Dancing Shoe, Sitting Shoe, Walking Shoe // Latex, Leather and Cabon Fibre

This project deals with the aesthetic and the functionality of information graphics and network diagrams. Information graphics or infographics are graphic visual representations of data and knowledge intended to present complex information and interlinking information clearly and in one depiction. Network Diagrams usually consist out of points, set within a grid, which are connected with each other.

For each shoe design a network diagram was created that conveys the choreography of the movements and distances traveled of the foot of a person in selected area. The information in these diagrams are directly translated into the patterns and structures that make up the shoes.

The network diagram of the Walking Shoe shows the distances and quantity walked within a week by the designer herself, the Dancing Shoe map shows the movement of a dancer in a room and the Sitting Shoe plan outlines the micro moments of a of a person sitting down.

Printed One and Printed Two // Synthetic Rope

3D printers are able to build complex multi-component objects in one continuous process. The head of a Fused Deposition Modeling 3D printer deposits an extruded molten plastic or metal filament on a machine bed layer-by-layer, creating a three-dimensional object.

Printed One and Printed Two are the results of an exploration into the possibilities of appropriating the principles of this type of 3D printing in fashion manufacturing. The outer surfaces of the dresses are produced in a hand making process whereby a continuous strand of rope is draped across the body form. By selecting and sometimes changing the direction of the rope certain parts of the body are high-lighted and emphasis curves, muscles and or bone structures.

The Between Act and New-type-Object Series // Super 120ʼs Worsted Wool, Viscose Serge, Horsehair Canvas, Cotton Poplin, Beech Wood and Leather

Between Act is the literal translation of French EntrʼActe. The term, used in stage production, refers to Rene Clairʼs film that premièred in Paris, 1924 at Les Ballets Suédois. The Dadaist postproduction of Clairʼs Entrʼacte draw ones attention to the mundane and the everyday. Through motion recording techniques developed in the late 19th centrury the action of one movement to the next, then known as ʻinstantaneity’, became magnified.

As a means to explore the term ʻentranceʼ, the process of donning, putting on garments, was studied. Selected items were taken from the classic male wardrobe with the intention to observe the articulations made by the body as it maneuvered its way into the clothing and also to observe the manner in which the clothing was handled by the dresser. Subsequent to this, several ʻpointsʼ were located on the body to set the object in a space and their positions were described as: Entrance, Placement and Movement. These points resulted to a set of numbers and words that, in this process, describe what an item of clothing could be and could be made up of as an alternative to their traditional typology.

A Shirt has 5 entrances, 9 areas to hold, and 37 points, which move in space. A pair of Trousers has 7 entrances, 10 areas to hold, and 22 points, which move in space.
A Jacket has 3 entrances, 7 areas to hold, and 13 points, which move in space.
A pair of Boots has 3 entrances, 9 areas to hold, and 23 points, which move in space.

Crystal Structure Shoes, Sine Wave Dress // Threaded Brass Tubing, partially soldered and patina coated and Bonded Cotton Tape

The project Intrinsic Codes is based on principles of pattern formation in natural systems. Ranging from sand dunes to microscopic organisms, the forming and formal characteristics of their surface patterns are based on the same fundaments.

The framework of the Crystal Structure Shoes is based on a naturally grown structure. The unit cell is a rhombus. While the sole part is adapted to the straight floor, the upper approximates the human foot. Soldered junctions (turquoise) create a rigid structure, but the other joints are flexible. These opposite tendencies form a balance, similar to the activator-inhibitor scheme on which certain pattern formations are based.

Sound frequencies generate patterns through moving particles. Sine Wave Dress refers to the generation of frequencies by the human voice and points out that these sound vibrations are amplified through various body cavities. High frequencies are represented as short waves and are amplified in the head’s resonance rooms. Long waves correspond to low frequencies amplified by the abdominal cavity. These two wave shapes are directly translated in the pattern of the dress. A technique of taping cotton stripes allows sinuous modulations in a textile medium. The processes of pattern formation can be regarded as kind of computation.

Modern Ornament, Sweater, Shoes, Lab-Coat // Plaster and Porcelain Molding, Weaving and Porcelain Laser-Cut-Engraving

The Modern Ornament is a project created in reaction to the fear that the knowledge of traditional craftsmanship demises in times when new technologies and machine-made products take over. This project emphasises on the creation of porcelain making and is inspired by one of the world’s most prestigious porcelain collections, the Flora Danica. This collection combines highly decorative elements with botanical drawings of wild plants and is a symbol of the era of the enlightenment. The preservation of knowledge of common plants is of particular interest to the work created and comments on the ideas we have about what is worthy of preservation.

Next to this the aim of the project is to rethink the today’s ornament both in meaning and aesthetic.

The Shoes are created as a plaster cast for porcelain making, where the ornament lies hidden on the inside. The cast is about 17% bigger then the wearer‘s foot, due to the shrinking process of the porcelain in the furnace. Standing in a massive oversize shoe of plaster creates a feeling of being lost and out-dated.

The Lab-Coat, the porcelain maker’s uniform resembles its industrial fabricated prototype, but turns into a cape in the back, where pleats, signs of work, are turned into ornaments.
3-Dimensional sequin-like porcelain-sticks are woven into the fabric that makes up the Sweater. The object combines traditional techniques and baroque aesthetics with modern technologies and their belonging motifs in the form of pixels and grids.

Am Dienstag waren 20 Master-Studierende aus Tel Aviv in Berlin in unserem Masterprogramm zu Besuch.

// ABSOLVENTEN //

ADRIANA QUAISER

ISABEL KÜCKE

BARBARA WEIBLE

LIISA KESSLER

CHARLOTTE EHRLICHER & MARIE CHRISTINE VON FEDERLIN

ALBA PRAT

HENNING JURKE

LARS BOSTROEM

// PROJEKTE //

LAUFMASCHE

ONCE UPON A TIME

TLC – TENDER LOVING CARE

THE SECRET IS IN THE DETAIL

REGENZEIT

RESORT

// PUBLIKATION ZUR SCHAU 12 //

// grafik: Studio Regular

Accessories are objects with a close relation to the body and body parts.
The Kurzzeit projekt focuses on casting and 3D scanning body parts for the purpose of making moulds.

Guest teacher Kurzzeit Projekt: Holger Jahns

To The Moon // PVC and Polyurethane Foam

This project on one hand deals with the idea of anticipation; emotions and expectations blur into each other right before go to a place never before visited. On the other hand it takes in focus the human habit of marking a territory as soon as we arrive to a new place. The act of “marking of the territory” serves as a physical marker of the human disability of abandoning habits.

