Alle Beiträge von Haleh Afshar

me and the other | Denise Kipke | 2022

 

 

me and the other| Denise Kipke | MA 2022 

Ich und das Andere

die Haut berührt das Kleid

das Kleid und die Haut verschmelzen ineinander
fragil
dis/ formen die Silhouette
von meinem eigenen Wesen un/formen mich in die Umgebung hinein.

„Ich und das Andere“ greift den Körper als sensitives Subjekt auf und thematisiert den Dialog zwischen Kleidung und Körper. Die Beziehung von Körper und Kleid passiert auf dabei drei Ebenen. In der ersten Ebene ist das Objekt/Kleid opressiv und zwängt sich dem Körper auf, schränkt ihn ein und hemmt ihn. Die zweite Ebene gibt dem Körper/Subjekt die Macht über das Kleid und dessen Bewegungen. In der letzen Ebene verzerren sich beide Ebenen ineinander und bilden ein Ganzes.

Subjekt wird zum Objekt, Objekt wird zum Subjekt. Das Andere wird zum Ich und Ich werde zum Anderen.

me and the other

skin touches dress

dress and body melt together
fragile
dis/ shaping the silhouette
of my being un/ forming myself into the surrounding.

„me and the other“ thematizes the body as a sensitive subject and focuses on the dialogue between garment and body. The relationship between body and garment happens on three different levels. At first the object/dress is oppressive and forces itself onto body. The second level gives the body/subject power over the dress. At last both levels distort into each other and form a whole.

Subject becomes object, object becomes subject. The other becomes me and me becomes the other.

 

Betreuer*innen : J. Zigerli, I. Harms, E. Sitter 

Credits:

Lookbook

Photography: Jana Stein

Model: Gina Krämer @ginamaria

 

DEMOGREYCY | Alexander Hein | 2022

 

 

DEMOGREYCY | Alexander Hein | 2022

“Wenn sie keine Kleidung haben, sollen sie doch Mode tragen” Irgendwie so oder so ähnlich wird Marie Antoinette richtigerweise oder fälschlicherweise zitiert.

Jedenfalls fing es damals alles an;

Mit der Französischen Revolution begann sich Mode zu demokratisieren. Sie wurde immer konformer, erst in der Herrenmode, danach in der Damenmode, heute befindet sich die Masse in der geschlechtslosen Normcore Generation. Die Frage für meine Bachelor Kollektion war: wie schafft es die Mode, sich in Zeiten ihrer Demokratisierung, ihre benötigte Konformität zu behalten und doch gleichzeitig so Besonders zu sein, dass wir damit unsere Unterschiedlichkeit und Individualität zum Ausdruck bringen können? Mit dem T-Shirt als Ausgangspunkt , sinnbildlich das demokratischste Kleidungsstück der Welt, habe ich eine Studie dessen betrieben und es versucht mit Details Besonderheiten herauszuarbeiten. In dem Falle im historischen Kontext der Recherche meiner theoretischen Arbeit. Ich habe versucht mir vorzustellen, wie es wäre, sich mit nur einem Kleidungsstück, welches man trägt, auszudrücken. Beibehalten wollte ich die Konformität durch gleichbleibende Silhouette und Monochromie.

 

 

“If they don’t have clothes, let them wear fashion.”Somehow like this, Marie Antoinette is rightly or wrongly quoted.

Anyway, it all started then;

With the French Revolution, fashion began to be democratized.
It became more and more conformist, first in men’s fashion,
then in women’s fashion, today the masses are in the genderless normcore generation. The question for my bachelor collection was: how does fashion manage to stand out in times of democratization, to keep its required conformity and at the same time be so special, that we can use it to express our difference and individuality? With the t-shirt as a starting point, symbolically the most democratic piece of clothing in the world, I conducted a study of it and tried to work out its special features with details. In this case in the historical context of the research of my theoretical work. I tried to imagine what it would be like to express yourself with just one piece of clothing you wear.
I wanted to maintain conformity through consistent silhouette and monochrome.

 

 

 

Betreuer*innen : V. Schmidt-Thomsen, I. Harms, S. Penko 

Credits:

Phototgraphy: Dennis Eichmann

Postproduction: Sarah Brendecke

 

trash&treasure | Clara Bageac | 2022

 

 

trash&treasure | Clara Bageac | 2022

“The thing things. In thinging, it stays earth and sky, divinities and mortals. Staying, the thing brings the four, in their remoteness, near to one another.” 

Science and rationality fail to grasp the thingness of things. In postmodern society things lose their inherent reality in human perception. 

Value is an attribute, given by people to things, in order to evaluate, categorize and rank the things. At the core, it is an intellectual method of defining a thing. It is a hyperreal concept. The value of a thing does not alter in any way the reality of the thing. 

Value does not exist.

The utility of a thing is also not real, because it is attributed based on the connection to humans. The utility of a thing reveals more about humans, than about the thing and it does not imply anything real about the thing. Only the thingness of the thing defines its existence.

What is the potential of each thing?

(Martin Heidegger, Poetry, Language, Thought, 1971, p.168)

Betreuer*innen : V. Schmidt-Thomsen, I. Harms, A. Börner 

Credits:

Photography: Hyesoo Chung

Models: Anne Wencelides & Daniela Harsch 

Hair & Makeup: Kathrin Hieselmayr 

Nails: Camilla Volbert

 

Keine Maske Ist Voellige Maske| Anastasiia Antonenko | 2022

 

 

Keine Maske Ist Voellige Maske| Anastasiia Antonenko | 2022

Es ist oft kompliziert, etwas Neues zu machen, vor allem kann man etwas Reales machen. Ich wollte, dass diese Arbeit die Frauen und Männer gleichermaßen betrifft. Ich möchte die Wahrheit sagen. Ich verschwinde als Individuum hinter dieser Maske, hinter dieser inszenierten Situation. Ich lasse Sie mit dieser Fassade allein. Auch wenn ich Ihnen nichts über mich preisgeben kann. Stattdessen präsentiere ich Ihnen diese Hülle. Anspie- lung auf vorgefasste Vorstellungen vom Frausein und auf die Inszenierung von Weiblichkeit im gesellschaftlichen Bild von uns Frauen.

„Ich werde dir zeigen, wie du mich haben willst, aber ich werde dir nicht zeigen, was ich bin.“
Dabei lege ich offen, wie wir uns alle hinter vorgefassten Rollen verstecken, insbesondere Frauen. Abschließend konfrontiere ich Sie mit der Identitätsauflösung hinter einem perfekt inszenierten Auftritt.

It’s often difficult to make anything new, most importantly you can make something that is real. I wanted this work to effect women and men equally. I want to tell the truth. I disappear as an individual behind this mask, behind this staged situation. I leave you on your own with this facade. Alt- hough I can not disclose you anything about myself. Instead, I present you with this shell. Alluding the preconceived notions of what being a woman is all about, and to the staging of femininity in the way which we as wo- men are viewed by society.

“I will show you what you want me to be, but I won’t show you what I am”. In doing so, I reveal how we all conceal ourselves behind preconceived roles, especially women. Lastly, I confront you with the dis- solution of identity behind a perfectly staged appearance.

 

Betreuer*innen : V. Schmidt-Thomsen, J. Legrand, K. Busch 

Credits:

Photography: Burhan Qurbani 

Model: Anastasiia Antonenko

 

Doubleness Of Discourse | Joy Braun | 2022

Joy Braun-1

 

 

Doubleness Of Discourse | Joy Braun | 2022

„Bei der Bildung von Identität sind uns aber das , was uns fremd, sowie auch das was uns nah erscheint, wesentliche Abgrenzungs- oder Beziehungspunkte.
Identität vereint dabei sowohl individuelle als auch kollektive
Formen der Wahrnehmung von Wirklichkeit. ‚Jegliche kollektive Identität definiert sich zuerst im Gegensatz zum anderen, so wie
sich jede individuelle Identität über die Beziehung zum anderen bestimmt.‘ (Marc Augé 1995: Krise der Identität oder Krise des Andersseins? S.92)
Demzufolge ist jede Identität durch das Doppelgefühl der Unterschiedlichkeit oder der Übereinstimmung, dem ‚doubleness
of discourse‘ geprägt (Hall 1991: The Local and the Global S.48).

Sibylle Groth 2003: Bilder des Fremden – Zur Konstruktion kultureller Stereotype im Film, 18).

Ausgehend von diesem Zitat, beschäftigt sich die Bachelorarbeit „Doubleness of Discourse“, mit der Gruppenzugehörigkeit und Abgrenzung von Menschen anhand ihrer Kleidung. Was passiert, wenn man die Stile, Stofflichkeit und Formen von jeweils zwei Gruppen mischt und den Erkennungswerten eine neue Dimension gibt.

„In the formation of identity, however, what is foreign to us,
as well as what seems close to us, essential demarcation or relationship points.
Identity unites both individual and collective forms of perception of reality.’Any collective Identity is first defined in opposition to the other, such as each individual identity over the relationship to the other definitely.‘ (Marc Augé 1995: Crisis of Identity or Crisis of being different? p.92) consequently every identity is through the double feeling of difference or agreement, the ‚doubleness of discourse‘ (Hall 1991: The Local and the Global p.48).

 

Sibylle Groth 2003: Images of the Other – On the Construction of Cultural Stereotypes in Film, 18).

