Archiv der Kategorie: 2020

15 February – Guest 20: Besau-Marguerre

KAIROS 20 – OBJECT 20

Object: Licht / Leuchte

Entscheidende und wegweisende Momente gibt es viele im Leben und in der Karriere.
Unser erstes gemeinsames Projekt war ein Wettbewerb für die Gestaltung und Realisierung eines Messestandes. Das Thema hieß „Simple Light“ und es sollten Leuchtenprojekte der Studierenden auf der Tendence 2007 präsentiert werden. Das Projekt war die Feuertaufe für unsere Zusammenarbeit und wurde das Fundament für unser Studio.

 

 

 

 

ON Besau-Marguerre

Studio Besau-Marguerre ist ein Interdisziplinäres Designstudio im Herzen von Hamburg, das mit einem ganzheitlichen Gestaltungsansatz übergreifend in den Bereichen Produktionsdesign, Visuelle Kommunikation, Styling und Innenarchitektur tätig ist.
2011 von Eva Marguerre und Marcel Besaß gegründet, umfaßt ihr Team heute Innenarchitekten, Textildesign, Grafikdesigner und Produktdesign, mit denen Spannende Messe-Konzepte bis hin zu umfangreicheren Projekten wie die Möblierung der Hamburger Elbphilharmonie umgesetzt werden. Mit einem feinen Gespür für ausgefallene Farben, Experimentelle Formen un ungewöhnliche Materialien und viel Liebe zum Detail, entwirft Studio Besaß-Marguerre individuelle Konzepte, die Dank der vielseitigen Expertise des Teams eine Ganzheitliche Markenberatung und ineinandergreifende Konzeptumsetzung aus einer Hand Ermöglichen. Ausgangspunkt der Gestalterischen Arbeit eines jeden Projektes ist stets das Produkt Selbst, für dessen Entwurf das Interieur von Beginn an mitgedacht sowie dessen übergeordnete Wahrnehmung zur Zielsetzung wird. Die Fertigung von Prototypen in Handarbeit gehört dabei ebenso dazu wie die Nutzung digitaler Designtools

www.besau-marguerre.de
#studiobesaumarguerre

KAIROS 20 – A Talk with Besau-Margueare – 20 Participants

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Zusammenfassung 

Besau-Margueare // Kairos 20

Studio Besau-Marguerre was founded in 2011 by Eva Marguerre and Marcel Besau. It is multi interdisciplinary design studio based in Hamburg. They works across the fields of product design, visual communication, styling and interior design.

The city of Hamburg has lots of jobs in magazine when they started the studio. Although they studied in Karlsruhe but they want to start where they can meet new people by their works. Hamburg was the choice of work.

Eva and Marcel formed their studio already from their 3rd semester. And after school, the first project was to design and realize 170m2 fair hall in Frankfurt. It was a very difficult task right after the school with such a big project, but they managed solely alone. The motivation to work in different fields is that they work independently with all interesting subjects from their school in Karlsruhe. They liked photography, graphic and product, then all discipline works together in interior, exhibition, styling and so on.

Their Kairos object is a lamp or the light. A lamp or the light is always consid- ered as the most important theme for their projects. Light is used not only a decorative purpose, but also a materiality of the projects. It is a difficult subject to work on a simple and a good light.

The size of the studio depends on the project, the team can be bigger or small- er, but they have always a small team of 5-6 people. And for the first time they made the team even smaller because of corona crisis.

By corona crises, the scene has been dramatically changed. They worked a lot for the fairs but this moment they are also in progress of finding other solution as an alternative answers. Because the whole industry of furniture has been changed. Trading structures is changed, and presentation is changed. But they want to keep focusing on their strength in production working in Germany and Europe. They don’t want to compromise the cheaper production from Asia.

The experience working with Thonet was surprisingly interesting that the com- pany was very open for the new ideas. They are bit disappointed the company is still male dominated working environment but for their job, it is about having coffee together and getting to know about the brands and products. Because their mission is to transport its brand and identity to the world.

Color is their intuitive decision for their work. Grey is not for fun. Colors are of- ten mentioned with trend, but they are aware of it but it can not be the reason to select colors for their choices. Because the trend is like a ping-pong. People only feel the new colors of the time. It goes only 3-4 years. But their statement is one. It always depends on project by project. Color is for them is a connec- tion to the project and harmony at the end.

At last, their advice to the students is to tryout no matter what. School is like of a laboratory to try everything out your ideas, goals supported by teachers.

Sanghyeok Lee

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8 February – Guest 19: Rafael Horzon

KAIROS 19 – OBJECT 19

Als Kairos könnte man wohl den 8. Juli 1999 bezeichnen. Das war der Tag, an dem ich in der Torstrasse 68 in Berlin-Mitte meine erste MOEBEL HORZON Filiale eröffnete.

Günstig war der Ort (Torstrasse, damals noch sehr günstig), der Zeitpunkt (siehe vorherige Klammer), die Jahreszeit (Sommer) und die Uhrzeit (abends). Schnell entstand die grösste Eröffnungsgala, die Berlin je gesehen hatte. Noch wichtiger war aber, dass ich an diesem Tag meinen ersten selbstdesignten Gegenstand präsentierte, das Universalregal „Modern“. Und am allerwichtigsten war, dass an diesem Abend 20 dieser Regale bestellt wurden. Der Anfang meiner erfolgreichen Laufbahn als Designer und Unternehmer!

objekt: ein Bild von dir vor ein regal / an image of you in front of a shelf

 

ON Rafael Horzon

Rafael Horzon studierte Philosophie, Latein und Atomphysik in Paris, München und Berlin, bevor er 1996 als Fahrer in den Paket-Dienst der Deutschen Post wechselte.

Seit 1997 Gründung zahlreicher Unternehmen, darunter das Möbelhaus Moebel Horzon, Horzon’s Spülen Sparadies und Horzons Wanddekorationsobjekte.

2010 veröffentlichte Horzon seinen autobiografischen Bestseller „Das Weisse Buch“, der in zahlreiche Sprachen übersetzt wurde.

2018 wurde Horzons Gesamtwerk als Designer vom Vitra Design Museum angekauft, er gilt seitdem als „wohl wichtigster lebender Designer“ (Designmagazin DEAR).

Im September 2018 eröffnete Horzon in Berlin das Deutsche Zentrum für Dokumentarfotografie, 2019 den Fachmarkt „ Horzons Dämm & Deko“. Im Oktober 2020 erschien „Das Neue Buch“ von Rafael Horzon im Suhrkamp Verlag.

www.horzon.de

KAIROS 19 – A Talk with RAFAEL HORZON – 33 Participants

 

 

Zusammenfassung 

Rafael Hormon // Kairos 19

Rafeal Horzon was introduced on our KAIROS page as „probably one of the most important living designers“. Very propably, some students felt that they had not seen him among the classic design icons until now. This is already the first mischievous twist of many that we have heard in the course of our conversation with Rafael about his person. Since he only created 4 designs in his career, and 2 were taken over by the vitra design museum, he can, by usual rules, call himself as probably one of the most important living designers.
His way of communicating and working was the first point of discussion in our talk. Axel describes his tireless source of humour as a trick to be able to constantly reinvent something using the leverage of humour to take existing things in the world, turn them upside down and make something new out of them.

Rafael cites his ‘Wanddekorationsobjekte’ (engl.: wall decoration objects) made of coloured plexiglass strips, as also used by Anselm Reile in a work of art. If you call these strip paintings wall decoration objects rather than works of art, they become something completely different. So perhaps it simply depends on how you talk about things.
A similar thing happened with his gallery Berlin Tokyo in 1996, where he tested the system of art and whether it would really be so easy to hang simple objects, such as a Japanese packet of crisps, on the wall and declare it to be art and then have it be perceived as such. He exposed the system of art by undermining it. Axel concludes that this twisting is a typical means of humour and leads to awareness. Axel therefore finds that his approach is not a joke, but political design. Existing values that we deal with are made to tilt and Horzon keeps this tilt in a fragile balance that is very interesting in Axel’s eyes.

With his first product, a shelving system, and his company Möbel Horzon, Rafael is pursuing an age-old principle in Axel’s eyes: urban local production, a system of industrially produced semi-finished products that are brought to the point of sale without middlemen and personal contact to the clients.Doing this, he feeds a certain culture, then invests in a new idea, and a never-ending well of a bread-and-butter principle emerges.
Rafale says it was all completely unplanned, that he still has no idea of the processes that product designers go through, and that he thinks a system like middlemen should be overturned anyway. As designers, we have to think more simply – He needed a shelf himself, bought MDF boards at Obi and screwed them together. He then placed this shelf as the only object in a completely empty shop on Torstraße and had ‚the biggest and most beautiful opening gala Berlin had seen up to then‘.

It was interesting to listen to the self-evidence, almost audacity, with which Horzon detaches himself from existing systems in his projects, simplifies them, often makes fun of them and thus also points out absurdities in the systems with clarity. Many things simply don’t make sense the way they are handled and he does it differently.
For example, with his company Redesign Deutschland, founded in 2001, he has redesigned language and time calculation – a grammar consisting of 10 rules and time calculation in a decimal system (1000 days, 100 hours, 100 minutes, etc.).

If Horzon has to describe a strategy for becoming a successful designer: You shouldn’t have a strategy. You should try to have as much fun as possible and just go for it, try things out and don’t wait for a brief or an assignment. Have ideas, hold on to them and then, and this is the most important point, implement them! For him it was always important to have a place to try things out and see if it works without getting into debt. ‚Very important!‘
On this point he had good news for us: many shops in Berlin are empty due to the Corona situation and are cheaper again. There, something can move and they show a possibility to do interesting things without investing a lot of money. In his eyes, a shop has a completely different effect than a website. Besides, you can’t lose much and you can only take away good conversations, great opening galas and interesting experiences.

This brought us to the topic of design fairs, which Horzon has never been to – he doesn’t see the point. Nevertheless, he has direct ideas about the future of the fairs. If he were us, he would get together with others and simply set up a fair in Berlin himself, create a platform. It couldn’t be that difficult, others have done it too. In his opinion, we have to think in a deglobalised way today. You could really tell how clearly and simply he approaches things and how naturally he would implement them.

The talk with Rafael Horzon brings mixed feelings. With his work, he naturally criticises part of design and art, but he also reminds us as designers not to think in an unnecessarily complicated way and actually to do things.
Horzon sums it up very simply: if you have written a novel and you leave it in the drawer, it doesn’t exist. You have to go out with it. Otherwise, what you have created doesn’t exist either.

With a final word to us, he comes back to the shops: every crisis is also a time of change!

Kim Kuhl

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1 February – Guest 18: Mateo Kries – Vitra Museum

KAIROS 18 – OBJECT 18

object to bring: teapot/coffeepot

 

 

 

ON Mateo Kries

Dr. Mateo Kries (*1974) ist seit 2011 Direktor des Vitra Design Museums. Er studierte Kunstgeschichte und Soziologie an der Humboldt-Universität zu Berlin und begann seine Museumskarriere 1994/95 mit einem Volontariat im Museum für Berberkultur in Marrakech.
1995 kam er zum Vitra Design Museum, wo er bis 2000 als Kurator tätig war. Dann übernahm er die Leitung der Berliner Niederlassung des Vitra Design Museums und war ab 2006 als Chefkurator des Museums tätig. Während dieser Zeit verantwortete er zahlreiche Ausstellungen und war Mitbegründer des Berliner DESIGNMAI-Festivals.
Mateo Kries ist der Autor verschiedener Bücher und Artikel über Architektur- und Designgrößen wie Le Corbusier, Joe Colombo oder Konstantin Grcic, aber auch über Themen wie Design und Surrealismus oder Entwicklungen im nicht-westlichen Design. Er publiziert Artikel über Design und Architektur u.a. in Die Welt und domus und ist regelmäßig Mitglied in Jurys und Berufungskommissionen.
Im Jahr 2010 erschien sein Buch »Total Design – Die Inflation moderner Gestaltung«, in dem er aktuelle Wahrnehmungen von Design kritisch in den Blick nimmt. Mateo Kries ist Mitherausgeber des »Atlas des Möbeldesigns« (2019), derumfassendsten Publikation, die je zu diesem Thema publiziert wurde.

www.design-museum.de
#mateokries

 

KAIROS 18 – A Talk with Mateo Kries – 31 Participants

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Zusammenfassung 

Mateo Kries // Kairos 18

Mateo Kries is the director of  the Vitra Design Museum. This evening he focused on the perspective of an institution about the current situation and personal stories of himself.

Mateo Kries started his museum career in Marrakech, Morocco. He helped to build the collections, he guided the tour and he absorbed Islam culture there. His experience at that time helped him a lot in his future. Then he moved his position to Vitra Design Museum at the age of 21. Vitra Design Museum at that time, is well known by its collection of chairs as furniture. But Vitra Design Mu- seum is mainly focus on collecting objects. Things that people conscious about. His job as a chief curator of the museum, he digitalized the collection and contributed to design world with various subjects such as political, critical and social aspects on design.

He stated once that there would be no revolution in furniture and living room. He asked many time about the changes after the pandemic how the furniture or living condition will change. But what changes in digital action and instruments, not the furniture and living condition itself. It doesn’t matter how critical the ob- ject is, or how political it is. As a museum, the mission is to find the real innova- tion of our time.

Vitra Design Museum is preparing a show focused on political separation of 2 German design from west and east. It is about finding identities from 2 different countries which had been developed own objects, industries, and political di- mensions. But the message is that despite the political separation, the design itself is always the same.

He was a co-founder of DESIGNMAI in Berlin, which was later known as DMY. When he set up the festival, the city had possibilities and it worked well in the beginning. But city couldn’t afford the design festival financially. As a contrast, the Netherlands has great system to show new, young designs. That’s the rea- son that the festival can continue. Berlin is different. For initiators, or startups, Berlin is great city to start, but it’s very hard to survive. The bureaucratic muse- um structure is stronger than other cities where the festivals are, such as Lon- don, Milan or Paris.

The separation of design and art is considered as problematic in Germany. For example, French fashion is considered equal as french art. German design is very much based on industry. It is an economical approach to bring such ques- tions like, what design can contribute to the economy? It is quite wrong to face design of today. It is better to approach design as a culture like other countries in Europe where the design or at least the festivals are successful. The under-

standing of design is coming from his time in Morocco. He appreciate different cultures where the design is born. One country’s design interests him because of the culture does. Design is not the machine, but the idea transported from the culture.

His choice of a KARIOS object is a Moroccan teapot. The pouring of the tea is for the smell and taste better. Making the cup not too full is critical. The handle of the teapot is a decorative ornament, the form and material of the teapot are much related to culture. His experience in different culture influenced him to have his own perspective on design differently and that is the motive of as a di- rector of the most well-known design museum of the world.