The setting for this project is the moon; a neutral place without any cultural or social imprint. There is no atmosphere on the moon and as a consequence any markings on the surface of the moon will remain forever and serve as a lifetime proof of existence.

The project consists of a series of shoes that leave human traces behind on the surface of the moon. The shoes are made from layered Soft PVC and flexible Foam. They sit somewhere between a machine made footprint and an artificial rock.

Untitled // Leather and polyurethane rubber

Heels grew slimmer and higher as designers such as Roger Vivier for Dior rejected the utilitarian fashion of World War II. They aimed for an elegant, modern style for women. Metal reinforced heels, invented in the early 1950s, made extremely high and thin heels such as stilettos possible. In their various forms high heels have symbolized everything from elegance, to sexuality, to rebellion, to female empowerment and wealth. However, nowadays, they are no longer revolutionary and have sadly become little more than status symbols in a consumer society obsessed with designer name tags such as Manolo Blahnik and Jimmy Choo.

A modern ambitious woman is fighting to get ahead in the world. Yet, ironically, she is doing this tottering about in unstable and movement disabling shoes.

The aim of this work is to combine comfort and physical stability with elegant elements. In the design process of this project, high heels were deconstructed; tight points cut open and the high heel removed, the fragile elements of the high heeled heels kept and embedded in a protective, supportive sole. Orthopedic shoes helped illustrate how best to support the foot, but also provided inspiration for some design details.

‚Pure Objects‘ ‚Pure Secrets‘ ‚Secret Exchange‘ // Plastics and Textiles

North Korea is one of the most isolated countries today and as the rest of the world continues to further integrate information technology into nearly every aspect of life, North Koreans have very restricted access to the internet and limited communication with foreign cultures. For information gathering and access to cultural expressions of other countries they heavily rely on smuggled, black market goods such as USB drives, DVDs and printed material. While almost every family owns these items, they are kept in secrecy. ‘Pure Forms’ is a series of carrier accessories that are designed to reflect on the importance of these smuggled items and the secrecy in which they are shrouded by both concealing and revealing the objects within.

Additionally, these accessories are based on and embellished by the traditional Korean Norigae, a good-luck charm, which is repurposed as an everyday accessory. In so doing, Jessie English is reinventing a disappearing cultural artifact, which serves as a reminder of a once-united Korea. While North and South Korea are developing in drastically different directions, the underground exchange of media remains a significant connection.

Black Metal // Velour Paper, Roto-Cast Resin and Plaster

This work is based on a reinterpretation of accessories worn in the Black Metal scene. Black metal is an extreme subgenre of heavy metal music. The brutal image of this subculture is partly created through the use of clothing and accessories. Black metal artists and their fans often appear dressed in black with combat boots, bullet belts, fake blood, spiked neck and wristbands, leather costumes and corpse paint (makeup that makes the wearer appear inhuman, corpse-like). Since there are no real enemies to fight, these armor inspired accessories can therefore be seen as props or narrative objects that proclaim outer strength.

The “Black Metal” necklace collection creates an illusion of violence and evil through the combination of the formal references to armor with fakery materials used in the prop making industry.

Untitled // Leather, Foam and Textiles

There are a huge variety of fashionable accessories. Out of all of them, shoes have a strong potential to become objects of fetish. They are close to the wearer and the ground, they follow you around and are recognised as objects that express your identity.

This project aims to express various elements of someone’s identity through the improvisation and ad-hoc assembly of various elements. The objects are collages of seemingly unrelated parts and due to their unusual merging create a magical character.

Each pair produces a different collision. The first pair contains parts of a classical leather shoe and other more casual elements that are not attached in a conventional manner. The second one imitates prints and broken glass and is assembled randomly with found objects.

I just am – but who am I? An Identity conflict // Aluminium and Leather

The aim of this work and objects is to foreground an identity conflict; The feeling of living a life in-between male and female, two opposites sides. It also comments on the intricate task of defining your private sense and subjective experience of gender identity or gender position.

Gender is not only an innate quality of individuals, there is much more going on. A role can be played, by “doing gender”. This term coined by Candace West and Don Zimmerman describes the idea that gender is a psychologically ingrained social construct that actively surfaces in everyday human interaction and that an individual’s performance of gender is intended to construct gendered behavior as naturally occurring.

In this project, the idea of “doing gender” is explored through the design of objects that support and force the body into various postures that reinforce gendered roles. The ultimate goal of this project is to find a balance between the gender binary and to find a new way of expressing identity.

//ABSOLVENTEN// 

THIES MEYER

NICK NORTEN

MILENA KRAFT

JENNIFER RIPPEL

LISA MANN

ANNA LUKASEK

SARAH EFFENBERGER

ESMA KAHYA

LISA SÄNGER

KARIN HOFFMANN

TANJA ELLENSOHN

ULF BRAUNER

// PROJEKTE//

PLANETARY CATWALK

BLACK AND WHITE

PUR

CONTEMPORARY CRAFTS

P1ON33R2020L@B – The laboratory’s Manifest

fotos // Corina Lecca

// PUBLIKATION ZUR SCHAU 14 //

// grafik: Studio Regular

Das Seminar möchte den Transparenzbegriff in einen Horizont jenseits der aktuellen Debatte über Privatsphären im Netzzeitalter lokalisieren. Dabei kommen so unterschiedliche Kontexte wie die Geschichte der Glasarchitektur, Landschaftsgestaltung, Mikrophysik und hermetische Literatur zur Sprache. Die Moderne ist eine Geschichte der Transparenz, der Aufhebung von Grenzen und der Durchsichtigkeit privaten Lebens. Es gibt kaum noch unzugängliches Terrain in der Welt, alles ist fotografiert, auf Google Earth zu studieren, in einer Tagesreise erreichbar. Seit die Aufklärung die Durchleuchtung aller Dinge auf ihre Fahnen schrieb, ist die menschliche Existenz radikal reformiert worden. Vom Röntgenbild bis zur Genanalyse hat die Medizin Mittel gefunden, durch die genaue Kenntnis der Körper individuelles Leben zu verlängern. Das moderne Hygienebewusstsein bewahrt uns vor Keimen, die Chemie vor Ungeziefer, die Psychoanalyse vor Neurosen. Demoskopie, Statistik und McKinsey sorgen für weitgehende Normierung von Ausbildungsverlauf, Betriebsgestaltung und Karrieren, die Börse gibt in Realzeit Einblick in den Minutenwert von Unternehmen. Die Erforschung individuellen Lebens und die Optimierung des Bruttosozialeinkommens sind kaum noch voneinander zu trennen.