Based on this quote, the bachelor thesis „Doubleness of Discourse“ deals with the group membership and differentiation of people based on their clothing. What happens when you mix the styles, textures and shapes of any two groups and add a new dimension to the recognizable values.

Betreuer*innen : J. Zigerli, I. Harms, E. Sitter 

Credits:

Photography: Joy Braun

Model: Erwin Nill

 

Vogue | SCHAU2022

 

 

MODEDESIGN STUDIEREN – UND JETZT? DAS SIND DIE ANLIEGEN UND (ABSCHLUSS-)KOLLEKTIONEN BERLINER MODE-STUDENT:INNEN

Die Berliner Universität der Künste (UdK) ist nicht nur bekannt für ihre Kreativität, sondern auch für ihre Freiheiten. Zur diesjährigen Schau und der begleitenden Ausstellung der Absolvierenden haben wir die Chance genutzt und fünf Nachwuchsdesigner:innen nach ihrer Meinung gefragt: Wie sieht der aktuelle Stand der Mode aus? Und welche Rolle spielt Berlin in Zukunft dabei?

Zum vollen Artikel hier.

 

Schau22 

VIDEOGRAPHER
Shlomo Pozner

SOUND
Shaul Dahan

TEAM Schau 22
Projektleitung:
Prof. Valeska Schmidt-Thomsen, Gast Prof. Julian Zigerli, KM Magdalena Kohler, KM Evelyn Sitter

Projektleitung Assistenz:
Greta Berghoff, Simon Carle

Casting:
Tanja Bombach - catalogue of disguise

Musik:
Torn Palk

Werkstattleiter*innen:
Stefan Hipp, Julia Kunz, Dorotheé Warning

In Zusammenarbeit mit den Studierenden:
Organisation
Simon Carle
Greta Berghoff
Emily Zanon
Lenard Schnitzler

Casting / Fitting 
Mona Gutheil
Essie Kramer 
Michael Sieweke
Mila Dormeier
Elea Jenner
David Korn

Schauaufsicht + Aufbau/Abbau
Bob Chapri Silalahi
Lucille Gonzalez
Leif Kessler
Mallki Garrafa Schmalz
Khulan Klecker
Mai Hoang Huyen
Yeram Kim
Lara Geyer
Philine Johanna Beutel
Jakob Deutschmann
Jonathan Richter
Marina Kolushova
Leonie De Payrebrune et de St. Séve
Kieun Hong
Fanny Freundner
Karl Hoess
Maurice Gerlach
Ina Bak
Maj Doehring
Andreas Soyka
Sezgin Kivrim

Presse und Media
Aimée Grünewald
Lena Kleinert

Afterparty
Laurin Stecher
Clemens Kramer

Hair & Make-Up
Rosalie Lea Bock
Tim Escher
Elizaveta Efimova

Udk Shop
Iva Hoes
Sanya Lazarus

Backstage Organisation & Aufbau
Viktor Dietzsch
Dominik Bittmann
Arkadiusz Swieton
Charlotte Huttenloher
Luis Amslgruber
Kiarash Amourizi Varnamkhasti

Runner
Haleh Afshar
Philip Welp
Leon Simonis

Rundgang Aufsichten Räume
Absolvierende
Alex Hein
Joy Braun
Nataliya Susyak
Clara Balgeac
Frederik Britzelmair
Erika Körner
Denise Kiepke
TEAM IBT
Prof.Dr. Berit Greinke, Prof. Dr. Ingeborg Harms, Prof. Wowo (Waldemar) Kraus, Gast Prof. Franziska Schreiber, KM Alexandra Börner

Lehrbeauftragte:
Carsten Behm, Carsten Giese, Justina Monteviciute, Stephanie Penkov, Ehsan Morshed Sefat, Dr. Renate Stauss

DANK AN
Den Präsidenten und die Kanzlerin der Universität der Künste Berlin

Den Dekan Prof. Dr. Blümelhuber und die Fakultätsverwaltung der Fakultät Gestaltung

Die Abteilung Kommunikation und Marketing und das Haushaltsreferat

Die Geschäftsstelle des IBT - Anja Holle

Das Referat für Gebäudemanagement und Arbeitssicherheit - Robert Biello, Jan Krause, Felix Wolf

Arbeitsschutz und Betriebssicherheit - Steffen Pieper, Michael Koch

SICKY magazine | SCHAU2022

 

 

SCHAU 2022

The students and graduates from the Institute for Experimental Clothing and Textile Design at the Berlin University of the Arts, the largest artistic university in Germany, recently presented their final projects and theses during the UdK Rundgang.

Zum vollen Artikel hier.

 

PARASITBYJSMNHLM | Frederik Britzlmaier | 2022

 

PARASITBYJSMNHLM | Frederik Britzlmaier | 2022

PARASITBYJSMNHLM beschreibt ein kontinuierlich expandierendes  intermediates Netzwerk rund um die Arbeit PARASITBYJSMNHLM von Jasmin Halama.

Dabei erfaehrt die Arbeit von Jasmin Halama eine Uebersetzung mit originalen Zitaten, in der digitale Animation zu analoger Animation wird, Michail Bachtin wird in seiner Dialogitaet zu Julia Kristevas intertextualität, Stuehle bleiben Stuehle und werden doch aus ihrer ursprünglichen Zweckmaeßigkeit herausgeloest um selbst zum Koerper zu werden, waehrend ihm seine Individualitaet entzogen wird. So entstehen Charaktere, die sich nicht als Individuum, sondern als multividuals verstehen. Diese toten Leiber gaukeln so mit ihren Fake-Identity-Techniken eine Seele vor, die ihnen nicht zu Grunde liegt. Es entsteht eine Aura um sie, die von Perspektive zu Perspektive flackert und schließlich erlischt.

 

PARASITBYJSMNHLM describes a continuously expanding,  intermediate network revolving around the work PARASIT by Jasmin Halama.

Thereby the work of Jasmin Halama experiences a translation including original quotations, in which digital animation becomes analog animation, Mikhail Bakhtin’s dialogicality becomes Julia Kristeva’s intertextuality, Chairs remain chairs and yet are detached from their original purposefulness to become bodies themselves, while being stripped of their individuality. In this way, characters emerge who do not see themselves as individuals, but as multividuals. With fake-identity techniques, these dead bodies pretend to have a soul, they don’t have. An aura surrounds them, that flickers from perspective to perspective and finally goes dead.

 

Betreuer*innen : Prof. Wowo (Waldemar) Kraus, PROF. DR. INGEBORG HARMS,  KM Alexandra Börner

Credits: 

 

Some Things Newly Rendered | Erika Körner | 2022

Some Things Newly Rendered | Erika Körner | 2022

Manchmal ist man auf der Suche nach etwas, und findet auf einmal etwas ganz anderes, unerwartetes, und merkt, dass einem die ganze Zeit genau diese Sache gefehlt hat, ohne es vorher zu wissen. In letzter Zeit habe ich mich mit 3D-Modellierung beschäftigt. Ich versuche, meinen Kopf zu überzeugen, dass diese Pixel auf dem Bildschirm tatsächlich etwas echtes darstellen, etwas das existiert. Um es zu beweisen, habe ich sie aus dem Bildschirm herausgezogen. Die Suche nach der Brücke, oder so etwas in der Art. In ein paar Jahren wird es nicht mehr nötig sein, dieses Überzeugen. Wir alle werden teils aus Fleisch, teils Müll, teils digitales Rendering sein – dreh mal das Metallic auf und noch ein Bump dazu. Bei diesem Projekt geht es also um die materielle Unsicherheit des Menschen, um die Unmöglichkeit, Materie in Daten umzuwandeln und umgekehrt. Die Kluft zwischen dem, was man zu kennen glaubt, und dem, was man bekommt. Um neulich gerenderte Dinge.

Sometimes when you search for something, you find a totally other thing you didn’t expect and you realize all the time you were actually looking for that thing and you didn’t know it. Lately I’ve been 3D modeling. Training my brain to understand that some pixels on a screen are actually something that exists. So to convince myself I pulled them out of the screen. Finding the bridge they call it, or something of that nature. In a couple of years it won’t take any convincing any more. You’ll be part flesh, part garbage, part digital render, turn up the metallic and add a bump. So this project is really about human material uncertainty, about the impossibility of parsing matter into data and vice versa. That gap between what you think you know and what you get. About some things newly rendered.

 

Betreuer*innen : Prof. Franziska Schreiber, Prof. Gesche Joost, KM Alexandra Börner

Credits:

Photographer: Alžběta Čermáková
Make-Up: Minji Park
Model: Minji Park
Set assistant: Nataliya Susyak
3D Environment (Installation): Yago Dzugala

 

Bin beschäftigt | Camilla Volbert | 2022

Bin beschäftigt | Camilla Volbert | 2022

“I have artistic skill but no creativity or motivation. I can’t draw/ paint without copying an image/object. What do I do? Please help”

What do you do if there is no wrong and no right? How to stop competing? How to be a fake? What if you just existed

Betreuer*innen : Prof. Wowo (Waldemar) Kraus, PROF. DR. INGEBORG HARMS,  KM Alexandra Börner

Credits:

By Camilla Volbert
Photos: Hyesoo Chung
Make-Up & Hair: Anri Moor
Nails: nailsvoninge
Models: Anne Wencelides,  Laura Cornejo

 

New Flesh | Margarita Rozhkova | 2022

New Flesh | Margarita Rozhkova | 2022

“Long live the new flesh” („Lang lebe das neue Fleisch“) flüstert der Protagonist in der Schlussszene von David Cronenbergs einflussreichen Body Horror Film Videodrome, und zieht den Abzug der mit seiner Hand verwachsenen Pistole. In meiner Kollektion mit dem Titel New Flesh verlagere ich den Fokus vom Körper auf das sensible Fleisch.

