, schwerer Gewebe aus textilen und nichttextilen Materialien.
In Kombination mit Garnfärberei, Kettdruck oder Nachbehandlungen wie Überfärben oder Waschen lassen sich je nach Material spannende Effekte erzielen.
In der Regel finden die Webereiseminare zu einem bestimmten Thema im Wintersemester statt, im Sommersemester kann frei gearbeitet werden. Selbstständiges Arbeiten an den Webstühlen ist erst nach einem Webereiseminar oder einer Einführung durch die entsprechende Lehrbeauftragte möglich.
Der Garnverkauf erfolgt zu bestimmten Zeiten über die Tutoren – siehe Aushang an Raum 314
MA Design 2014-15
Product and Fashion designers search for a contemporary expression of the spirit of their own time and as a result are also able to shape the times in which they live and operate. However to what extend can designers shape the workings of their own field, which have huge cultural, environmental, social, political and economic consequences?
Design and the design industry function as a system. A system is a set of interacting or interdependent components forming an integrated whole. This UdK Master program aims to take a closer look at how the design system operates within society at large and asks students to research and dissect an element of the existing system in order to identify flaws, opportunities, and misunderstandings. Informed by their findings students aim to challenge, subvert, create alternatives or commentaries on or for this tightly wound machine.
TRANSFECTION AS A DESIGN METHOD
The term “ transfection “ is borrowed from biology and means; the reclassification of genes; the smuggling of foreign DNA into a cell with the aim to change that cell for time to come. The transfection method can be adopted as method in the design process, but can also be understood as a critical gesture that tries to modify a given system with minimal means. The UdK’s Master program aims to test the method of transfection as a means to create alternatives to and critically reflect on this system through the use of interdisciplinary methods, techniques and debates.
INTERDISCIPLINARY
We have invited students from various creative backgrounds to work on their personal projects within an intensive multidisciplinary environment thereby enabling them to reflect upon different discipline methodologies, processes, outputs and dominant interests within their field, in order to stimulate synergy between different fields, to differentiate and enrich their work.
AIM OF THE COURSE AND FOR THE STUDENTS
The course is specifically aimed at opening up industries’ role, designers’ roles and stimulating the debate about design methodology, societal and field related issues. We expect students to initiate and develop investigative questions and ideas that inform the field and don’t just follow the industry. After graduation, students need to be able to work independently as artists or designers and will be prepared for creative and visionary academic research.
COURSE STRUCTURE
During the first half-year, the 15 participating students carry out research into their field of interest and formulate questions in order to understand the aim and context of their work. The last half-year is spend on finalising the actual work and to find the most suitable way in which to communicate their project and ideas.
Every week, the students receive intensive supervision from their tutors and guest tutors. In addition, external experts are also invited to contribute their knowledge to the program and individual projects during a series of lectures and the master colloquia. These colloquia are partly organised by the students themselves and are used as a platform for exchanging contant and discussion, but is also a means to directly engage with an audience beyond academia.
SPECIFIC AREAS OF INTEREST
Specific areas of interest are: the shifting of economic and social structures though design, the reinterpretation of the typology of objects and space, the possibilities and value of craft and industrial manufacturing in the 21st century, diversifying modes of dissemination of design and manufacturing possibilities in relation to material culture.
VOLT ON WHEELS – Kim Shin
Team IDK
UDK GRADUATES at IMM COLOGNE 2015
GRADUATES 2015 at IMM COLOGNE
15 Absolventen präsentierten ihre Abschlussarbeiten AUF DER MÖBEL MESSE KÖLN /IMM.
High-Tech-Turnschuh, schwebendes Licht à la Houdini, poetische Analogien, Meth-Labor und Waffenunternehmen – von zukunftsweisender Produktgestaltung über forschende Studien zu Material und Technik, bis hin zu konzeptionellen und künstlerischen Arbeiten, die kulturelle, wissenschaftliche und gesellschaftliche Themen aufgreifen, um neue Wege zu gehen und relevante Fragen für die Zukunft zu stellen – die unterschiedlichen gestalterischen Positionen zeigen auf, welche Wirkungsmächte Design heute entfalten kann – und sollte!
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15 industrial design Graduates were presenting their final projects AT THE COLOGNE FURNITURE FAIR / IMM .
High-Tech-Sneakers, a Houdini-like levitating light, poetic analogies, a meth-lab and a weapons enterprise – ranging from forward-looking product design, studies on material and technology, to conceptual and artistic works, dealing with cultural, scientific and social topics to stike out on new paths and raising relevant questions on our future – all these different approaches towards product design identify which influential impact design has today – and should have!
Papier Orchester
Einladung
35 Studierende aus dem Studiengang Mode/Produkt Design zeigen Ergebnisse aus dem ersten Semester
Designgrundlagen in einer ca. 40-minütigen Performance und anschliessender Ausstellung.
Am Montag, 09. Februar, 18 Uhr in der Aula im 4. Obergeschoß der UdK, Strasse des 17. Juni 118.
Papier Orchester
meint die Orchestrierung unterschiedlicher Aspekte des gestalterischen Umgangs mit Papier bezogen auf Materialität, Form, Raum, Ausdruck, Klang, Körper, Interaktion und Präsentation.
Im Mittelpunkt steht die Einführung, Entdeckung und Aneignung des Entwurfes als dialogischer Prozess, über die Entwicklung eines Erfahrungsfeldes (Recherche, Experiment, Variantenbildung), differenzierte Selektion (Kriterienbildung, Entscheidungsfähigkeit) und die Ausbildung artikulierter Kompetenz (Diskurs, Reflexion, Darstellung).
Semester-Endpräsentationen
Eine Übersicht über alle Präsentationstermine steht unter presentationstermine-final-WS14-15 bereit.
Vortrag: Cucula – Prototyping a Company
CUCULA – DAS UNTERNEHMEN VON UND FÜR FLÜCHTLINGE
CUCULA ist ein Modellprojekt, das fünf Flüchtlingen hilft, sich selbst eine Zukunft aufzubauen.
DIE IDEE
Durch die Produktion von Designklassikern, die Wegzeichen ihrer Reise über das Mittelmeer integrieren, verleihen sie ihrer eigenen Geschichte und der Vision einer selbstbestimmten Zukunft Ausdruck. Um eine berufliche Perspektive aufbauen und eine Ausbildung anpacken zu können, brauchen die fünf Flüchtlinge eine Aufenthalts- und Arbeitsbewilligung.
Durch den Verkauf der Möbel werden fünf Ausbildungsstipendien realisiert welche den Weg hierzu ebnen.
WER SIND DIE FÜNF TRAINEES?
Ali, Maiga, Saidou, Moussa und Malik stammen aus Westafrika, aus Niger und aus Mali. Sie haben ihre Heimatländer
verlassen, weil Krieg und Dürre alle Grundlagen für ihre Zukunft zerstört haben. Sie haben die mörderische Bootsfahrt über das Mittelmeer überstanden, über Lampedusa und Italien sind sie schließlich nach Deutschland eingewandert.
In Berlin möchten sie bleiben und für ihren Unterhalt sorgen.
CUCULA möchte den Flüchtlingen helfen, die Stigmatisierung als „Opfer“ zu durchbrechen, gleichzeitig ihre Selbstwirksamkeit zu entfalten und sich eine Perspektive auf ein selbstbestimmtes Leben zu eröffnen.
DIE AUSBILDUNG
Seit einigen Monaten unterhält cucula eine eigene Werkstatt, in der gemeinsam mit Designern und Pädagogen ein lebendiger Produktionsraum entstanden ist. Hier entstehen im Spannungsfeld von afrikanischer Tradition und europäischer Moderne Werkstücke. Wissen über Holzverarbeitung, Konstruktion und Planung werden vermittelt. Darüber hinaus bietet CUCUCLA schulische Angebote wie Deutschunterricht, Alltagshilfen und Rechtsberatung – Cucula Education. Ausgestattet mit einem Ausbildungsstipendium kann für jeden der Flüchtlinge in Zukunft ein Visum zwecks Ausbildung erreicht werden: eine stabile Lösung, die gleichzeitig ein ökonomisch tickendes Integrationsmodell etabliert.
DIE MÖBEL
Die Möbel von CUCULA sind nicht nur Designklassiker, sondern stehen für die Geschichten ihrer Erbauer. Sie basieren auf dem Buch „Autoprogettazione“ von Enzo Mari, das 1974 mit seinen 19 Möbelentwürfen zum Selbstbau einen Meilenstein im Design formuliert. Entworfen als Gegenentwurf zum Formalismus und gedacht als Demokratisierung des Designs provozierte Enzo Mari eine Identifikation mit den eigenen Möbeln und einen Lern- und Reflexionsprozess. 40 Jahre später räumt er dem Team von CUCULA das Recht ein, die Modelle zu nutzen. Gute Voraussetzungen für einen realen Wirtschaftsbetrieb! Durch den Verkauf von Werkstücken und durch Spenden soll nun der Ausbildungsbetrieb finanziert werden.
Papierköpfe
- Gruppe Weiss
- Moriel Blau
- Anna Petersen
- Sophie Stanitzek
- Emilia Knabe
- Lea Wittich
- Lea Wittich
- Katharina Achterkamp
- Gruppe Cube
- Julius Terhedebrügge
- Louisa Krüger
- Lisa-Mia Kather
- Maja Avant
- Maja Avant
- Marlene
- Gruppe 6 Gestalten
SIEBDRUCK WORKSHOP
// WS 2013/14
Kurzzeitprojekt Körperschmuck-Klangobjekte
„Körperschmuck-Klangobjekte“ ist ein Experiment, bei dem das Zusammentreffen von Klang, Objekt und Körper erforscht wird.Durch experimentelle Annäherung werden akustische Qualitäten und Gesten sensibilisiert und dienen als Gestaltungsmaterial zur Entwicklung von Körperschmuck. Es gilt ein auditives Pendant, ein klangliches gegenüber oder auch eine musikalische Interpretation dessen zu erarbeiten, was sich zwischen Subjekt und Objekt abspielt.Wann ist das Körperschmuck-Klangobjekt ein eigenständiges Objekt und wann ein Teil des Körpers? Wie kann ich Erwartungshaltungen benutzen oder gewollt mit Ihnen brechen? Welche Rolle spielt dabei der Klang? Körper und Objekt treten in Beziehung und lassen eben diese Grenzen verschwimmen. Das Objekt bzw. der Klang folgt den Bewegungen des Körpers – ungehörte Momente werden hörbar gemacht.
Projektleiter: Jana Patz (Modedesign) //Amelie Hinrichsen (Produktdesign) // Tilmann Dehnhart (Jazz) // Joshua Rutter (Tanz / Choreographie) // Sibel Celik (Modedesign)
INTERVIEW MIT WANDA WOLLINSKY
„WENN ICH EINEN FILM DREHEN KÖNNTE, DANN WÄRE DIE KULISSE VOLL MIT HOCHHÄUSERN. PLATTENBAU AN PLATTENBAU UND GENZ GANZ VIELE STRAßEN.“
Du studierst im dritten Semester Modedesign an der UdK. Was interessiert Dich an Mode?
Mode ist ein Kommunikationsmittel nach außen. Das ist so das, woran man alle Leute zuerst klassifiziert, die man eigentlich gar nicht kennt. Mode fasst alles zusammen. Es geht um mehr, als um das was man trägt. Sie spiegelt wieder, welche Filme gerade im Kino kommen, welche Musik man hört oder welche Musik es gerade gibt.
Worum geht es in ‚The Planetary Catwalk’, Deinem Projekt, das von Prof. Marloes ten Bhömer und Franziska Schreiber betreut wird?
Ziel ist es, sich einen Planeten auszudenken. Wie funktioniert der Planet? Gibt es eine extreme Wettersituation? Was kann es überhaupt für einen anderen Planteten geben? Natürlich soll der auch mit dem Planeten, auf dem wir leben irgendeine Verbindung oder eine Ähnlichkeit haben. Für die Bewohner, die auf diesem Planeten leben soll ein einfarbiges Outfit entworfen werden, das nur aus Nessel gemacht wird.