Vor diesem Hintergrund beschäftigt sich das Seminar mit den durch das Transparenzaxiom entstandenen Verlusten. Kritische Gegenbegriffe wie Individualität, Dickicht, Camouflage, Geheimnis, Dichtung, Mystik und Romantik spielen eine Rolle. Gibt es Reize oder ganze Lebensformen, die mit Netzkommunikation und Facebook verloren gegangen sind? Welche undurchsichtigen Räume gilt es zu schützen oder wiederaufzubauen? Legen wir noch Wert auf so etwas wie “Innerlichkeit”, auf eine private Gedanken- und Gefühlswelt, die dem Aufklärungsbegehren widersteht? Wie sieht Design aus, das nicht auf Transparenz setzt, und wann ist es sinnvoll?

Foucault, Überwachen und Strafen

Prof. Dr. Ingeborg Harms / Raum 208 / Donnerstag 15-18 Uhr

credits: REUTERS/Damir Sagolj

GESTALTUNG DES HOFES

AUSSTELLUNG DER BEETE

Bepflanzung

Blaue Winde

Storchenschnabel

Radieschen

Stockrose

Knoblauch

Tomaten

ThaiBasilikum

Sonnenblume

Samensammlung

Ringelblume

Pfefferminze

Oregano

Mangold

Mais

Kräutergarten

Kapuzinerkresse

Kapuzinerkresse

Grünkohl

Erdbeeren

Bohnen

GREENTEAM

TECHNIKEN

KOMPOSTIEREN

Bei der Arbeit im Hof entstandener Grünschnitt wird kompostiert Destruenten verwerten das organische Material und setzen dabei Mineralstoffe frei.

Der fertige Kompost wird mit Erde vermischt und düngt die Pflanzen. So entsteht ein Kreislauf.

 

STAUDE TEILEN

Stauden können zur Vermehrung geteilt werden.Dazu wird der Wurzelballen großzügig mit einem Spaten ausgestochen und ausgehoben. Der Wurzelballen wird von unten nach oben mit einem Spatenstich geteilt, je nach

Größe der Pflanze kann auch mehrmals geteilt werden. Die Pflanzenteile werden nun mit ausreichendem Abstand zueinander ver- pflanzt und gut gegossen.

 

PIKIEREN

Die meisten einjährigen Pflanzen werden durch Aussaat vermehrt. Dazu wer- den sie ab März im Haus vor-gezogen. Ab April, Mai können die kleinen Zöglinge in die Beete gesetzt werden. Dies nennt man Pikieren. Vorsichtig werden die Zöglinge aus dem Vorzucht-behälter genommen. Am besten ist es, den ganzen Inhalt vorsichtig in die eigene Hand zu stürzen. So kann man die Erde lockern und die Zöglinge voneinander trennen. Nun

wird das Beet vorbereitet. Dazu wird mit einem Holz oder einem Spaten eine Linie gezogen und in ange- messenem Abstand voneinander Löcher gestchen. In jedes Loch kommt eine Pflanze. Dazu wird der Zögling an den Blättern gefasst und in das Loch abge- senkt, so dass die Wurzel nicht beschädigt wird. Erde wird aufgeschüttet und mit den Händen seitlich angedrückt.

FÄRBERPFLANZEN EXPERIMENT „TRUE COLOURS“

Projekt geleitet von Dipl. Des. Julia Kunz (Textilsiebdruckwerkstatt/ Färbere IBT)

Die einjährigen Färberpflanzen wurden ausgewählt, weil sie bei uns nur vereinzelt bzw. nicht wild wachsen. Wegen der besonderen Lichtverhältnisse im Hof sind die Pflanzen unterschiedlich gut gewachsen.

FÄRBERDISTEL

FÄRBERKAMILLE

Bei der Färberdistel (die als 1. Färberpflanze blühte) und der Färberkamille, die viel Sonne benötigen, reicht die Ernte für Färbetests.

JAPANISCHER INDIGO

Der japanische Indigo hat sich bestens entwickelt und auch Blüten ausgebildet, aus denen wir Samen für das nächste Jahr gewinnen können. Der blaue Indi- gofarbstoff ist in den Blättern enthalten. Ein helles Blau kann mit den frischen Blättern gefärbt werden. Das dunkle Indigoblau wird durch einen speziellen Fermentierungsprozess gewonnen.

Die Kermesbeere keimte erst spät, gedieh dann im Sommer sehr gut. Die zum Färben benötigten Beeren, traditionell von den indianischen Ureinwohnern Nordmerikas dafür verwendet, werden sich jedoch vermutlich vor dem Frost nicht mehr rot färben.

KERMESBEERE

 

VERANSTALTUNGEN

Auch in diesem Jahr wurde der Hof für Veranstaltungen der UdK genutzt. Angefangen mit der Begehung des Hofes mit dem Gebäudemanagment der UdK fanden im Hof die Eröffnung des Rundgangs, das Abschlussgrillen

der Aufnahmeprüfung 2014 und das Hoffest statt. Wir bereiteten bunten Salat, Kräuterquark mit Kapuzinerkresse und Verbenentee aus dem Hof zu.

 

AUSBLICK 2015

Für die kommende Saison 2015 wollen wir ein Kon- zept entwickeln, um den Hof besser mit den ande- ren Studierenden zu kommunizieren. Wir möchten verdeutlichen, dass der Hof ein Teil der Fakultät ist und jeder ihn nutzen kann. Ein wei- teres Ziel ist genauer über die Pflanzen zu informie- ren.Was wächst wo? Was kann geerntet werden? Häufig nachgefragt wurden Rucola und Minze, die- se wollen wir 2015 pflanzen. Für die kommende Saison 2015 wollen wir den Pflanzkasten mit dem Farn freimachen. Der Topinambur wird ganz ent- fernt. Aufgrund von Schäden an den Paletten unter den Pflanzkästen können einige Kästen nicht mehr bewegt werden. Auch einige der Pflanzkästen aus Plastik müssen für die kommende Saison erneuert werden. Im Zuge des Austauschs der beschädigten Elemente wollen wir diese neu anordnen und ver- einheitlichen, sowie die Anzahl der Pflanzkästen erhöhen. Die Ausrichtung der Kästen als Fortführung der Gebäudeachsen wird beibehalten. Die bestehenden Holzkästen werden in der mittleren Reihe zu Vierergruppen zusammengefasst, welche die vierecki- ge Form der Reihe zur Gebäudeseite hin aufgreifen und im Längenmaß

identisch sind.  Sechs neue Holzkästen bilden in Zweiergruppen die äußere Reihe, auch hier stimmt das Längenmaß mit dem der anderen Reihen überein. In den Reihen steigert sich die Anzahl der Kästen, die erste Reihe besteht aus 6 Kästen, gegliedert in Zweiergruppen, die zweite Reihe aus 12 Kästen, gegliedert in Vierergruppen und die dritte Reihe aus 96 Kästen, gegliedert in Gruppen zu je 32 Kästen, von denen je16 bepflanzt werden können. Eine weiter Staffelung gibt es in der Höhe der Kastengruppen. Die Holzkästen in der 1. und 2. Reihe besitzen die selbe Höhe, die Plastikkästen der 3. Reihe sind durch das Auseinander-setzen zweier Plastikkästen höher. In den Gruppen der Plastikkästen werden die letzen 8 Kästen der Gruppen zusätzlich erhöht. Insgesamt steigt die Höhe in Richtung der Gebäudeseite an. Dieser Verlauf soll bei der Bepflanzung der Kästen fortgeführt werden.  Für die nächste Saison beginnen wir mit der Ausarbeitung eines Pflanzplans. In diesen Plan sollen die neue Ordnung der Kästen und die Erfahrungen der Bepflanzung der Saison 2014 einfließen.