Ich betrachte das Fleisch im Zeitalter des Bio-Informationskapitalismus mit den ihn konstituierenden regulatorischen Praktiken, die darauf abzielen, das Fleisch dem Imperativ der Körperoptimierung zu unterwerfen. Auf diese Weise möchte ich eine Diskussion über das Widerstandspotenzial des Fleisches anregen, da Sensibilität, Transgression und Nicht-Identität für unser Verständnis des Konzeptes „Fleisch“ von zentraler Bedeutung sind.

Der Herrenanzug ist das wahrscheinlich repräsentativste Kleidungsstück in der menschlichen Garderobe. Hier durchläuft er verschiedene Stadien der Verwandlung in den Zustand der Nicht-Identität. Der Herrenanzug wird um Fleisch zu werden.

“Long live the new flesh” – whispers the protagonist and pulls the trigger of his grown-into-hand pistol in the final scene of David Cronenberg’s cult body horror Videodrome.
In my collection New Flesh, I intend to shift the focus from the body to the sensible flesh.

I look at the flesh in the age of informational bio-capitalism with its regulatory practices that are aimed at submitting the flesh to the body-enhancement imperatives. By doing so, I would like to open up a conversation about potential for

resistance (Widerstandspotenzial) of the flesh since potential, sensibility, transgression, and non-identity are central to our understanding of the notion of flesh.
The men’s suit, the most representational item in the human wardrobe, is going through different stages of metamorphosis into the state of non-identity, to become flesh.

Betreuer*innen : Prof. Franziska Schreiber, Prof.DR.Kathrin Busch, KM Magdalena Kohler

Credits:

Model: Mario Campos Castellano
Photo: Julieta Saravia
H&M: Margarita Rozhkova
Assistance: Tzu Ting Wang

 

 

The beauty of simplicity | Chloe Le | 2022

 

 

The beauty of simplicity | Chloe Le | 2022

Die Schönheit des Einfachen

Meine Arbeit ist von dem Áo Dài inspiriert, eine lange Tunika, die von vietnamesischen Frauen oftmals bei Festlichkeiten getragen wird. Das Áo Dài ist ein Symbol der Bescheidenheit der vietnamesischen Kultur, das sich in fast allen Lebensbereichen durchzieht. Durch die Pandemie habe ich die Schönheit dieses Attributes wiederentdeckt und somit auch wieder eine Verbindung zu meiner Mutter herstellen können. Sie repräsentiert das typische vietnamesische Frauenbild: fürsorglich, hingebungsvoll und vor allem bescheiden. Bescheiden in ihrer Art zu leben, zu lieben und zu kleiden. Ihre Liebe für Minimalismus hat mich und meine Ästhetik stark beeinflusst. Ich möchte mit dieser Kollektion das Áo Dài mit untypischen Materialien und Schnitten für mich neu definieren, dabei jedoch nicht sein Essenz außer Acht zu lassen.

The beauty of simplicity

My work is inspired by the Áo Dài, a long tunic often worn by vietnamese women at festive events. The Áo Dài is a symbol of modesty in vietnamese culture that permeates almost every aspect of life. Through the pandemic I have rediscovered the beauty of this attribute and thus been able to reconnect with my mother. She represents the typical vietnamese image of women: caring, devoted and above all modest. Modest in the way she live, love and dress. Her love for minimalism has had a huge impact on me and my aesthetic. With this collection I want to redefine the Áo Dài for myself with untypical materials and cuts without neglecting its essence.

 

 

Betreuer*innen :

Credits:

Photography: Parham Khorrami

Hair & Make-Up: My Uyen Uong

Models: Mai & Quyny

























 

			

	
	

		
			



							


	

				

			POST AFTERLIFE (2022)
		

								

									

					
		


	


		

		




 


POST AFTERLIFE //  WS 21/22  // Design project




Some of us do, some of us don´t (believe in an afterlife), but all of us should consider and think about the afterlife of products (garments, accessories, materials…) that we as designers create or use.


This semester we did focus on designing a product’s afterlife during or even before designing the actual product. What purpose will it have after it has been loved, worn or just become unfashionable. How can it be designed, assembled and finished in order to be reassembled again? How should it been handled and maintained, to serve both lives? How can seams, knit, and embellishment be undone and redone to form new garments and products? How can a pattern be more than just a pattern?How can a soul of a product find another body?


 


Lecturer: Prof. Wowo (Waldemar) Kraus, KM Alexandra Börner, KM Magdalena Kohler










// Titia Grete &  Mai Hang „Transitional Object“










Back when we were children, we were living in a world where responsibility and the pressure of society do not exist. Adulthood is a game, everything is a fantasy and you are innocently free. At night your teddy bear is guarding you, never leaving you feeling left alone. The teddy bear is a transitional object, guiding us from one part of our life to the next. Once we grow up, we leave it behind. We’re not only leaving the teddy bear behind, we also leave the easiness and levity of childhood behind – ending up in a world full of stress, responsibility and obligation.


In our project we are telling the story of rediscovering childhood and finding back the forgotten easiness and innocence.

Our starting point is the teddy bear. It’s being left behind in adulthood, which is represented through a dress, that is constructed with the teddy bear pattern. Although the bear is not visible and the memories of childhood are not present, they are still a part of the protagonist. Through a transforming process with water the seams of the dress fall apart and the protagonist remembers and rediscovers the feelings of childhood and its vulnerability. The items resulting from the transformation can be worn as accessoires which enables our protagonist to share her fond memories with other people. With that she is sharing the easiness and levity of childhood. In the end the teddy bear is still helping her to transition from one life stage to another.




















Photos: Matthias Leidinger 


Video: Christoph Hövel 


Model: Aurelia Lehmann










// Patrick Engelmayer, Leif Kessler „Waste -1“


Die Konstruktion von Schnittteilen in unserer heutigen Bekleidung ist immer komplexer geworden und eine ständige Transformation ist daher nur noch durch ständigen Konsum möglich. Um diese Transformation erneut möglich zu machen, unterteilten wir ein ausgesuchtes Material in verschiedenen Größennormung, inspiriert von dem DIN-A Format. Hierbei wird die Stofffläche aufgeteilt, um mehrere Rechtecke zu erhalten, welche mit Hilfe von Abnähern zu Schnittteilen formiert werden können. Um die Dekonstruktion und Rekonstruktion der Schnittteilen zu   ermöglichen, darf nicht eingeschnitten werden.Die aufgetrennten Rechtecke können je nach Belieben weiterverwendet werden, um als anderes Kleidungsstück ein neues Leben zu beginnen. Als Material wurden Weiße Tischdecken wiederverwendet. Durch die weiße Materialität und mögliche Transformation dienen die Rechtecke als Ausgangsmaterial für jede Bearbeitungstechnik, Schnitt und Design. Die erschaffenen Kleidungsstücke sollen eine Verkörperung der Möglichkeit einer ständigen Transformation darstellen. Die angewandte Technik bietet eine alternative


zu dem Konventionellen Schnittsystemen und der Interaktion mit Textilien dar. Sie soll als Open Source frei zugänglich sein, um die Weiterentwicklung des Konzeptes zu ermöglichen.






































Photos: Franziska Vehring


Model: Luca Ortmann
























// Philip Welp & Jonathan Aurel Richter 
























































Fotograf: Matthias Leidinger


Set Design: Leoni Edith Kolbeck


Model: Leif Kessler


Design: Jonathan Richter & Philip Welp


Styling Assistant: Simon Carle


 


// Karl Hoess & Tim Escher „Wer Früher Stirbt Ist Länger Tod“














































Photo: Fiona Teal


Hair&MakeUp: Gabriela Matuszewska










Models: TheresaGlasauer, Arkadiusz Swieton


 










//Elizaveta Efimova „LEBEN NACH DEM LEBEN“


Dieses Projekt ist für mich sehr persönlich geworden. Auf den ersten Blick könnte man meinen, dass der Schnitt und der Druck zufällig ausgewählt wurden, aber dies ist wahrscheinlich mein erstes Projekt, das ich je gemacht habe, bei dem der Zufall so gut wie keinen Platz hatte und jedes Detail auf den Millimeter genau abgestimmt wurde. Jede Linie ist an der richtigen Stelle, jede Kurve macht Sinn.


Das Buch, mein ursprüngliches Objekt, ist eine taktile Karte der Erinnerungen. Wenn eine Person mit einem ähnlichen Hintergrund wie ich die Seiten umblättert und noch nicht das ganze Bild sieht, wenn mit den Fingern über die Zeilen fährt, wird sie immer noch einen Déjà-vu-Effekt verspüren, der Bilder von einer fernen und längst vergessenen Erinnerung schickt. Im aufgeklappten Zustand sieht das Objekt wie ein einfaches Kleid oder ein Mantel im sowjetischen Stil aus; jetzt sind die abstrakten Linien deutlich zu erkennen, die sich zu einer Karte von Moskau zusammenfügen. Zunächst flach wie ein Blatt Papier, erhält das Kleidungsstück durch die Origami- Technik das nötige Volumen am Körper, und die Linien, die die Karte markieren, werden miteinander verbunden, um durch die Verbindung eines Moskauer Punktes mit einem anderen eine Faltung zu bilden. Bei diesem Projekt geht es für mich um die Verbindung zur Heimat, zur Vergangenheit und zur Kindheit, und obwohl die ursprüngliche Idee darin bestand, ein Objekt in ein neues zu verwandeln und ihm damit ein neues Leben zu geben, geht es für mich auch sehr stark um mein persönliches „Leben nach dem Leben“ und die Beziehung dieses Lebens, das nur in meinen Erinnerungen nachhallt, zu meiner Gegenwart.