Wie hast Du die Aufgabe für Dein eigenes Projekt interpretiert?
Der Planet heißt Eisenhüttenstadt, wie die erste Planstadt in der DDR. Das habe ich mal in Geschichte gelernt und fand das immer sehr faszinierend. Es gibt eine große Straße, am Ende ist die Fabrik, in der alle arbeiten und an den Seiten der Straße wohnen alle. So in etwa sieht der Planet auch aus. Alle sind gleich, es gibt keine Wünsche, die Bewohner sind einfach nur da und erfüllen eine Aufgabe.
Natürlich ist alles rechtwinklig. Jeder ist in seinem Bereich. Ich, als die Schöpferin dieses Planeten, weiß nicht so genau was die Bewohner machen. Aber ich stelle mir ein großes Gewusel vor, Treppe hoch, Treppe runter. Dann gibt es da Maschinen, die sich bewegen.
Was genau fasziniert Dich an dieser Uniformität?
Ich habe ein bisschen das Gefühl, das junge Menschen sich gerade anfangen sehr zu uniformieren, was vielleicht ein Zeichen von Angst ist. Sie gehören zu der ersten Generation, die völlig planlos ist, sich aber dem Zwang unterlegen fühlt, dauernd irgendwelche Aufgaben erfüllen zu müssen. Man hat alle Möglichkeiten, aber gleichzeitig fühlt man sich als kann man eigentlich nichts machen. Und es ist sicher, sich so anzuziehen, wie es von den meisten Leuten erwartet wird.
Wie kann ich mir Deinen Entwurf vorstellen? Du hast von rechten Winkeln gesprochen, dass Du viel faltest?
Ich versuche alles nur mit rechten- und 45-Grad-Winkeln zu machen. Dafür habe ich angefangen Papier um die Puppe herum zu falten. Der linke Arm soll bewegungslos bleiben, der Träger ist in dem Ärmel gefangen. In der Grundschule hat unser Lehrer uns erzählt, dass die Linkshänder die kreativeren Menschen sind, weil die linke Gehirnhälfte alles blumige und schöne Denken übernimmt, wohingegen die rechte mehr mathematisch ist. Leute, die mit links arbeiten, sind näher an der kreativen Seite. Aus diesem Grund dürfen die Bewohner des Planeten Eisenhüttenstadt nicht mit links arbeiten.
Außerdem ist alles sehr gerade, geometrisch, steif und einschränkend und soll wahrscheinlich knallrot werden – die Farbe des Sozialismus. Dann bedrucke ich den Stoff mit Vierecken, dass wenn man den Stoff faltet, die Bewegung von den Vierecken gezeigt wird. Ich will, das man nicht sieht, das genäht worden ist, das es aussieht, als wäre es nach Plan aus der Maschine ausgestanzt worden, du kannst dir eines nehmen und faltest es dir nur zusammen.
Auch für die Schuhe habe ich schon Vorstellungen. Ich will eine Sohle aus Metall machen, die zwar beweglich ist, sodass man sich gut bewegen kann, aber durch das Metall so einschränkt, das die Füße nicht wirklich abheben können und der Träger somit am Boden bleiben müssen.
Ist Mode für Dich im Kontext Gesellschaft kritisch zu betrachten?
Natürlich ist es ein Mittel sich sozial zu abzugrenzen. Und jedem ist klar, das es eigentlich nicht geht, wie Kleidung produziert wird. Trotzdem denkt man, was kann ich denn machen? Aber ich würde nicht sagen, ich stelle mich hin und kritisiere die Gesellschaft, weil ich dieses „Ich stehe über Euch“ nicht mag. Aber Mode sollte zum Nachdenken anregen. So ist es auch mit meinem Thema.
Und natürlich habe ich mich auch für diesen Planeten entschieden, weil ich das Thema geil finde, mich faszinieren diese sozialistischen Bauten. Wenn ich einen Film drehen könnte, dann wäre die Kulisse voll mit Hochhäusern. Plattenbau an Plattenbau und ganz viele Straßen.
// Interview: Jessica Oemisch
// WS 2013/14
// Hauptstudium
INTERVIEW MUYAO ZHANG
„WENN DA DRAUßEN ZEHNTAUSEND LEUTE EIN JAKETT MACHEN, DANN MACH ICH LIEBER EIN ‚NOT-JACKETT'“
Wenn Du Dir die derzeitige Situation in Boutiquen und Geschäften ansiehst, die Vielzahl der Kollektionen, die jährlich produziert werden, wie empfindest Du Deine Rolle als zukünftige Designerin auf dem Markt?
Momentan kann ich die Frage gar nicht beantworten. Ich habe ja noch kein eigenes Label. Bei dem, was ich momentan mache geht es eher um eine persönliche Entwicklung. Ich probiere unterschiedliche Sachen und deswegen gibt es gerade nicht so eine enge Verbindung zwischen dem woran ich gerade arbeite und dem, was es auf dem Markt gibt. Außerdem mache ich mir jetzt gar keine Gedanken darüber, ob die Leute meine Sachen kaufen würden. Allerdings würde ich mir aber auch nicht anmaßen zu sagen, ich mache das jetzt so oder so und deswegen bin ich besser als der Designer oder die Designerin. Grundsätzlich geht es bei mir um etwas Anderes als bei anderen Designern. Oft haben diese ein Ziel, wissen ganz genau wie erfolgreich sie werden möchten und haben eine bestimmte Vorstellung von der Zielgruppe. Bei mir ist das anders.
Was genau fasziniert Dich an dieser Uniformität?
Es geht ja nicht nur um Klamotten. Natürlich – Fashion das sind Klamotten – aber wie sagt man, the clothes can only change the look of the day but fashion is something that inspires those people to change the future. Ich glaube, bei mir geht es eher darum, dass du einfach immer unterschiedliche Sachen anbietest. Was die Leute tragen, das entscheidet auch viel die Zeit in der sie leben, nicht nur die Designer.
Warum entwirfst Du?
Es geht ja nicht nur um Klamotten. Natürlich – Fashion das sind Klamotten – aber wie sagt man, the clothes can only change the look of the day but fashion is something that inspires those people to change the future. Ich glaube, bei mir geht es eher darum, dass du einfach immer unterschiedliche Sachen anbietest. Was die Leute tragen, das entscheidet auch viel die Zeit in der sie leben, nicht nur die Designer.
Worum geht es in Deinem aktuellen Projekt ‚Ρ1ON33r2020l@b’, das von Prof. Jurgi Persoons und Lars Paschke betreut wird?
Wir sollen eine neue Modeströmung kreieren. Die moderne Zeit hat ungefähr vor einhundert Jahren angefangen. Jetzt ist gerade dieser Moment, wo es eine Art Revolution geben soll.
Wie hast Du die Aufgabe für Dein eigenes Projekt interpretiert?
Ich habe am Anfang gedacht, das ist eine total schwierige Aufgabe. Das lässt sich nicht so einfach lösen. Dann habe ich angefangen zu recherchieren. Bisher war Herrenbekleidung immer meins, deswegen habe ich mir die Entwicklung der Herrenbekleidung in den letzten einhundert Jahren angeschaut und gemerkt, dass eigentlich im Bezug auf Silhouette gar nicht soviel passiert ist. Es ist immer noch ganz klassisch, ein Hemd, darüber eine Weste, Jackett, ein Mantel und darunter eine Hose. Deswegen ist die Frage, ob man zu dem Thema überhaupt neue Klamotten entwerfen sollte. Meiner Ansicht nach macht das überhaupt keinen Sinn.
Von mir aus gibt es immer diesen rebel-Gedanken. Ich mag ungern Sachen die es schon gibt. Deswegen habe ich mir so gedacht, wenn ich jetzt unbedingt was Neues machen muss, dann mache ich etwas, was ‚Nicht-Bekleidung’ ist, also ‚not clothes’. Und dann habe ich mich gefragt, was sind dann ‚clothes’ und wie werden die gemacht? Und egal, ob man Schnitt konstruiert oder drapiert an der Puppe, am Ende hast du, wenn du den Schnitt ausgeschnitten hast die ‚Outlines’ und es bleibt etwas übrig. Die negativen Schnittformen werden dann weggeschmissen. Ich habe mir dann gedacht, okay they are not pattern, so they are turning into ‚not-clothes’. Das heißt, ich arbeite nur mit den festen Formen. Ich fange mit Papier an. Außen gibt es die rechten Winkel und innen die Outline. Durch drapieren und falten entstehen dann ‚not clothes’.
Einerseits geht es darum, diesen rebel-Wunsch zu realisieren, andererseits wollte ich immer etwas mit Schnittentwicklung machen. Deswegen versuche ich jetzt eine Art zweidimensionales draping zu entwickeln, etwas, dass bisher noch nicht wirklich gemacht wurde, eine Zwischenform von Schnittkonstruktion und Drapieren. Bei der Schnittkonstruktion werden die Maße gebraucht und beim draping reicht die Puppe aus. Ich versuche jetzt die Maße zu berücksichtigen, ohne die Linien zu rechnen. Auf einer zweidimensionalen Ebene, wie auf Papier, drapiert ich diese dann.
Wie siehst Du Deine Idee im größeren Kontext? Ist Dein Kommentar, Deine Kritik eher humoristischer, ideologischer oder persönlicher Natur?
Es hat schon etwas mit diesem intuitiven rebel-Gedanken zu tun. Ich mache nicht gerne etwas, das es schon gibt. Also wenn da draußen zehntausend Leute ein Jackett machen, dann mach ich lieber ein ‚not-Jackett’.
Du studierst inzwischen im 5. Semester Modedesign an der UdK. Was interessiert Dich an Mode?
Die Entscheidung Modedesign zu studieren habe ich relativ spät getroffen. Das Interesse an Mode gab es allerdings schon als ich ganz klein war. Als kleines Kind habe ich in Shanghai für einige Jahre gelebt, das ist sehr westlich geprägt, und in den achtziger Jahren gab es dort schon so eine Art Fashion. Absurd war, dass ich schon als fünfjähriges Kind immer Schaufensterbummeln spielen wollte.
Ich habe später auf eine unfreiwillige Art und Weise etwas ganz anderes in Peking studiert. Als ich dann fertig war, habe ich mich dann aber doch dafür entschieden nach Berlin zu gehen und an der UdK zu studieren. Auf eine übertrieben Art und Weise könnte man sagen, weil ich irgendwie weiß, ich bin dafür geboren, um so etwas zu machen. Neutral betrachtet bin ich nur eine von denen, die von diesem Fashioneffekt inspiriert werden. Fashion hat so eine Power. Nach meinem Bachelor hätte ich damals auch einfach einen Job suchen können, in Peking leben. Aber ich wollte etwas machen, das nur ich machen kann, die anderen Leute nicht. Und Fashion ist so ein Ding. Es gibt mir die Möglichkeit, etwas Eigenes zu machen.
// Interview: Jessica Oemisch
// WS 2013/14
// Hauptstudium
EINDRÜCKE DER ZWISCHENPRÄSENTATION
// WS 2013/14
BEHIND THE SCENES
INTERVIEWS NACH DER ZWISCHENPRÄSENTATION
Friederike Haller
Hagar Rieger
Lenny Murr
Nora Maas
Momme Ries
// WS 2013/14
Interview mit Kai Gerhardt
„ICH WERDE MAL SCHAUEN, OB ICH MICH IN ZUKUNFT AUF EINEN MINIROCK FÜR MÄNNER EINLASSEN KANN“
Warum Mode?