 

 

 

BETREUUNG

BASISLABOR
Prof. Robert Scheipner

Grundlagen der Computer Aided Design Software „Solid Works“

Innerhalb des Kurses soll der grundlegende Umgang und die unterschiedlichen Einsatzmöglichkeiten
von Solid Works kennengelernt werden. Neben dem Generieren von verwertbaren Datensätzen (z.B.
für den Prototyping-Bereich) hält das Programm auch verschiedene Visualisierungsmöglichkeiten für
Entwürfe bereit, die anhand von Tutorials und zusätzlichen Übungen vermittelt werden. Oberstes
Ziel ist es, das Potential des Programmes zu entdecken, und es als gewinnbringendes Werkzeug
innerhalb des Designprozesses zu begreifen. 

on and on and on and on // 2013 // Diplomarbeit Modedesign

„Ich muss mir die Welt anschauen, um eine Weltanschauung haben zu können“
Peter Hermann aus Ostberlin, Dezember 1989

Warum losfahren?
Alte, gewohnte Dinge sind in veränderter Umgebung neu zu sehen. Ein freies Spiel mit dem, wie etwas ist und wie etwas sein könnte, eröffnet sich. Der Wunsch nach dieser Erfahrung ist möglicherweise das Motiv, sich auf eine Reise zu begeben.Die Gang bewegt sich zwischen Nostalgie und Forscherdrang. Sie leben zwischen Natur und urbanem Trash, zwischen Romantik und Reflexion. Sie sind umgeben von technoider Funktionalität, die sie immer wieder durch Emotionalität ad absurdum treiben. Pragmatismus steht neben romantischer Verklärung. Reine Funktionalität
wird aufgegeben für den Moment von Schönheit. Sie sind Sammler, autodidaktische Handwerker und Ingenieure. Das spontane
Samplen von kleinen Versatzstücken ist eine permanentes Abgleichen von Erinnerung an Bekanntes, mit Gegenwart und möglicher Zukunft. Die Outfits sind Zeitknäule.

Ausgangspunkt der Kollektion ist die Jugendkultur des HipHop mit seiner Praxis des Samplings sowie als Ausdruck von Gemeinschaft. Die Gang hält zusammen. Sie sind jung, im Aufbruch und nicht etabliert. Die einzelnen Looks sind als Tracks konzipiert, die aus bekannten „Sample-Schnipseln“ bestehen. Die Kollektion ist das Album, die LP.

Betreut von:  Prof. Valeska Schmidt-Thomsen // Prof. Dr. Ingeborg Harms // Christina Klessmann

// fotos: Fabian Frost
// models: Elisa Kozlo (Seeds), Manuel Krull (Seeds)

Redesign für ein politisches Online-Planspiel beim Usability-Staffellauf

grafik // studio regular

grafik // studio regular

grafik // studio regular

// ABSOLVENTEN //

Corinna Dehn

Emilia Pfohl

Evelyn Sitter

Johanna Bose & Raphael Guillou

Maria Elektra Bertram

Maximilian Riedlberger

Nan Li

Sibel Celik

Teresa Fagbohoun

// PROJEKTE //

Superheroes

Yunnan

Made in … Umbria

Vis – à – Vis

// PUBLIKATION ZUR SCHAU 13 //

// grafik: Studio Regular

Catalina Gomez Alvarez, Daniel Schult, Charlotte Marabito, Jasmin Halama, Carmen Abele, Christine Oehme

Jihye Kim, Pauline Schlautermann, Hyein Pyo, Anna Wittkamp, Tomma Suki Hinrichsen, Dana Aroch

Billy Schmidt, Anna-Luiese Sinning, Parinaz Jabirian, Pia Waller, Milan Siegers, Justine Maché

Noelia Ellrodt, MarinaKitsukawa, Daniel Juhart, Marlene Haase, MarieScheurer, Christine Sattler

Louisa Krüger, Dorien Lantin, Clara Poeverlein, Maja Avant, Lisa-Mia Kather, Julius Terhedebrügge

Lea Wittich, Anna Petersen, Moriel Blau, Sophie Stanitzek, Emilia Knabe, Katharina Achterkamp

Im Rahmen ihres Projektes „Über die Farben und Symbole in Walter Benjamins Passagenarbeit“ setzt sich die Künstlerin Patrizia Bach auf außergewöhnliche Weise mit Walter Benjamins „Passagenwerk“ auseinander.
Mit Kathrin Busch, die an der Universität der Künste lehrt, spricht sie über künstlerische Forschung und ihren spezifisch zeichnerischen Zugang auf das Passagenwerk.

Begleitend zur Sammlungspräsentation A-Z. Die Sammlung Marzona trifft sich die A-Z Lesegruppe in regelmäßigen Abständen zu Lektüre-Workshops. Themen der Ausstellung werden anhand ausgewählter Texte vertieft, reflektiert und gemeinsam diskutiert.

Termin: Do 16.10.2014 18:00 Uhr – 19:30 Uhr
Ort: Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin
Anmeldung: nicht erforderlich

Ausstellung: A-Z. Die Sammlung Marzona
Sammlung: Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin

Das Seminar will Ansätze für eine Rahmenanalyse des Designs bereitstellen und die Frage diskutieren, inwiefern man als Gestalter in diese Rahmenbedingungen eingreifen kann. Wie kann eine Praxis des Designs beschaffen sein, die andere gesellschaftliche Möglichkeiten im Rahmen des gegenwärtigen Kapitalismus freilegt?