Fotos & Video :Elizaveta Efimova


Model : Angelina Lambrikht




 








//Maren Eisemann & Simon Carle „Das ist doch ein Kinderspiel“


Im Rahmen von unserem Semesterprojekt „Das ist doch ein Kinderspiel!“ haben wir uns auf verspielte Weise mit unseren Kindheitserinnerungen und denen damit verknüpften Baby -und Kinderkleidungsstücken auseinandergesetzt. Daher haben wir versucht diese in


unserem heutigen Kleiderschrank zu integrieren um ihnen ein Weiteres Leben zu schenken.


Die verwendeten Materialien haben ebenfalls ein zweites Leben bekommen, indem wir diese wieder verwertet haben.
































Photos: Simon Carle


Models: Iva Hoes, Leif Kessler, Khulan Klecker










//VENETIA WILLIAMS & KIARASH AMOURIZI „Twissted Berlin“


With venetia’s background in working with latex plus my observation the city of the berlin the research has been focused on the connection of Latex and its special value in relation with not only fettisch commiuneteis but also the techno calture in berlin,


At this step it was necessery to have an direct look at the one of oldest fashion latex labes of berlin , Sven.with that observation the the craftsmanship of the Latex was eluminated clearly as a craft worth showing as the sym- bole of the berlin underground culture.


Considering the environmental Concerns and my position in shop of Humboldt Forum the point of the project has been aligned with the turistict aspect of the city and the leftover produckts and discontinued line of T-shirts which was representing a contruvertial image of the city.


The main point of the project was affected with these factors and consideration. first of all to work as much as possible and exclusively with the T-shirts as the base material , and bring the craftsmanship of Latex special to berlin to reform and reconstruct the products, and that was only possible with creative use of latex particularly liquid latex.


The final aim of the project was set to represent the garments at the shop after consulting with th museum and shop.




















Photos: Amine Ben Jalloul


Models: Karla Citlalli Contreras Marin


Patrick Jun, Engelmayer Venetia, Williams Alexander, Luca Schnepf










//Elea Jenner & Leon Parcsami „Self-Destruct Pull at own Risk“


Explore your suit. Working against the rapid discard of fashion by creating suits that are supposed to be destructed. Playing with the stimuli of humans we keep them invested in the piece of clothing. This collection encourages the owner to in- spect their suit closely and take it apart, leading them to to learn about the details of tailoring and gain appreciation. This causes a change in value from a well-craft- ed suit with high material and construction value to a different piece of clothing that now has emotional value for the person that has worked on it themselves. With different types of mechanisms the suit can be destructed in a way that we have designed. Pulling a thread might lead to one piece dividing itself in two.
































Photos: Elea Jenner, Leon Parcsami Constantin Prückner


Models: Mathilde Bing Nikolai Keller










//Iva Hoes & Michael Sieweke „BEAUTY FILTER PLUS“


Das Afterlife (für uns eine zukünftige Realität, die sich ständig durch die Digitale Welt verändert) bildet einen hybriden Zwischenraum, in dem Produkte, Ästhetiken und Menschen zu einer Mischung aus idealisierter und verzerrter Selbstrepräsentation werden.


Unsere beiden Characters wurden im Postlife (Digitalen) entwickelt um ins Afterlife (Realität) übersetzt zu werden. Beide repräsentieren neue Schönheitsideale, welche sie nun auch in der Realität ausfüllen können. Look 1 (Magician) kuratiert seinen Körper mit dekorativen Schlangenelementen während Look 2 (Illusion) ihren ganzen Körper transformiert um zu ihrem Avatar zu werden.
































Styling und H&M: Iva Hoes


Models: Nikolai Keller und Yeram Kim










//Miriam Schade & Khulan Klecker „Zwei in Einem“


This project was about designing a piece that has a purposed second life of use. The two-piece off-white dress was made of old cashmere and merino jumpers from the Textilhafen Berlin. Technically you can undo all the crochet into two different balls of yarn leaving only the pattern pieces of knit for a new design! All the pattern pieces are here white from the outside but in color from the inside! That way, you’ve got two in one!




































photos: Elias Martin


Models: Tim Escher, Pauline Frierson




 

			

	
	

		
			



							


	

				

			Maison UdK
		

						
		


	


		

		
 








 






 






MAISON UDK //  SoSe 22 // Design Project


In dem Projekt „Maison UdK“ geht es darum, dass sich Studierende in unterschiedlichen, fiktiven Abteilungen auf Produkt / Prozessgruppen spezialisieren. Das Entwurfsprojekt bildet einen Gegenentwurf zur Ausbildung als „Kreativdirektor*In“, die/der gleichzeitig sowohl die Vision großer Kollektionen entwickeln als auch das handwerkliche Know-how unterschiedlicher Produktgruppen erlernen soll. Mit diesem Pilotprojekt möchten wir untersuchen, ob Gruppen von Studierenden gemeinschaftlich Repräsentanten unterschiedlicher Produkt-Departments sein können und Strukturen eines eigenen „Maisons“ innerhalb sowie außerhalb der UdK Berlin entwickeln können.






Studierende werden sich hier in Teams in unterschiedlichen Abteilungen auf Produkt- und Prozessgruppen spezialisieren. Ziel des Seminars ist es, andere Dimensionen des Arbeitens als Modedesigner kennenzulernen, Abstimmungen gemeinsam zu tätigen und neue Strukturen zu erproben. Eine Spezialisierung in Produkt- oder Materialgruppen kann für das weitere Schaffen aufgebaut werden.


 











 






 









		
		


			
			
			

				 				 

			

					


				

			

					


				

			

					


				

			

					


				

			

					


				

			

					


				

			

					


				

			

					


				

			

					


				

			

					


				

			

					


				

			

					


				

			

					


				

			

					


				

			

					


				

			

					


				

			

					


				

			

					


				

			

					


				


			

			

			 
		

		

		










 






 










Projektteilnehmende:




Lenard Schnitzler & Emily Zanon


Alex Hein & Haleh Afshar




Minji park & Clemens Kramer


Philine Beutel, Fanny Freunden & Anna Filzmoser






Greta Berghoff & Luzie Richter


Linus Richolson & Andreas SoykaJakob


Deutschmann & Alice Enguyen


Zanya Lazarus & Lara Geyer


Essie Kramer






 






 










Lehrende: Gast Prof. Julian Zigerli, KM Evelyn Sitter, Christoph Hefti, Stefan Hipp, Dorothée Warning, Julia Kunz

			

	
	

		
			



							


	

				

			Transformation through fashion education? Towards Systemic Change – 19 May 2022 6-7.30 pm (CEST) – Long table conversation – online
		

						
		


	


		

		






Transformation through fashion education? Towards Systemic Change. 


19 May 2022


6-7.30 pm (CEST)


Long table conversation


online












In the modernist logic of the global west fashion was constructed as the favorite child of capitalism. Fashion was defined as essentially transient, modern, urban – thus western. Fashion Education has fed a system based on this narrative. Ever faster. Ever more. One of the fastest growing educational sectors. To contribute to regenerative formation, fashion education has to become unfashionable. It has to disrupt itself, to re-configure itself – to be disruptive. 


“Transformation through fashion education? Towards Systemic Change”


project presentations by


Laya Chirravuru (India): Roots Studio


Lesiba Mabitsela (South Africa): The Cutting Room Project


Stephanie Barker-Fry (UK): ReGo


 


and long table contributions by


fashion students Timisola Shasanya (CSM, UK) & Melchior Rasch (UdK, Germany) 


and members of fashioning education Dilys Williams (CSF, UK), Oliver Ibert (IRS, Germany), Tanveer Ahmed (CSM, UK) et.al.


With its second public event fashioning education continues to explore the transformative potentials of different fashion educational settings. It debates the extent to which fashion education can contribute to regeneration – from within. It invites opposing positions to a long table discussion supplemented by showcases of social fashion educational projects dedicated to new ecologies of community based on principles of collectivity, collaboration and care – proposing transformative tactics.The event takes place on Zoom.


REGISTER HERE


Please join fashioning education and spread the word. 


We look forward to seeing you!