Das war ein recht unkonventioneller Weg. Ich habe vorher schon etwas anderes studiert, ein eigenes Café aufgemacht und war im Ausland. Irgendwann habe ich angefangen mich mit Textilien zu beschäftigen. Ich habe irgendwie schon immer etwas mit meinen Händen gemacht. Zu Weihnachten bekam ich dann eine Nähmaschine geschenkt, habe mir einiges selber beigebracht und ausprobiert was so geht. Nach eineinhalb Jahre kam der Punkt wo ich mir gesagt habe, jetzt möchte ich weiter. Auf der einen Seite gab es die Möglichkeit Kurse zu besuchen, bei denen mir von mal zu mal mehr beigebracht wird, auf der Anderen Seite gab es die Möglichkeit der Totalveränderung. Ich wechsle die Stadt, das Metier und finde etwas, das mich anspricht.Eine Freundin von mir hat an der UdK Produktdesign studiert. Von daher kannte ich die Werkstätten und wusste was hier passiert. Als ich sie hier besucht habe, fühlte ich mich einfach wohl.
Worum geht es in Deinem aktuellen Projekt „pur“, das von Prof. Valeska Schmidt-Thomsen und Jana Patz betreut wird?
Ziel ist es, einen minimalistischen Ansatz in der Mode zu finden. Das ist etwas sehr Wichtiges. Viele wollen immer Großes, Lautes und Schreiendes schaffen. Wenn es aber darum geht sich zu reduzieren und etwas Klares und Einfaches zu machen, wird das schon seltener. Es ist eine große Kunst in der heutigen Modewelt den Minimalismus umzusetzen, ohne dass nur ein Sack am Menschen hängt und trotzdem eine Kollektion entsteht, bei der alle denken „Wow!“. In dem Projekt „pur“ versucht jeder für sich den eigenen Ansatz für Minimalismus zu finden.
Und wie sieht Dein Ansatz aus?
Ich bin erst einmal völlig frei an das Thema Minimalismus rangegangen und habe geguckt, welche Künstler es gibt. Spannend fand ich vor allem, in welche Richtung diese arbeiten und was genau sie machen. Aber gar nicht auf der Ebene, dass ich den Minimalismus wissenschaftlich ergründen wollte. Ich wollte vielmehr eine Art Gefühl dafür zu bekommen, was die Leute wollten, was sie angetrieben hat. Im Laufe der Recherche kamen bei mir dann zwei Ansätze, die ich mir vorstellen konnte umzusetzen. Entweder man nimmt ein Kleidungsstück und guckt, was kann ich davon wegnehmen ohne das es ein Nicht-Kleidungsstück wird oder man stellt sich die Frage, was muss ich einem Stück Stoff hinzufügen, damit es zum Kleidungsstück wird? Und für dieses Herangehensweise habe ich mich jetzt entschieden.
Mein Grundansatz über den ich während meiner Recherche gestolpert bin sind fünf Teile aus einer Kollektion von Issey Miyake. Er hat mit 2D-Kleidungsstücken gearbeitet die auf dem Boden auslegbar sind, drei Einschnitte haben und achtundzwanzig Druckknöpfe. Durch die Einschnitte und die Druckknöpfe wird der Stoff zum Kleid. Weil ich es so faszinierend finde, habe ich mich daran orientiert. Am Anfang war sogar das Ziel, eine Kollektion zu machen, die genauso flach am Bode liegen kann. Aber dann habe ich festgestellt, dass ich meinen eigenen Weg gehen muss. Also habe ich mich gegen die „Issey Miyake-Variante“ entschieden. Ich arbeite jetzt mit Rechtecken, die so wenig wie möglich, aber so viel wie nötig Einschnitte bekommen und danach an der Puppe drapiert werden.
Zu Beginn nehme ich nur das Stück mit den Einschnitten, schaue wie es funktionieren kann, ändere etwas und dann falte ich die Schulternaht oder die Brustabnäher. Dann entscheide ich, wo muss eine Naht gesetzt werden, damit es als Kleidungsstück funktioniert.
Verwendest Du auch Reißverschlüsse und Knöpfe oder bedeutet „pur“ für dich, dass du bewusst darauf verzichtest?
Es gab die Überlegung das zu machen. Im Endeffekt habe ich mich noch nicht einhundertprozentig dazu entschlossen was genau kommen wird, aber ich habe bereits bei zwei Teilen einen Reißverschluss eingearbeitet. Denn so ein Detail ist auch sehr charakteristisch.
Du machst auch dieses Mal eine Männerkollektion. Wie stehst Du zum Thema Hosen?
Ich bin in Europa aufgewachsen. Hier wird man geprägt, dass ein Mann eine Hose an hat. Ich bin nicht mehr geprägt, dass eine Frau einen Rock tragen muss, aber andersherum ist es eher untypisch. Ich finde es ansehnlich, vielen Männern steht das, aber bisher konnte ich mich nicht überwinden für einen Mann einen Minirock zu entwerfen. In meinem Hinterkopf schwirrt einfach dieser Gedanke, nein, ein Mann hat eine Hose an. In dieser Kollektion habe ich sogar versucht das zu brechen, denn bei einem Outfit trägt der Mann ein Kleid. Das ist schon mal ein Ansatz.
Wenn man sich die Kollektion von Yohji Yamamoto anschaut, hat man den Eindruck, die Männer würden alle Röcke tragen. Tatsächlich sind allerdings fast überall Hosen darunter, die so gelegt sind, dass es aussieht als wären es Röcke. Ich werde mal schauen, ob ich mich in Zukunft auf einen Minirock für Männer einlassen kann.
Deine aktuelle Kollektion ist komplett in schwarz. Warum?
Beim Thema „pur“ fallen mir zuerst weiß und schwarz ein. Wenn ich mich dann für eines von beiden entscheiden muss, sage ich eher schwarz. Für viele ist zwar eher weiß minimalistisch, aber für mich steht schwarz mehr im Hintergrund. Es ist vielmehr im Verborgenen, es nimmt sich zurück. Weiß ist für mich eher, „Bäm, ich bin da, guckt mich an!“. Das bin auch ich nicht. Und ich möchte mich einfach einbringen. Schwarz ist deswegen für mich mehr „pur“.
// Interview: Jessica Oemisch
// WS 2013/14
// Hauptstudium
Gastprofessur Nachfolge Prof.Marloes ten Bhömer
Herzliche Einladung zu den Berufungsvorträgen zur Besetzung der konstitutiven Gastprofessur Nachfolge Prof. Marloes ten Bhömer, die an zwei Terminen in R 309, 3. Stock stattfinden:
// Mittwoch, den 4. Februar 2015
13 Frau Olivera Capara, Antwerpen
14-15 Pause
15 Uhr Thorbjörn Uldam, Berlin
16 Uhr Antonio Ciutto, Berlin
// Montag, den 9. März 2015
10 Uhr Carolin Lerch, Antwerpen
Hofgrün Herbst 2015

Sophia Guggenberger — Konglomerate
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› KONGLOMERATE ‹ // Rundgang 2015
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Dreh es um! Pack es aus! Mach es anders!
Das Gewohnte auseinander hacken, verquer zusammensetzen und zu einem Fremden machen.
Das neue Gewohnte. Das alte Fremde.
Auf dass sie sich vermischen.
Konglomerate für ein anderes Neues.
Konglomerate für die Füße.
Schnall sie an!
Schreite los!
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PROJEKT VORSCHLAG (2014)
TAGUNG „Wie verändert sich Kunst, wenn man sie als Forschung versteht?“ 23./24.01.

Tagung „Wie verändert sich Kunst, wenn man sie als Forschung versteht?“
am 23./24. Januar 2015 in der Universität der Künste in der Hardenbergstraße 33, Raum 110.
Programm
Freitag, 23.01.
17:00
Begrüßung
Judith Siegmund (Institut für Geschichte und Theorie der Gestaltung der Universität der Künste)
Juliane Laitzsch (Graduiertenschule der Universität der Künste)
17:15
Reinold Schmücker (Münster)
Künstlerisch forschen: Über Herkunft und Zukunft eines ästhetischen Programms
18:00
Cornelia Sollfrank (Dundee/Celle)
The Pervert’s Guide to Artistic Research
Moderation: Karlheinz Lüdeking (Berlin)
Sonnabend, 24.01.
10:00
Judith Siegmund (Berlin)
Poiesis und künstlerische Forschung
11:00
Eva-Maria Jung (Münster)
Implizites Wissen im künstlerischen Schaffensprozess
12:00 Pause
12:30
Kathrin Busch (Berlin)
Ästhetische Amalgamierung. Zu Kunstformen der Theorie
Moderation: Jan Sieber (Berlin)
13:30 – 15:00 Mittag
15:00
Lutz Hengst (Berlin)
Felduntersuchung im Vorgarten – Individualzentrierte künstleriche Forschungen der 1970er Jahre zwischen Adaption und Abgrenzung
16:00
Bernadette Collenberg-Plotnikov (Hagen/Münster)
Forschung als Verkörperung. Zur Parallelisierung von Kunst und Wissenschaft bei Edgar Wind
17:00 Pause
17:30
Rahel Puffert (Oldenburg/Hamburg)
Vom Umgehen mit Zeit. Forschung in Kunst und Wissenschaft
Moderation: Susanne Hauser (Berlin)
Eine Veranstaltung des Instituts für Geschichte und Theorie der Gestaltung der UdK Berlin in Zusammenarbeit mit der Graduiertenschule der UdK Berlin,
dem Postgradualen Forum der UdK, dem Philosophischen Seminar der Universität Münster sowie dem Duncan of Jordanstone College for Art and Design, University of Dundee, Schottland, UK.
KONTAKT
Lehrstuhlparade

ihre Tore und macht Fachbesuchern aus aller Welt
den Weg frei – zur ersten LEHRSTUHL-PARADE 2015.
Zeit-Magazin Konferenz “Mode und Stil”
// 16:50 Podiumsgespräch mit Ingeborg Harms und Nadja Swarovski zum Thema “Tradition und Innovation”.
// Ort: Berlin, Kronprinzenpalais, Unter den Linden.
// Teilnahme: Auf Einladung.
SCHAU11
// ABSOLVENTEN //
Inga Schulte
Jorinde Meline Barke
Julie Eilenberger
Laura Wollentarski
Rebecca Sammler
Vivienne Appelius
// PROJEKTE //
CHOOSE WHITE
NEAR EAST
COLLECTORS COLLECTION
LIMITED ADDITION
KLASSIKER
SUPERVISION
// PUBLIKATION ZUR SCHAU 11 //
// grafik: Studio Regular
MOLD | Richard Lennox
von Richard LennoxProjekt:
50% Eames – 50% You
3.Sem /BA Produktdesign
Sommersemester 2014
Polyurethan-Integralschaum ist allgegenwärtig. Als U-Bahn-Sitz, Kantenpolster oder Armlehne. Immer ist Form und Oberfläche klar definiert und der Schaum darf sie lediglich ausfüllen. Ohne solche Einschränkungen entstehen bei der etwa zehn-minütigen Reaktion der zwei Polyurethankomponenten Strukturen mit eigenem Charakter. Aus einer unüberschaubaren Kombination aus Temperatur, Oberflächenspannung, Schwerkraft, etc. entsteht eine einzigartige Geometrie. Dieser Anti-industrielle Prozess befällt das streng konstruierte Massenprodukt DSR wie ein Schimmelpilz. Dieser Zersetzungsprozess steht wie in der Natur als Ausgangspunkt für etwas unbekanntes Neues.
DO KOSTI | Patrick Palcic
von Patrick Palcic
Projekt:
50% Eames – 50% You
3.Sem /BA Produktdesign
Sommersemester 2014
Charles & Ray Eames ließen sich für ihren Entwurf des Untergestells „Eiffel“ unverkennbar durch das Tragwerk des Eiffelturms in Paris inspirieren. Gustave Eiffel, Architekt jenes Turmes, untersuchte ganz genau die Struktur und den Aufbau eines Knochens und entwickelte daraus die Statik des Metallgerüstes. So lag es für mich nahe, diesen Gedanken wieder aufleben zu lassen, indem ich die Sitzschale in ähnlicher Weise herstellte.