Sanghyeok Lee

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25 January – Guest 17: Friedrich von Borries

KAIROS 17 – OBJECT 17

das objekt: eine Teetasse
the object: a teacup

Ich glaube, dass man die Dinge nicht zwingen kann. Man muss abwarten. Deshalb trinke ich gerne Tee. Zum Teetrinken braucht man eine Teetasse. Man kann Tee auch aus einem Glas oder einer Kaffeetasse trinken, aber ich bevorzuge eine Teetasse. Mein Objekt ist deshalb eine Teetasse. Ich hatte auch das Glück, einmal ein Teeservice (um-)gestalten zu dürfen. Praktischerweise ist also die Teetasse eine, die von mir (mit-)gestaltet ist. In diesem Teeservice kommen zwei sehr verschiedene Designtraditionen zusammen: Die minimalistische Eleganz der klassischen Moderne, hier vertreten durch Trude Petri, und Enzo Mari, den man so schwer einordnen kann, außer, dass er alles radikal anders macht. In seinem Teeservice hat er alles umgedreht und das ist schon sehr lustig. Außerdem hat das Teeservice einen dysfunktionalen Goldrand und ein hysterisches Dekor. Das habe ich zu verantworten.

 

ON Friedrich von Borries

Ich heiße Friedrich von Borries, habe Architektur studiert und bin jetzt Professor für Designtheorie an der HFBK Hamburg. Ich beschäftige mich mit dem Verhältnis von Gestaltung und Gesellschaft, weil ich immer noch hoffe, dass man eine »bessere Welt« entwerfen kann. Ich lebe in Berlin und manchmal Havelberg. Die meiste Zeit denke ich, manchmal schreibe ich und manchmal rede ich. Sehr viel mehr gibt es, glaube ich, erstmal nicht zu sagen.

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Friedrich von Borries is Architect and Professor für Designtheorie at Hochschule für bildende Künste in Hamburg and as such he wrote numerous texts on design and design politics.
His project School of no consequences – exercises for a new life is on show till 9. May in Museum für Kunst und Gewerbe in Hamburg. As part of an educational programme he introduced the Scholarship for Doing Nothing.

www.friedrichvonborries.de

KAIROS 17 – A Talk with Friedrich von Borries – 41 Participants

 

 

 

 

Zusammenfassung 

Friedrich von Borries // Kairos 17

A very inspiring talk with Friedrich von Borries, who discusses the concept of design, the role of the designer and the function of design with us.

Friedrich von Borries explains Kairos moments as coincidences in life and moments in which topics, you already deal with, appear condensed– You suddenly see something where everything you are dealing with comes together.
This is also how he arrived at the topic of his promotional work, which he describes as his first Kairos. Having walked around the city, he spotted by Nike branded sports fields in Berlin which lead him to the topic of marketing strategies in urban space and covered design, architecture and urban planning at the same time.
He sees another Kairos in Axel, who offered him, as an architect, a teaching position in design at Udk. Axel was the one explaining him that he was clearly doing design theory. Today, Friedrich works as a design theorist.

The object he asked us to bring is a teacup, which also reflects for him what his work is about.
It is in ‚Abwarten und Teetrinken‘ (engl.: wait and see) that his ideas emerge. For him, this moment of eating and seeing also implies a deep trust that things will come as they should. In his RLF project, the teacup also played an important role and he was once allowed to design the surface of a teacup in a project with KPM. For him, like his work, this object covers a theoretical part, a design part and an artistic part and different disciplinary approaches come together.

Axel made then several references to ‚Abwarten und Tee trinken‘ (engl.: wait and see): Firstly a possible ‘Folgenlosigkeit’ (engl.: non-consequence)– with which he addresses Friedrich von Borries‘ ‘Schule der Folgenlosigkeit’ (engl.: School of no consequences) and the scholarship he awarded for doing nothing– and secondly he addresses ‘das Entwerfen’ (engl.: designing) and the implied speed inherent in ‚werfen‘.
Friedrichs way of responding to this gave us a hint of his way of thinking and analyzing.
For Friedrich, designing is not necessarily to be understood as fast. Linguistically, the ‚Ent‘ in ‚Entwerfen‘ even describes something withdrawing, a movement that does not just go straight ahead and fast, as ‚werfen‘ would describe it. This also brings him to ‚verwerfen‘ (egal.: discarding), which is an exercise that he believes we all need to cultivate and learn, especially at university.
That, in turn, has to do with what he discusses under ‚Folgenlosigkeit‘. Doing nothing, refraining from doing something, and also that it can be nice to refrain from doing things. Why just doing nothing is so difficult for many people, for Friedrich, refers to the fact that it is not part of our culture of thinking. We would mostly think in terms of success making it difficult to think the opposite.

In the ‚Schule der Folgenlosigkeit‘, he often encounters contradictions striving for being with no consequences, but at the same time initiating steps that lead to success and thus not remain with no consequences. That’s why, in his eyes, it’s conceptually coherent that the exhibition in Hamburg on this project remains, due to corona, closed. Even if it never opened, it would be coherent.
The current time for the exhibition also fits: it makes us think about our consequences in a different way: every meeting has consequences at the moment, we are in a kind of marathon of consequences that we have never known before. For Friedrich, in this respect, the project fits in very well with the times.
Friedrich mentioned a quite expressive quote of climate activist Tadzio Müller which also became his personal leitmotif for the project: We have to make very consequential decisions now in order to be able to live a non-consequence life someday. This contradiction is very central and important for our time, he said.

When Ineke asked what decisions these could be in his eyes, Borries replied that he was not a missionary type and did not want to give instructions, not even in his books. He always tries to stimulate, to get discussions going and to provoke reactions. He recognises himself in the role of a provocateur. But he also sees himself in the role of a moderator in projects, which, as the opposite of the provocateur, is usually not visible and therefore not so quickly associated with him.

Friedrich prefers to see his work as a broad concept of design: He can combine different disciplines in a meaningful way. what brings us back to the moderator. He shows us a very central function of design: linking and creating synergies. He also avoids giving himself a disciplinary term like ‚architect‘ or author and prefers to describe himself as ’sub-disciplinary‘ or as a process designer knowing what he is good at: developing concepts, writing texts, linking contacts.
It was very nice to observe how clear Friedrich defines himself and his work without assigning to a specific discipline.

On the subject of Kairos, Friedrich concludes: you can only seize opportunities if you always remain open to the fact that everything could always turn out differently. That is a very important basic attitude, without which such moments,like Kairos moments, cannot reveal themselves.

Kim Kuhl

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18 January – Guest 16: Marije Vogelzang

KAIROS 16 – OBJECT 16

object: a pen

Kairos moments. I’ve had many of them. Small ones, larger ones. The moment you listen less to what you think you should do or what you think other people expect of you the more Kairos comes to visit. I used to be a lousy Design Academy student. I was very young and trained in secondary school to do what I was being told. Not to explore by myself. After I was almost kicked out of the academy I decided to try one more time and now only do what I wanted to do. This is when I found food.

ON Marije Vogelzang

Food, at that time was absolutely not accepted as a subject for design. This made me doubt my choice but I saw the effect my creation had on people eating the food I made and I remembered the joy I felt when creating a food experience. I decided that my personal fascination was my guide and I only focused to the pleasure and excitement that came from people who experienced my work. I decided to ignore all the negative voices and also my own critical inner voice who told me that I would never be a real designer. Because real designers make lasting objects.
I found out that my gut is my best guide and I still use this as inner compass. After more than 20 years I am at the base of a global movement of food and design and do not only teach food and design but also strategies that help creatives meet kairos on demand.

Founder of Studio Marije Vogelzang

Founder of The Dutch Institute of Food & Design
www.thedifd.com

Head of Food Non Food Department Design Academy Eindhoven
www.designacademy.nl

KAIROS 16 – A Talk with Marije Vogelzang – 29 Participants

 

 

 

 

Zusammenfassung 

Marije Vogelsang // Kairos 16

Marije’s KAIROS object is a pen. The moment of holding a pen to write about your dream or ideas, that is her pivotal moment. As a designer makes intangible thoughts tangible to change the world. Your powerful potential of design, even the life starts from your pen. She made lots of moments of her life, dream, solving problems on paper, started with a pen. So it’s not only about designing an object but also consciously drawing dreams, that is her KAIROS moment and it’s a design of your life.

When Marije Vogelzang graduated from school, she was worried and confused about choosing one subject to focus on, which is food. But though she chose one subject, everything was connected each other. She could open up the whole new world and could find endless exploration. She was interested in ritu- als of eating, cultural, social, emotional part of food. That was her first trigger of starting her own universe.

Marije discovered so much after her studies in 1999. She brought up the concept of slow food. She focused on designing something part of the body. She could collaborate with many specialists in agriculture and scientists. She opened her first restaurant in 2004 to introduce her concept, but people didn’t understand it at that time. But she learned so much with her sensory approach to food, micro food, bacteria and so on. Her subjects on food are always changing.

It is important to have creativity in food cycle. It is a crucial aspect to know where the food grows, how it is consumed, where do shits and pees go. We need to design a desire. We are facing endless demand of toilets, practical design for artificial fertilizer. We don’t need to go back to primitive life, we have to use, benefit by high technology development. We merge our desire and tech together for a large scale systems like a bio-dynamic farming. It’s not only about the technical part, but also a coherence of vision and thinking.

Synthetic biology is intriguing by the topic, but we have to design ethical standards ahead. It can be designed.

Food industry and development with technology are growing so fast. Farming is not only the word for countrysides. Cities provides efficient in energy, collecting shits and pees, it uses smartly already.
She sees the problem is that people who grow up in the cities don’t have chance to touch the real soil or sand. It is so important to get our hands on dirts. Microbiome is very important for our body.

Another interesting topic on food is food waste. The real problem is not the numbers of waste in general. It is not the food or system. The real problem is

human desire. We can value our food more expensive so that consumers approach more ethically and appreciate it more. It is a strange paradox in the land of plenty which our ancestors dreamed of. It is fascinating paradox.

For designers, it is important to take part in social aspects, aspect of desire, advertising and to frame something different, different perspective. For exam- ple, we don’t need to worry about the tab water, we have to think about the taste of tap water. Food design is about food but not about food, food is in be- tween.

Big chain supermarkets or big brands are not really interested in changes of ethical approaches. They want conventional changes for their customers. She can’t find any inspiration working with those companies.

In Corona crisis, it is very hard to design sensorial experience. But senses are always with us. There are always new ideas of senses. For example, we can design sample boxes from farms and supermarkets or we can design a restaurant for outdoor eating experience. There are still lots of spaces to design.

Sanghyeok Lee

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11 January – Guest 15: Werner Aisslinger

KAIROS 15 – OBJECT 15

object to bring: … create or post a grafic behind you …preferable large & colourful

Theme to discuss: IMPACT
… how can relevance be generated
… by designers?
… what is relevant today in terms of civilization?
… what would be the equivalent of the ‚Whole Earth Catalog‘ in 2021 …?
… can there be a meaningful ‚counterculture‘ …?

 

ON Werner Aisslinger

Werner Aisslinger graduated from UdK product design and has set up a very successful office for product and interior design in Berlin.

His works cover the spectrum of experimental, artistic approaches, including product design and architecture.
He delights in making use of the latest technologies and has helped introduce new materials and techniques to the world of design. His visionary products and spaces explore civilisation related and futuristic topics. Werner Aisslinger’s ‚loftcube’–project became one of the most discussed modular and transportable housing projects within the last years, his ‚hemp chair‘ from 2012 developed with BASF and Moroso was the worldwide first biocomposite Monobloc chair. His work is exhibited in the permanent collections of international museums such as the Museum of Modern Art (MoMA) and the Metropolitan Museum in New York, the French Fonds National d’Art Contemporain in Paris, the Victora & Albert Museum London or the Museum Neue Sammlung, The Design Museum in Munich, and the Vitra Design Museum in Weil, Germany.

In 2013 Werner Aisslinger opened his first solo-show called ‚Home of the Future‘ in Berlin’s Museum ‚Haus am Waldsee‘. In 2014 he was awarded the prestigious AW Designer of the Year Award in Cologne. In 2017 he opened his exhibition ‚House of wonders‘ in the Museum Pinakothek der Moderne in Munich. Among studio aisslingers interior architecture projects his hotels for the 25hours Hotel group and shopping malls for the Central Group in Bangkok are known for an innovative storytelling concept. He works for brands like Vitra, Moroso, Cappellini, Dedon, Accor, Magis, Hansgrohe Axor, Kaldewei, Foscarini & Waestberg. Werner Aisslinger lives and works in Berlin with a second studio in Singapore.

www.aisslinger.de

 

KAIROS 15 – A Talk with Werner Aisslinger – 33 Participants

 

 

 

 

Zusammenfassung 

Werner Aisslinger // Kairos 15

The talk with Werner Aisslinger represented the concept of our casual talk series KAIROS pretty good: Since Axel Kufus and Werner Aisslinger have known each other for over 30 years and Axel, Werner and Ineke come more or less from the same generation of design, the conversation between them was quite personal.

Together they were able to present a different generation of design to us students, compared it to our current world of design and discussed themes like the designer’s role and relevance today, the systems and structures in which we operate and how they have changed over time.

The given introduction about Werner Aisslinger ended and thus our talk started with his quote: ‘Das Leben ist eine Collage.’ (engl.: Life is a collage.)
Werner talks about his impression that we live in a world where patchwork is commonplace- be it patchwork families or even representational worlds, where different spaces and objects come together. We don’t talk about styles so much anymore in our time, neither in art, nor in design or architecture. Styles intermingle, like a patchwork, and new symbioses are created. The designer is now more of a curator or a DJ who has mastered the art of developing a collage from these styles and making sure that everything comes together well.

Coincidentally fitting the theme ‘collage’, his ‚object‘, which we were to bring with us, was a colourful flat background – digital or analogue.

An important moment in his life was certainly meeting Axel, so Werner Aisslinger. Through him he met Andreas Brandolini, and through him Jasper Morrison, and through him James Irvine, and then he got a job in Milan. ‘There are those ‚lucky punches‘ in life that get you ahead’. But performance is always important, without that nothing will happen, of course.

For Ineke, also his work has always been ‚collage‘ – from hardcore industrial design to experimental projects like his hemp chair. She asked if he was also sometimes insecure when people assumed that he did not know where he wanted to go. Werner Aisslinger said he did not care as much how it is seen from the outside, there are always projects with less and more response. He made it clear that as designers, we are never completely free, especially after university. We have to work in a construct and there is always a ping-pong player. He gave us an enlightening insight into his company work and dichotomies in which one moves : 30 people working on 30 interior projects + 15 design projects + by side research- and conceptual projects, that sounds like a lot! Running a commercial office is a challenge for itself, but he likes to also work on experimental non profit projects of which some he thought were insane to do, with so much effort and little of his own profit. But apart of the commercial, it is also about creating things that not only fulfil the order, but also have a future, a message and a concept.

He wondered if we also discuss the economic aspects in uni – the licence-based product designer culture is becoming more and more difficult and reckless in his view.
Coming from the generation of ‘author-designers’ / independent designers, who have mainly created furniture, lighting and interiors in their name, he pointed out that the setting has changed. The job of the independent product creator has become more difficult. Even if he somehow misses the ’nerd hours‘ in the basement in university with hours of model building, he is glad that he is now working with several parties in a network. And there again, a collage is created by you being one of the players in a larger project and by finding a compromise of a way somewhere.
Ineke gave us another collage picture: design is like making a sudoku: there are many numbers that have to be fitted into a collage, and these numbers can be haptics, emotions, functionalities, costs, customers, love, impossible aspects…

Today, with digitalisation moving forward, spaces must for example also function via social media, this is a new part of the briefing. Werner Aisslinger wonders whether we see ourselves more in the digital world or whether there is also a counter culture: the longing for real spaces. He thinks analogue spaces are definitely more important than digital ones, civilisation-wise. He also appeals to clients that right now they have to create a real social experience. We can create spaces that bring people together and make them happy – through spaces, objects, surfaces, materials and haptics. In his eyes, this can touch people more than digital surfaces.
Is there a revival of the suppressed analogue? This is a popular discussion point for him.