The event is hosted by the Berlin University of the Arts and funded by Einstein Foundation Berlin. 


www.fashioning.education

















 

			

	
	

		
			



							


	

				

			Suit Yourself – 48 Hour Projekt
		

						
		


	


		

		
 




 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


 


Suit Yourself- 48 Hours Projekt


Lehrende: Prof. Wowo (Waldemar) Kraus, Gast Prof. Julian Zigerli






 






 






Arkadiusz Swieton & Yeram Kim 




 


Lena Kleinert und Melchior Rasch




 


David Korn&Luis Amslgruber


 




 


Nikolai Keller & Dominik Bittman




Aimee Grünewald & Viktor Dietzsch




 


Charlotte Huttenloher & Bob Chapri Silalahi


                                                                        


Lucille Gonzalez & Kieun Hong




Maj Doehring& Rosalie Bock




Constatin Prückner& Leon Simonis




Jil Theisges, Marina Kolushova, Mallki Garrafa



			

	
	

		
			



							


	

				

			Oe-magazine | Alessandro Gentile
		

						
		


	


		

		






SELECT MASCULINITY


Alessandro Gentile






Originally from Trieste, Italy, Alessandro Gentile was one of the graduates from Univeristät der Künste’s Schau21, who captivated our attention. Unlike most designers, Alessandro’s calling to fashion wasn’t the most intuitive. With a passion for science and technology, he had initially set out to study Biology and Healthcare whilst back in his homeland. Although he admits that during his studies he observed his fascination for the two growing, he simultaneously came to terms with the fact that it wasn’t his be-all and end-all. It may have taken Alessandro a while to find his calling, but from his creations, it’s clear that he is certainly on the right path. We caught up with him after the show to talk about his BA graduate collection “SELECT MASCULINITY”.




Zum vollen Artikel hier.

			

	
	

		
			



							


	

				

			Oe-magazine | Lisa Oberlände
		

						
		


	


		

		


OVERALLOVER


Lisa Oberlände


German designer Lisa Oberländer recently graduated with an MA in Fashion Design from Universität der Künste. Her collection was presented as part of this year’s graduate show: Schau21. We caught up with her after the show to find out more about OVERALLOVER and why one man’s trash is another man’s treasure.


Zum vollen Artikel hier.

			

	
	

		
			



							


	

				

			PW- magazine
		

						
		


	


		

		


PW-Magazine


PREMIERE: TRAILER ZUR »SCHAU21« AN DER UDK BERLIN








In Kooperation mit der Gesangsklasse Prof. Deborah York der UdK Berlin und zeitgebilde Filmproduktion UG wurden die Abschlussarbeiten der Bachelor- und Masterabsolvent*innen 2019-2021 des Instituts für experimentelles Bekleidung- und Textildesig in einem performativen Screening im Konzertsaal der Universität der Künste Berlin präsentiert.








Zum vollen Artikel hier.


 

			

	
	

		
			



							


	

				

			Fashionunited | UdK Berlin: Kritisch denken und hinterfragen im Modedesign-Studium
		

								

									

					
		


	


		

		


UdK Berlin: Kritisch denken und hinterfragen im Modedesign-Studium


Diversität, Charakter und Handwerk – diese drei Worte beschreiben den Studiengang Modedesign an der Berliner Universität der Künste (UdK) wohl am besten. An der Kunsthochschule im Herzen der deutschen Hauptstadt werden vielseitig interessierte Menschen ausgebildet, die über die Grenzen des klassischen Modedesigns hinausgehen und sich trauen, Themen kritisch zu hinterfragen.


Zum vollen Artikel hier.

			

	
	

		
			



							


	

				

			NEWCOMER FINALIST 2022, JUSTINE MASCHÉ
		

						
		


	


		

		


NEWCOMER FINALIST 2022, JUSTINE MASCHÉ


Justine Masché wurde am 22. Dezember 1992 in Fulda geboren. Von 2011 bis 2014 machte sie zunächst eine Ausbildung zur Damenmaßschneiderin am Staatstheater Mainz. Im Anschluss führte sie ihr Weg in die Hauptstadt, wo sie an der Universität der Künste Berlin ein Studium im Bereich Modedesign begann. Nach verschiedenen Praktika in Berlin, London und Paris erhielt sie ein Designstipendium an der Kunstuniversität Central Saint Martins in London, das sie von 2017 bis 2018 absolvierte. Danach kehrte sie zurück nach Berlin und beendete an der Universität der Künste 2019 ihr Studium, das sie erfolgreich mit dem Bachelor of Arts abschloss.


Seit Januar 2020 lebt Justine Masché in London, wo sie als Product Developer / Design Coordinator beim Modelabel Vivienne Westwood arbeitet. Bei ihrer Arbeit interessiert sie besonders die emotionale Kommunikation, die zwischen Kleidung und Trägerin und Träger in Form von Kleidungserinnerungen entsteht.


Zum vollen Artikel hier.

			

	
	

		
			



							


	

				

			Diepresse | SCHAU21 „Freewheeling“ der UdK Berlin
		

						
		


	


		

		


BERLINER MODENACHWUCHS ZEIGT DIPLOMSCHAU


Für die Präsentation der Diplomarbeiten hat sich der Mode-Abschlussjahrgang der Universität der Künste Berlin Verstärkung geholt. Die jährliche Schau verlief damit anders als gewohnt.


Jedes Jahr präsentieren Absolventinnen und Absolventen des Instituts für experimentelles Bekleidungs- und Textildesign der Universität der Künste Berlin im Rahmen eines Rundgangs ihre Arbeiten. Dieses Jahr holte sich die Mode-Abschlussklasse, geleitet von dem Schweizer Designer Julian Zigerli, Unterstützung von der Gesangsklasse derselben Universität und der Zeitgebilde Filmproduktion UG. So entstand als Gemeinschaftsprojekt ein performatives Screening, das Augen und Ohren betört.


Zum vollen Artikel hier.

			

	
	

		
			



							


	

				

			OE magazine | Play Harder Katharina Spitz
		

						
		


	


		

		


PLAY HARDER | KATHARINA SPITZ


Universität der Künste Berlin hosted their 2021 fashion graduate show in the grand Konzertsäle in Charlottenburg. Schau21 was presented as a short film presentation of all of the collections of this year’s eclectic and talented designers. Following the show, we caught up with one of the graduates Katharina Spitz to talk about her collection Play Harder and what the future holds.


Zum vollen Artikel hier.


 

			

	
	

		
			



							


	

				

			Schön magazine | freewheeling | udk schau21
		

						
		


	


		

		




FREEWHEELING | UDK SCHAU21


This year, the annual fashion show from Berlin’s Universität der Künste took a different form. The 2019-2021 Bachelor’s and Master’s graduates from the Institute for Experimental Clothing and Textile Design showed their work in cooperation with the singing class of Prof. Deborah York of the UdK Berlin and zeitgebilde Filmproduktion UG in a performative screening in the concert hall of the University of the Arts Berlin.


The show featured the work of Katharina Achterkamp, Ronja Biggemann, Nina Birri, Johanna Braun, Alessandro Gentile, Jasmin Halama, Paula Keilholz, Manfred Elias Knorr, Louis Krüger, Lina Lau, Lisa Oberländer, Smed Wagner and Katharina Spitz.


Live music was performed by Clarissa Undritz, Yongbeom Kwon, Charlotte Kuhner, Eunsoo Lee, Anni Laukkannen, Max Hattwich, Constanze Chmiel, Henrike Wassermmeyer and Martin Knoerzer.


Music for the presentation’s film was made by Yongbeom Kwon, Walewein Witten and Xavier Durand.


Explore photos from the event.


Zum vollen Artikel hier.

			

	
	

		
			



							


	

				

			Fucking Young magazine | UdK SCHAU21 Backstage!
		

						
		


	


		

		


UDK SCHAU21 BACKSTAGE!


During the annual UdK Rundgang (tour), the 2019-2021 Bachelor and Master graduates from the Institute for Experimental Clothing and Textile Design showed their work in cooperation with the singing class Prof. Deborah York of the UdK Berlin and zeitgebilde Filmproduktion UG in a performative screening in the concert hall of the University of the Arts Berlin.


Our photographer Marc Medina was there to capture the moment with exclusive images for Fucking Young!


Zum vollen Artikel hier.

			

	
	

		
			



							

							

							


	

				

			infoveranstaltung BA
		

								

									

					
		


	


		

		
Liebe Studierende,


Am Montag, 15.11. findet um 17 Uhr digital die Infoveranstaltung für die Bachelor-Anmeldung für das SS22 hier statt:

https://udk-berlin.webex.com/meet/bewerbungbachelor

Hier vorab die Terminliste:

https://design.udk-berlin.de/wp-content/uploads/2021/09/BA-SS22-Langzeitterminliste-15.09.21.pdf


Alle Unterlagen die die Anmeldung und Prüfungen betreffen finden sich hier:

https://design.udk-berlin.de/ueber-das-studium/formulare-termine


Viele Grüße!

Der PA

			

	
	

		
			



							


	

				

			Schau21
		

						
		


	


		

		


SCHAU21 „FREEWHEELING“


Präsentation des Instituts für experimentelles Bekleidungs- und Textildesign der UdK Berlin im Rahmen des Rundgangs 2021




Während des Rundgangs zeigten die Bachelor- und Masterabsolvent*innen 2019-2021 des Instituts für experimentelles Bekleidung- und Textildesign ihre Arbeiten in Kooperation mit der Gesangsklasse Prof. Deborah York der UdK Berlin und zeitgebilde Filmproduktion UG in einem performativen Screening im Konzertsaal der Universität der Künste Berlin.




Mit Abschlussarbeiten von Katharina Achterkamp, Ronja Biggemann, Nina Birri, Johanna Braun, Alessandro Gentile, Jasmin Halama, Paula Keilholz, Manfred Elias Knorr, Louis Krüger, Lina Lau, Lisa Oberländer, Smed Wagner, Katharina Spitz.