RED ALLIANCE | Juliette Schmidt
von Juliette Schmidt
Projekt:
50% Eames – 50% You
3.Sem /BA Produktdesign
Sommersemester 2014
Red alliance bietet dem Benutzer eine Sitzfläche, die aus mehreren Wärmflaschen zusammengesetzt ist. Als Unterkonstruktion dient ein Metallring, an dem die einzelnen Teile verschraubt werden. Durch Zusammensteckung, Einanderdrehung und Schichtung der einzelnen Wärmflaschen wird die ursprüngliche Form unkenntlich gemacht. Aufgrund der Befüllung einzelner Elemente entsteht ein Volumen, welches das Sitzen ermöglicht. Es entsteht eine fließende, wellige Form, die an eine Blume erinnern soll.
DEHYDRATED | Juliette Schmidt
von Juliette Schmidt
Projekt:
50% Eames – 50% You
3.Sem /BA Produktdesign
Sommersemester 2014
Dehydrated ist ein wasserbefülltes Sitzkissen, das den Gleichgewichtssinn des Benutzers anspricht. Bei der zweckentfremdeten Campingdusche wird ein aktives, bewegtes Sitzen gefordert. Man muss sein Gewicht ausbalancieren um somit eine sichere Sitzposition zu erlangen. Das Ergebnis ist eine neue Sitzempfindung und Wahrnehmung des eigenen Körpers. Das Kissen passt sich in seiner Form individuell an und bietet ein entspanntes, rückenschonendes Sitzen.
RIO | Jonathan Ihm
von Jonathan Ihm
Projekt:
50% Eames – 50% You
3.Sem /BA Produktdesign
Sommersemester 2014
Aus der Fläche in die dreidimensionale Form. Durch partielle Schlitzungen formt sich rio in der Presse aus einem einfachen Blech in eine Sitzschale. Dabei werden die Armlehnen wabenförmig aufgefächert. Dieser Prozess gibt jeder Sitzschale eine eigene Form, da sich jede Wabe individuell ausformt.
HARDCLOUD | Richard Lennox
von Richard Lennox
Projekt:
50% Eames – 50% You
3.Sem /BA Produktdesign
Sommersemester 2014
Gianni Laneri Deforne — urbanes (ent)artikulieren
Ich verstehe die Stadt nicht nur als Wohnraum, Infrastruktur und Dienstleistungen sondern auch als Ort der Begegnung und der Versammlung, des Dialoges und Erfahrungsaustausches, nämlich der Kommunikation. Wo Menschen und Nachbarn ihr tägliches Leben teilen an öffentlichen Plätzen, Straßen, Leerräumen, Brachflächen. Es bringt mich zur Frage auf welche Art ich vermitteln, artikulieren könnte, um diese Kommunikationen zu transfektieren. Eine konkrete Erfahrung wird entworfen, die aber nicht unbedingt eine Antwort auf ein bestimmtes Bedürfnis ist, sondern vielmehr, eine kostenlose Einladung zur Interaktion/Komunikation. Die Stadt kann von allen wieder erfunden werden. Es wird eine spontane Situationen verwirklicht; eine strategische Montage, die die Beziehung zwischen Körper und Stadt vermittelt, um eine städtische Erfahrung zu provozieren. Sie macht den Reichtum, die Identität, und die alternativen unserer Realität offensichtlich. Zu diesem Zweck, beschloss ich acht tragbare Strukturen zu bauen, die mir ermöglichen mit diesen an verschiedenen öffentlichen Plätzen zu experimentieren. Benutzt man sie auf horizontale Weise, laden sie Personen ein sich zu setzen und sich auf ihnen auszubreiten um so ihre Geschichten, Gedanken und Erfahrungen mit mir auszutauschen. Danach, benutze ich die Strukturen in vertikaler Form als Rahmen, um die Interaktionen der Kommunikation, gegeben durch die Personen und den Raum den sie bewohnen, zu zeichnen. Dadurch mache ich die unsichtbaren Gründe durch welche eine Stadt lebt sichtbar. Auf diese Weise zeichne ich die drei Dimensionen die sich in der Stadt binden: der physische, der mentale und der soziale Raum, um Körper in der Stadt sichtbar zu machen. So verbinden sich zwei Welten; eine Innere und eine Äussere.Jede Struktur ist ein Spiel von Spannung und Kompression und wird gestaltet um verschiedene Momente zu erschaffen, deswegen muss sich die Form verändern können. Um das zu erreichen kann man alle Teile (4) einfach an ihren Schnittstellen rotieren und somit auch schnell auseinander nehmen. Es ensteht ein Instrument; ein Handlungsraum der zur Besetzung freigegeben wird. Es wird reflektiert, erzählt und eingenommen. Durch die Auseinandersetzung mit der Realität und der in ihr befindlichen Dinge, werden Bilder gezeichnet, welche nach einer Reinterpretation eben dieser wie nach neuen Typologien der Dinge suchen. Sie werden auf einer Kugel wiedergespiegelt, um neue Formen der gemeinsamen Wahrnehmung zu erforschen.
Betreut von: Prof. Axel Kufus // Robin Resch
›urbanes (ent)artikulieren‹ // Rundgang 2015
Projekt Vorschlag (2014)
Unter Hinweis auf die Herkunft des MA „Transfection designsystem“, wo der Begriff „transfection“ aus der Biologie kommt und das Verfahren der absichtlichen Einführung von Nukleinsäuren in Zellen bedeutet, ein DNA-transfer, der durch die Eröffnung von vergänglichen Poren oder „Löcher“ in der Zellmembran die Aufnahme von Material ermöglicht.
Mit diesem Konzept habe ich angefangen und mich gefragt, ob diese Definition auch für Berlin zutreffen könnte. Wenn ich mir Berlin als Zelle vorstelle und welche Art von Nukleinsäuren kann ich in diese Zelle einführen? Wo sind diese vergängliche Poren oder „Löcher“ in dieser Stadt/Membran?
Die Stadt und der Raum ist die beste Ausgangspunkt, hier findet die soziale Interaktion statt, denn es sind Elemente die sich selbst aktiv produzieren und wo wie Lefebvre meinte, sich drei Dimensionen binden; der mentale (Bachelard), der soziale und der physische Raum (Foulcault).
Deswegen habe ich angefangen die Stadt zu erkunden, sie zu beobachten, sie zu zeichnen und langsam in ihr zu experimentieren um auf sie reflektieren zu können. So habe ich erkannt, dass wir nicht in einem homogenen Raum leben, sondern, ganz im Gegenteil in einem Raum, der mit Eigenschaften geladen wird. Der durch eine Reihe von Gegensätzen gesteuert wird, die schwierig zu ändern sind.
Aber ebenso, findet man in Berlin Projekte und representationäle Plätze wie dasTempelhofer Feld, wo sich ein „sollte sein“ manifestiert. Räume die direkt von ihren Bewohnern erfahren werden und die über den physischen Raum sind, da die Menschen zimbolischen Gebrauch von den Objekten, die ihn komponieren, machen. Es sind ausweichende Räume, wo die Phantasie der Menschen versucht ihn zu verändern und sich anzueignen. Daher sind es oft Objekt der Begierde von Spezialisten die versuchen ihn zu kodifizieren, zu rationalisieren und schließlich zu reißen.
So kann ich mir jetzt vorstellen, dass solche andere Räume, die sich allen widersetzen irgendwie dazu bestimmt sind, zu löschen, zu kompensieren, zu neutralisieren oder zu reinigen, und mir die Möglichkeit jetzt geben sie wie die vergängliche Poren oder „Löcher“ in dieser Stadt/Membran zu finden.
Diese Räume geben mir die Möglichkeit zu phantasieren und zu fragen in welcher Art und Weise können wir mit unserer Umwelt interagieren und wie könnten wir unsere Welt leichter wahrnehmen.
REED | Gunnar Petersen

von Gunnar Petersen
Projekt:
Light My Fire
„reed“ ist eine von der Natur inspirierte Kerze. Als Analogie diente die Ästhetik des Schilfrohrs.
Sie lässt sich beliebig an fast jedem alltäglichen Objekt, wie Tisch, Geländer oder Baum befestigen.
Dabei benötigt sie keine zusätzliche Halterung, sondern wird von ihrer flexiblen „Dochtverlängerung“ getragen. Eine verspielte und elegante Lösung für jeden Kerzenmoment.
SCHAU10
// ABSOLVENTEN //
Amélie Jäger
Annika Ass
Gloria Landenberger
Janosch Mallwitz
Julian Zigerli
Katharina Jockwer
Mads Dinesen
Sina Thomaseth
// PROJEKTE //
Green Carpet
Askese / Ekstase
Modemythen
Real Fake
Spektakel
// PUBLIKATION ZUR SCHAU 10 //
// grafik: Studio Regular
Shenkar College Class Visit

template-MA-designprojects2014: Vorname/Name
[Video]
[evtl.: Kontakt zu eigenem Blog/Homepage]
SPIELEND BEGREIFEN | ULLI GRÜNING | 2015
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›SPIELEND BEGREIFEN‹ // DESIGNTRANSFER 2015
Am Anfang stand die Frage: Wie vereinfacht man den ersten kommunikativen Kontakt?
Kurz: Was bringt uns Menschen zusammen?
Menschliche Kommunikation beginnt immer nonverbal. Wenn wir auf die Welt kommen, erfahren wir diese in erster Linie über den direkten Kontakt. Wir „be-greifen“. Bis zu einem Alter von drei Jahren beginnt fast jede Kommunikation mit uns Unbekannten durch eine Berührung. Wenn wir etwas anfassen können und nichts schlimmes passiert, dann fassen wir Vertrauen.
Und dieses einfache Konzept, Berührung schafft Vertrauen, funktioniert bis ins hohe Alter. Der physische Kontakt zu anderen Menschen bringt uns ihnen näher. Egal ob wir sie bereits kennen oder nicht. Vor allem der Kontakt menschlicher Haut.
Ein interessantes Phänomen das diese Tatsache widerspiegelt, ist, dass sich ganz normale Haut eines anderen Menschen immer weicher anfühlt als unsere eigene…
Mit meinem Projekt „spielend begreifen“ habe ich ein Gerät geschaffen, mit dem ich Menschen inspirieren möchte sich gegenseitig im Spiel zu „begreifen“, Vertrauen aufzubauen und Kontakte zu knüpfen. „spielend begreifen“ soll die Angst nehmen auf andere Menschen zuzugehen.
Bei meinem Gerät hält jeder der fünf Mitspieler einen elektrisch leitenden Griff und ist so durch ein Kabel mit der Konsole in der Mitte verbunden. Berühren sich zwei Spieler, wird ein messbarer Stromkreis geschlossen. So erkennt das Gerät jeden Hautkontakt und kann durch Regeln und ein akustisches Feedback verschiedenste Körperkontaktspiele auf der Basis von Rhythmus und Musik umsetzen.
Der Vorteil, jeder Spieler kann selbst entscheiden wie intensiv, wie direkt er den Kontakt mit anderen herstellt. Der klassische Handschlag funktioniert hier genau so gut wie ein Küsschen auf die Wange.
Betreut von: Prof. Axel Kufus // Prof. Holger Neumann
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›spielend begreifen‹ // Rundgang 2015
Welche Rolle spielt körperliche Nähe in unserer Kultur?
Wie werden körperliche Berührungen erfahren?
Welche Empfindungen lösen sie aus und welche Regeln gibt es?
Der gewählte Ansatz nutzt die Möglichkeit auf spielerische Art
und Weise Berührungen und Kontakt zwischen den Menschen einzuüben,
um so mehr Sicherheit im täglichen Umgang miteinander zu ermöglichen.
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PROJEKT VORSCHLAG (2014)
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Es gibt Menschen deren Alltag von Ängsten und Hemmungen geprägt ist. Angst vor Körperkontakt, vor dem Zeigen von Gefühlen oder künstlerischem Ausdruck fallen so schwer, dass z.B. Singen oder Tanzen in der Gegenwart anderer als sehr unangenehm empfunden werden können. Busfahren, Disco Besuche oder schon das Passieren von Türen während von vorn jemand entgegen kommt können Stress hervorrufen.