To the question of how we as designers can generate relevance, Aisslinger answers: with experimental projects that make a statement!
He encouraged us not to wait until we are hired as a designer but to turn an idea into a business, noting that besides skill and creativity, there is also the willingness to take risks and entrepreneurship to get somewhere. But in his view, however, we live in golden times to start a company having the opportunity to find investors by putting our concept on various platforms to test our idea.

At the last question, whether they would do anything differently if they could turn back time, Werner Aisslinger again addressed the generation difference. He, for his time, would not do anything differently and is very happy with his way of work life. But he emphasises that this wouldn’t work as a template for our generation as so many things have changed. ‘The time of author design is over!’.
Ineke also thinks every generation has to do things differently- now, we have to show action, show responsibility, take risks, know what we want to do in design, and show role models.
And Axel said that ‚we are in a transformation process, […] creating good solutions between prosperity and circularity is an insane task for design!‘. Functionalities, emotionalities and world compatibilities now come together and require so much smarter action, which we must be prepared to take.

Werner left us with the ‘Whole Earth Catalog‘, a wild collection of future scenarios, and the thought, that in every generation there is a tomorrow that we help to shape.
He thinks that the exciting thing about our profession is how we can be part of the development of civilisation and how we can help shaping the future. Because designers produce the tomorrow, the visionary.

Kim Kuhl

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30 November – Guest 13: Fiona Raby – Dunne & Raby

KAIROS 13 – OBJECT 13

bring: An object that allows you to see/experience something invisible
(invisible in its most broadest terms)

Realists of a Larger Reality; (Ursula Le Guin)
Perhaps the only futures worth considering now are unlikely ones? Maybe we need more of them? Design’s current methodologies prepare us for the probable, and as we have seen, this may not be enough.  Perhaps we need to be more comfortable with the unlikely, improbable and barely imaginable.

The impossible can become the new possible —  just because something is impossible does not mean it is not possible. Perhaps less linear design processes can allow for wider influences and reference points providing a richer pool of cultural nutrients — perhaps then more humane realities can begin to emerge…,

 

 

ON Fiona Raby

Fiona is University Professor of Design and Social Inquiry and Co-director of the Designed Realities Studio at The New School in New York. She is also a partner in the design studio Dunne & Raby (1994-).

She was Professor of Industrial Design (id2) at the University of Applied Arts in Vienna between 2011-2016 and was Reader in Design Interactions at the RCA between 2005-2015. Her projects with Anthony include Technological Dream Series, No 1: Robots (2007), Designs For An Over Populated Planet: Foragers (2010), The United Micro Kingdoms (2013), The School of Constructed Realities (2015), and An Archive of Impossible Objects (2019 -).  She was a founding member of the CRD Research Studio at the Royal College of Art where she worked as a Senior Research Fellow leading externally funded research projects. She taught in the Architecture department for over 13 years; ADS04 is the longest running unit, now 19 years old.

www.dunneandraby.co.uk
www.designedrealities.org

KAIROS 13 – A Talk an invisible object – 51 Participants

sneak preview of
coming up:
C & D

Zusammenfassung 

Fiona Raby (Dunne & Raby) // Kairos 13

What and interesting talk with Fiona Raby, full of input!
Fiona Raby and Anthony Dunne from Dunne & Raby are propably the “godfathers of speculative design” provocing different ways of thinking about the relativity of our reality and future.
Working 30 years together with Anthony Dunne, Fiona pointed out that it’s hard to speak for herself why she will talk for Anthony and her both.

Their Kairos has been more like a longer lasting ‘moment’. It was their 3 years stay in Tokyo, Japan, when they left college in 1988. The there so different world and attitude towards technology ‘shifted [their] world in a big way’ and has had not only a profound effect on their then following work but even on what they do now.
Coming from a world, the UK, where technology is seen as something controlling, they experienced technology in Tokyo as something delightful and with pleasure. This, they wanted to turn into something of their ownwhen they went back to the UK and thought about it within their familiar context.

From then on they were falling between disciplines, says Fiona. Not really industrial design, nor architecture, nor graphics. They started a computer related design course in 1991. Even that they were interested in technologies then, they felt like misfits and as if they wouldn’t quite fit in. ‘It was a funny course’, she said having done it with a real mixture of people from different departments who were all, kind of working in the technological space.

The object this week was quite interesting for us participants to bring with: An object that allows you to see/experience something invisible! That’s why there were a huge range of different objects in our webex gathering, which all understood visible and invisible in different ways – book, heart, thermometer, sleeping mask, glasses, …
Unfortunately, Fiona hadn’t got her object with her in New York because it is located in London. But she sent us a link to her radioscanner, she bought it at a shop after coming back from Japan. She said it was fascinating to have had the possibility to tune into a really different world of all kind of signals in the air.
Through this, they wanted to think about smart objects and it also led to an early book and project, the ‘placebo project’.

Fiona told that after having worked as research fellows, she and Tony started teaching and working with a range of digital companies, they are still falling between the gaps today, in this in between space. ‘We sit in this funny world between institutions, academia and practice, this space in between all of these things.’. They see their work as a research in design, to push boundaries of what design could be and how technology fits into this.

Their famous book ‘Speculative Design’ marks the 10 years they spent at Design Interactions the mastercourse they ran at the RCA trying to understand biotechnology.
‘But you can’t make these biological things!’, said Fiona. So the book is about how can we make things that don’t exist? how can we show that they exist? And how to speculate on if this technology is getting developped? What would the everyday life would be like with this lense of technology?

Then Fiona talked about the power of models and prototypes. Perhaps their background as architects has fed this too, but in design you usually work on 1:1 prototypes. An interesting point, Fiona pointed out, is that a 1:1 scale automatically assumes that it is real and that it exists in a real world. But sometimes you make an object that has no connection with the real world but it is used to talk about that world that it is supposed to be in. For this, they love using models.

In doing so, Fiona mentions that they ask themselves what is the value of the conceptual way of thinking? It is about using design to ask questions and create discussions?! As soon as an object exists in a 3 dimensional space, it becomes a very powerful tool to talk about things that don’t exist yet. But there is also a lot of research behind this! ‘If you don’t have that research and don’t know your facts, it’s very difficult to make a powerful piece of design that challenges!’

During the discussion, Axel and Fiona also adressed the multiple realites which we experience today, especially in the crisis. Fiona asked herself how to work with this kind of space. She thinks it is kind of fascinating and what design does – working with multiple viewpoints. Axel wondered if it would be good to create an inflation by creating more and more narratives, so people have more possibilities following things. Fiona responded that there already is ‘more and more’, but they are all in the same kind of space why it is important to step outside the unknown world and do something completely different.

This led over to the topic of their new book: How to explore the unknown? It is half way writing and still needs time until being published, but it builds on the work they already did.
In the context of the book, they are interested in what is impossible and why is it impossible? They also analyse belief systems from the past and present. Now, there is not anymore the certainty about technology that saves us, we are living in a world of contradiction.
‘It is a lovely balance between the rational and the irrational.’ Finding the balance through lightness, sensitivity and by using the synthesis in a world of multiple realities can be seen as a classic design task. Fiona emphazises that ‘This is a real struggle […] but who said design is easy?’

In the last part of the discussion we talked about the role of speculative design in a context of a world and society that feel real problems.
Fiona said that design is not gonna save us, but it can help us when having other ingredients like other institutions. We have to keep in mind the picture of an ecology: Each little piece can help the bigger picture and design is one piece of the ecology – people use structures of design to shape the world: thinking outside, thinking broader, seeing another perspective.

And another thing Fiona has learned and what concluded the talk nicely: People want to have bigger dreams and dreams about what it could be. Speculative design pushes the dream further by pushing to edges and expanding realities.

Kim Kuhl

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23 November – Guest 12: Birgit Lohmann – designboom

KAIROS 12 – OBJECT 12

Bring: a small, heavy, formally interesting object that can be used as a paperweight (and if available ink, a pile of A4 paper and a dip pen)

 

ON Birgit lohmann

Born in Hamburg, Germany, Birgit Lohmann studied industrial design in Florence before moving to Milan, where she has lived and worked since 1987.
For 20 years she practiced as a designer and product development manager for a number of Italian architects and master designers, including Achille Castiglioni, Vico Magistretti, Enzo Mari, Bruno Munari and Renzo Piano. She has also worked as a design historian for patent office departments and international auction houses.
As a researcher and lecturer, she has conducted seminars on industrial design at a number of prestigious international universities.
She co-founded Designboom in 1999:  Art + Architecture + Design + Technology news with a global reach of 3.5 million readers monthly and > 500,000 newsletter subscribers.
‘The first online magazine worldwide.
A cultural platform that is crazy popular and has built up a cult following over 20 years’
(Forbes Magazine).

 

KAIROS 12 – A Talk with a paperweight – 22 Participants

Zusammenfassung 

Birgit Lohmann // Kairos 12

Birgit Lohamnn is the founder of Designboom, based in Milan, Italy. She studied design and was living and working with Italian architects and designers in Italy. She is the pioneer of the online design publishing platform called Designboom that started in 1999.

One of her great stories was about her relationship with Enzo Mari who recently died. She worked on a number of projects with him, such as a cooperation with KPM Berlin. Enzo Mari influenced her a lot.
Enzo Mari believed that design is not a game or play. Design is the hard work. Probably it’s the toughest works and it needs huge amount of work. So he believed that one has to be efficient on decision making. Birgit emphasized it by citing Mr. Mari’s words. To be efficient, drawings are more helpful than writing. Before finding the right sketches, one need to sketch a lot to reduce his/her stress.

Birgit’s KAIROS moment and object has to do with this. A paperweight can calm down the sketching process. A paperweight gives time to think. With a paperweight on it a pile of sketches get some piece and you can think. If you make just one sketch on one piece of paper you can throw bad sketches a way and keep good ones longer for your design research.

A design process starts with personal experience or emotions. Which is great to start with but in the end, it needs higher level of quality with some sort of scientific research. Scientific order is necessary. The paperweight can trigger to make piles and to make order, to make a break and look deep into your process.

Ineke asked about the founding reason of Designboom while Birgit was working with great Italian names.
Birgit’s dream was to become a designer, but she was frustrated by the short time to finish one project. She again emphasized on time you have to take for design projects. After school, she wanted to something else. Despite that Enzo Mari’s design office worked differently than others, for her it was the same job differently.
She was frustrated that young designers, who came up with ideas to design offices, often heard ‘no’ to their design suggestions. So, publishing their ideas was something she came up with.
Enzo was against the online platform since he was not in favour of internet in the beginning. But Enzo realised he was wrong at the end. Designboom was a success.
Birgit still doesn’t want to place critics on projects or ideas. Because the nice projects or ideas took lots of time and effort. We, as an audience, can discuss it later. Her job is to publish (young) people’s ideas.

Axel asked about the shortcut to succeed in online images by metadata.Brigit knows by now very well what type of images work well, but she does not always use that. She still follows her own criteria that the projects must meet in order to be accepted.

Today’s design world needs more marketing than when she still worked in design and she misses to touch material, transform, give birth to something. But with designboom she might work as the same as before, she publishes people’s ideas without critics.
Her advice to upcoming designers is to bring creative energy for a long-term, long-run design project. Once again, design is not an easy task. It needs lots of energy and time. In the beginning from your crazy ideas to a certain point where your projects might be widely accepted by the society, you have to experiment and evolve.

Conclusion : Her design influence by Enzo Mari was very interesting. Doing a good job is not relevant today. Doing an intelligent, smart, scientific job is relevant. No-research can delay progress. Do not stop experimenting, exploring and having experience of new things. Then your ideas will have a higher project value. That’s why we need paperweights to look what’s here on the table now. And most importantly, start Instagram and post your moods. ;-) (for today’s design perspective.)

Sanghyeok Lee

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16 November – Guest 11: Nadania Idriss – Berlin Glas

KAIROS 11 – OBJECT 11

Object to bring: a rucksack

My Kairos was the moment I decided to go ahead with opening Berlin Glas.
I had the idea to open the studio in 2009, when I met a glass artist from Australia who was complaining that there were no opportunities for artists to work with the material in or near Berlin (it’s difficult for an artist who knows how to blow glass to work in a factory – the equipment is very different). He was going to set-up the studio with me, and so we founded Berlin Glas e.V. and looked for a studio.
A year later he and his partner split and he felt compelled to move back to Melbourne, leaving with a hot-shop that I had just ordered and was being delivered within a few months! That was my watershed moment: do I go ahead with this project, despite the fact that I myself am not a glass blower or artist?
The answer was yes…. and 9 years later, with the Corona crisis, similar questions have come up.  

 

 

 

ON Nadania Idriss

Nadania Idriss is founder and managing director of Berlin Glas e.V. and Berlin Glassworks GmbH. Born in Berkeley, California, Nadania has a specialization in medieval art and architecture of the Middle East. S
he worked at the British Museum in London, moved to Paris in 1997 to work at UNESCO, before moving to Germany in 2005. The programs she leads provide artist collaborations, classes for the general public, youth and refugee projects, artist residencies, and bi-lateral exchanges with international universities, as well as teaching a joint-university class with the UdK and KH-Berlin. Nadania is currently the Vice-President of the Glass Art Society.

www.berlinartglas.com 

KAIROS 11 – A Talk with a rucksack –  34 Participants

 

Zusammenfassung 

Nadania Idriss // Kairos 11

The first KAIROS talk this semester started with the very interesting insight into Nadania Idriss’ work and her studio history of Berlin Glas e.V. – the first glass hot shop in Berlin.

For Nadania Idriss, there have been a few key moments in life where she was given the opportunity to experience a kairos – or as she called it, a ‘watershed moment’. Actually ‘the entire experience of founding the studio has been a ‘watershed moment’’, so she said. ‘It was about jumping into the deep end!’:
The key moment was in 2009, when her friend, with whom she was planning to run the first glass hot shop in Berlin, decided to move back to Australia while she already had ordered the whole equipment for the studio without a chance to cancel the order and without any knowledge about glass making.
The original plan was: he is responsible for the workshop, she is running a community program.
She decided to give it a chance and build it up on her own, everything based on her desire of working with a community. From that it grew into Berlin Glas, what it is now.

Today, she likes to share this kind of experience as she had founding the studio, starting with 0.
As she is actually more a person who likes to have a plan, she had to learn to work with her intuition and to let it go and grow. Since then, she likes to invite artists and designers to come without a plan and let it develop. Just like Prof. Axel Kufus who also did a one week residency at Berlin Glas. He told us about the special spirit of empowerment at the workshop.
She has drawn an interesting analogies to this experience of ‘jumping into the deep end’: Glass as a material and working with it is in fact unpredictable, too.
What is special about the studio is that the work in the workshops is focuses on the process, growing ideas and bringing these ideas to life. It is less about mass production than about giving designers and artists the possibility to work out their ideas to a perfect prototype and to search then, when needed, for a place where they can produce it in mass. Nadania wanted to bring to Berlin, what she experienced as normal in the US: Studio glass. When someone has an idea, she wants to be the place where you can give it a try and work it out.