Wir werden im Seminar zunächst nach den konkreten Bedingungen heutigen Designs fragen und Themen wie das Kreativitätsparadigma, den neuen Materialismus sowie ein verändertes Denken des Körper und seiner Sensibilität aufgreifen. Außerdem werden wir uns mit heutigen Machtformen befassen und eine Mikropolitik des Designs entwerfen, die davon ausgeht, dass das Design als Gestaltung von Lebensformen eine eigene subversive Kraft beinhaltet. Ziel des Seminars ist eine „Institutionskritik“ des Designs, in der die normalerweise unthematischen Kontexte der Gestaltung zum Gegenstand sowohl der Reflektion als auch der Intervention werden.

Masterstudiengang || Wahlpflicht: Kulturwissenschaften || Do. 17-19 || Raum 207

Was ist Design? Was gestaltet man, wenn man Produkte oder Prozesse entwirft? Ist jedes Design sozial? Wie könnte ein Design der Gesellschaft aussehen? Ist es unsichtbar? Was ist das Material, das gestaltet wird? Gibt es eine Politik der Materialität? Besitzen Materialien Macht? Was ist Formgebung? Braucht man Modelle? Was lernt man von ihnen?

Das Seminar will Einblick in grundlegende Fragen der Gestaltung geben und die Bedeutung des Designs in der heutigen Gesellschaft diskutieren. Ausgehend von philosophischen und kulturwissenschaftlichen Texten soll eine theoretische Sprache erarbeitet werden, die es ermöglicht, die eigene designerische Positionen zu begründen.

3. Sem. Bachelor || Modul 8 || Do. 11-14 || Raum 207

Vita

Studium der Kulturwissenschaften, Philosophie und Kunstwissenschaften an der Universität Bremen, Leuphana Universität Lüneburg und Middlesex University London. 2011 Magisterabschluss an der Leuphana Universität Lüneburg. Von 2011 bis 2017 wissenschaftlicher Mitarbeiter an der UdK.

Forschungsschwerpunkte: Ästhetik, Psychoanalyse, Kritische Theorie, Kulturtheorie, französische Gegenwartsphilosophie.

Vita

Studium der Philosophie, Kunstgeschichte und Literaturwissenschaft in Hamburg. 2001 Promotion an der Ruhr-Universität Bochum. 2002-2009 Juniorprofessorin für Kulturtheorie an der Universität Lüneburg, 2009-2010 Professorin für Kulturtheorie/Kulturwissenschaften an der Merz Akademie Stuttgart. Seit 2010 Professorin an der Universität der Künste Berlin.

Forschungsschwerpunkte: Kulturtheorie, französische Gegenwartsphilosophie, Ästhetik, Theorien der Passivität und der künstlerischen Forschung.

Wenn die Postmoderne das Ende der Moderne war, als welches sie sich selbst verstand, dann zeichnet sie sich zuerst einmal negativ durch das Ableben des Anspruchs auf Normativität und Universalität aus, die die Moderne für sich beanspruchte. Das bedeutet jedoch nicht, dass sie damit notwendig den Weg bereitete für eine tiefere Wahrheit, die moderne Gestaltung bis dahin verstellte. Die Wahl zwischen der roten und der blauen Pille, zwischen Wahrheit und Illusion ist am Ende doch nicht so einfach. Jenseits des modernen Anspruchs auf Universalität öffnete sich der postmodernen Gestaltung nicht „die Wüste des Realen“, sondern eine Pluralität von Welten, eine Spielwiese ohne feste Regeln.

In Seminar werden wir ansehen, was in der Postmoderne den modernen Anspruch auf durch Materialität vermittelte Normativität und Universalität ablöste. Als Einstieg dazu beschäftigen wir uns mit der Fortsetzung moderner Gestaltung an der HfG Ulm und der in den 1970er Jahren formulierten Kritik der Warenästhetik. Im Anschluss daran diskutieren wir einige für die Postmoderne paradigmatische Postionen in Design, Kunst und Architektur.

Modul 4: Kultur- und Designgeschichte || BA – 2. Semester || Di 9.00–12.00 Uhr || Raum 207

„Von Ulm nach Las Vegas“ repräsentiert den Weg, den die westliche Kultur in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts einschlug, den Weg, auf dem sie als Postmoderne die Moderne zu Grabe tragen wollte. Aus gestalterischer-künstlerischer Perspektive bezeichnet „Von Ulm nach Las Vegas“ zwei Wegmarken, die für zwei gegensätzliche Auffassungen von Gestaltung stehen, die rationale und funktionalistische Gestaltungslehre der in der Bauhaus-Tradition stehenden HfG Ulm und die wuchernde, spektakuläre Architektur von Las Vegas, die Robert Venturi 1968 untersuchte und zum Vorbild seiner Architekturheorie machte.

Im Seminar werden wir diesen Weg aus der Moderne noch einmal beschreiten und ihn anhand von ausgewählten gestalterischen, künstlerischen sowie theoretischen Positionen nachvollziehen. Zunächst widmen wir uns dafür der Fortsetzung moderner Gestaltung an der Hochschule für Gestaltung Ulm und einigen ihrer Protagonisten. Im Anschluss daran setzen wir uns mit der in den 70er Jahren formulierten Kritik der Warenästhetik auseinander. Vor diesem Hintergrund untersuchen wir in der zweiten Hälfte des Seminars zentrale Positionen aus Design und Architektur der Postmoderne.

Modul 4: Designgeschichte || BA – 2. Studienjahr || Di 9.00–12.00 Uhr || Raum 207

Mit dem Ende der Postmoderne stellt sich heute die Frage, wo wir im Verhältnis zu diesem Ende und wo wir im Verhältnis zur Postmoderne stehen. Sie stellt sich sowohl als theoretische als auch praktisch künstlerische und gestalterische Frage. Und sie beinhaltet das Befragen des Endes der Moderne selbst, als das sich die Postmoderne im Allgemeinen ansah. So schrieb Charles Jencks im Jahre 1978: “Unsere gegenwärtige Welt als postmodern zu bezeichnen, ist etwa gleichbedeutend mit der Bezeichnung von Frauen als “Nichtmänner”. Es besagt nichts anderes als das, was wir verlassen haben – die Welt der Moderne, die paradoxerweise, wie ein durch die Ereignisse überholter Futurologe, zum Sterben verurteilt ist.” Dieses von Jencks diagnostizierte Sterben der Moderne werden wir im Seminar aus gestalterischer, künstlerischer, historischer, kritischer und philosophischer Perspektive genauer unter die Lupe nehmen. Zunächst widmen wir uns dafür unterschiedlichen Positionen nach 1945, die die Kontinuität mit der Moderne der 1920er und 1930er Jahre suchten, solchen, die die Moderne einer Kritik unterwarfen, sowie unterschiedlichen kritischen Rezeptionen der modernen historischen Avantgardebewegungen. Vor diesem Hintergrund untersuchen wir dann einige für die Postmoderne selbst paradigmatische Postionen in Design, Architektur, Kunsttheorie und Kulturkritik.