Ziel:
Dieses Projekt soll Möglichkeiten der Überwindung von Ängsten und Hemmungen als spaßhaftes Gruppenerlebiss, durch die Verbindung von Musik und Bewegungen nachhaltig begünstigen, um so einen positiven Einfluss auf das soziale Miteinander hervorzurufen.
Das Konzept sieht ein Objekt vor, welches die Bewegungen und Berührungen der Teilnehmer aufzeichnet und diese zur Manipulation von Musik weiter verwertet. Diese wird in Echtzeit wahrgenommen. Die Gruppenteilnehmer sind interaktiv miteinander verbunden. Jeder einzelne kann seinen performativen Teil betragen.
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Viktoria Atzinger
GENEALOGIE DER FORM | SUSANNE KASPER | 2015
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›GENEALOGIE DER FORM‹ // DESIGNTRANSFER 2015
“‘Genealogy’ refers to tracing lines of descent or ancestry.
One key precept of the genealogical method is that effects need not resemble their causes, as the forces that produce a phenomenon may disguise themselves (…); another is that outwardly similar phenomena may have entirely different meanings because of the difference in the forces that produce them (…). ”
– * Excerpt from „Genealogy“ from The Deleuze
Dictionary (revised Edition) by Bruce Baugh, edited by Adrian Parr. Copyright 2010 by Edinburgh University Press and Bruce Baugh, first published 2005.
What is the potential for design, when you create the process ahead of the product?
This projects questions the design process of fashion – it investigates a new role for the designer as well as the acceptance of silhouettes defined by us as garments. The approach was an explorative and not a descriptive one. It was all about asking questions, reforming rules of existing structures and remaining open to the unexpected.
The beginning lies in the creation of a new workflow prior to the definition of the object. Through a new way of acting we are able to let go our preconceptions of standard clothing and act freely in the moment, to create a new shape – not only an imitation – out of the regular tools used in the industry of fashion.
The design process is in its nature a non-linear development. It includes various resistances and sometimes sharp direction changes throughout the whole design cycle of a shape. My new way of creating is stimulating and using this given characteristics.
Developing the silhouette
The shape of the garment is designed only through communication and pre-determined tools given to a defined group of people; there is no ideal body to fit in, no gender, no images, no sketches – only simple rules to follow or break while creating the three dimensional form.
The experimental environment includes randomness as an active tool to create an individual abstraction of the given. The translation of the draft into material, crafted and finished, gives the garment its soul.
Not only a new silhouette but an own identity is created, lacking a predefined function. The garment is meeting the user on the level of strangers meeting each other the first time. There is a phase of introduction. The consumer has to acquire the use and make the connection between the abstract shape and the own body. Only through the act of dressing the garment takes on an exact definition. Our acceptance of the seen is producing the value to the object and translating it back to our cultured concepts of clothing.
Always a co-authorship
The new garment is always a collaboration between various people in different stages – design, creation, consumption. Involved participants have always an active role in the development of the form – the power of decision making is shifting back and forth from myself to the other.
Betreut von: Prof. Jozef Legrand // Prof. Marloes Ten Bhoemer
Kontakt: // www.susannekasper.com
Creators: Gianni L. // Jana L. // Jozef L. // Sophia G. // Vicki A. // Milan F.
Models: Milan Siegers // Katharina Bellinger // Claudia Alvino // Diego de la Rosa // Shora Fallahi
Assistance: Milan Friedrich
Fotographie: Judith Klapper
Film: Ole Thomas
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›Genealogie der Form‹ // Rundgang 2015
Ich nehme ein Hemd
Ich zerlege diese vertraute Form in ihre Bestandteile
Ich isoliere die einzelnen Komponenten voneinander Ich formuliere Handlungsregeln
Ich bestimme das Werkzeug
Ich gebe all das weiter an andere
Sie setzen die Elemente wieder zusammen
Sie befolgen oder brechen die gegebenen Regeln Sie erschaffen ihre Übersetzung des Gesehenen
Ich nehme die neue Form an
Ich transportiere diese ins Material
Du gibst ihr den Zweck
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Project Proposal (2014)
The beginning
While experiencing the fashion cycle through out all of the steps in sampling and production, a question raised up: What would other people see in the designs I gave them to translate from 2-D in 3-D, if I would reduce my communication to the minimum?
When we create something, we normally communicate everything we know about it. A process of building up always includes numerous people in a specific order. A tight and detailed code is set up throughout the years to guaranty an outcome, as close as possible to the sketch of the designer. But what happens when the communication thread is cut and manipulated? When the translation process of the idea leaves openings? When you mix up the hierarchy of decision making? Randomness made by human hand. The „not-knowing“ as an active tool. Shape created by selected information. The body follows.
Questions to ask, answers to find
Throughout the research process I started to move up and down the layers of my initial idea. Further questions opened up: Who is the designer of the object at the end? How does acceptance and recognition of pieces affect the form? Which clusters and clichés are holding us tight throughout the creation process? How does material, tools and knowledge influence the shaping process? Will a second identical shape ever come out? What value does it have to the person creating it and to the person looking at it?
The process has to be shaped first, not the final product. So the focus lies on the act of composing, to be able to discover the points, which are influencing the direction of the translator.
A constant question interconnected to this project is the definition of authorship, as the creation process will always include minimum one other person. In this, I see a high potential for the composition process. A second mind will help to open up further layers of the shape dozen in the created pieces. Used knowledge and ignorance, while building up a new shape, will fertilize or deform the object. At the end, it will definitely open and restructure the imagination of the common idea. For this, one has to be open up for unpredictable creations. The evaluation of the object itself needs to take place, when the creation process is done. The evaluation of the person to collaborate with, needs to be done beforehand.
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THE UPPER CYCLE | STEFFEN SCHELLENBERGER | 2015
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›THE UPPER CLYLE‹ // DESIGNTRANSFER 2015
Wohin mit allem Neuen, wenn alles voll mit Altem ist? Wie lange trügt der Schein der Neuheit? Darf man Material abfällig behandeln, wenn ein Produkt zum Abfall wird? The Upper Cycle produziert Regale aus Platten von ausrangierten Möbeln. Es ist die einfache Antwort auf die schwierige Frage der Wiederverwendungsmöglichkeit von gebrauchten Materialien im Möbelbereich.
Abgesehen von Aussehen, Zustand und Qualität stellen Plattenstärke sowie unterschiedliche Ausgangsformate die größten Herausforderungen beim Upcycling des Materials dar. Die Besonderheit von The Upper Cycle liegt in der Konzeption eines einfachen, schlichten Systemmöbels anstelle hochpreisiger Einzelstücke. Die reduzierte Konstruktion der Stapelelemente bildet das Fundament für die leichte Produzierbarkeit. Die farbigen Möbelkanten verleihen dem Regal eine einheitliche, kontrastreiche Optik und helfen dabei, Beschädigungen und Löcher im Bestandsmaterial zu übersehen. Flügelschrauben mit Maschinengewinde gleichen unterschiedliche Materialstärken aus und ermöglichen eine häufige Wiederverwendbarkeit des Systems.
Das Ergebnis ist von The Upper Cycle ist ein Produkt aus Altmaterial, das durch seine Eigenständigkeit und Konsequenz die Augenhöhe mit neuwertigen Produkten hält. Anders alt ist das neue Neu.
Betreut von: Prof. Achim Heine // Prof. Jozef Legrand
Material: verschiedene alte Holzwerkstoffe // Flügelschrauben // PVC-Möbelkante
Kontakt: // www.steffen-schellenberger.com
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›The Upper Clyle‹ oder ›Der Aufstieg des Abfalls‹ // Rundgang 2015
Wohin mit allem Neuen, wenn alles voll mit Altem ist? Wie lange trügt der Schein der Neuheit? Darf man Material abfällig behandeln, wenn ein Produkt zum Abfall wird? Und wie neuwertig kann Altmaterial sein? The Upper Cycle justiert den Blick auf das Material als solches. Die Entkopplung von Werkstoff und Gebrauchsobjekt bildet das Fundament dafür. In Zukunft wird die Frage lauten: In welcher Manier können wir das Material aus den alten Objekten entbinden, aufbereiten und erhöhen? Wie viel Erneuerung wird benötigt, um die Neugier alt aussehen zu lassen? Wie sieht der Rahmen aus, der benutztes Altes in neuem Glanz erscheinen lässt?
The Upper Cycle produziert Regale aus Platten von ausrangierten Möbeln und verleiht sie an Menschen, die Altes neu gebrauchen wollen.
Anders alt ist das neue Neu.
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Projekt Vorschlag (2014)
„The time is ripe.“
Die Zeit ist reif. Ein Reifeprozess ist charakterisiert von verschiedenen Stadien, die allesamt von Dauer geprägt sind. Im Obstanbau beispielsweise ist bedingt durch den Prozess des Reifens zu gewissen Jahreszeiten eine natürliche Knappheit zu verzeichnen. Knappheit ist etwas, dass uns heute in einer globalisierten Welt aufgrund der extrem hohen Versorgungsdichte kaum noch bekannt ist. Neben einer abnehmenden Sensibilität für dieses Thema ist darüber hinaus die Wertschätzung in den meisten Fällen eher gering. Der Verzicht als solches kaum noch denkbar. Knappheit ist ein beliebtes Element der Konsumwelt, allerdings in künstlicher Form. Als Marketinginstrument steigert sie die Exklusivität von Dingen, Monopole und Patente verknappen den Bestand ebenfalls auf künstliche Art und Weise.
Im Gegensatz dazu spielt Reife bei anderen Lebens- und Genussmitteln eine weitere Rolle. Im Weinanbau ist die Thematik unverzichtbar und zweifelsfrei erwünscht. Mehr noch: in vielen Fällen wird die Reife des Produktes geschätzt, sowohl emotional als auch monetär, da es sich positiv auf die Qualität des Produktes auswirkt.
Reife zu erlangen erscheint außerdem ungewöhnlich in Kontext Produkt. Kann ein Produkt reifen? Gibt es Reifegrade? Wenn ja, wann ist es reif? Wie wird es sich mit zunehmender Zeit verändern? Kann es wertvoller werden, wie ein guter Wein verglichen mit einer überreifen Tomate? Ist der Reifeprozess ein tauglicher? Wo liegen seine Qualitäten? Wie lässt sich dieser Prozess in gängige Designsyteme integrieren oder benötigt es neue?
Simone Werger
FOMME | SARAH EFFENBERGER | 2015
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›FOMME‹ // DESIGNTRANSFER 2015
“I had a romance novel inside me, but I paid three sailors to beat it out of me with steel pipes.” P.Oswalt
Kollektion „FOMME“
Wieso ist es einem Mann in der heutigen emanzipierten und aufgeklärten Welt immer noch so fremd sich sinnlich zu zeigen?
Es gibt gewisse gesellschaftlich anerzogene augenscheinliche Garderobenregeln, doch halten beide Geschlechter stets fest an der Vorstellung, dass die männliche Silhouette Seriosität ausstrahlt. Auch wenn eine gewisse Erotik und ein wenig Spaß am sich Kleiden in der Herrenmode erkennbar ist, ist der Spielraum doch sehr klein. Die Frau lebt noch heute alle Facetten der Mode aus, während der Mann Angst hat, dabei seine männliche Würde zu verlieren. Die letzten Jahrzehnte haben gezeigt, dass eine Frau auch führend und stark ist, im Moment lernen wir im Dialog dazu, dass auch der Mann sensibel, schwach und sinnlich sein kann. Die Mode hinkt dieser Erkenntnis in der Masse sehr nach.
Zeitgenössisch ist ein Wandel erkennbar, ein Wunsch den Mann anders und neu darzustellen. Er ist wie eine neue Leinwand auf welcher man neues ausprobieren kann und der gesellschaftliche Wandel ist die Voraussetzung dafür, dass dies zugelassen wird.