The next kairos was the point when she started to work with Philipp Weber and created their lighting label Berlin Art Glas GmbH, what is, so Nadania, ‘more thought out’ and worked out for their best capacity. Philipp Weber, who used to work for Tomás Saraceno, and graduated from the UdK designed and made the award for the DMY awards with Nadania. The more he came into the studio, the more she wanted to work with him on a business level, appreciating the way he thinks.

Running, since 2015, Berlin Glas with half of it as a GmbH and half of it still as a charity, Nadania experienced her 3rd watershed moment during the corona crisis: They were confronted with the fact that they have more demand than they can actually supply. So BerlinGlas decided to expand the studio and to buy new equipment to grow further. They will be able to teach, produce works and have artists in residence at the same time in the future.
Rebuilding the studio, they want to install a system to save the heat and send it to their neighbours. Here she pointed out that the company’s focus is, even when growing, still on the community and their ideas and not on making money in short time.

Of course at this point, it was interesting to know how we as students and designers can get involved with Berlin Glas. Nadania has shown some possibilities.
For designers and artists, they have 3 types of residencies: Visiting artists for a longer stay, inviting artists like Axel Kufus for a certain period of time and working with art university students like in an erasmus scheme. For this, students should have experience with glass and work more like an intern in the team. They will learn making glass blowing molds out of plaster, thinking backwards in mold- object, making experiments in textures, translucencies, hollowness vs solid and so on.
However, you can also come with a finished mold and hire them to blow glass into the mold.

Talking about this, Nadania told more about this special part about having artists in residence: the exchange and seeing the material through that person’s eyes. Even in this thousands of years old technique there is always something new that they want to do and there is never the same thing twice! ‘We have that wow-moment all the time!’ she said. For her it is important to work with people from different backgrounds, that everything is mixed together and not to have a monoculture.

In the end we finally talked about the object we should bring: a backpack!
Nadania always appreciated her backpack. After opening the studio, she often had to run spontaneously to shops and grab things to get new ideas work and it was always put in her backpack. She feels like it is an extension of her body ;)
Nadania left us with the following advice about what she learned working 6 years at UNESCO: ‘No matter who the person is you speaking to, or who you might idealize or dream to meet- they are human like you! […] Don’t be afraid to contact them. Just gor for it!’

Kim Kühl

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GIFT REBELS Presented at udK WELCOMING EVENT 2020

At the start of each Academic year new students are welcomed at UdK. Because of Corona the year 2020/21 started a bit later on 3. November and the welcoming event was online. Among the information was also an item on UdK laden (UdK-shop) and for that Agnes Kelm spoke about the Gift Rebels project and the cooperation with UdK Laden.

 

 

 

 

 

 

9-14 November: Esmee Willemsen & Anna Koppmann selected with Plus Minus 25º at Global Grad Show Dubai

Global Grad Show is a year-round programme for university graduates and professors who are working on solutions for a better world.
The 2020 edition will be andigital interactive exhibitionof the best-in-class graduate work from around the world, addressing social, environmental and development issues.
From 9-14 November 100 innovations will illustrate the pressing problems and associated solutions proposed by graduates in the fields of science, design and technology.
Since Anna and Esmee have not even graduated yet it is an honour that they are selected.

The project Plus Minus 25ºC was developed during the Past Present project by Prof. Ineke Hans
See and read more about the Global Grad Show 2020 program, HERE
Find out more on Anna & Esmee’s project below.

Amelie Graf, Tim Bader, Wen Hsin Tu, Georgia von le Fort and Daniel Theis selected for German Design Graduates exhibition 2020

German Design Graduates is set up to offer visibility and networks to Graduates that come out of German
Design Education, via an annual museum exhibition, anaward gala and network event. In 2020 a total 159 graduates of 14 Hochschulen send in their work that is visible on the GDG platform,an online database with all graduates the so called HALL OF FAME. GDG is supported by a wide range of organisations from the professional design field: the ambassadors

For the annual exhibition at least 3 projects of all participating schools are picked by a Jury of 5 GDG ambassadors.
In 2020 the UdK exhibits are:

– Mattering by Amelie Graf (MA)
– Kaeru by Tim Bader (MA)
– Connie by Wen-Hsin Tu (MA)
– Relics by Georgia von le Fort (BA)
– Baby Got Bag by Daniel This (BA)

2020, is however a special year, that does not allow a physical exhibition, an award ceremony and network event with 600 people as in 2019. The selected works will be on show in a double-expo in 2021.

37prizes awardedby labels, press, industry, museums, designers, fairs, research organisations, etc.selected among all 159 applicants will be digitally announced on 2 November 2020 18:00 via the GDG website.
See more on the selected UdK exhibitors below, or all of the GDG 2020 exhibitors  HERE

17-25 October: Esmee Willemsen & Anna Koppmann present at Antenna, DDW Eindhoven 2020

Antenna is a platform for young, international design talents, initiated by Design Indaba & Dutch Design Week (17-25 October)
It gathers the very best designers of the next generations that will have a positive impact on the world.
A tight selection of only10international design students and graduates, originating from 5 continents, are selected to share their social solutions during Dutch Design Week Eindhoven. These innovative designers excel with idealistic values, ground breaking ideas, and cross-border visions.
Esmee Willems & Anna Koppmann are selected to present their project Plus Minus 25ºC as one of the 10 projects

The project was developed during the Past Present project by Prof. Ineke Hans
See and read more about the 2020 Antenna program, HERE and HERE
and check out Anna & Esmee’s project HERE and below.

Homedyeing & Printing Workshop

 

HOMEDYEING AND PRINTING

In diesem Technologieseminar lag der Schwerpunkt darauf, das Studierende selbst aktiv experimentelle Textiltechniken recherchieren und entwickeln, erforschen und damit arbeiten. Hohe Eigeninitiative und Improvisation der teilnehmenden Studierenden war gefordert, da außerhalb der UdK Werkstätten gearbeitet werden musste. Der Kontakt zu der Lehrenden und den anderen TeilnehmerInnen fand wöchentlich per Videokonferenz statt, die Techniken wurden live präsentiert und es wurde parallel dazu zu Hause damit experimentiert.

Die Ergebnisse & Tutorials sind hier zu sehen – Homedyeing & Printing
Studierende: Clara Bageac, Frederick Britzlmair, Joy Braun, Elisa Hösch, Erika Körner, Justin Rivera, Katharina Spitz, Nataliya Susyak, Laura Talkenberg, Camilla Volbert, Esmee Willemsen, Corinne Wiss

 

 

Digital Multilogue – on fashion education

How and why do we learn and teach fashion in times
of a global health crisis, in times of social,
environmental and democratic crises?

The didactic and pedagogic questions, the pragmatic and philosophical questions we are asking ourselves as fashion educators have changed significantly in recent months.
What questions and challenges do we share?
What experience and solutions can we share and develop together?

 

While The Fashion Education Conference had to be postponed until 1–2 October 2021, we want to come together for a Digital Multilogue on Fashion Education on Friday, 25th September 2020 (3–6.30pm CEST) to explore, share and collaborate. The Digital Multilogue on Fashion Education will provide a platform for an essential exchange, a space to get inspired and to deepen our connections, conversations and collaborations. See program attached.

To join this free event, please register here:
https://us02web.zoom.us/meeting/register/tZAvdOqtqjwtHNOZKlGQPVwX9RWM3pty4b8L.

If you would like to register for one of the eighteen workshops on offer as part of the Multilogue, please follow this link:
https://www.aup.edu/sites/default/files/download/10092020_DigitalMultilogue_Workshops.pdf

 

Abschied von Prof. Ellen Jordan-Hellmuthhäuser

 

„C’est la vie – sagt der Russe“

Zum Abschied von Prof. Ellen Jordan-Hellmuthhäuser, einem Teil der Berliner Modegeschichte

Meine erste Begegnung mit Frau Prof. Jordan-Hellmuthhäuser an der damaligen Hochschule der Künste Berlin werde ich sicher nicht vergessen. Früher als erwartet erschien ich in ihrem Büro in der Strasse des 17. Juni und wurde herzlich und ganz direkt mit „Na, der frühe Vogel pickt den Wurm“ begrüsst. Ich war der Neue, der aus den Niederlanden an die HdK Berlin wechseln wollte. Zu dem Zeitpunkt wusste ich noch nicht, dass meine zukünftige Professorin, die trotz der sommerlichen Hitze perfekt gekleidet vor mir saß, schon die ganze Hochschulgeschichte mitgemacht hatte und den Studiengang, als Schiff durch die unterschiedlichen Gewässer der Berliner Hochschulpolitik bereits seit zwei Jahrzehnten steuerte.

Prof. Ellen Jordan (die Abkürzung, des Namens, sei hier erlaubt und wie ich bald erfuhr auch in ihrem Sinne) hatte an einer der Vorgängerinstitutionen der Hochschule der Künste, der Staatlichen Akademie für Werkkunst und Mode gelernt und ebenda auch als Dozentin unterrichtet. Mit der Eingliederung der Akademie, im Jahr 1971, in die damalige Hochschule für Bildende Künste, später Hochschule der Künste Berlin, wurde Frau Jordan mit Anfang Dreißig eine der jüngsten Professorinnen Berlins.

Bereits als Kind hatte sie Berlin als Modemetrople in den Zeiten der Berliner Durchreise nach dem Krieg erlebt. Oft erzählte sie uns Studierenden von den Fahnen, die zu diesem Anlass in den Fenstern der Modehäuser am Kudamm gehisst wurden; an den Orten wo sie auch später arbeiten sollte.

Vielleicht war das ein erster Beweggrund für sie eine Ausbildung zur Damenschneiderin zu absolvieren und Mode zu studieren. Sicher hätte sie nie gedacht, dass sie drei Jahrzehnte selber eine Vielzahl von Berliner und Deutschen Modemachern auf ihrem beruflichen Werdegang begleiten würde. Nicht nur ihr Humor, der in der Tat sehr berlinerisch war, zeigte wie eng sie mit ihrer Heimatstadt verbunden war.

Prof. Ellen Jordan ist ein Teil der Berliner Modegeschichte. Sie brachte andere Berliner, wie den renommierten Modezeichner und Illustrator Gerd Hartung, den Couturier Uli Richter, sowie den Potsdamer Wolfgang Joop Mitte der 80er Jahre als Lehrende an die HdK Berlin.

Sie kreierte einen Raum, in dem wir Studierenden uns entfalten konnten, eigene Projekte und Kooperationen anstoßen durften und diese auch außerhalb der Hochschule „innerhalb des Berliner S-Bahn Rings“, wie sie immer gerne betonte, präsentierten. Dabei entstanden Arbeiten, die auch ihren weiten Blick über die Mode hinaus wiederspiegelten. Mode war ihr wichtig, aber es ging ihr auch, so technisch es klingt, um Bekleidung, die gerade für verschiedene Berufsgruppen praktisch und alltagstauglich, zugleich ästhetisch ansprechend sein sollte. Dieser Ansatz zeigte, dass sich in ihrem Verständnis das Bild des Modesigners gewandelt hatte und sie die Zeichen der Zeit erkannte – Mode als Inspirationspool zu sehen. Der Modedesigner war für sie ein Allrounder, der in Kreativteams die verschiedensten Aufgaben übernehmen kann und nicht unbedingt nur Kleidung entwerfen muss.

Nachdem sie in ihren letzten Jahren an der Hochschule den Wandel zur Universität begleitet hatte, ging sie 2001 in den Ruhestand. Sie verließ die Universität der Künste Berlin mit einem lachenden und einem weinenden Auge. So geht es uns jetzt, wenn wir an Frau Prof. Ellen Jordan-Hellmuthhäuser, die im Alter von 79 Jahren am 19. August 2020 in Berlin verstarb, denken. Sie würde sicher sagen „C’est la vie – sagt der Russe“, sich ihre Sonnenbrille aufsetzen und unaufgeregt den Raum verlassen.

Dipl.-Des. Sebastian Fischenich, lebt und arbeitet als Creative Director in Zürich und hat von 1996-2000 bei Prof. Ellen Jordan-Hellmutthäuser an der Hochschule der Künste Berlin studiert und war ihr Tutor.

 

 

Ciao | Xueqi Huangfu

ciao

Do you know that some of your actions have led to the extinction of some animals around you? Yes, the fish in the river in the park. You may think they are ordinary, but they are slowly disappearing. We always advocate protecting the environment and controlling the extinction of species, but do we really know the creatures closest to us? no, we don’t. Ciao means „hello“ and „goodbye“. When you see this product, it may be the first time you know these fish, but maybe it will be the last time.

Xueqi Huangfu, 4.sem SS 2020
      
Process
        

Picpic | Isabel Meierkoll

picpic

PicPic is a small garbage collector – to – go on a keyring. It is developed for everyone who loves to spent time in the green and has experienced how annoying it can be to get confronted with unpleasant leftovers by previous park visitors. Even if one would be willing to remove the trash, it´s not nice to touch it with bare hands. Most likely there is also no suitable picking tool around…

PicPic on your keyring is with you, helps to be in charge of a situation, so you can have a great time out in nature. And nature surely appreciates it.

Isabel Meierkoll, 6.sem SS2020
      
Process
              

Mischwald | Anna Koppmann

Mischwald

Forests are the basis of all life. The trees bind CO2, clean our groundwater and provide a habitat for a diverse flora and fauna. In the past few years, Germany has lost hundreds of thousands of hectares of forest to drought, extreme weather conditions and pests.
The Mischwald project contributes to the reforestation of healthy and climate-resistant mixed forests that preserve our domestic ecospheres. With the purchase of a brooch, the Mischwald project in cooperation with Bergwaldprojekt e.V. is planting a native tree in Germany. The gold-plated brass brooches form a quartet of trees that are of the greatest importance for domestic afforestation: maple, beech, oak and linden. The engraved number corresponds to a tree sponsorship. This should create awareness and train our perception of what we should protect so intimately.
Anna Koppmann, 8.sem SS2020

           

   

           

Process

                

 

Wrap it! | Lisa Marie Böhm

wrap it!

Whether for a birthday, Christmas or Easter – the packaging waste piles up.

Many people keep wrapping paper for reuse. Unfortunately, the material isn’t perfect for this, adhesive tape, folds and ribbon leave their marks.

The project WRAP IT! offers a sustainable alternative for gift wrapping and builds on the traditional Japanese fabric packaging “Furoshiki”.

In contrast to conventional wrapping paper, the fabric packaging can be reused as often as you like. The various geometric shapes and cheerful colors creates a pattern, which can be used as a playful guide for various packaging techniques.

Lisa Marie Böhm, 8.sem SS2020
        
Process
  

Sticking Birds | Agnes Kelm

Sticking birds

Which birds do you know by name? And which ones would you recognize if you saw them? There are about 150 species of breeding birds in Berlin. Most people recognize a sparrow, a blackbird or a tit. But what about the other exciting bird species?

Seven different domestic birds were selected, drawn and placed on a postcard as stickers. Like that the STICKING BIRDS can be sent easily. They first inform the recipient and should then be placed in the city. Berlin has a very lively sticker culture, but many stickers are advertising or calls for protest. The STICKING BIRDS are designed to stop pedestrians to inform them about birds that live here by visualizing one interesting characteristic per bird. This should attract attention and encourage people to look for real birds.