Art Direction:





Produktionsleitung:


Jan Wilde, Magdalena Kohler




Regieteam:




Benjamin Schindler,  Miriam Lehnart, Johanna Schwab,  Sinnica Klatt, Alexandra Börner, Magdalena Kohler








Konzept:


Benjamin Schindler, Sinnica Klatt, Johanna Schwab




Kamera/ Licht:


Mantas Jockus, Daniel Goede




Setdesign:


Miriam Lehnart, Absolvent*innen




Postproduktion:


Stefan Hurtig, Alexandra Börner




Grafik:


Insa Deist, Hjördis Lyn Behncken




Aufnahmen Tonstudio:





Übersetzung:





H&M:


Emely Zanon, Titia Grefe




Musik:


Jean-Henri d‘Anglebert – ‚Prélude en ré mineur‘, Cembalo – Xavier Durand




J.S. Bach – ‘Buss und Reu’ (Matthäus Passion)


Alt – Yongbeom Kwon


Cembalo – Walewein Witten




Aribert Reimann –‘Die Schlange ist gestorben’


Sopran – Clarissa Undritz






Eine Produktion von zeitgebilde Filmproduktion & UdK

			

	
	

		
			



							


	

				

			NEOPHYT Wanderungen | Louis Krüger | 2021
		

						
		


	


		

		






 






 






NEOPHYT Wanderungen | Louis Krüger | 2021














Louis A. Krüger arbeitet an der Schnittstelle von Spekulativem Design und Botanik. Mit lebendigen und organisch wachsenden Kleidungsstücken untersucht sie in ihrer Performance Neophyt Wanderungen die Wechselwirkungen artenübergreifender Ästhetiken, die sich einer linearen und dualistischen Denkgewohnheit entziehen und dabei das Verhältnis von Mensch und Natur, Subjekt und Objekt, Aktivität und Passivität neu verhandeln.


 






















Louis A. Krüger works at the intersection of speculative design and botany. In her performance Neophyt Wanderungen, she uses living and organically growing garments to investigate the interactions of cross-species aesthetics that defy a linear and dualistic thinking and thereby renegotiate the relationship between human and nature, subject and object, activity and passivity.










 










 


 














Betreuer*innen : Prof. Wowo (Waldemar) Kraus, PROF. DR. INGEBORG HARMS,  KM Alexandra Börner

















			

	
	

		
			



							


	

				

			ODEANDIEÖDE | Lina Lau | 2021
		

						
		


	


		

		






 






 






ODEANDIEÖDE | Lina Lau | 2021






Ich sitze. Um mich herum tun es mir Gegenstände gleich. Wir sitzen gemeinsam. Ich bin nicht allein doch bin ich mit mir. Wir sind Teil und Gegensatz. Zusammen sind wir eine Einheit aber alleine sind wir nur was wir sind. Wir sind klein, fast ohne Bedeutung. Ich fühle sie nicht. Wenn ich nach ihnen greife, dann berühren sie meine Hände und nicht meinen Geist. Mein Geist scheint unantastbar von allem was Teil meiner Einheit ist. Ich fühle mich arm. Wäre jedes Ereignis ein Gut, dann wäre ich jetzt ein Bettler.










Wenn ich nichts will, dann kriege ich am meisten. Wenn ich viel kriege, dann will ich mehr. Ich will nichts mehr wollen. Wenn ich mache ohne etwas zu wollen, dann kriege ich etwas was ich nie wollte. Doch will ich Dinge schaffen die ich nie schaffen wollte? Ich will, dass ich will, was ich nie wollte und dass ich es schaffe.


Minimale Arbeit bedeutet nicht gleich wenig. Minimal ist nicht der physische Aufwand, oder das Ergebnis. Minimal ist meine Emotion und meine Bereitschaft. Wenn ich nicht wachsen darf, dann kann ich mich nur minimal beschäftigen. Mein Übergang ist klein. Ich integriere Arbeit in mein Dasein und mein Dasein in Arbeit. Es passiert ohne dass ich wiederholt anfangen muss. Ich wiederhole mich. Nur wenn ich mich wiederhole kann meine Arbeit wachsen ohne dass ich es tue. Ich bleibe klein während meine Arbeit wächst. Sie wird größer und größer und größer.






















Betreuer*innen : PROF. WOWO (WALDEMAR) KRAUS, PROF. DR. INGEBORG HARMS, KM EVELYN SITTER


Credits:












Fotos: Vladimir Vidanovski

Models: Obbe van der Weide , Vincent Wong , Max Baraitser Smith


 





















			

	
	

		
			



							


	

				

			To Whom It May Concern – Futurized Outerwear | Nina Birri | 2021
		

						
		


	


		

		
		
		


			
			
			

				 				 

			

					


				

			

					


				

			

					


				

			

					


				

			

					


				


			

			

			 
		

		

		







 






 






To Whom It May Concern – Futurized Outerwear | Nina Birri | 2021






To Whom It May Concern – Futurized Outerwear


Sowohl die Aufregung des Neuen als auch der Komfort und die Nostalgie des Alten sind tief verankerte Dynamiken der Mode. Für dieses Master Projekt bin ich die Beziehung zwischen alt und neu im Kontext von Upcycling und dem Wiederverwenden von Alttextilien angegangen. Was passiert auf ästhetischer, sinnlicher, konzeptueller und materieller Ebene, wenn alte Kleider physisch in etwas Neues transformiert werden? 


Mein Ziel war es, verschiedene Entwurfsstrategien und -techniken auszuprobieren und sie anschließend aus verschiedenen Perspektiven zu evaluieren: Gestalterisches Potential und Begehrlichkeit des Entwurfs, Standardisierungspotential, Abfallreduktion, etc. Dabei standen die Altkleider im Zentrum des Entwurfs und haben ihn maßgeblich beeinflusst. Was ist das formale Potential der Altkleidung? Wie kann ich nutzen was schon da ist, um für den Zeitgeist relevante Produkte zu entwerfen?


Die Metamorphose der Altkleider geschah über Drapage, Konstruktion, Materialbearbeitung und Verarbeitung. Nostalgische Elemente der Kleidung selbst sowie traditionelles Handwerk treffen auf futuristische Formen und Verarbeitungstechniken aus dem Bereich der Funktionsbekleidung. Die Altkleider wurden durch nachhaltige Materialien ergänzt, um einen ästhetischen Kontrast zu schaffen, und um mehr Freiheit in der Gestaltung und Produktion zu bekommen. 














To Whom It May Concern – Futurized Outerwear


Both the excitement of newness and the comfort of nostalgia are deeply rooted dynamics of fashion. For my MA project I’m exploring this relationship in the context of upcycling and repurposing discarded textiles. What happens aesthetically, sensually and conceptually when old garments are physically transformed into something new?


My goal was to try out different design strategies and techniques and to evaluate them in terms of various perspectives such as design and desirability, potential to standardise for production, waste reduction, etc.

In the design process, I started off with the given material, making use of the formal potential of discarded garments and their features. How can I use what’s already there while still creating something relevant for today’s zeitgeist?


In order to transform old textiles, I sent them through a metamorphosis of draping, fabric manipulation, and finishing. Nostalgic elements of the garments and traditional handcraft are updated with futuristic shapes and finishing techniques, influenced by sports- and functional wear. The discarded textiles are complimented with sustainably sourced fabrics in order to create contrast and allow for more freedom in terms of design and production.


The result is a series of overgarments for all genders that are both desirable and wearable.










 


 














Betreuer*innen : PROF. VALESKA SCHMIDT-THOMSEN, PROF. INEKE HANS, GAST PROF. FRANZISKA SCHREIBER


Credits:




Lookbook


Fotografin: Honi Ryan , https://www.honiryan.net/


Modell: Elisabeth Bauer


H&M: Vi Nghiem Tuong


Assistenz: Saara Kaatra


Friends


Fotografin: Honi Ryan , https://www.honiryan.net/


Modelle: Youjung Kim , Paula Keilholz, Julius Führer, Jonathan James


Abi Tariq:


 











			

	
	

		
			



							


	

				

			Smed Wagner | 2021
		

						
		


	


		

		






 






 






Smed Wagner | 2021








a Berlin Based design duo from Chile and Denmark who aim, as a carnival of gaiety, to push a holistic paradigmatic shift in the world of fashion.


With our different knowledge, professional skills, and cultural backgrounds we consciously exercise collaboration. Our proposal and daily mantras embrace the concepts of playfulness, intuition, and connection while we practice patience and thrive to develop sustainable solutions.


We operate in a colorful and energetic multiverse driven by a fascination with our past, present, and potential future, both when it comes to traditional craft, current technologies, and innovative new technologies.
























			

	
	

		
			



							


	

				

			OVERALLOVER | Lisa Oberländer | 2021
		

						
		


	


		

		
		
		


			
			
			

				 				 

			

					


				

			

					


				

			

					


				

			

					


				


			

			

			 
		

		

		







 






 






OVERALLOVER | Lisa Oberländer | 2021








Meine Abschlusskollektion habe ich aus alten und gebrauchten Blaumännern gefertigt.


Das Material, ihre Verarbeitung und ihre Gebrauchsspuren haben mich zu meinen Entwürfen inspiriert. Die dabei entstandenen Overalls sind jeweils eine Symbiose aus zwei unterschiedlichen aber farblich harmonierenden Blaumännern.


Ich habe mich bei meiner Kollektion vollkommen vom Ausgangsmaterial – dem Blaumann – leiten lassen. Je nach Möglichkeit habe ich die bestehenden Nähte nicht aufgetrennt, sondern in den Entwurf integriert.