Mit meiner Kollektion möchte ich einen Anstoß geben, den Mann aus seinem festgefahrenen Bild zu befreien, und zu beweisen, dass auch ein geschmückter Mann männlich aussehen kann, sinnlich, ohne lächerlich zu sein. Es liegt mir fern ihm Frauenklamotten überzuziehen und zu erwarten, dass sich der Blick auf ein solches Objekt mit einem Moment verändert. Auch ich halte trotz meiner Experimentierfreudigkeit an gewissen konservativen Sichtweisen fest. Meine Intention ist es lediglich zu spielen und die Geschlechtergrenzen somit ein wenig aufzurütteln. Ziel ist es eine ausgewogene Reaktion an Verwirrung und Akzeptanz zu stiften, einen Eindruck, welcher auf den ersten Blick verwundern mag. Das Bild des Mannes verändert sich und ich hoffe es dauert nicht mehr lange, da wird meine Kollektion keine beachtenswerte Reaktion mehr hervorbringen, sondern als “normal” gesehen werden.
Unisex „FOMME“
“Fomme” entstand auch mit einem Bedürfnis ein neues Unisex Konzept auf den Markt zu bringen. In der Rolle des emanzipierten, weiblichen Konsumenten von Mode passiert es mir häufiger, dass ich die Kollektionen von Herrendesignern für mich spannend finde, spätestens beim Kauf scheitere ich allerdings häufig an der Herrenkonfektion.
Mein zukünftiges Vorhaben ist es Unisex Kollektionen zu gestalten, welche von der Männerlinie ausgehen, die nicht in “one size” Größen angeboten werden, sondern in den gängigen internationalen Herren- aber auch Frauengrößen. Es geht mir eben nicht, wie den üblichen Unisex Labels, darum, eine neutrale androgyne Form zu finden, die aufgrund der Unterschiede in den Körperformen, meist zu Körper negierenden Silhouetten tendiert, ich möchte trotz Gleichmachung des Stils auf die Körperformen eingehen. Im Vordergrund steht die Möglichkeit sich als Mann als auch als Frau an einer Linie bedienen zu können, ohne jegliche Kompromisse eingehen zu müssen, da die Passform an den jeweiligen Körperformen durch die richtige Schnitttechnik angepasst wird.
Betreut von: Prof. Wowo Kraus // KM Lars Paschke
Kontakt: // www.saraheffenberger.de
Fotos: Elizaveta Porodina
Hair &MakeUp: Selina Reimann
Model: Tomek @ vivamodels
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Foto: Steven Kohlstock — Models: Nik Mantilla, Pudel Albert
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›Fomme‹ // Rundgang 2015
»I had a romance novel inside me, but I paid three sailors to beat it out of me with steel pipes.«
— P. Oswalt
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URBANES (ENT)ARTIKULIEREN | GIANNI LANERI DEFORNE | 2015
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›URBANES (ENT)ARTIKULIEREN‹ // DESIGNTRANSFER 2015
Ich verstehe die Stadt nicht nur als Wohnraum, Infrastruktur und Umschlagplatz für Dienstleistungen, sondern auch als Ort der Begegnung und der Versammlung, des Dialogs und Erfahrungsaustausches; der Kommunikation. Wo Menschen ihr tägliches Leben teilen; an öffentlichen Plätzen, Straßen oder Brachflächen. Das bringt mich zu der Frage, auf welche Art ich diese Kommunikationen vermitteln kann, um diese verschiedenen Dimensionen zu (ent)artikulieren.
Eine städtische Erfahrung wird verwirklicht. Wo die Stadt von Allen wieder neu erfunden werden kann. Sie macht den Reichtum, die Identität und die Alternativen unserer Realität offensichtlich.
Es wurden acht tragbare Strukturen gebaut, die es ermöglichen, mit ihnen an verschiedenen Plätzen zu experimentieren. Jede Struktur ist ein Spiel von Spannung und Kompression und wird gestaltet, um verschiedene Momente zu erschaffen.
Handlungsraum
Benutzt man sie horizontal, laden sie Personen ein, sich zu setzen und darauf auszubreiten. So können sie ihre Geschichten, Gedanken und Erfahrungen mit mir und anderen auszutauschen. Es wird reflektiert, erzählt und eingenommen.
Staffeleien
Danach werden die Strukturen in vertikaler Form in einen Kreis gestellt und als Rahmen benutzt, um die Interaktion zwischen Körper und Stadt, gegeben durch die Personen und den Raum den sie bewohnen, zu zeichnen.
Instrument
Auf diese Weise ergibt sich eine 360° Zeichnung, wo die drei Dimensionen, die sich in der Stadt binden gezeigt werden: Der physische, der mentale und der soziale Raum. Diese Zeichnungen werden auf einer weißen Kugel widergespiegelt, um neue Formen der gemeinsamen Wahrnehmung zu erforschen.
Betreut von: Prof. Axel Kufus // Robin Resch
Material: Holz // Aluminium // Textil
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›urbanes (ent)artikulieren‹ // Rundgang 2015
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Projekt Vorschlag (2014)
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Unter Hinweis auf die Herkunft des MA „Transfection designsystem“, wo der Begriff „transfection“ aus der Biologie kommt und das Verfahren der absichtlichen Einführung von Nukleinsäuren in Zellen bedeutet, ein DNA-transfer, der durch die Eröffnung von vergänglichen Poren oder „Löcher“ in der Zellmembran die Aufnahme von Material ermöglicht.
Mit diesem Konzept habe ich angefangen und mich gefragt, ob diese Definition auch für Berlin zutreffen könnte. Wenn ich mir Berlin als Zelle vorstelle und welche Art von Nukleinsäuren kann ich in diese Zelle einführen? Wo sind diese vergängliche Poren oder „Löcher“ in dieser Stadt/Membran?
Die Stadt und der Raum ist die beste Ausgangspunkt, hier findet die soziale Interaktion statt, denn es sind Elemente die sich selbst aktiv produzieren und wo wie Lefebvre meinte, sich drei Dimensionen binden; der mentale (Bachelard), der soziale und der physische Raum (Foulcault).
Deswegen habe ich angefangen die Stadt zu erkunden, sie zu beobachten, sie zu zeichnen und langsam in ihr zu experimentieren um auf sie reflektieren zu können. So habe ich erkannt, dass wir nicht in einem homogenen Raum leben, sondern, ganz im Gegenteil in einem Raum, der mit Eigenschaften geladen wird. Der durch eine Reihe von Gegensätzen gesteuert wird, die schwierig zu ändern sind.
Aber ebenso, findet man in Berlin Projekte und representationäle Plätze wie dasTempelhofer Feld, wo sich ein „sollte sein“ manifestiert. Räume die direkt von ihren Bewohnern erfahren werden und die über den physischen Raum sind, da die Menschen zimbolischen Gebrauch von den Objekten, die ihn komponieren, machen. Es sind ausweichende Räume, wo die Phantasie der Menschen versucht ihn zu verändern und sich anzueignen. Daher sind es oft Objekt der Begierde von Spezialisten die versuchen ihn zu kodifizieren, zu rationalisieren und schließlich zu reißen.
So kann ich mir jetzt vorstellen, dass solche andere Räume, die sich allen widersetzen irgendwie dazu bestimmt sind, zu löschen, zu kompensieren, zu neutralisieren oder zu reinigen, und mir die Möglichkeit jetzt geben sie wie die vergängliche Poren oder „Löcher“ in dieser Stadt/Membran zu finden.
Diese Räume geben mir die Möglichkeit zu phantasieren und zu fragen in welcher Art und Weise können wir mit unserer Umwelt interagieren und wie könnten wir unsere Welt leichter wahrnehmen.
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DIE LUST AM LESEN | ANNE KARRENBROCK | 2015
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› DIE LUST AM LESEN ‹ // DESIGNTRANSFER 2015
Der Wunsch nach mehr Zeit für sich (also nach Autonomie), Kompetenz (ich kann/weiß etwas) und das Verlangen nach neuen Erlebnissen und Erfahrungen sind grundliegende menschliche Bedürfnisse (z.B. Deci & Ryan, 2000). Ein gutes Buch kann diese Bedürfnisse bedienen. Mit ihm nimmt man sich Zeit für sich, man wird dabei etwas Neues lernen und Neues erleben, was man womöglich anders nicht hätte erfahren können. Viele verspüren sogar den Wunsch mehr zu lesen und tun es doch nicht.
Mit Hilfe dieser Lampe wird ein Moment geschaffen, in dem, an den Wunsch mehr zu lesen erinnert wird und Lesen möglich ist. Der Nutzer entscheidet, wann und wo tagtäglich ein guter Moment sein könnte, an das Lesen erinnert zu werden und stellt dies individuell für sich ein. Er hängt das Buch, welches er zur Zeit lesen möchte über das Leuchtmittel der Lampe und nutzt sie so als Lesezeichen. Von nun an beginnt die Lampe täglich zur eingestellten Zeit zu leuchten und bietet ihr Licht an. Dieses leuchtet in die Seiten des Buches und schafft zusätzlich um sich herum eine gemütliche Atmosphäre. Der Nutzer kann sich nun entscheiden, das Licht zu gebrauchen, indem er das Buch abnimmt und zu lesen beginnt oder aber er schaltet die Lampe wieder aus. Dafür hängt er das Buch zurück über das Leuchtmittel.
Die Lampe macht nur ein Angebot und erinnert an eine Handlung, die man gerne häufiger vollziehen möchte. Sie lässt einem Raum zur eigenen Entscheidung, sie akzeptiert, dass man grade keine Zeit zum Lesen hat, möchte jedoch das man dem Buch wenigstens einen Moment Aufmerksamkeit schenkt. Sie wird nicht streng sein und einem das Nutzen des Lichts ohne dabei zu lesen verbieten, sie wird nicht tadeln, wenn das Buch sofort wieder zurück gehängt wird. Zum Tun-Können gehört das Nicht-Tun-Können also unbedingt dazu (Busch, Elemente einer Philosophie der Passivität, 2013), sonst wäre es reiner Zwang. Die Intension der Lampe ist klar, sie möchte, dass man täglich ließt, tut man es nicht wird man sich ein wenig an ihr reiben (vlg. Laschke & Hassenzahl, pleasurable troublemakers, 2014), tut man es wird man mit neuem Wissen, fremden Erfahrungen und neuen Gewohnheiten belohnt.
Betreut von: Prof. Dr. Kathrin Busch // Dr. Matthias Laschke
Material: Holz // Metall // Plexiglas
Technik: Arduino
Kontakt: // www.annekarrenbrock.de
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› DIE LUST AM LESEN ‹ // Rundgang 2015
Seine Hand streift mich fast nebensächlich, sie verweilt einen Moment zu lange, um nicht einer beabsichtigten Handlung zu folgen. Dann, beinahe unerwartet, hebt er mich auf seinen Schoß und betastet und liebkost mich behutsam. Ich öffne mich ihm und zeige ihm mein Innerstes. Nun kann er seine Augen nicht mehr von mir lassen, sie wandern immer wieder von links nach rechts, immer und immer wieder, bis sie in mich hineintauchen und er in mir verschwindet und Teil meiner Erzählung wird.
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Alicia Sobtzick — Lolium

Foto: Herbert Palme
›Lolium‹ // Rundgang 2015
Organisch | Technisch | Mechanisch
In den Organismen sind Form und Funktion im Lebensprozess integriert. Horizontale und vertikale Lasten müssen aufgenommen und abgeleitet werden. Bei Tieren erfolgt dies über das Knochenskelett, bei Pflanzen über Äste, Stamm und Wurzeln. Pflanzen haben sich im Laufe der Evolution auf äußere Belastungen eingestellt. Festigkeit, Zähigkeit und Elastizität des Zellmaterials haben sich angepasst.
Wie kann man dieses Naturphänomen betrachten, in ein Gestaltung- sprinzip umwandeln und in einen anderen Bereich transferieren?
Durch die Simulation der organischen Struktur, dem Querschnitt eines Grashalms, wird dessen Festigkeitsprinzip nachgeahmt und führt zu fremdartigen gestalterischen Möglichkeiten.
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PROJEKT VORSCHLAG (2014)
Fließende Stärke
Kraft und Dynamik sind die Eigenschaften eines jeden Materials. Unterschiedliche Parameter lassen ein Material anders reagieren und seine Oberfläche und Struktur verändern.