Modul 4: Designgeschichte || BA – 2. Studienjahr || Di 9.00–12.00 Uhr || Raum 207

Die moderne Gestaltung war gespalten zwischen ihrer künstlerischen und ihrer industriellen Dimension. Im Versuch der Rückkehr zum Handwerk wider die Industrie wendete sie sich wieder mehr der Kunst zu. Als Ingenieursleistung war sie ganz der Industrie zugehörig. Dazwischen bildete sich das moderne Design heraus, das Kunst und Industrie miteinander zu vereinen versuchte. Für das moderne Design galten daher anders als für die klassische Autonomie-Ästhetik und die l’art pour l’art „nützlich“ oder „technisch“ und „schön“ nicht mehr als unvereinbare Gegensätze. Die erste Weltausstellung in London im Jahre 1851 und die dadurch ausgelöste Debatte über das Verhältnis von Kunst und Industrie markieren diesbezüglich eine Epochenschwelle und einen Bruch im ästhetischen Bewusstsein.

Vor diesem historischen Hintergrund behandelt das Seminar zentrale Positionen aus der Geschichte der modernen Gestaltung: Erstens Bestrebungen der Industrialisierung des Kunsthandwerks in den Weltausstellungen, dem Historismus und der Gründerzeit; zweitens Reaktionen auf diese Entwicklung in der Rückkehr zum Handwerk, vertreten durch John Ruskin, William Morris und der Arts and Crafts Bewegung; und drittens Versuche einer angemessenen Verbindung von Kunst, Handwerk und Industrie im Jugendstil, Werkbund und Bauhaus.

Modul 4: Kultur- und Designgeschichte || BA – 1. Studienjahr || Di 9.15–11.45 Uhr || Raum 207

Beginnend in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts bis in die 1930er Jahre vollzieht sich ein epochales Umdenken hinsichtlich der Bedeutung und den Möglichkeiten der Gestaltung unserer materiellen Umwelt. Der paradigmatische Wandel von Ornament zu Funktion zeugt von einem wachsenden Bewusstsein moderner Gestaltung für das Zusammenspiel der praktischen, ästhetischen, symbolischen und sozialen Dimensionen der Objektwelt. Von den historistischen Dekorationsorgien des deutschen Großbürgertums in der Gründerzeit über die englische Arts and Crafts-Bewegung, den Jugendstil, den Deutschen Werkbund und die holländische Gruppe De Stijl bis zur funktionalen, industriellen Gestaltung mit universalistischem Anspruch im Bauhaus – das Seminar verhandelt die wichtigsten Bewegungen bzw. Schulen, ihre bedeutendsten Vertreter, deren Manifeste, theoretische Schriften und gestalteten Objekte.

Modul 4: Designgeschichte || BA – 1. Studienjahr || Di 9–12 Uhr || Raum 207

Fetische sind wirkmächtige Dinge. Sie faszinieren, verführen und bezaubern. Ethnologie, Psychoanalyse und Marxismus haben diese Kraft der Dinge im Hinblick auf magische Praktiken, sexuelle Orientierung und den Warenkonsum reflektiert. Sie verstehen den Fetischismus als eine Perversion im wörtlichen Sinne, nämlich als Verkehrung der menschlichen in eine dingliche Ordnung, in der sich die Objekte nicht mehr schlichtweg den Intentionen der Subjekte fügen wollen.

Neuerdings hat sich diese Einschätzung der perversen Logik des Fetischs grundlegend gewandelt. In den aktuellen Dingtheorien wird der Objektwelt unter positiven Vorzeichen eben die Wirkmächtigkeit zugeschrieben, die man als Fetischismus diffamierte. Diese Verschiebung im Hinblick auf die materielle Kultur gilt es vor allem im Kontext des Designs zu reflektieren. Denn wenn den Objekten tatsächlich Handlungsmacht zukommt, dann hat die Gestaltung der Dingwelt wesentlichen Anteil an der Formierung der sozialen wie kulturellen Welt.

Im Seminar werden historische und aktuelle Theorien zum Fetischismus erarbeitet und auf ihre designtheoretische Reichweite überprüft.

Design erlebt derzeit eine außerordentliche Aufmerksamkeit vonseiten der Kulturwissenschaften. Die materielle Kultur rückt in den Blick, weil sich durch sie kulturelle Praktiken und das Eingebundensein in die Lebenswelt gestalten. Als Vermittler von Handlungen und Körpertechniken schließen Dinge die Lebenswelt bedeutungshaft auf. Durch sie konfiguriert sich jeweils eine alltagskulturelle Lebenspraxis. Geräte, Apparate, Bilder, Architekturen, Möbel, Kleidung oder Fahrzeuge erzeugen spezifische Kulturtechniken und bestimmen als solche das Handeln in wesentlichen Zügen mit. Aufgrund dieser Handlungsfunktion, die Artefakten übertragen wird, kann man sagen, sie seien die eigentlichen Agenten unseres Tuns. Designprodukte modulieren unsere Praxis und modellieren unseren Habitus. Design beinhaltet daher gewissermaßen immer auch dinghaft vermittelte, kulturelle Sozial- und Selbsttechniken. Es findet an der Schnittstelle von Mensch und Ding statt, dort, wo es zur Hybridisierung von Humanem und Ahumanen kommt und die neuzeitliche, säuberliche Trennung von Subjekt und Objekt misslingt.

Anhand ausgewählter Literatur soll solchem Übergreifen der materiellen Welt in die menschliche Sphäre nachgegangen und das Augenmerk auf die kulturellen Einlagerungen und unbewussten Übertragungen der Dingwelt gerichtet werden.

Seminar zur Designtheorie || Hauptstudium: Diplom

Do. 15-18 – Raum 110 || Straße des 17. Juni 118

Die geläufige Gegenüberstellung von selbstreflexiver, kritischer Kunst auf der einen Seite und einem bloß affirmativen Design auf der anderen Seite ist spätestens mit Minimal art und Institutional Critique hinfällig. Seit den 1960er Jahren werden die Rahmenbedingungen der Kunst wie Ausstellungsraum, Display, Beleuchtung, Kataloggestaltung etc. in ihrer maßgeblichen Bedeutung für die Kunst ausgelotet und es wird unmöglich, Kunstwerke von ihren gestalterischen Inszenierungen zu trennen. Umgekehrt wäre es verkürzend, Design auf eine unkritische Ästhetisierung der Lebenswelt eingrenzen zu wollen. Denn die Gestaltungen der Lebenswelt sind in hohem Ausmaße mit Subjektivierungsformen und Sozialtechniken verschränkt und haben damit immer schon gesellschaftliche Bedeutung, die im Sinne eines kritischen Designs zunehmend reflektiert und eingesetzt wird.