Ebenso Taschen, Knöpfe, Krägen und Manschetten habe ich je nach Entwurf in die Gestaltung miteinbezogen. Selbst beim Abtrennen von Taschen oder dem Auftrennen von Nähten blieben dadurch, dass es sich um alte, ausgewaschene Blaumänner handelte, Schatten und Spuren der ehemaligen Verarbeitung zurück. Diese Spuren habe ich bewusst für meine Entwürfe genutzt.
















I made my graduation collection from old and used boilersuits.


The material, their processing and their traces of use have inspired me to my designs.


The resulting overalls are each a symbiosis of two different but color harmonizing boilersuits.


In my collection, I was completely guided by the source material – the boilersuit. Where possible, I have not unraveled the existing seams, but integrated them into the design.


Likewise, pockets, buttons, collars and cuffs I have included in the design depending on the design. Even when I cut off pockets or unraveled seams, the fact that they were old, washed-out blues left shadows and traces of the former workmanship. I deliberately used these traces for my designs.










 


 














Betreuer*innen : PROF. WOWO (WALDEMAR) KRAUS, PROF. DR. INGEBORG HARMS, KM MAGDALENA KOHLER


Credits:




Fotografie: Kaśka Jankiewicz


Hair und Make-Up: Juliane Shulz, Antonia Peix


Modelle: Rika, Christophe


Support: Philipp Dittert








 





			

	
	

		
			



							


	

				

			Armour | Hana Hon | 2021
		

						
		


	


		

		
		
		


			
			
			

				 				 

			

					


				

			

					


				

			

					


				

			

					


				


			

			

			 
		

		

		







 






 






Armour | Hana Hon | 2021 








ARMOUR ist eine Kollektion, die sich mit dem Thema der Care-Arbeit beschäftigt. Mit Beginn der aktuellen globalen Corona-Pandemie reetablierten sich konservative Geschlechterrollen


in der Gesellschaft. Darunter fällt die Care-Arbeit, die immer noch überwiegend von Frauen geleistet wird und schlecht oder gar nicht bezahlt wird. Ich habe als Titel dieser Arbeit den englischen Begriff für Rüstung ‘armour’ gewählt, der im Kontext meines Themas für das Aufrüsten der Frau gegen die patriarchalen Gesellschaftsnormen und den Widerstand gegen die Unterdrückung der Frau steht. Die Rüstung als historisches


Kleidungsstück ist gleichzeitig Hauptbestandteil meiner Kollektion und wird durch die Quilttechnik als Schutzkleidung und Wärme spendendes Kleidungsstück genutzt.


Mithilfe meiner erarbeiteten Zuschnitttechnik entstanden Negativ- und Positivformen auf dem Stoff – alias Stoffreste und Schnittteile.


Anders als beim herkömmlichen Zuschnitt wurde bei den Schnitten in meiner Arbeit gezielt Stoff aufgespart. So verhält sich der Schnittrest schon fast wie ein eigenes Schnittteil. Die Zwischenräume, die beim Zuschnitt entstehen, analysierte ich dahingehend, ob die darin befindlichen Reste zwingend Abfallprodukte darstellen müssen oder ob diese als neu aufgewertete Schnittteile wieder verwendet werden können.


Dieses Vorgehen war mit der Überlegung verbunden, ob Nachhaltigkeit direkt einen Verzicht implizieren muss.


So standen feste Silhouetten variabel einsetzbaren Schnittresten gegenüber, die erst durch Drapagen ihren Zweck in meiner Kollektion fanden. Dadurch entwickelte sich in meiner Kollektion ein organischer Zyklus, der sich gegenseitig nährte.
















ARMOR is a collection that deals with the topic of care work.




With the beginning of the current global corona pandemic, conservative gender roles were re-established in society. This includes care work, which is still predominantly done by women and paid poorly or not at all. I have chosen the title for my work ‚armour‘ as arming women against patriarchal social norms and resistance to the oppression of women. The armour as historical garments is at the same time a main part of my collection, by using the quilting technique as protective clothing and a warming garment. With the help of the cutting technique I developed, negative and positive shapes were created on the fabric – also known as scraps of fabric and pattern pieces. Unlike conventional cutting, fabric was specifically saved in my work during the cuts. The remainder of the cut behaves almost like its own cut part. I analyzed the gaps that were created during cutting to determine whether the leftovers in them must necessarily represent waste products or whether these can be reused as newly upgraded pattern parts. This approach was linked to the consideration of whether sustainability should directly imply a renunciation. Fixed silhouettes were contrasted with variable cut remnants that only found their purpose in my collection through drapery. As a result, an organic cycle developed in my collection that nourished each other.












 


 














Betreuer*innen : GAST PROF. FRANZISKA SCHREIBER,  PROF. DR. GESCHE JOOST, KM EVELYN SITTER


Credits:




Fotografin: Suzanne Caroline de Carrasco


Hair und Make-Up: Insa Wagner


Modedesignerin: Hana Hon


Models: Amsel Eyting, Celine van de Loo, Gennet Beer, Andy Lin Mrozek


Set Design: Cora Kehren, Celine van de Loo,  Amsel Eyting


 











			

	
	

		
			



							


	

				

			gescheiter scheitern | Mina Bonakdar | 2021
		

						
		


	


		

		
		
		


			
			
			

				 				 

			

					


				

			

					


				

			

					


				

			

					


				


			

			

			 
		

		

		







 






 






Mina Bonakdar | BACHELORARBEIT 2021 






„losers quit when they fail, winners fail until they succeed“


Aber was genau ist ein Verlierer und was ein Gewinner? Was bedeutet es zu verlieren und wie wird in der Gesellschaft damit umgegangen?

Diese Fragen, die auch in Kleidung und ihrer Performance wiederzufinden ist, widmet sich das Projekt „gescheiter scheitern“, indem es Hilfestellungen anbietet um das „scheitern“ erträglicher zu machen.

Weiterhin soll die Bewertung von „Erfolg“ und „Versagen“, „gut“ und „schlecht“ und der Dualismus der hinter diesen steckt hinterfragt werden:

„ Ein schlechtes Buch, ein Schlechtes Bild“, und er gibt immer den Anschein etwas sachliches zu sagen. Immerhin verrät die Miene dabei, dass er es gerne sagt.

Denn die Form der Äußerung täuscht, und sie geht sehr bald in eine persönliche über. “Ein schlechter Dichter“ oder „ein schlechter Maler“ heißt es dann gleich, und es klingt als sage man „ein schlechter Mensch“. Die Freude am negativen Urteil ist immer unverkennbar.

“was immer das Gute ist, es ist da, damit es sich vom Schlechten abhebt.“

(Canotti, Elias,Masse und Macht,1960, S.351)














„losers quit when they fail, winners fail until they succeed“


But what exactly is a loser and what is a winner? What does it mean to lose and how does society deal with it?

These questions, which can also be found in clothing and its performance, are addressed by the project „fail better“, which offers assistance in making „failure“ more bearable.

Furthermore, the evaluation of „success“ and „failure“, „good“ and „bad“ and the dualism behind them should be questioned:

“ A bad book, a bad picture“, and he always gives the appearance of saying something factual. After all, his expression reveals that he likes to say it.

For the form of the utterance is deceptive, and it very soon turns into a personal one. „A bad poet“ or „a bad painter“ is then immediately said, and it sounds as if one is saying „a bad person“. The pleasure in negative judgment is always unmistakable.

„whatever the good is, it is there so that it stands out from the bad.“

(Canotti, Elias,Masse und Macht,1960, p.351)










 


 






Betreuer*innen : PROF. VALESKA SCHMIDT-THOMSEN, PROF. DR. INGEBORG HARMS, KM EVELYN SITTER


Credits:


1 Shoot :

Hair and Make Up: Titia Grefe

Fotografie: Robert Hamacher

Models: Sabina Ross, Carla Loose


2 Shoot: Models: Ulla Grubinger, Anna Zrenner, Ilaaf Khalfalla



			

	
	

		
			



							


	

				

			For all true lovers, of whatever species | Delia Rößer | 2021
		

						
		


	


		

		
		
		


			
			
			

				 				 

			

					


				

			

					


				

			

					


				

			

					


				

			

					


				


			

			

			 
		

		

		







 






 






Delia Rößer | BACHELOR THESIS 2021 






What if the story about the development of human society was not shaped by the western hero myth, who portrays the human being as an overpowering individual?


Which narratives and objects would result from an alternative human-animal relationship?


 


„For all true lovers of whatever species“ is a speculative design project that explores the common becoming between humans and animals based on considerations of co-evolution.


In the face of an approaching presence of global warming and geographic changes, the narratives do not seek to stop the unstoppable, but rather to explore being-new-in-the-world.


How can we live with new connections and upcoming challenges?


Three fictional scenarios question the human relationships to different species and the influence on the interrelationships that arise between animals, microorganisms and humans.














What if the narrative of human societal development were not shaped by the Western myth of the hero, which portrays the human being as an overpowering individual?


What narratives and objects would emerge from an alternative human-animal relationship?


 


„For all true lovers of whatever species“ is a speculative design project that explores the common becoming between humans and animals through considerations of co-evolution.


In the face of an approaching present of global warming and geographical change, the narratives seek not to stop the unstoppable, but to explore newness-in-the-world-ness.


How can we live with new connections and coming challenges?


Three fictional scenarios question human relationships with different species and the impact on the emerging interconnections between animals, microorganisms and humans.