In ‚Fließende Stärke’ geht es um Materialentwicklung, welche nicht nur die Neuentstehung einer Substanz ist, sondern auch der Prozess einer Entwicklung, welcher durch seine Umwelt beeinflusst wird.
Mein Grundbaustein für die Experimente ist Stärke. Sie bringt genau diese eigene Dynamik und Kraft mit, die eine Ästhetik und meine Faszination erzeugt. Bei der Arbeit mit Materialien ist eine chemische sowie ästhetische Auseinandersetzung unabdingbar. Es ist nötig, um feststellen zu können, welche Eigenschaften das Material besitzt und wie ich sie sinnvoll nutzen kann. Chemisch und Physikalisch betrachtet lassen sich alle Parameter, die Einfluss auf die Stärke nehmen, erklären.
Jeder Mensch betrachtet die Materie anders. Welche Empfindungen, Visionen und welche Handlungen der Mensch vollzieht hat mit seinem
Umfeld und seiner eigenen Wahrnehmung zu tun.
Genau diese Empfindungen lassen sich nicht auf einer reinen analytischen Basis erklären. Es sind genau diese Faszinationen und Assoziationen,
die zu Ideen und Innovation führen.
Meine jetzige Auseinandersetzung beruht auf der ästhetischen Basis, welche Oberflächen erzeugt werden können, welche Mischungen zu anderen Strukturen führen und diese dann letztendlich produkttauglich zu machen.
OFFENE ENDEN | DAHM LEE | 2015
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› OFFENE ENDEN ‹ // DESIGNTRANSFER 2015
Dinge beinhalten ein großes Potenzial an autonomer Gestaltung, das über das von Designern angestrebte Ziel hinausgeht.
Was ist ein Designprodukt mit Potenzial, das sich erst im Gebrauch entfaltet. Wie sieht es aus?
In meiner Masterarbeit versuche ich mich als Designer beim Gestaltungsprozess so weit wie möglich zurückzustellen, um dem Endnutzer Möglichkeiten zu geben, die Nutzung selbst mitzubestimmen. Die Produkte, die am Ende erzeugt werden, sollen in ihrer Form und Funktion wenig definiert sein. Es sind die offene Dinge.
Offene Enden ist ein Designkonzept, das kein festgelegtes, fertiges Produkt hervorbringen will. Wichtig sind die Verbindungselemente, die dem Nutzer die Möglichkeit geben, je nach Wunsch einfache oder komplexere Konstrunktion zu erstellen. Und diese lassen sich mit einfach erreichbaren Holzstäben verbinden, die man bei jedem Bauhaus finden kann. Verbindungelemente verbinden die Halbzeuge somit zu einem professionellen Produkt.
Vor allem soll offene Enden Leute dazu anregen, selbst aktiv zu werden um auf neue Ideen zu kommen.
Betreut von: Prof. Axel Kufus // KM Hanna Wiesener
Material: Kupfer // Edelstahl // Holzstäbe // Schrauben // Holzplatte
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› Offene Enden ‹ // Rundgang 2015
› Offene Enden ‹
1. Einladung zur Interpretation.
2. Ein freies Spiel.
3. Es entwickelt sich.
Synonyme: Mobilität, Beweglichkeit, Offenheit
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Projekt Vorschlag (2014)
Mein Projekt setzt die These voraus, dass die Dinge über ihre Form und Funktionalität hinaus ein gewisses „Mehr“ in sich tragen. Die Dinge können in ihrer Form und Funktion verändert werden und sie verändern zugleich auch den Benutzer. Meiner Ansicht nach wird das wirkliche Potenzial der Dinge zumeist nicht während des Gestaltungsprozesses erkannt, erst im und durch den Gebrauch zeigen sich alle möglichen Funktionen, es zeigen sich eben auch Möglichkeiten, die sich nicht auf die Intention des Designers beschränken lassen.
Das Ziel meines Masterprojektes ist es, „offene“ Dinge zu gestalten, die sich erst im Gebrauch oder im Prozess der „Aneignung“ realisieren, indem ich mich mit der Frage beschäftige, wie ich die Fremdheit in den Designkontext setzten kann, die die Voraussetzung „wirklicher Aneignung“ ist. Denn jeder Gebrauch ist eine Aneignung. Erst indem man sich das Fremde eines Dinges aneignet, d.h. „zu Eigen“ macht, tritt seine Form und Funktion zutage. Je mehr man sich das Ding aneignet und je mehr die persönliche Bindung mit ihm entsteht, desto langlebiger und nachhaltiger werden die Dinge. In Bezug darauf finde ich es wichtig, dass man als Designer dem Produkt mehr Freiraum gibt, sodass die Nutzer beim Umgang mit diesen aktiv bleiben und sie die Dinge in ihrer Art neu interpretieren können.
Ich beschäftige mich vor allem mit modularen Systemen, es soll am Ende kein festgelegtes, fertiges Produkt entstehen, sondern eher Bauelemente, mit denen der Nutzer bei der Produktion involviert wird und selbst die Nutzung bestimmen kann. Das heißt, ich werde „das Nutzen“ gestalten und eine Inspirationen vermitteln.
MAKE THINGS WORK | JOHANNES KUNZ | 2015
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MAKE THINGS WORK // DESIGNTRANSFER 2015
Wir sind an einem Punkt angelangt, an dem jedes neu in die Welt gebrachte Massenprodukt weitreichende moralische Fragestellungen aufwirft. Nüchtern betrachtet, muss man sich die für Designer besonders bittere Wahrheit eingestehen, dass die Welt meist ohne diese – wenn auch noch so gut gemeinten – Produkte besser zurecht käme.
Es gibt einfach zu viele belanglose, überflüssige Dinge.
Wie aber geht man als Designer mit dieser Erkenntnis um, wenn man sie ernst nehmen möchte?
Ich glaube, dass Produkte – ungeachtet aller Design-Bemühungen – erst auf persönlicher Ebene im direkten Umgang und Gebrauch zu wirklich bedeutenden und dauerhaft geliebten Dingen werden können. Dazu ist es jedoch notwendig, dass diese Produkte ein gewisses Potenzial zur Weiterentwicklung, Interpretation oder Aneignung besitzen.
Es manifestiert sich jedoch zunehmend das Gegenteil: Alles wird stets geschlossener, ausdifferenzierter und unnahbarer.
Andererseits gab es aber auch nie zuvor ein größeres Angebot an detailliertem, verständlich aufbereitetem, jederzeit frei zugänglichem Produkt- und Produktionswissen.
In Hinblick dessen möchte daher mit einer mobilen Werkstatt Orte schaffen, an denen sich Menschen den Dingen wieder nähern können. Die Werkstatt versammelt Methoden, Werkzeuge und Wissen, um die Dinge zu ergründen und verstehen zu lernen. Als ein Ort des Austauschs liefert sie zudem Ideen und Inspiration, um unter der Betreuung eines Experten eine umfassende Infrastruktur bereitzustellen, die es auch Laien ermöglicht, aktiv in bestehende Produkte einzugreifen und sie nach den eigenen Vorstellungen zu verändern.
Denn gerade wenn Produkte derart komplex und unverständlich geworden sind, dass sie für Viele die gleichen Mysterien darstellen, wie die Dinge der Natur, möchte ich behaupten: Alles kann Material sein.
Wir sollten diese generelle Komplexität als Chance sehen, naiv und unvoreingenommen auf die Dinge zu blicken. So können wir unter Umständen gänzlich neue Potenziale und Möglichkeiten für uns entdecken, um sie schließlich zu Dingen von für uns wahrer Bedeutung umzuformen.
Das wirklich wesentliche Erzeugnis dieser Werkstatt sind aber letzten Endes neue Macher, die sich selbstbewusst, sicher und kompetent in der Welt der Dinge bewegen können – Macher, die die Dinge lebendig, relevant und in ständiger, flüssiger Bewegung halten.
Für ein Werden der Dinge anstatt von Produktlebenszyklen.
Betreut von: Prof. Axel Kufus // Prof. Dr. Kathrin Busch
Kontakt: // www.johanneskunz.info
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Make Things Work // Rundgang 2015
Make. Things. Work.
Kein Fab-Lab, kein Repair-Café, keine Handwerksromantik.
How to make makers?
Die Welt ist nur so drittklassig, wie du dich mit ihr zufriedengibst. Es muss nur dir gefallen. Aber dir muss es gefallen.
Die Möglichkeiten sind längst da.
Alles ist Material, alles lebt.
Man muss es nur zu zähmen wissen.
Für flüssige und niemals fertig werdende Dinge.
Für niemals überflüssig werdende Dinge.
Dinge von Belang.
Zugegeben: Wer die Welt machen will, wie sie ihm gefällt,
muss erst mal, wissen was er will.
Dabei helf’ ich dir.
Ab hier jetzt wirklich keine Ausreden mehr.
Genug gesagt – machen!
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TRANSFECT DESIGN SYSTEMS – CULTIVATE DIY TACTICS
SYSTEME
Ausgangspunkt für meine Arbeit im Rahmen des Masterthemas „transfect design systems“ ist ein persönliches Unbehagen, als Designer ein aufgrund immanenter Wachstumszwänge in zerstörerische Eigendynamik verfallendes Wirtschaftssystem aktiv zu stützen. Ein System, das den Konsumdurchsatz möglichst kurzlebiger, belangloser, ressourcen- und aufmerksamkeisfressender Massenware stetig erhöht und dabei Bequemlichkeit, Passivität und Entfremdung fördert, indem jene Produkte stets komplexer und intransparenter werden.
Wenn Design Teil dieses Systems ist, muss sich dann meine Profession nicht erst neu positionieren, um einen anderen Kurs ansteuern zu können? Gründet die Problematik nicht schon in einem Designsystem selbst, das mit seiner normativen Ästhetik, die die Unversehrtheit, das Neue, das Unverrückbare als Maßstäbe ansetzt, sich in einer elitären, geschlossenen Gruppe von Geschmacksexperten selbst referenziert und darüber hinaus Produktlebenszyklen bewusst verkürzt und künstlich neue Bedürfnisse schafft?
ZIELE / VISIONEN
Wie müssen sich Design, Produktion und Konsumkultur ändern, um den globalen Herausforderungen dieses Jahrhunderts gerecht zu werden? Ich bin überzeugt, dass kein vertretbarer Weg daran vorbeiführen kann, das hochgehaltene Wachstumsparadigma zu überwinden. Ich glaube, dass es an der Zeit ist, alternativen Konzepten von Postwachstumsökonomien (wie sie bspw. Paech detailliert skizziert und wie sie schon seit den 1970ern von ökonomischen Vordenkern wie Schumacher zur Diskussion gestellt wurden) eine Chance zu geben. Denn ein Überfluss generierendes System geschlossener Kreisläufe ist weit entfernte Utopie und auch sämtliche Effizienzbemühungen werden allein auf Grund von Rebound-Effekten ein ökologisches Desaster nicht verhindern können oder um es mit Paech zu sagen: „Per se nachhaltige Technologien und Objekte sind schlicht undenkbar. Allein Lebensstile können nachhaltig sein.“ Ich finde, es ist also höchste Zeit, sich in Suffizienz zu üben. Denn Wachstum einzudämmen, muss bedeuten, sich auf ein bestimmtes Maß zu beschränken – idealerweise ein gesundes, menschliches Maß. Und das muss kein Verzicht sein. Mehr Aufmerksamkeit und Zeit auf wenigere aber bedeutendere, geschätztere und bereicherndere Dinge zu verwenden kann einen beachtlichen Zugewinn an Lebensqualität mit sich bringen.
Ich finde, wir sollten den Konsumbegriff hinter uns lassen und uns auf die Nutzung, Gestaltung und Umgestaltung von Produkten konzentrieren – die Dinge als flüssig statt fertig anzusehen. Die Gestaltungs- und Produktionsprozesse könnten näher in Richtung Nutzer verlagert werden, um ihm zu ermöglichen, selbst mehr Verantwortung für eine sinnvolle Ressourcennutzung zu übernehmen.