Angesichts der wechselseitigen Anleihen von Kunst und Design werden im Seminar Exempel einer Revision ihres Verhältnisses unter Berücksichtigung der kulturellen und ästhetischen Bedeutung der Dinge und ihrer Gestaltung behandelt.

Modul 8: Designtheorie || BA – 2. Studienjahr || Do 10-13h || Raum 207

Kreativität, einstmalig das Zauberwort für nicht-entfremdete, selbstbestimmte Arbeit, ist heute gleichsam zu einem neuen gesellschaftlichen Imperativ geworden. Jeder hat kreativ zu sein und Devianz ist mittlerweile regelrecht die Norm. Hatte man vor nicht allzu langer Zeit noch ein Freiheitsversprechen mit der Forderung nach kreativer Selbstverwirklichung verbunden, so ist sie inzwischen, folgt man der heutigen kritischen Gesellschaftsanalyse, in ihr Gegenteil umgeschlagen und fungiert als Instrument von Reglementierung und Kontrolle. Die Ansprüche an das kreative Tätigsein sind außerdem in einer Weise angewachsen, dass sie mit Unmut, wenn nicht mit Erschöpfung oder Depression beantwortet werden. Diesem Befund, dass die kreative Klasse nicht floriert, sondern ausgebrannt ist, korrespondiert auf philosophischer Seite eine auffällige Befürwortung von Theorien der Passivität, ein Lob der Müdigkeit, des Nichtstuns oder Unvermögens – alles Strategien, die zu anderen Formen von Subversion und Widerstand geworden sind.

FG 5: Kulturwissenschaften Diplom || Modul 13: Kulturwissenschaften BA

Fr. 12-15h || Raum 207

Die Erfahrung der Entfremdung ist paradigmatisch für die Moderne der zweiten Hälfte des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts – als Entfremdung von den Dingen, von den eigenen Bedürfnissen, von der eigenen Arbeit. Ihr gegenüber steht die Utopie als die Idee ihrer Aufhebung.
In der Geschichte der modernen Gestaltung und Kunst hat die Erfahrung der Entfremdung zu den unterschiedlichsten utopischen Gegenentwürfen geführt: zum Versuche einer neuen, der Moderne angemessenen Klassifikation der Dinge, zur Rückkehr zum Handwerk als nicht-entfremdete Form der Arbeit, zur Nachahmung von Formen der Natur in der Hoffnung auf eine Renaturalisierung der Menschen oder zur Affirmation von industrieller Arbeit und Warenwirtschaft als unhintergehbare Bedingung der Produktion einer neuen, einheitlichen Kultur.
Im Seminar werden wir zentrale Positionen und Texte aus der Geschichte der modernen Gestaltung hinsichtlich ihres Ortes im Spannungsfeld zwischen Entfremdung und Utopie befragen.

Modul 8: Designtheorie || BA – 2. Studienjahr || Mi. 15-18h || Raum 207

Traditionell steht das Ästhetische als ein autonomer Bereich dem Feld des Politischen gegenüber. Während man sich in der Ästhetik mit dem Schönen und den Künsten auseinandersetzt, betreffen Fragen des Politischen die Formen des Zusammenlebens und der Regierung. Die Vermengung beider Bereiche ist in der Vergangenheit vielfach kritisiert worden: als eine unstatthafte Ästhetisierung der Politik, die im Verdacht steht, Ideologien zu transportieren und illegitime Herrschaftsformen durchzusetzen. In neuerer Zeit wird diese strikte Abgrenzung zwischen dem Politischen und dem Ästhetischen hinterfragt. Denn es gibt nicht nur eine ästhetische Dimension politischer Praktiken, von Herrschaftsrepräsentation in der Architektur bis hin zur Inszenierung politischer Ereignisse, sondern auch politische Implikationen ästhetischer Strategien, die insbesondere für das Design von großer Bedeutung sind. Im Seminar soll im Rückgriff auf aktuelle und klassische Texte der ästhetischen Theorie diskutiert werden, wie sich das Ästhetische auf das Gesellschaftliche auswirkt, welche politische Wirksamkeit die Künste haben können und ob eine Politisierung der Ästhetik ebenso wie eine Ästhetisierung des Politischen unhintergehbar sind.

Modul 8: Designtheorie || BA – 2. Studienjahr

Mi. 15-18h || Raum 207

Die Erfahrung der Entfremdung ist paradigmatisch für die Moderne der zweiten Hälfte des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts – als Entfremdung von den Dingen, von den eigenen Bedürfnissen, von der eigenen Arbeit. Ihr gegenüber steht die Utopie als die Idee ihrer Aufhebung.

In der Geschichte der modernen Gestaltung und Kunst hat die Erfahrung der Entfremdung zu den unterschiedlichsten utopischen Gegenentwürfen geführt: zum Versuche einer neuen, der Moderne angemessenen Klassifikation der Dinge, zur Rückkehr zum Handwerk als nicht-entfremdete Form der Arbeit, zur Nachahmung von Formen der Natur in der Hoffnung auf eine Renaturalisierung der Menschen oder zur Affirmation von industrieller Arbeit und Warenwirtschaft als unhintergehbare Bedingung der Produktion einer neuen, einheitlichen Kultur.

Im Seminar werden wir zentrale Positionen und Texte aus der Geschichte der modernen Gestaltung hinsichtlich ihres Ortes im Spannungsfeld zwischen Entfremdung und Utopie befragen.

Modul 4: Kultur- und Designgeschichte || BA – 1. Studienjahr

D0 14.15–16.45 Uhr || Raum 207

Lehr-Kooperation mit Prof. Karin Schmidt-Ruhland, Burg Giebichenstein, Kunsthochschule Halle.