Agnes Kelm, 9.sem SS 2020
Process
 

Sharing Stool | Xueqi Huangfu

Sharing Stool

Would you like to share the chair with your cat?

Or do you want to share space with them without interfering with each other? Sharing stool is a stool that can help you solve  problems. It can not only provide the cat with space to rest, but also make it close to you. When you read a book or drink coffee,  your cat will be under your feet.

Xueqi Huangfu, 4.sem SS 2020
   
Process
       
      

Book Stool | Lisa Marie Böhm

book stool

Book Stool – who doesn’t know it:

Books you like to read are not placed on a shelf.

They lie all over the apartment, on tables, shelves or stools and take up space.

Book Stool is a stool that supports the topic of intuitive storage and gives our books we are reading a place. At the same time, it retains its function as a stool and offers a seat when there aren’t enough chairs.

Lisa Marie Böhm, 8.sem SS2020
       
Process

 

Bambi | Isabel Meierkoll

bambi

Sitting down to a person  and listening with full attention and an open heart can be a strong gift. This stool allows the listener to place his arms comfortably on the handle in front, the back can relax and the focus is free to follow the one who is spilling the heart.

Isabel Meierkoll, 6.sem SS2020
Process

Love Rocks | Isabel Meierkoll

love rocks

All couples from newlywedds to just retired ones are invited  to sit down and cuddle.The low height of the bench allows you to step out of daily routines, change perspective and get even a bit childish…do you hear the rocking sound, love? 

Isabel Meierkoll, 6.sem SS2020
Process

Bockbank | Agnes Kelm

bockbank

With trestles a table can be set up and dismantled in a few moments and stowed away to save space.

These trestles follow the same principle. However, they form the basis for a bench. BOCKBANK is a set of two trestles, which are set up and supplemented by a board that you already have. It should be about 30cm wide. The rope stabilizes both the trestle itself and the board on top.

The rope is not just holding together the bench. When the trestles are folded, the rope becomes a shoulder strap. Like this they can easily be hung over the shoulder and transported. For example to a picnic in the parc.

Agnes Kelm, 9.sem SS 2020
Process
      
      

Sense | Lisa Marie Böhm

sense

Sense is a gift to yourself.

Time flies so quickly, especially the time you take for yourself

The solid perfume works with essential oils that affect our body and mind.

They help to relax, have a warming effect and can relieve pain.

This creates an aromatic and physical ritual to take a break in the fast-paced times.

Sense can be applied to various parts of the body. Using it opens a time window in which you consciously perceive your body and yourself.

Lisa Marie Böhm, 8.sem SS2020
       
   
Process
       
     

Ritual Creme Drops | Isabel Meierkoll

ritual creme drops

These solid creme drops consist out of natural ingridiants and offer a moment of pause. You are welcome to lay back, connect with yourself and enjoy the soothing or refreshing aroma while using the creme drops on your hands, feet or your body. Compared to a precious body oil that has the tendency to wait for a special occasion to be used, these portionized drops are supposed to entice you to find the moment of selfawarness and celebration in your daily routines.

Isabel Meierkoll, 6.sem SS2020
Process

Match | Agnes Kelm

match

During my research about work from home I found out that in the past matches were mostly manufactured in the homes of the workers.

The match torch refers to this. In a lokal carpentry rods from softwood are cut and then at home wrapped in cotton strips that are soaked in wax. The wax comes from the remains of candles. The wooden stick is sharpened so it can be put in the ground. Also, it is untreated – it can go into a campfire, garden or household waste after the torch has burned down.

MATCH is fun to give and fun to get and should contribute to atmospheric moments with friends.

Agnes Kelm, 9.sem SS 2020
                  
Process
       
    

Modular Candles | Anna Koppmann

modular candles

Modular candles contains a set of 15 pieces of wax that come in different shapes and sizes. By piling these up onto a wick the customer is able to create various candle silhouettes. The product offers a playful way to experiment with shapes and color. It supports creativity, ensures fun and also excitement while watching the burning of your own candle creations. 

Anna Koppmann, 8.sem SS2020

Process

    

 

 

Schau20 – Save the date!

 

 

 

Schau20 – Fashion Perspectives from a Distance

 

 

Fashion aus Tischdecken: Modedesign-Studierende der UdK Berlin zeigen Ergebnisse des Online-Semesters Aus einem Nachlass gespendete, hochwertige und zum Teil aufwändig bestickte Tischdecken dienten für die Studierenden des Instituts für experimentelles Bekleidungs-und Textildesign der Universität der Künste Berlin als gemeinsame Basis für ihre Projekte des vergangenen Sommersemesters: Aus den alten Materialien ließen sie in einem semesterübergreifenden Projekt Neues entstehen. Die Ergebnisse zeigen die angehenden Modedesigner*innen unter dem Titel „1,50 m Schau20 – fashion perspectives from a dis­tance“ vom 10. bis zum 13. September in den Berlin Decks in Berlin-Wedding. Außerdem erzählt die Ausstellung aus der Perspektive der Professor*innen und der Studierenden vom vergangenen Semester, das wegen der Corona-Pandemie im Zeichen von häuslicher Isolation und Online-Lehre stand. Die Ausstellungsstücke werden am 13. September verlost. Auf Initiative der Studierenden werden zudem Spenden für die Amadeu Antonio Stiftung gesammelt, die sich für eine demokratische Zivilgesellschaft engagiert. So schließt sich ein Kreislauf aus Alt und Neu, aus Nehmen und Geben – aus Vergangenheit und Zukunftsperspektive.

 

 

 

Eröffnung mit performativen Führungen & Programm
10. September 18-22 Uhr
Öffnungszeiten Ausstellung
11.-12. September  12-20 Uhr
13. September 12-18 Uhr

 

 

 

Weitere Informationen auf www.schau.de

 

 

Mit Arbeiten von Haleh Afshar, Philine Johanna Beutel, Lara Geyer, Titia Johanna Cosima Grefe, Pia Alexa Haase, Minji Park, Melanie Schill, Lenard David Schnitzler, Michael Sieweke, Emily Zanon, Leon Parcsami, Miriam Schade, Tim Keuschnig, Philip Welp, Lisa Meier, Patrick Engelmayer, Mona Gutheil, Karl Hoess, Lukas, Mogwitz, Linus Nicholson, Laurin Stecher, Maike Lauber, Maurice Gerlach, René Marques, Fanny Freundner, Joy Braun, Frederik Britzlmair, Camilla Volbert, Margarita Roshkova, Justin Rivera, Natalya Susyak, Erika Körner, Katharina Spitz, Philip Gultschewski

 

Zeichnen Produkt

ZEICHNEN PRODUKT, 1. & 2. Jahrgang
Ania Rosinke

In diesem Online Kurs haben die Studierenden des ersten und zweiten Bachelor
Studienjahres vier Hauptthemen zeichnerisch ausgearbeitet.
Die Aufgaben hatten das persönliche Umfeld mit Objektzeichnungen zur Grundlage und
waren von ihrer Ausführung her auch von den beschränkten Möglichkeiten des Semesters
angeregt.
Corners of isolation – eine Serie von Zeichnungen, welche die anfängliche Isolation zu
Semesterbeginn als Thema hatte und dazu ermutigt, den eigenen Wohnraum aus einer
neuen Perspektive zu betrachten. Die teils sehr persönlichen Beobachtungen wurden in
eine Reihe von miteinander im Kontext stehenden Zeichnungen in einer bestimmten
Technik ausgeführt.
Studie zu Obst oder Gemüse – eine klassische Aufgabe, die unterschiedliche
Darstellungstechniken bearbeitet und sich mit der Hierarchie der klassischen Malerei, von
der Skizze bis zum realistischen Bild, auseinandersetzt und diese umkehrt. Die
realistische, gut analysierte, räumliche Darstellung macht den Anfang. Die Reduktion zur
schnellen, persönlichen Skizze, dass Ziel. Obst und Gemüse wurden genutzt um Form,
Farbe, Textur und Komposition zu untersuchen.
Bag of esssentials – zeichnerisch haben die Studierenden ihren Koffer für eine Reise auf
eine einsame Insel gepackt. Das Nachdenken über das Essentielle schien auch im
Kontext dieser schwierigen Zeit konstruktiv. Von der Darstellung her lag der Fokus der
Übung auf den Grundlagen von Perspektive und visueller Kommunikation.
Metall / Chrom / Glas – bei dieser Aufgabe haben die Studierenden die charakteristischen
Eigenschaften verschiedener reflektierender Materialien untersucht. Sowohl in Form
realistischer Zeichnungen, als auch Skizzen.
Hier sehen Sie ein paar Beispielarbeiten der beiden Gruppen.

EMOPLAST | Delia Rößer

 

NETWORK | Felix Ratzel

 

Network

Ein Netz das aus der Verbindung der immer gleichen sich wiederholenden Elemente besteht. Jedes Einzelelement ist auf bestimmte Weisen verformbar, fähig auf Belastungen zu reagieren und diese gleichmäßig zu verteilen. So bildet das gesamte Netz kein starres Gitter mit fixen Verknüpfungspunkten. Es passt sich in der Verteilung seiner Knotenpunkte Spannungen und Belastungen an. Es bietet eine Flexibilität allein aufgrund der Topologie der Einzelelemente. Dies ermöglicht die Überspannung vielseitiger Geometrien ohne vorherige genaue Anpassung eines Zuschnitts. Wir nehmen trotz der mit der Beweglichkeit verbundenen Unregelmäßigkeiten ein klares, aber lebendiges Gitter war. Die vergleichsweise grobe Rasterung durch die zentralen Kunsstoffverbinder, machen sowohl die überspannten Flächen, also auch die Gitterstruktur lesbar.

 

 

Nodo Lamp | Sheraz Bhatti

 

Nodo Lamp

Menschen nutzen den Knoten seit über einer halben Millionen Jahren als praktisches Hilfsmittel. Wie können wir heute noch die Vorteile von Seilen in alltägliche Objekte verwenden?

Die Nodo Lamp nutzt den Knoten als Interface zur Steuerung der Leuchtposition. Mittels Knoten aus dem Alpinsport, die unter Zug blockieren jedoch sich nicht zuziehen und somit verstellbar bleiben, lässt sich die Standleuchte in diverse Positionen einstellen. Ein flexiblerer Stab und eine Schur können Gelenke und andere Detaillösungen ersetzten. Die Nodo Lamp lässt sich manuell in alle Einzelteile zerlegen, damit nach der Lebensdauer ein materialgerechtes Recycling möglich ist.

 

Humans have been using the knot as a practical tool for over half a million years. How can we still use the advantages of ropes into everyday objects today?

The Nodo Lamp uses the node as an interface to control the lighting position. The floor lamp can be adjusted to various positions using knots from alpine sports that block under tension but do not contract and therefore remain adjustable. A flexible bar and a cord can replace joints and other detailed solutions. The Nodo Lamp can be dismantled manually into all individual parts so that it can be recycled according to the material after its service life.

 

 

KORSETT | Jonas Fehrenbach & Max Funkat

 

KORSETT

Korsett ist ein Projekt, das auf experimenteller Formfindung von Schaumstoff durch mechanische Umformung basiert. Am Anfang stand die Idee mit denjenigen Materialien zu arbeiten und zu experimentieren, welche uns umgeben und im Haushalt bereits vorhandenwaren. Diese umzunutzen oder weiterzudenken. In diesem Fall war es eine Kaltschaumatratze. Es entstand eine Serie spontaner Funktionsmodelle von Sitzobjekten, bei welchen Schaumstoffbahnen mit Spanngurten, Seilen und Holzstäben bearbeitet in Form gebracht wurden. Die Modelle 1:1 Modelle dienten neben dem Erkenntnis über das Verhalten des Materials und der Formfindung dazu, Stabilitätsaspekte direkt überprüfen zu können und daraus ein geeignetes Konstruktionsprinzip abzuleiten. Für den Erhalt der gefundenen Form wurden bei vielen Funktionsmodellen Perforierungen für Seile oder Stäbe nötig, die den Schaumstoff verletzten und einen Bezug erschweren. Das Korsett, eine Konstruktion aus dünnen Stahlrohren, „bändigt“ den Schamstoff und sorgt für den Erhalt der gewünschten Form ohne ihn zu beschädigen. Wie in einem Käfig gefangen, übernimmt der weiche Schaumstoff selbst die ergonomischen Anforderungen an ein Sitzobjekt, wodurch die Konstruktion von Sitzauflagen und Polsterungen entfallen. Im Ergebnis entstand ein konzeptuelles Sitzmöbel dessen Stabilität und Eigenschaften sich weniger aus der Fügung verschiedner Materialen, als vielmehr auf der Verformung durch Komprimierung eines einzigen Materials beruht.

 

 

LUCCIOLA | Marla Gaiser

 

LUCCIOLA

Wie verknotet man einen Knoten ohne zu Knoten? Was benötigt man, um ein Zentrum einer Verwirrung und Verzweigung zu schaffen, ohne, dass sich etwas aneinander verhakt und sich festhält? Welche Hilfsmittel, werden benötigt, um komplexe Strukturen einer Knotenlandschaft zu schaffen? Das Projekt LUCCIOLA (ital.: Glühwürmchen) beschäftigt sich mit der Kombination und Aneinanderreihung von Formen bis hin zu möglichen aufwendigeren Topologien. Mithilfe von experimentellen Papierformen wurden Formen, kleine figurative Körper und architektonisch anmutende Gebilde und Bilder entwickelt. Die Strukturen, die dabei entstanden ließen Licht und Schatten in verschiedenen Ebenen im Körper selber und als Transformation in den Außenraum wirken. Als Ableitung daraus, entstand, das Lichtspiel LUCCIOLA.Ein Lichtspiel, was die entstandenen Strukturen und Topologien im Raum sichtbar machen möchte. Durch unterschiedliche Kompression der Lichtkörper entsteht Kontakt, Veränderung und Verknotung

How do you knot a knot without making knots? What does it take to create a center of confusion and branching without something getting tangled up and holding on? What tools are needed to create complex structures in a knotted landscape? The project LUCCIOLA (ital.: firefly) deals with the combination and stringing together of forms up to possible more complex topologies. With the help of experimental paper forms, shapes, small figurative bodies and architectural-looking structures and images were developed. The structures that were created in the process allowed light and shadow on different levels within the body itself and as a transformation into the outside space. As a derivation of this, the light play LUCCIOLA.A play of light, whichwants to make the created structures and topologies visible in space. Through different compression of the light bodies contact, change and knotting is created

RESTRING | Paula Schwager

 

RE-STRING

Häufig werden Stühle bei denen die Sitzfläche oder Lehne kaputt ist, weggeschmissen obwohl der Rahmen noch intakt ist. Ich habe zwei solcher Stuhlrahmen zuhause und habe nach einem Weg gesucht, diese neu zu bespannen und sie somit wieder nutzbar zu machen.Das Projekt „re-string“ beschäftigt sich mit einer Methode die es ermöglicht eine stabile, belastbare Fläche aus einer Schnur zu schaffen.Es werden keine Hilfsmittel außer einer Häkelnadel und zwei dünnen Stäben benötigt, um einen Rahmen auf diese Weise zu bespannen.Die Schnur wird an einem Ende festgeknotet und doppelt genommen auf die gegenüberliegende Seite gespannt, Das Ende wird um den Rahmen gewickelt und mit einem der Stäbe unter dem Rahmen festgehalten. Während dem Webvorgang werden die Schlaufen mit der Nadel ineinander gehäkelt. Die Schnurumwickelt den Rahmen beidseitig und eine Fläche spannt sich auf. Mit einer zweiten Schnur kann eine Fläche zwischen den zwei noch freien Seiten des Rahmens aufgespannt werden. Webt man diese in regelmäßigen Abständen durch die ersten Schnüre, entsteht ein Muster, welches nach Belieben variiert werden kann.  Zudem wird die Fläche stabiler, da sich die senkrecht zueinander verlaufenden Schnüre gegenseitig stützen. Mit dieser Methode ist es möglich auf eine simple Art und Weise Stühle neu zu bespannen und ihnen ein neues Leben zu geben.