Für Designer würde das bedeuten, Kontrolle abzugeben, sich einer subjektiveren und vielfältigeren Ästhetik zu öffnen und freie Möglichkeitsräume zu gestalten, statt exklusiv die materielle Welt und ihre Beziehungen definieren zu wollen.
MITTEL
Um mich einer derartigen Welt zu nähern, habe ich das Thema DIY als Vehikel gewählt. Do it yourself lässt schnell an Hobbykeller und Deko-Ideen denken.
Dabei kann es auch zu besonders zufrieden stellenden Produktlösungen führen, denn für sein eigenes Leben ist jeder selbst der größte Experte und man muss faktisch keine Kompromisse eingehen. Darüber hinaus hat Selbermachen auch großes Potenzial, Dinge wie Handlungsfähigkeit, Kompetenz, Selbstbewusstsein, Autonomie oder Wertschätzung für Produkte und menschliche Arbeit zu fördern.
Die DIY-Kultur hat unter anderem gemeinsame Wurzeln mit der Punk-Bewegung, die seit den späten 1970ern mit Selbermachen spaßorientierte Lebenseinstellung, eine raue, rohe Energie und gewisse Autonomie zu erzeugen weiß.
Die autoritätskritische, intrinsisch motivierte, extrem leistungsstarke Hacker-Community geht noch einen Schritt weiter, indem sie für sich proklamiert, sich mit ihren Mitteln prinzipiell jedes beliebige System aneignen zu können. Darüber hinaus ist aus ihr die demokratisierende, vertrauensbasierte und co-produzierende Open-Source-Bewegung hervorgegangen. Das Beispiel dieser Subkulturen zeigt, dass aus DIY-Praktiken durchaus mit einer starken, selbstbewussten Haltung einhergehen können. Es sollte also auch möglich sein, DIY für meine Vorhaben zu kultivieren, um einen attraktiven Rahmen zum Selbermachen zu schaffen, der dazu einlädt, sich einzumischen, umzuformen und Kräfte zu verschieben.
WEGE
Um mich der Frage zu nähern, wie attraktives, überzeugendes DIY-Design aussehen könnte, habe ich mich zunächst meinem ganz persönlichen Lebensumfeld zugewandt, um hier mit kleinen, technologisch simplen Eingriffen, wirksame Produkt- und Problemlösungen zu erzielen. Als einzig relevantes Beurteilungskriterium hat sich die Frage herausgestellt, inwiefern die Lösung dem individuellen Kontext gerecht wird und subjektiv eine anhaltende Zufriedenheit zu erzeugen vermag. Eine gewisse Eleganz, Einfachheit, Intelligenz oder Magie im Entwurf scheinen hier wohl aber sehr zuträglich zu sein. Darüber hinaus erzeugt erfolgreiches Selbermachen in jedem Fall automatisch den Mehrwert eines Kompetenzgewinns, eines Erlebens der eigenen Handlungsmacht und einer bewussten Verbindung mit dem Objekt aufgrund einer gemeinsamen Geschichte.
Im nächsten Schritt geht es darum, Methoden zu entwickeln, um es einem breiteren Publikum attraktiv und möglich zu machen, selbst Erfolgserlebnisse beim Selbermachen und die damit verbundenen Mehrwerte zu erfahren.
Hierzu habe ich die makersunday-Workshop-Reihe initiert, bei der ich regelmäßig sonntags meiner Hausgemeinschaft einen Arbeitsraum und eine grundlegende Werkzeugausstattung zur Verfügung stelle, um sich unter Anleitung und Hilfestellung selbst persönlichen Produktprojekten zu widmen.
Diese Struktur möchte ich fortführen und als Experimentierfeld zur iterativen Entwicklung methodischer Tools nutzen, die in der Konstellation Designer/Amateur zuverlässig und schnell zu direkten, zufrieden stellenden Lösungen führen.
Das bedeutet mit Hilfe niedrigschwelliger Werkzeuge und Technologien auf kreative Weise neuen Kulturtechniken zu formen. Dies gilt auch für digitale Tools. Ich habe begonnen, die verschiedensten frei zugänglichen sozialen Netzwerke und Online-Dienste zu einer Art Metaplattform zu verweben, um sie subversiv zum Sammeln und Kuratieren von Produktionswissen in meine Dienste zu stellen.
In welcher endgültigen Struktur die so entwickelten Methoden letztlich Anwendung finden werden, möchte ich zu diesem Zeitpunkt noch offen lassen. Die Möglichkeiten erstrecken sich hier über eine Bandbreite von der detaillierten Konzeption und Ausarbeitung einer Workshop- oder Event-Reihe, über eine professionell betreute offene Werkstatt, eine buchbare, mobile Dienstleistung, ein experimentelles Produktforschungslabor, ein Bildungsprogramm bis hin zu einer reinen Onlineplattform zur Archivierung und Vermittlung von Produktionswissen. Dementsprechend liegt die mögliche Rolle für Designer in solchen Strukturen in einem Spektrum von Moderator, Conferencier, Entertainer, Experten, Berater, Forschungsleiter, Pädagoge, Redakteur, Kurator oder Administrator. Genauso richtet sich auch die passende Finanzierungsart nach der Endstruktur und kann sich zwischen Spendenbasiertheit, Mitgliedsbeiträgen, einer internen Währung, festgesetzten, quantifizierten Nutzungstarifen, Fremdfinanzierung oder einem Lizenzsystem mit Micropayment bewegen.
Und auch Publikum, Reichweite und Skalierbarkeit des Projekts hängen letztlich davon ab, wo die neuen DIY-Kulturtechniken die interessantesten Stärken entfalten werden.
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COGITO | ANNA LUKASEK | 2015
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›COGITO‹ // DESIGNTRANSFER 2015
„Mag er im Faktischen, Körperlichen sich immerhin als ein Ding der Unmöglichkeit erweisen, so setzt er durch die Gewährung eines neuen Blickpunktes unsere Fantasie doch in den Stand, ein umfassenderes, eindrücklicheres Tableau der menschlichen Leidenschaften zu entwerfen, als dies irgendeine der Alltäglichkeiten […] je erlauben könnte.“ Mary Shelley: Frankenstein oder Der Moderne Prometheus. 1818.
Transfect Körperbilder
Mary Shelleys Klassiker der Schauerliteratur „Frankenstein oder Der moderne Prometheus“ (1818) gilt in der Literaturwissenschaft als ein erstes Beispiel für Science Fiction. In diesem stehen – anders als in den uns vertrauten Filmen – die geistige Menschwerdung und die verzweifelte Sehnsucht des Monsters nach Akzeptanz im Romanmittelpunkt. Ebendiese Dichotomie finden wir heute in der gesellschaftlichen Forderung nach mehr Inklusion beim gleichzeitigen Ausmerzen jeglicher Devianz durch den Fortschritt und die Anwendung der Pränataldiagnostik. Das Bio-Engineering hingegen sucht weiterhin nach dem „promethischen Lebensfunken“.
Darf ein Trojanisches Pferd ins Kinderzimmer?
Das partiell behaarte Latex-Häschen und das Plüsch- Tierskellett „Pingu“ möchten ebenso wahre Spielgefährten sein. Latex ist eigentlich ein kindgerechtes, da natürliches Material (Naturkautschuk), ruft aber bei uns Erwachsenen als Gatekeeper eventuell ganz andere Assoziationen hervor. Die Vorstellung von frankensteinesque zusammengepuzzelten Kreaturen aus Plüsch-Knochen und Schädeln weckt ebenfalls unheimliches Unbehagen. Dieser psychologische Effekt des Unheimlichen stellt das zentrale Moment der trojanischen List dar: Nach Siegmund Freud „kommt [das Unheimliche des Erlebens] zustande, wenn verdrängte infantile Komplexe durch einen Eindruck wieder belebt werden, oder wenn überwundene primitive Überzeugungen wieder bestätigt scheinen.“ Kinder „leben“ Animismus, unbelebte Dinge erscheinen lebendig und sie schreiben ihnen menschliche Eigenschaften zu. Wenn der Animismus also keine fundamentale Trennung zwischen Mensch und Natur, Mensch und Tier kennt, was ist dann „menschlich“? Wo endet Menschsein? Was sind unsere normativen Vorstellungen, was gilt als deviant, was wird exkludiert?
Das Masterprojekt cogito (lat. „ich denke“) nutzt funktionsfähiges anatomisch-naturwissenschaftliches Kinderspielzeug als trojanisches Pferd, um einen Diskurs über ethische Fragen zum aktuellen Fortschrittstaumel der Bio- beziehungsweise Lebenswissenschaften zu eröffnen.
Betreut von: Marloes Ten Bohmer // KM Hanna Wiesener // Prof. Dr. Kathrin Busch // Prof. Dr. Ingeborg Harms // Prof. Axel Kufus // Prof. Jozef Legrand // Prof. Holger Neumann // Silvia Schüller // Ben Seidel // Dorothee Warning // Veronika Gross
Partner: Naturkundemuseum Berlin // Borchert + Moller (www.borchert-moller.de)
Material: Latex // Kunstfell // Plüsch // Fleece // Flockfasern // Polyamid (PA)
Kontakt: // www.anna-lukasek.de
Cover: Foto © Michael Mann // Styling: Christian Kleemann // Foto © Bastian Beuttel // Source Research: www.teddytassen.se
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Foto: Michael Mann — Styling: Christian Kleemann
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›cogito‹ // Rundgang 2015
Mag er im Faktischen, Körperlichen sich immerhin als ein Ding der Unmöglichkeit erweisen, so setzt er durch die Gewährung eines neuen Blickpunktes unsere Fantasie doch in den Stand, ein umfassenderes, eindrücklicheres Tableau der menschlichen Leidenschaften zu entwerfen, als dies irgendeine der Alltäglichkeiten, welche im hergebrachten Rahmen sich abspielen, je erlauben könnte.
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Projekt Vorschlag (2014)
Im Masterprojekt beschäftige ich mich mit pädagogisch-anatomischen Spielzeug. Wesentliche Inspiration dazu ist das unten abgebildete Brathähnchen aus Plüsch der Spielzeugmarke HABA, welches ich meiner Nichte schenkte:
Zunächst wurde das Hühnchen gleichwertig wie andere Kuscheltiere geknuddelt und liebkost – erst mit fortschreitendem Alter wurde es als “solches” erkannt, in den Spielzeugofen gesteckt und “gebraten”. Fasziniert vom kindlichen Erkenntnisprozess und dem Potential einer emotionalen Bindung zu naturwissenschaftlich geprägten Lernobjekten, gilt es tatsächliche Gefährten zu schaffen, die vom Tod und Leben erzählen. Eine weitere wesentliche Sichtweise bei dieser Hähnchen-Geschichte ist die der Erwachsenen: Nicht nur, dass aus unserer Perspektive bereits das Kuscheln mit einem “Lebensmittel” seltsam anmutet, man könnte fast “erschrecken” angesichts der kindlichen Empathielosigkeit seinen geliebten Schmusefreund dem grausamen Tod der Hitze und des Auf(fr)essens zuzuführen. Könnte man unser Empfinden angesichts dieses Vorgangs gar als “unheimlich” bezeichnen?
Mit dem Effekt des Unheimlichen hat sich Freund in seinem gleichnamigen Essay von 1919 auseinandergesetzt. “Das Unheimliche des Erlebens kommt zustande, wenn verdrängte infantile Komplexe durch einen Eindruck wieder belebt werden, oder wenn überwundene primitive Überzeugungen wieder bestätigt scheinen”. Freuds Auseinandersetzungen sowie der Klassiker der Schauerliteratur “Frankenstein oder Der moderne Prometheus” (1818) von Mary Shelley bilden den theoretischen Ausgangspunkt für mein Masterpojekt, in welchem ich “Spielzeug” als Trojanisches Pferd nutze, um eine kritische Position zu formulieren, was wir heute exkludieren und welchen normativen Vorstellungen wir unterliegen. (Stichwort “transfect Körperbilder”)