 


 

















Credits:




Editorial


Fotografie


Tessa Meyer


Licht & Video


Niclas Moos


Styling


Elias Knorr


Model


Jannik Schneider


Finn Brauckmann


Assistant for everything


Fabian Senk




 









			

	
	

		
			



							


	

				

			Play Harder | Katharina Spitz | 2021
		

						
		


	


		

		
		
		


			
			
			

				 				 

			

					


				

			

					


				

			

					


				

			

					


				

			

					


				


			

			

			 
		

		

		







 






 






Alessandro Gentile | BACHELORARBEIT 2021 






PLAY HARDER

Haben wir das Spielerische als kulturelle Praxis verdrängt und vergessen? Wir haben es ausprobiert. Wir haben gespielt. In diesem Spiel sind ornamentale Objekte entstanden. Ganz unpraktisch und nutzlos, aber äußerst funktional für die spielerische Interaktion. Spielen ist Interaktion. Spielen ist Nähe. Kleidermode, die im Spiel kreiert und re-kreiert wird, ist lebendige, wechselwirkende Auseinandersetzung und Beziehung. Beziehung zueinander, Beziehung zu unserer materiellen Umgebung, Beziehung zu dem Neuen das entsteht. Wieder und wieder. Wir sind Teil dieses Neuen, der Objekte und Ideen und sie sind Teil von uns. Unsere ermächtigende, transformative Strategie ist das „sich Kleiden“. Die Betonung liegt auf spielerisch.


Play Harder.

Engage. Alter. Create.

Transform. Engage. Interact.

Change. Re-act. Engage.

Re-create. Engage. Wonder.














PLAY HARDER


Have we suppressed and forgotten „play“ as a cultural practise? We tried. We played. In playful interventions ornamental objects are created. The objects are very impractical and useless, but extremely functional for playful interaction. Play is interaction. Playing is engagement. Fashion that is created and re-created in play is living, interactive discussion and relationship. Relation to one another, relation to our material surrounding, relation with the new that arises. Again and again. We are part of this new, the objects and ideas. And they are part of us. Our empowering, transformative strategy is the act of dressing. The emphasis is on playful.


Play Harder.

Engage. Alter. Create.

Transform. Engage. Interact.

Change. Re-act. Engage.

Re-create. Engage. Wonder.










 


 














Credits:




Fotografen bitte nicht ohne Angabe der vollständigen Credits veröffentlichen.


„Play Harder“


Design: Katharina Spitz


Photography: Angelina Vernetti


Spielgemeinschaft: Frederik Britzlmair, Olga Mia Raz, Laura Talkenberg, Elizaveta Efmova,


Philipp Kind.


IG-Credits:


„Play Harder“


Design: Katharina Spitz


Photography: Angelina Vernetti


Spielgemeinschaft: Olga Mia Raz , Frederik Britzlmair, Laura


Talkenberg , Elizaveta Efmova, Philipp Kind.












			

	
	

		
			



							


	

				

			SELECT MASCULINITY | Alessandro Gentile | 2021
		

						
		


	


		

		
		
		


			
			
			

				 				 

			

					


				

			

					


				

			

					


				

			

					


				


			

			

			 
		

		

		







 






 






Alessandro Gentile | BACHELORARBEIT 2021 






Im Rahmen meiner Abschlussarbeit habe ich mich mit dem Thema der toxischen Männlichkeit im Kontext der Mode, der Videogames und des Militärs beschäftigt.

Im Wandel der letzten 10 Jahre haben sich zunehmend neue Schnittstellen dieser drei Elemente kreiert. Videogames haben heute in der westlichen Gesellschaft eine viel größere Relevanz als vor einigen Jahren, weil die angeblich verpönten kindlichen Videogamespieler_innen von damals heute ein wichtiger Bestandteil der Gesellschaft geworden sind. Wo einmal Videogames vollkommen Fehl am Platz waren, sind heute immer mehr zu sehen, auch in der Mode.

Allerdings bringen Videogames eine ganze Menge hypermaskuliner, toxischer Werte mit sich. Auch wenn es nicht die einzigen darin enthaltenen Werte sind, sind die Bilder der modernen Videogames überfüllt mit militärischen Machos, die für ihre Gefühllosigkeit und “heldenhafte” Gewaltausübung verherrlicht werden.

Die Vertretung dieser und die Identifikation mit diesen Werten seitens der Männern sowie die Vermarktung durch weitere Männer beruht auf einem bestimmten gesellschaftlichen Konstrukt: der Vorstellung, dass ein Soldat die höchste Form eines Mannes sei .


Doch obwohl dieses Ideal nur ein Konstrukt ist, werden Männer so aufgezogen als wäre es das Natürlichste, wonach sie streben könnten. Selbst wenn man sich dessen bewusst ist, dass das ein toxisches Konstrukt ist, kann das trotzdem Teil der eigenen Identität und nicht komplett veränderbar sein.


So stellte ich mir die Frage: Wie kann ein Mann sich von diesen Werten distanzieren und trotzdem mit dem leben, was das Patriarchat aus ihm für einen Menschen gemacht hat?

Durch meine Recherche habe ich verschiedene Ambivalenzen und Inkohärenzen, die in dem hegemonialen Männlichkeitsbild, insbesondere im Militär, präsent sind, gefunden.


Diese sind dann Bestandteil der Kollektion geworden. Man trägt also diese Inkohärenzen nach außen, um bewusst dieses toxische Konstrukt auseinander zu nehmen und sich gleichzeitig mit der eigenen Identität wohlfühlen zu können.














In my graduation work I dealt with the topic of toxic masculinity in the context of fashion, videogames and military.

In the transition of the last 10 years, new intersections of these three elements have increasingly been created. Videogames have a much greater relevance in western society today than they did a few years ago, since the supposedly frowned-upon childish videogame players of the past have become an important part of society today. Where once videogames were completely out of place, they are seen today more and more, even in fashion.

However, videogames bring with them a whole lot of hyper-masculine, toxic values. Even if that’s not all that can be found in them, the images of modern videogames are overflowing with military machos glorified for their insensitivity and „heroic“ use of violence.

The representation and identification with these values on the part of men, as well as the marketing to them on the part of, yes, actually other men, is based on a certain social construct: the idea that a soldier is the highest form of a man.


Yet even though this ideal is only a construct, men are raised as if it were the most natural thing they could aspire to. Even if one is aware that this construct is toxic, it can still be part of one’s identity and not completely changeable.


So I asked myself the question, how can a man distance himself from these values and still live with what patriarchy has made of him?

Through my research I found various ambivalences and incoherencies that are present in the hegemonic image of masculinity, especially in the military.


These then became part of the collection. So one carries these incoherencies to the outside, to consciously take apart this toxic construct and at the same time to be able to feel comfortable with one’s own identity.










 


 






Betreuer*innen : PROF. VALESKA SCHMIDT-THOMSEN,  Prof. Wowo (Waldemar) Kraus, PROF. DR. INGEBORG HARMS










Credits:


Direction Editorial: Alessandro Gentile


Fashion Design: Alessandro Gentile


Photography: Marco Lombardi


Hair and Make-Up: Elisa Sankowski


Models: Niklas Jeroch, Emanuele Corsini, Timo Thomalla (Faze Models), Alessandro Gentile









			

	
	

		
			



							


	

				

			Qinglin Hou | 2021
		

						
		


	


		

		

		
		


			
			
			

				 				 

			

					


				

			

					


				

			

					


				


			

			

			 
		

		

		







 






 






Qinglin Hou | BACHELORARBEIT 2021 






Mit dem Schmetterling als häufig verwendetem Motiv ist der Verwandlungsgedanke ein wesentlicher Bestandteil dieser Kollektion. Ähnlich wie der Prozess der Metamorphose selbst können die Kleidungsstücke eine äußere Schicht ablegen, die ein anderes Aussehen offenbart. Aber die Transformation beschränkt sich nicht nur auf die Kleidungsstücke, sondern auf die Garderobe der Trägerin im Allgemeinen. Nachhaltigkeit wird zunehmend als wesentlicher Bestandteil der Zukunft der Mode anerkannt. Durch ihre Konstruktion verfügen die Kleidungsstücke über Elemente, die der Trägerin mehrere Looks bieten. Dieses Designelement bietet dem Träger mehr Möglichkeiten, das Kleidungsstück zu stylen. Ähnlich wie die Entstehung des zarten Schmetterlings verändert auch das Design der Kleidungsstücke den Körper der Trägerin. Durch das Entfernen von Schichten kommt der Körper mehr zum Vorschein, verändert aber auch die Silhouette des Körpers. Transformation ist ein facettenreiches Element dieser Kollektion.














With the butterfly as an often used motif, the idea of transformation is a key component to this collection. Much like the process of metamorphosis itself, the garments are able to shed an outer layer that reveals a different look. But the transformation is not limited to the garments but the wearer’s wardrobe in general. Being that sustainability has increasingly become recognized as a vital component to the future of fashion. Through its construction, the garments have elements that offer the wearer multiple looks. This design element gives the wearer more ways to style the garment. Also much like the emergence of the delicate butterfly, the design of the garments changes the body of the wearer as well. By removing layers, the body is revealed more but also changes the silhouette of the body as well. Transformation is a multifaceted element in this collection.










 


 






Betreuer*innen : PROF. JOZEF LEGRAND, (EHEMALIG) GAST PROF. DEEPTI BARTH,  , PROF. DR. INGEBORG HARMS










Credits:


Photographer: yizi


Model: Cleo Miao


Butterfly image: Aylin