Often old chairs, whose seating is broken, get thrown away, even though the frame is still intact. I also have two of these broken chairs at home. Thats why i looked for a method to give them a new seating and make them usable again.„Re-string offers a way to create a robust surface out of a string.To restring a frame this way there are only a crocheting hook and two sticks required.The string is attached with a knot to one end of the frame. The thread is taken twice and pulled to the other side. The loop is wrapped around the frame and kept in place with one of the sticks. Every time the string gets to the other side of the frame, the old loop gets pulled trough the new one. In this way the string gets wrapped around the frame on both sides and a surface forms between them.With a second string the two remaining sides of the frame are stringed. During this part the second string gets weaved trough the already existing surface. That way varying patterns can be created. Furthermore the surface gets more stable, as the vertical strings support each other.With this method it is easily possible to give old chairs a new seating.

 

STRIC | Aleksander Luczak

 

STRIC

Geräusche, man kann sie nicht sehen, man kann sie nicht berühren, sind aber ist ein elementarer Bestandteil des Raums, genau wie Objekte. STRIC verbindet das Sichtbare mit dem Unsichtbaren, undwird über verschiedene Sinne erfahrbar. Die gekrümmte Ebene bricht Schallwellen, absorbiert sie teilweise und schafft eine angenehme Raumwahrnehmung.

Sound, you can’t see it, you can’t touch it, but it’s an elementary component of space, just like objects. STRIC combines what is visible and what is invisible, and you will experience it through different senses. The crooked plane refracts sound waves, partially absorbing them and making your experience in space more comfortable.

 

EIN KREUZKNOTEN | Peer Alexander Assmann

 

Ein Kreuzknoten

Grundsatz der Arbeit war es die typologischen Eigenschaften von Knoten experimentell und iterativ zu untersuchen. Die ausschlaggebende Entdeckung dabei war, das durch den minimalen Eingriff in Seilquerschnitt und Material Knoten ganz neue Funktionen offenbaren. Aus der rein funktionsbasierten Verbindungen von Seilen werden plötzlich nutzbare Geometrien. Variable Flächen entstehen, Verwindungen werden les- und kontrollierbar, Proportionen werden offenbart und manipulierbar, die Form und Funktion des Knotens erfinden sich neu. Am gravierendsten äußert sich dieses Phänomen bei dem einfachen Kreuzknoten. Einer der grundlegendsten und weitverbreitetsten Segelknoten offenbart plötzlich ergonomische Züge. Sitzfläche, Rückenlehne, Kopfstütze, Armlehnen und die Fußauflage werden lesbar.Der Knoten wird zum Sitzmöbel – zum Produkt.

 

The principle objective of this project was to investigate the typological properties of knots experimentally in an iterative process. The decisive discovery made was that through the minimal change of the rope cross-section and material the knots revealed completely new functions. Through this the purely function-based connection of ropes suddenly turns into usable geometries. Variable surfaces are created, twists become readable and controllable, proportions are revealed and manipulable, the shape and function of the knot reinvents itself.This phenomenon manifests itself the most in the humble square knot. One of the most basic and widespread sailing knots suddenly reveals ergonomic features. Seat, backrest, headrest, armrests and the footrest become identifiable. The knot transforms into furniture.

 

 

KABELSALAT | Katharina Sauter

 

Kabelsalat

Herumliegende Kabel haben mich schon immer genervt. Sie sehen meistens hässlich aus, verknoten und stören beim putzen. Kabella löst dieses Problem, indem es dem Kabel einen neuen Raum direkt an der Wand gibt. In der Steckdose sind 8 Stäbe integriert, an denen sich die nicht benutzten Reste des Kabels aufhängen lassen.Stromobom ist ein „fun“ Objekt, das um eine Mehrfachsteckdose herumgewickelt wird,um sie zu verstecken. Man kann außerdem die überstehenden Kabel, die man nicht braucht, in die Rolle hineinstecken, sodass sie nicht am Boden verteilt liegen. Mein kleiner Bruder hat mich bei der Namenssuche unterstützt. Während meines Prozesses probierte ich verschiedene Wege aus, Kabel zu verstecken oder an Ort und Stelle zu halten. Mein Ziel war es, eine neue, spielerische Form zu kreieren, die einen ästhetischen Ort für für das Kabel schafft. Ich entschied für eine nicht sehr ordentliche dafür aber einfache und schnelle Lösung

I’ve always been annoyed by wires lying around. They look ugly, get tangled and get in our way while cleaning the floor. Kabella adresses this problem by giving the wires a new space right on the wall.The socket has 8 sticks that hold the string directly at its starting point. Stromobom is a fun object that is wrapped around multi sockets to hide them. You can also put wires you’re not using inside of the foam so they don’t spread everywhere on the ground. My little brother helped me with picking out the names. During my process I tried out different ways to hide the wires and to hold them in place. I wanted to create a new playful shape that provides an aesthetic room for the wire.I developed a simple and fast method to organize cables.

 

BOUNCING SPACE | Valerie Klein

 

Bouncing Space

„bouncing space“ ist ein Raumteiler, der nach Bedarf entfaltet werden kann, neue Bereiche schafft und / oder isoliert.Gerade in der aktuellen Situation, in der wir viel Zeit zuhause verbringen, ist es wichtig, zwischen privaten und öffentlichen Bereichen, Arbeits – und Freizeitraum zu unterscheidenund Rückzugsorte zu gewinnen.Da Filz die Eigenschaft hat, Schall zu isolieren, war „bouncing space“ ursprünglich in diesem Naturmaterial gedacht, welches sich der Nutzer zuhause vertikal an der Wand mittels einer Schiene befestigt und flexibel nutzen kann. Die Anordnung der Filz- bzw. Pappstreifen ist der Struktur eines Netzes entlehnt, die eine hohe Flexibilität und zugleich Stabilität bietet. Durch den Prototyp aus Pappe und Musterklammern wird an der oberen und unteren Kante ein Gummizug geführt, der die Trennwand stabilisiert und eineindividuelle Nutzeranwendung/Länge und Dichte gewährleistet.

 

„Bouncing space“ is a room divider that can be unfolded as needed, creates new areasand / or isolates.Especially in the current situation, in which we spend a lot of time at home, it is important to differentiate between private and public areas, work and leisure space and to find places of retreat.Since felt has the property of isolating sound, “bouncing space” was originally intended in this natural material, which the user can attach vertically to the wall at home using a rail and use it flexibly. The arrangement of the felt or cardboard strips is based on the structure of a network, which offers great flexibility and stability at the same time. The prototype

made of cardboard and sample clamps runs an elastic band at the top and bottom edge that stabilizes the partition and one individual user application / length and density guaranteed.

 

 

 

3_D_K | Felicitas Schröder

 

3_D_K

Wie viele Knoten gibt es auf der Welt? Welche Materialien lassen sich knoten oder miteinander verknoten und welche Topologien entstehen dabei? Findet man Symmetrien oder sogar Flächen die man zwischen den einzelnen Verläufen des Knoten-Materials spannen kann? In meinem Projekt 3_D_K, welches sich namendlich von „3d Knoten“ ableitet, habe ich versucht den Knoten einerseits als Raumobjekt jedoch auch als räumliches Objekt zu denken. Zweierlei, denn die entstandene Leuchte stellt ein Objekt im Raum dar, gleichzeitig ist sie jedoch auch ein beweglicher 3 dimensionaler Knoten. Die Besonderheit ist, dass die Leuchte aus Metallstäben gefertigt ist und sich somit nicht beliebig fest ziehen lässt. Durch vorgegebene Gelenke lädt das Objekt jedoch zu semi-freien Bewegungen ein und lässt somit im spielerischen, meditativen Umgang vielerlei Formen entstehen. Im Prozess dieses Projektes begeisterte mich vor allem die Mischung aus Geometrie, Mathematik und Physik die sich in einem Objekt und seinem physischen Verhalten widerspiegelt. So verändern sich jeweils die Bewegungsmöglichkeiten abhängig von den Komponenten: Gelenkanzahl, Gelenkwinkel und Stablänge.

 

How many knots are there in the world? Which materials can be knotted or knotted together and which topologies arise? Can you find symmetries or even surfaces that can be stretched between the individual runs of the knot material? In my project 3_D_K, wich derives its name from „3d knots“, I tried to think of the knot as a spatial object but also as a Object in the space. Served two ways, because the lamp created represents an object in the room, but at the same time it is also a movable 3-dimensional knot. The peculiarity is that the lamp is made of metal rods and therefore cannot be tightened flexibly. By means of predetermined joints, however, the object invites to semi-free movements and thus creates many forms in a playful, meditative way. In the process of this project I was particularly impressed by the mix of geometry, mathematics and physics, which can be reflected in an object and its physical behaviour. The movement options change depending on the components: number of joints, joint angle and rod length of the metal bar

KNOTTY | Malte Bossen

 

KNOTTY

Während des letzten Lockdowns, als wir alle mit vielen Lebenseinschränkungen konfrontiert waren, mussten wir uns verschiedenen neuen Herausforderungen stellen. Dieses Projekt entstand aus der Notwendigkeit heraus, uns an diese Situation anpassenzu müssen und um uns dann neue kreative Wege vorzustellen. Es sieht eine Bauweise vielseitiger Möbel vor, die trotz einiger Einschränkungen erreichbar wären. Zunächst wurden die wirtschaftlichen Auswirkungen berücksichtigt indem nur mit günstigen und leicht zugänglichen Materialien – Holzstäben und Seilen – gearbeitet wurde. Dasselbe Material wird wiederverwendet um andere Möbel mit denselben Materialien zu bauen. Dies bietet unterschiedliche mögliche Konfigurationen. Außerdem fordert der Bauprozess keinen Zugriff auf viele Werkzeuge, auf Materialien zu Hause oder auf Maschinen, wodurch sich an die neue Lebenssituation angepasst wird.

Mit KNOTTY können verschiedene Konstruktionen mit Handarbeit und sehr einfachen Werkzeugen gebaut werden. Die Stäbe werden in der richtigen Länge gekauft oder mit einer Säge zugeschnitten und mit dem Seil zusammengebunden. Ein Stopperstek und ein Kreuzbund halten die Stäbe zusammen. Für seine Ästhetik ist es vom Bondage inspiriert – einem erotischen Spiel aus Fetisch-Subkulturen, indem Menschen für Bewegungseinschränkungen eingebunden werden. Beim Binden der Holzstäbe wird KNOTTY zum Bondage für Möbel – sei es als Tisch, Regal, Kleiderstange oder Schuhregal.

 

During the last lockdown, we had to face various new challenges. This project was born from the need of having to adapt to this situation when we all had to face a lot of life restrictions, to then image new creative ways. It envisions a type of versatile furniture that would attainable despite of some of the limitations. First, taking into consideration the economic impact and, because of that, using only cheap and accessible materials – wooden bars and rope. But also then, reusing the same material and building other furniture with the same materials, offering different possible configurations. Finally, the process of building doesn’t require access to a lot of tools or materials at home or any machines.

With KNOTTY different constructions can be built using just your hands and the use of very simple tools. The bars were bought at the right length or cut to size with a saw and tied with the rope. A rolling hitch and a square lashing hold the bars together. For its aesthetic, it takes inspiration from bondage – an erotic play from fetish subcultures that ties people for movement restriction. While binding the pieces of wood, KNOTTY become bondage for furniture – be it as a table, shelf, clothes rail or shoe rack.

table cloth, 2020

 

Abschlussvorstellung Designgrundlagen 1. Semester, WiSe 19/10

In den Grundlagen des Designstudiums mit den Studienschwerpunkten Produkt- und Modedesign geht es die Einführung in den Entwurf als dialogischer mehrdimensionaler Prozeß.

Vorgegeben war ein Standard Holztisch mit Tischtuch. In der ersten Phase wurde mit dem gegebenen Objekten improvisiert – wie ändert sich der Tisch mit Tischtuch durch einen bewußt anderen Umgang damit.

Danach durften Tisch und Tuch auch umgestaltet werden – allerdings unter Wahrung des ersten Eindruckes: ein simpler Tisch mit Tuch.

Uns interessiert nicht das Dekorative eines Tisches, sondern die Frage wie ein Objekt eine Handlung bestimmt oder konditionier bzw. auch andersherum – als Wechselwirkung. Welche Assoziationen werden erzeugt, wie kann man diese gestalterisch verstärken, präzisieren?

Zum Schluß wurde eine finale Performance der „Handlung mit Objekten“ für Publikum entwickelt und gezeigt.

 

b a s i s l a b o r   •   Prof. Robert Scheipner, KM Marie Radke

 

basisprojekt 2020

Basisprojekt Produkt 2. Semester BA, Sommer 2020

Die aktuelle Corona-Pandemie und die damit verbundenen Maßnahmen zur Eindämmung bzw. Verlangsamung der Verbreitung führen zu teilweide völlig neuen individuellen und kollektiven Erfahrungen in einer schlagartig veränderten Gesellschaft.

Was bisher selbstverständlich war, ist plötzlich auf unabsehbare Zeit stark eingeschränkt oder unmöglich gemacht. Bei Verdacht auf Ansteckung mit dem Virus begibt man sich in Quarantäne, unter LockDownRegeln oder Ausgangssperre sieht man sich mehr oder weniger zuhause eingesperrt.

Die Design-Bewegung fixperts (http://fixing.education/about) generiert und kultiviert „experts in fixing“. Funktioniert etwas nicht mehr, ist es kaputt, kann es repariert werden. Passen Dinge/Umstände nicht (mehr) zum Menschen, so kann der fixpert dort vermitteln, eine Lösung herbeiführen, helfen und auch initiieren, inspirieren.

In der aktuellen Krise funktioniert vieles nicht mehr oder nicht wie bisher, im gewohnten Verhältnis von Mensch und Umwelt, Mensch und Handlung gibt es viele Störungen, man ist von Ressourcen abgeschnitten – auch in diesem Basisprojekt, denn es ist untersagt, daß sich die Kursteilnehmer*innen im Projektraum der Uni treffen, dort an öffentlichen Orten – den Werkstätten, im Hof, der Cafeteria etc. mit anderen Menschen zusammen arbeiten, präsentieren und besprechen.

Stattdessen sitzt jede*r zuhause und ist im Online-Semester – diese Situation machen wir zum fixpert-Projekt.