Der experimentelle Entwurf “Flexibles Formholz”von Gunnar Sören Petersen und Malte Licht gehört zu den Gewinnern des Becker-Contest., entstanden im Seminar “Becker-Contest” im Wintersemester 2010/11.

www.becker-kg.de

Nemo-CASSINA produziert die Leuchte nun in Serie. Liran Levis Entwurf, entstanden im Seminar “Design mit Hochleistungs-LEDs” aus dem Sommersemester 2009 wurde auf der Euroluce 2011 in Mailand als Serienprodukt vorgestellt

www.NEMO.CASSINA.it

Die Naturfaserplatte ecosystem wurde für den INDEX AWARD 2013 nominiert und ist in ihrer innovativen Zusammensetzung nun zum Patent angemeldet. 

www.INDEXAWARD.dk
www.ecosystem-udk.com/de

Die Fakultät Gestaltung bietet den Studiengang Industrial Design an, in der die Projektgruppe ID5 verankert ist, die sich auf das Entwerfen interaktiver Systeme spezialisiert hat (www.design.udk-berlin.de/ID5). Die Studierenden bearbeiten hier Projekte, die meist softwarebasiert sind und immer einen interaktivem Charakter haben. Diese Kompetenz wird im Wesentlichen durch die Erfahrung in stetig komplexer werdenden Projekten erworben. Solche Projekte können sowohl fiktiv als auch an konkreten Fällen innerhalb von Kooperationen orientiert sein. Zu diesen Projekten gehört die Kooperation mit der Forschungsabteilung von VW. Hierfür wurde 2010, zusammen mit der ID5, ein neuartiges Bedienkonzept für das Auto entwickelt und 2010 in einer Anschlusskooperation, zur Vertiefung der Mensch-Maschine Kommunikation mit dem Auto, weitergeforscht.

ZIM FORSCHUNGSPROJEKT

Unter dem Projekttitel “Entwicklung einer 100%ig recycelbaren, schadstofffreien Naturfaserplatte aus nachwachsenden Rohstoffen” forschen wir an der Universität der Künste gemeinsam mit zwei Partnern aus der freien Wirtschaft. Unsere Projektpartner sind: Der Möbelproduzent System 180 GmbH und die Firma TPS in Göppingen als Hersteller von Fertigungsmaschinen. Unterstützt werden wir von diversen freien Partnern aus dem Bereich Biokunststoffe, Compoundierung und Naturfasern. Das Forschungsprojekt wurde in einem Umfang von 800.000 EUR durch das Bundesministerium für Wirtschaft und Energie gefördert. Dabei entfielen auf die Projektgruppe von Prof. Neumann an der UdK Berlin ca. 200.000 Euro.  www.zim-bmwi.de

Unser angestrebtes Ziel ist die Entwicklung einer emissionsfreien Möbelbauplatte, die zu 100% aus nachwachsenden Rohstoffen besteht – unbedenklich für Mensch und Natur. Forschungsschwerpunkt hierbei liegt in der kreativen Kombination der Ausgangsmaterialen, Naturfasern und Biokunststoffen, um den mechanischen, ästhetischen und ökologischen Ansprüchen an das neue Plattenmaterial gerecht zu werden.
Das Projekt wird im Rahmen des Zentralen Innovationsprogramms Mittelstand des BMWi gefördert.

Currently the technology departement of berlin design school, universitiy of fine arts Berlin (UdK), is involved in the developement a 100% biobased fiberboard. In a multidisciplinary project team we are working alongside our partners System 180 GmbH  and TPS in Göppingen.
Our goal is a zero-emission sheet material for the furniture industry, consisting exclusively of renewable ressources – a clean solution, healthy for both human and the environment. The core area of our research is the creative, unforeseen handling of rawmaterials -natural fibers and bioplastics- allowing us to meet our high expectations concerning mechanical properties, aesthetics and especially ecology.
The project is funded by „ZIM“, an innovation program run by the german ministry of economics BMWi.

Prof. Holger Neumann, WM Gesine Hillmann, WM Jan Regett

Zur Website des Forschungsprojektes:

www.bundespreis-ecodesign.de
www.ecosystem-udk.com
www.design-report.de
www.haute-innovation.com

PUBLIKATION

PUBLIKATION

Das Forschungsprojekt ECO System wurde vom Bundesumweltministerium und Umweltbundesamt für den Bundespreis Ecodesign 2012 nominiert. Der Bundespreis Ecodesign wird für zukunftsweisende Projekte von herausragender ökologischer und gestalterischer Bedeutung vergeben. Das Projekt wurde zudem nominiert für den INDEX Award 2013.

The research project ECO System is nominated for the renowned german design prize “Bundespreis Ecodesign 2012″. The “Bundespreis Ecodesign 2012″ awards designs of outstanding ecological and formal significance. It was also nominated for the INDEX Award 2013.

Die Naturfaserplatte ECO System wurde  ist in ihrer innovativen Zusammensetzung nun zum Patent angemeldet.

Levin Wagner erhält für seinen OLED-Entwurf den dritten Platz beim belektro Wettbewerb. Roger Studerus und
Marco Merkel erreichen die Endrunde.

www.belektro.com

Kompetenzzentrum für Usability-Maßnahmen

Aktuell ist die Projektgruppe für Interaktive Systeme als Konsortialpartner in dem Forschungsprojekt UseTree engagiert, dessen Forschungsauftrag es ist kleine und mittelständische Unternehmen für Usability zu sensibilisieren. Die UdK stellt innerhalb des Projektes die Expertise im Bereich Implementierung von User Interface (UI) und User-Experience (UX) in agile Entwicklungsprozesse betrieblicher Software.

Mit UseTree können Unternehmen den Kreislauf des User Centered Design als Piloten durchlaufen: Die TUB testet und evaluiert die Software vor und nach der Implementierung. Von der UdK werden UX/UI-Konzepte werden entwickelt und von den Unternehmen umgesetzt. In diesem interdisziplinären “Staffellauf” werden Usability- und Design-Prozesse projektbasiert erprobt und die Unternehmen bekommen eine fundierte Entscheidungsgrundlage für den weiteren Umgang mit Ressourcen für Usability-Massnahmen.

Weitere Informationen finden Sie unter www.usetree.de

Prof. Holger Neumann
holger.neumann[at]udk-berlin.de

Wissenschaftlicher Mitarbeiter
Dipl. Des. MA Dirk Winkel
udk[at]dirkwinkel.com

LEHRBEAUFTRAGTE

Dipl. Des. MA Steffen Herm

Dipl. Des. Alexander Klombis

Dr. Frank Steinbach

TUTOREN

Tim Bader
timson[at]udk-berlin.de

Niklas Böll
n.boell[at]udk-berlin.de

Julian Ribler
j.ribler[at]udk-berlin.de

Daniel Theis
d.theis[at]udk-berlin.de

Universität der Künste Berlin – Industrial Design / IPP
FG3 Technologie & Konstruktion

Straße des 17. Juni 118
10623 Berlin
Germany

Die Naturfaserplatte ecosystem aus dem gleichnamigen Forschungsprojekt ist Teil der Publikation “Materialrevolution II”, erschienen im Birkhäuser-Verlag.
Forschungsprojekt Eco-System

Hier erhältlich: degruyter.com

Die Naturfaserplatte ecosystem aus dem gleichnamigen Forschungsprojekt ist Teil der Publikation “Materialrevolution II”, erschienen im Birkhäuser-Verlag.