Was passiert dort, was ist anders, was ist neu, was fehlt, was nervt, was gefällt, wie verändert sich die Wahrnehmung des Zuhause-Seins – der Räume, des Selbst, der Anderen, der Welt draußen? Jede*r im Projekt wird nun zum „fixpert“ in eigener Quarantäne-Sache. Was stellt sich als auf Dauer oder in dieser Situation als unfunktional, kaputt, unbefriedigend, verbesserungsfähig heraus. Was ist problematisch physisch – psychisch? Was fehlt? Was kann man tun? Wie sich selber helfen, wie an den eigenen Haaren aus dem Sumpf ziehen? Wo hilft die kleine clevere Verbesserung, wo braucht es die große Inspiration?

b a s i s l a b o r   •   Prof. Robert Scheipner, KM Marie Radke

 

 

 

INTERCONNECTED: material, production, impact online Exhibition @ designtransfer

Die Ausstellung zeigt Projekte aus den verschiedenen Studiengängen der Fakultät Gestaltung, UdK Berlin, die sich mit den Zusammenhängen von Materialien, Herstellung und deren Auswirkungen befassen und diese bewusst machen – von CO2 neutralen Materialien, lösungsorientierten Produkten, langlebiger Mode und Textilien aus Resten bis zur Reflexion unseres Konsumverhaltens.

Ausgewählt und kuratiert u.a. von einem OPEN CALL will die Ausstellung aktuelle Auseinandersetzungen und Antworten dokumentieren, ausstellen und archivieren, indem sie Projekte, Ideen und Vorschläge aus verschiedenen Disziplinen, in verschiedenen Medien und aus unterschiedlichen Perspektiven zusammenbringt und verbindet.

Ursprünglich für den UdK Rundgang am 17.-19. Juli geplant, ist sie nun wegen den UdK Corona Massnahmen vorerst online zu sehen und später – wenn das wieder möglich ist – bei designtransfer am Einsteinufer.

EN

The exhibition shows projects from the various courses of study at the Faculty of Design, UdK Berlin. These projects deal with the relationship between materials, production, and their corresponding impact; raising awareness – from CO2 neutral materials, solution-oriented products, durable fashion and textiles made from leftovers to a reflection of our consumer behaviour.

The exhibits were selected and curated from an OPEN CALL as well as inquiries and aims to document, exhibit and archive current debates and responses by bringing together and linking projects, ideas and proposals from a range of disciplines, in a variety of media as well as from different perspectives.

Originally planned for the UdK Open Studios 17-19 July, it is now presented online due to the UdK Cornona Measures and later – when again possible – at the exhibition space at designtransfer, Einsteinufer 43.

 

Unusual Deaths | Lilli Kern

 

Der Hut des Aescylus

455 v. Chr.

Der griechische Tragödiendichter Aeschylusmeidet sein Haus, nachdem ihn eine Prophezeiung vor herabfallenden Gegenständen gewarnt hatte. Im Freien wird er jedoch von einer Schildkröte erschlagen. Ein Greifvogel hatte sie über ihm fallen lassen. Der Vogel hatte Aeschylus Kopf für einen Stein gehalten mit dem er den Schildkrötenpanzer aufbrechen wollte.

Aescylus´s hat

455 BC

Aescylus, a Greek tragidan, has been avoiding his house after a prophecy had warned him about falling objects. In the outdoors he his struck dead by a tortoise. The eagle had mistaken his head for a rock suitable for shattering the shell of the reptile.

 

Die Pille und der Fisch

210 v. Chr.

Qin Shihuangdi, der erste chinesische Kaiser, ein mächtiger und tyrannischer Herrscher, hat große Angst vor dem eigenen Tod. In der Hoffnung nach einem Mittel für Unsterblichkeit lässt er sich von Schamanen und Alchemisten beraten und gibt Unsummen von Staatsgeldern für die Suche nach einem Elixier des Lebens aus. Den Rat der Schamanen befolgend nimmt er quecksilberhaltige Substanzen zu sich, die seine Gesundheit zunehmend verschlechtern. Er stirbt bei der Einnahme von Quecksilberpillen im Glauben sie würden ihn unsterblich machen. Sein Tod wird von Kanzler Li Si und Obereunuch Zhao Gaoüber zwei Monate lang vertuscht um die Thronfolge zu beeinflussen. Um den Geruch der Leiche zu überdecken zogen sie fauligen Fisch hinter der Sänfte des Toten her.

The pill and the fish

210 BC

Quin Shihuangdi, the first Emperor of China, is afraid of death. Hoping for immortality he consumes mercury pills and dies. Over two months his death is covered up by his chancellor, using decaying fish to cover up the smell of his dead body.

Ein ungewöhnlicher Anker

762

Der chinesische Dichter und Höfling Li Bai ist berauscht. Bei dem Versuch das Spiegelbild des Mondes im Fluss zu umarmen stürzt er in die Fluten und ertrinkt.

An uncanny anchor

762

The Chinese Poet Li Bai is drunk as he discovers the moon´s reflection in a river. Trying to embrace that mirror image he falls into the water and drowns.

 

Prozess

 

TIME EXHIBITION | Time Modifier | Elisa Hösch

 

Time Modifier

Die ursprüngliche Silhouette der Sanduhr wurde bei der Erstellung dieser Readymades schikaniert. Triviale Objekte wurden zweckentfremdet und hinzugefügt, um den Sandfluss (die Zeit) auf eine profane Art zu beeinflussen. Die Form des Glases wird modifiziert und mit diversen Materialien kombiniert. Hierdurch ist die Sanduhr nicht mehr zu erkennen und der zweckdienliche Sand wird umgeleitet, oder kann nur noch durch eine Geste in weitere Behälter befördert werden. Unser Verhalten, Zeit als Quantität zu begreifen, um sie verwalten zu können, wird hier als Phänomen veranschaulicht.

 The original silhouette of the hourglass was altered to creating these readymades. Trivial objects have been misused and added to influence the sand flow (time) in a profane way. The shape of the glass is modified and combined with various materials. As a result, the hourglass is no longer recognizable and the sand diverts, or can be moved to other containers by intervening with gestures. Our behavior in understanding time as quantity in order to be able to manage it is illustrated here as a phenomenon.

 

BA Modedesign 2020 bei ‚Kunst Raum Stadt‘

Coming together in unconditional dialogue and practical projects.

We invite you to experience the political, social and individual aspects of our graduate collections „by the rules“ by Marlene Haase, „Homo Femcolage“ by Isabell Schnalle, „Living Rooms“ by Veronika Hopponen, „The ideal selfportrait“ by Youjung Kim, „Sanft/Mutig“ by Nina Olivia Birri and „NEOPHYT“ by Louis A. Krüger.

Donnerstag, 16.7. 16-22 Uhr
Freitag, 17.7. 10-16 Uhr

Ernst-Reuter Platz, Mittelinsel
bauhaus reuse

TIME EXHIBITION | Tempus Fugit | Elisa Hösch

 

Tempus Fugit

DIE ZEIT VERGEHT, aber für jeden anders. Eine Abstraktion manipuliert durch subjektive Wahrnehmung, ein stilles Kontinuum im stetigen Wandel. Grundsätzlich sind wir im Kanon durch die Zeit reguliert, doch verändern wir individuell immerzu ihre Form. Wir tun das unbewusst, geleitet durch Impression und Korrelation. Wie wir uns fühlen erscheint uns die Welt, erscheint uns die Zeit- auch wenn sich das im nächsten Moment ändern wird. Wir inhalieren Zeit, streichen sie behutsam glatt, zerknüllen sie lapidar, werfen sie weg, nur um sie danach wieder aufzunehmen, zu konsumieren, bedächtig oder exzessiv, um sie zu exhalieren.

In der Ausstellung „tempus fugit“ steht die Zeit einen Augenblick still. Die Präsentation historischer Zeitmessgeräte zeigt die veritablen Unterschiede im Umgang mit Zeit. Das Verständnis der Zeit -und damit einhergehend die Darstellung und Skalierung dieser- wird etymologisch durch kulturelle und historische Hintergründe diverser Völker beeinflusst. Jeder der Zeitmesser ist deshalb ein Abbild der Entität, die ihn erschuf. Die Geräte sind Indikatoren für emotionale Konstitution und die dimensionale Verortung des Zeitkonsumenten.

TIME is passing for everyone differently. An abstraction manipulated by subjective perception, a quiet continuum in consistent change. We are, basically regulated by time for synchronization, but we always change individually the form of time. We do that subconsciously, guided by impression and correlation. We are percepting the world and time as we feel inside- even though that might change any moment. We inhale time, gently smooth it, crumple it up, throw it away, resume it, consume it, slowly or excessively, to exhale it.

In the exhibition „tempus fugit“, time stands still for a moment. The presentation of historical time meassuring devices shows the crucial diversities in dealing with time. The understanding of time- and its scaling and modeling- is etymologically influenced by the cultural and historical background of various ethnicities. Each of the timepieces is therefore a picture of the entity who created it. The devices are indicators of emotional constitution and the dimensional location of the time consumer.

https://www.youtube.com/watch?v=TbkBQuHqVGA

Plant Lamp | Julius Führer

 

Plant Lamp 

Die Menschen formten die Erde nach ihren Idealen und Bedürfnissen. Während sich alles -von Landschaften, über Pflanzen bis hinzu Tieren- diesen Vorstellungen von Umwelt anpassen und beugen musste, formte dies auch die eigene Existenz und Wahrnehmung der Welt.

In einer durch Technologien entworfenen Welt wurden die Begriffe „künstlich“ und „natürlich“ oft benutzt und in ihrer Gegensätzlichkeit betrachtet.

Bis die irdische Biosphäre so geschädigt war, dass die Zukunft ihrer Lebewesen bedroht schien.

Wir versuchen wieder Nähe zur Natur zu entwickeln, und zu verstehen, was „natürlich“ und „künstlich“ bedeutet und Natürlichkeit wird für uns -ob simuliert oder real- erstrebenswert.

Unsere Auffassung von Natur und Technologie verschwimmt dabei, sodass symbiotische Hybride entstehen, bei denen das eine mit dem anderen verwoben ist.

Doch was bedeutet dann noch Natur? Was bedeutet noch künstlich?

Humans shaped the earth according to their ideals and needs. While everything – from landscapes to plants to animals – had to adapt and bend to these ideas of the environment, this also formed our own existence and perception of the world.

In a world designed by technology, the terms „artificial“ and „natural“ were often used and considered in their opposites.

Until the earthly biosphere was damaged to a point that the future of its living beings seemed threatened.

Now we are trying to get close to nature again, and to understand what ’natural‘ and ‚artificial‘ means. Thus naturalness is – whether simulated or real – desirable for us.

Our understanding of nature and technology becomes blurred, resulting in symbiotic hybrids where one is interwoven with the other.

But what does nature mean then? And what means artificial then?

 

Prozess

 

Hybris | Lilli Kern

 

Hybris

Hybris ist eine altgriechische Bezeichnung für menschlichen Hochmut, der oft zu einem tragischen Ende führte. Aus dem Hybrid einer Suppenschüssel gepaart mit einem Blitzableiter kreiere ich ein Tool eben solchen Übermuts. Hiermit kann sich der Mensch den Blitz, den „Zorn Gottes“, zunutze machen.  

Mithilfe spezieller Raketen lassen sich Blitze triggern und an einen Punkt leiten, wo sie in die Erde schlagen. Schlägt ein Blitz in Sand so können sich Fulgurite bilden, eine Verglasung von Sand durch Hitze. In meinem Hybrid verknüpfen sich diese beiden Aspekte, der Nutzer triggert einen Blitz und leitet ihn in die Erde und um ein Drahtgestell, um welches sich dann ein Fulgurit bilden kann. Diese Nutzung von natürlicher Energie für einen schöpferischen Akt lässt sich als Transformation für schon bestehendes Geschirr verwenden, was in Sekundenbruchteilen von einem industriellen Artikel zu einem abstrakten Artefakt wird, oder für die neue Kreation eines Gegenstandes. 

Letztlich wird die bürgerliche Suppenschüssel verändert in den menschlichen Alltag reintegriert. Ihre grobschlächtige Form bricht mit den normalen Essgewohnheiten, es wirkt so als wäre sowohl wortwörtlich als auch metaphorisch ein Blitz durch den Familien Tisch gefahren, hätte Perversionen aufgedeckt und die Wahrnehmung verändert. 

The word hybris is ancient Greek for an arrogance that often has a tragic outcome. By combining a soup bowl with a lightning conductor I´m creating a tool that expresses that arrogance. 

You can trigger lightning with special rockets. If lightning hits sand it often produces fulgurites which is sand melted into glass. My hybrid combines those two aspects. The user triggers lightning towards a specific point where it melts the sand around a wire structure. By this method an industrial plate can turn into an abstract artifact within seconds or a new object can be created. 

 

Swarm Lamp | Julius Führer

 

Swarm Lamp

Vermutlich ist die Glühlampe zu einem der allgegenwärtigsten und alltäglichsten Objekte für uns geworden. Die flächendeckende Nutzung von Licht in Form der elektrischen Glühlampe steht heute noch für die Verschiebung unserer natürlichen Schlaf- und Wachzeiten. Wir sind nicht mehr gebunden an die Tageszeiten. Die Menschen haben den Tag künstlich verlängert und die Nacht erhellt.

Allerdings sind wir nicht die einzigen Lebewesen, die auf das elektrische Licht reagieren. Während Motten sich normalerweise  am Mond orientieren und in einem bestimmten Winkel zu dieser Lichtquelle fliegen, werden sie von unserem elektrischen Licht abgelenkt und orientieren sich an diesem. Durch die kleinere Distanz fangen sie nun an sich kreisförmig um die elektrische Lichtquelle zu bewegen.

Das Verhalten von Schwärmen war lange schwierig zu erforschen und reichte von Überlegungen des Übernatürlichen, Telekinese zu Anführern innerhalb des Schwarms. Durch Computersimulationen gelang es die natürlichen Kräfte, die im Schwarm wirken besser zu verstehe und auch die Erforschung in der Natur wurde dadurch beeinflusst.

Was passiert, wenn man beides verbindet? Das simulieren eines Schwarms und die Anziehung von Motten zum elektrischen Licht? Welche Formen können sich durch solche Simulationen im digitalen Raum ergeben und lassen sich diese eventuell als neues Leuchtmittel nutzen?

The light bulb has probably become one of the most ubiquitous and everyday objects for us. The widespread use of light in the form of the electric light bulb still represents the shift in our natural sleeping and waking hours. We are no longer bound to the times of day and night. People have artificially extended the day and illuminated the night.

However, we are not the only living beings that react to electric light. While moths normally orient themselves by the moon and fly at a certain angle to this light source, they are deflected by our electric light and orient themselves by it. Because of the smaller distance they now start to move in a circle around the electric light source.

The behaviour of swarms has long been difficult to research, ranging from considerations of the supernatural, telekinesis to leaders within the swarm. Through computer simulations, it was possible to better understand the natural forces at work in the swarm and this also influenced the research of natural swarm behaviour.

What happens when you combine the two? The simulation of a swarm and the attraction of moths to electric light? What shapes can be created in a digital space by such simulations and could they possibly be used as a new light source?)

 

Prozess

 

THE GOOD CAUSE

We choose a good cause where your extra gift to our gifts will go:

PASS THE CRAYON

Pass the Crayon is a Berlin based non profit organization that fosters self-expression through art workshops for refugee kids.
Their mission is to facilitate the integration of refugee children using art as a way of growing their social and emotional skills. Through creative group activities, Pass the Crayon helps build the self-confidence, self-awareness, and relationship building skills needed in order to integrate into a new society. Pass the Crayon believes in stimulating the creativity innate within all children to help them overcome challenges and be full members of society.

Agnes, Anna, Isabel, Lisa Marie & Xueqi​

Wir haben uns für einen guten Zweck entschieden, bei dem Ihr zusätzliches Geschenk für unsere Geschenke verwendet wird:

PASS THE CRAYON

Pass the Crayon ist eine gemeinnützige Organisation, die mit Kunstworkshops die kreative Selbstentfaltung von geflüchtete Kinder fördert.
Ihr Ziel ist es, die Integration von Flüchtlingskindern zu fördern, indem wir die soziale und emotionale Entwicklung der Kinder unterstützen. Dazu nutzen wir Kunst. Die kreativen Gruppenarbeiten von Pass the Crayon helfen den Kindern, selbstbewusster und selbstsicherer zu werden. Eigenschaften, die sie brauchen, um sich in eine neue Gesellschaft zu integrieren. Pass the Crayon glaubt, dass alle Kinder über eine angeborene Kreativität verfügen, die ihnen hilft, Schwierigkeiten zu überwinden und ein vollständiges Mitglied unseren Gesellschaft zu werden.

> read more on how you give to Pass the Crayon

No Bulb | Julius Führer

 

NO BULB

Vermutlich ist die Glühlampe zu einem der allgegenwärtigsten und alltäglichsten Objekte für uns geworden. 

Auch wenn Thomas Edison nicht der eigentliche Erfinder war, so zählt seine Glühlampe als die erste praktisch nutzbare, was glücklicherweise mit dem Ausbau vom und des besseren Zugangs für viele Menschen zum Stromnetz zusammen fiel.

Vielleicht liegt es auch and dieser Innovation, dass die Form der Glühlampe das Symbol für die Idee oder den Einfall im Sinne des Lichtaufgehens bis heute bestand hat.

Die grundlegende Form des Kolbens – die Birnenform (, die auf die weitere gängige Beschreibung weist)- blieb bestehen, während die traditionelle Glühlampe mit Kohleleitern in einem evakuierten Glaskolben immer weiterentwickelt wurde: zur Lampe mit Wolframwendel und mit Schutzgas gefüllt, zur Halogenlampe, sie wurde energiesparender, es gibt sie in verschiedenen Formen, Farben, verspiegelt usw., selbst die heute verbreiteten LEDs erinnern an die ursprüngliche Form und auch der von Edison entwickelte Schraubsockel ist immer noch vorhanden.

Durch das Auflösen dieser Form und durch neue Herangehensweise und technologische Mittel ließen sich jedoch ganz neue Formen der Glühlampe gestalten, die dadurch auch das anschließende Verdecken durch einen designten Lampenschirm nicht mehr nötig erscheinen lässt.

The light bulb has probably become one of the most ubiquitous and everyday objects for us. 

Even if Thomas Edison was not the actual inventor, his light bulb counts as the first practically usable one, which fortunately coincided with the expansion of and better access for many people to the electricity grid.

Perhaps it is also due to this innovation that the shape of the bulb has remained the symbol of the idea.

The basic shape of the bulb has remained, while the traditional lamp with carbon conductors in an evacuated glass bulb has been developed further: to the lamp with a tungsten filament and filled with inert gas, to the halogen lamp, it became more energy-saving, it exists in different shapes, colours, mirrored etc., even the LEDs, which are widely used today, remind us of the original shape and the screw base developed by Edison is still there.

However, by dissolving this shape and by new approaches and technological means, it is possible to create new shapes of the bulb, which means that even the subsequent concealment by a designed lampshade is no longer necessary.

 

VISITING CRITIC: Anna Badur | SuSe 2020

17 July 2020
Bikini Berlin

Anna Badur studied at the renowned Design Academy in Eindhoven. She has received multiple awards and prizes, and her work has been exhibited at several museums and international design events. Badur grew up in East Frisia on the North Sea, and her work testifies to a deep engagement with the sea, nature and the strong influences of the weather. She cooperates with craftsmen, architects, shops, restaurateurs and companies worldwide.

Badur combines creative independent work with commissioned projects, always at the intersection of industrial and one-of-a-kind production. In artistic experiments and by hand, she explores porcelain, textiles and natural stone, demonstrating an eye for color, shape and texture. Her designs are characterized by a fine sense of the essential as well as the highest demands on functionality and practicability. She celebrates the hand of the maker and the beauty of the unique while simultaneously crafting processes that ensure effective repetitive creation. This is how Anna Badur realizes inspiring objects – from initial concept to prototype construction and ultimately series production.

Today Anna Badur lives and works in Berlin. She  combines creative independent work with commissioned projects, always at the intersection of industrial and one-of-a-kind production. Partly she takes care of sales and production of her own collection and recently she connected her online shop GUTES FÜR GUTES a donation initiative by independent designers.

She is  a visting guest to the Talking Shop project at Bikini Berlin in July 2020 inform herself about the student projects and exchange her experiences with them

www. annabadur.de

 

OUR REBELLIOUS PROPOSAL TO PAY

We
we design but,
we aim for design to me more than an aesthetic achievement.
we want to explore the value of products and the price people are willing to pay

You
do you like to buy cheap? (like many of us) but,
do you reflect and know what you than pay for or not pay for?
do you know what it costs to realise the products you buy?

We all consume and buy but, what do we really need?
would you be interested to buy less and pay more?
would you be interested to do so and make the world a better place?

How much are you willing to pay? 
The fixed price so all and everyone is paid
10% more, to make the world a better place
50% more, to make the world a better place
100% more, to make the world a better place

With every gift you buy,
you decide what you want to give extra.
Your optional donation on top of the fixed price goes to passthecrayon.com, a Berlin non-profit organisation that fosters self-expression through art workshops for refugee kids.

Agnes, Anna, Isabel, Lisa Marie & Xueqi

Wir
wir entwerfen aber,
wir sehen Design als mehr dann eine ästhetische Leistung
wir wollen den Wert von Produkten und den Preis untersuchen, den die Menschen bereit sind zu zahlen

Du
kaufst du gerne günstig? (wie viele von uns) aber,
denkst du darüber nach und weisst du, wofür du zahlst oder nicht zahlst?
weisst du was es kostet, um die Produkte zu realisieren, die du kaufst?

Wir alle konsumieren und kaufen, aber was brauchen wir wirklich?
möchtest du weniger kaufen und mehr bezahlen?
möchtest du die Welt dadurch zu einem besseren Ort machen?

Wie viel bist du bereit zu zahlen?
Der Festpreis womit alles und jeden bezahlt ist
10% mehr, um die Welt zu einem besseren Ort zu machen
50% mehr, um die Welt zu einem besseren Ort zu machen
100% mehr, um die Welt zu einem besseren Ort zu machen

Mit jedem Geschenk
entscheidest du, was du extra schenken willst.
Dein optionale Spende zusätzlich zum Festpreis geht an passthecrayon.com, eine Berliner gemeinnützige Organisation, die durch Kunstworkshops für Flüchtlingskinder die Selbstdarstellung fördert.

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ZU IHRER MENARCHE | Paulina Heinz

 

Menarch cup der Kaiserin Helena von Willendorf-Österreich III

Stell dir eine Welt vor, dessen Gesellschaften historischer Weise von matriarchalischen Werten und Systemen geprägt sind. Und stell dir vor, dass die Tage, Wochen, Monate und Jahre nicht nach den Zyklen des Mondes und der Sonne bestimmt werden, sondern nach dem Menstruationszyklus der herrschenden Frauen. Wie würde ein historisches Artefakt dieser Welt aussehen?

Imagine a world in which societies are heavily defined by historically matriarchal values and norms. And imagine that the ways in which we measure and record our days, weeks, months and years is not defined by the cycles of the moon and the sun, but of the menstrual cycle of the reigning women. What would a historical artefact of this system look like? 

 

BAMBI – € 223,00

I like BAMBI and Want to buy it:

• I pay the fixed price OF € 223,00 – So all and Everyone is paid
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• I pay 10% more:
€ 245,30 – to make the world a better place
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• I pay 50% more:
€ 334,50 – to make the world a better place
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• I pay 100% more:
€ 446,00 – to make the world a better place
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ON BAMBI

Out of stained pine Bambi is  a stool for lending an ear.

Sitting down to a person and listening with full attention and an open heart can be a strong gift. This stool allows the listener to place his arms comfortably on the handle in front, the back can relax and the focus is free to follow the one who is spilling the heart.

Isabel Meierkoll

ÜBER BAMBI

Aus glasiertem Kiefer ist Bambi ein ein Stuhl für aktives Zuhöhren.

Sich an eine Person zu setzen und mit voller Aufmerksamkeit und offenem Herzen zuzuhören, kann ein starkes Geschenk sein. Dieser Hocker ermöglicht es dem Hörer, seine Arme bequem auf den Griff vorne zu legen, der Rücken kann sich entspannen und der Fokus ist frei, demjenigen zu folgen, der das Herz verschüttet.

 

LOVE ROCKS – € 165,00

I like LOVE ROCKS and Want to buy it:

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€ 181,50 – to make the world a better place
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ON LOVE ROCKS

Made out of Paulownia wood Love Rocks is a rocking bench for lovers. All couples from newly wedds to just retired ones are invited to sit down and cuddle.

The low height of the bench allows you to step out of daily routines, change perspective and get even a bit childish…do you hear the rocking sound, love?

Isabel Meierkoll

ÜBER LOVE ROCKS

Hergestellt aus Paulownia-Holz ist Love Rocks eine Schaukelbank für Verliebte. Alle Paare, von frisch verheirateten bis zu pensionierten, sind eingeladen, sich zu setzen und zu kuscheln.

Die niedrige Höhe der Bank ermöglicht es Ihnen, aus dem Alltag auszusteigen, die Perspektive zu wechseln und sogar ein bisschen kindisch zu werden … hören Sie das Schaukeln, Liebes?

RITUAL CREME DROPS – € 19,00

I like CREME DROPS and Want to buy it:

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€ 20,90 – to make the world a better place
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€ 28,50 – to make the world a better place
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€ 38,00 – to make the world a better place
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ABOUT RITUAL CREMEDROPS

Ritual Creme Drops are an aromatic experience for body and mind.

These solid creme drops consist out of natural ingridients; beewax, cocoa butter, coconutoil and volatile oil, and offer a moment of break. You are welcome to lay back, connect with yourself and enjoy the soothing or refreshing aroma while using the cream drops on your hands, feet or your body.

Compared to a precious body oil that has the tendency to wait for a special occasion to be used, these portionized drops are supposed to entice you to find the moment of self confidence and celebration in your daily routines.

Isabel Meierkoll

ÜBER RITUAL CREME DROPS

Ritual Creme Drops sind ein aromatisches Erlebnis für Körper und Geist.

Diese festen Cremetropfen bestehen aus natürlichen Inhaltsstoffen; Bienenwachs, Kakaobutter, Kokosnussöl ,und flüchtiges Öl bieten einPausemoment. Sie können sich gerne zurücklehnen, sich mit sich selbst verbinden und das beruhigende oder erfrischende Aroma genießen, während Sie die Cremetropfen auf Ihre Hände, Füße oder Ihren Körper auftragen.

Im Vergleich zu einem kostbaren Körperöl, das die Tendenz hat, auf die Verwendung eines besonderen Anlasses zu warten, sollen diese portionierten Tropfen Sie dazu verleiten, den Moment der Selbstbewusstsein und des Feierns in Ihrem Alltag zu finden.

PICPIC – € 24,00

I like PICPIC and Want to buy it:

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€ 26,40 – to make the world a better place
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€ 48,00 – to make the world a better place
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ABOUT PICPIC

Made of chromated steelwire PicPic is a small garbage collector – to go on a keyring.

It is developed for everyone who loves to spent time in the green and has experienced how annoying it can be to get confronted with unpleasant leftovers by previous park visitors. Even if one would be willing to remove the trash, it ́s not nice to touch it with bare hands. Most likely there is also no suitable picking tool around…

PicPic on your keyring , helps you to be in charge of these situations, so you can have the best time ever out in nature. And nature surely appreciates it!

Isabel Meierkoll

ÜBER PICPIC

PicPic aus verchromtem Stahldraht ist ein must have Müllsammelzange – für einen Schlüsselring.

Es wurde für alle entwickelt, die gerne Zeit im Grünen verbringen und erfahren haben, wie ärgerlich es sein kann, von früheren Parkbesuchern mit unangenehmen Resten konfrontiert zu werden. Selbst wenn man bereit wäre, den Müll zu entfernen, ist es nicht schön, ihn mit bloßen Händen zu berühren. Höchstwahrscheinlich gibt es auch kein geeignetes Kommissionierwerkzeug in der Nähe …

PicPic auf Ihrem Schlüsselbund hilft Ihnen dabei, diese Situationen zu meistern, damit Sie die beste Zeit in der Natur verbringen können. Und die Natur weiß das zu schätzen!

 

MISCHWALD – € 65,00

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ON MISCHWALD

Forests are the basis of all life. The trees bind CO2, clean our groundwater and provide a habitat for a diverse flora and fauna.

In the past few years, Germany has lost hundreds of thousands of hectares of forest to drought, extreme weather conditions and pests. The Mischwald project contributes to the reforestation of healthy and climate-resistant mixed forests that preserve our domestic ecospheres.

With the purchase of a brooch, the Mischwald project in cooperation with Bergwaldprojekt e.V. is planting a native tree in Germany.

Anna Koppmann

ÜBER MISCHWALD

Wälder gehören zur Basis allen Lebens. Die Bäume binden CO2, reinigen unser Grundwasser und bieten Lebensraum für eine vielfältige Flora und Fauna.

In den vergangenen Jahren hat Deutschland hunderttausende Hektar Wald an Dürre, extreme Wetterbedingungen und Schädlingsbefall verloren. Das Projekt Mischwald trägt zur Aufforstung gesunder und klimaresistenter Mischwälder bei, die unsere heimischen Ökosphären erhalten.

Mit dem Kauf einer Brosche pflanzt das Projekt Mischwald in Kooperation mit dem Bergwald e.V. einen standortheimischen Baum in Deutschland.

MODULAR CANDLES – € 75,00

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ON CIAO

Modular candles contains a set of 15 pieces of wax that come in different shapes and sizes. By piling these up onto a wick the customer is able to create various candle silhouettes.

The product offers a playful way to experiment with shapes and color. It supports creativity, ensures fun and also excitement while watching the burning of your own candle creations. 

Anna Koppmann

ÜBER CIAO

Modular Candles enthält ein Set, das aus 15 Wachteilen verschiedener Formen und Farben besteht. Durch das Aufstapeln der Wachsformen auf einen Docht, können viele verschiedene Kerzen-Silhouetten entstehen gestaltet werden.

Das Produkt bietet eine spielerische Möglichkeit, mit Formen und Farben zu experimentieren. Es unterstützt die Kreativität und sorgt für Spaß und Spannung beim Abbrennen der eigenen Kerzenkreationen.

SHARING STOOL – € 148,00

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€ 162,80 – to make the world a better place
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€ 222,00 – to make the world a better place
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ABOUT SHARING STOOL

Would you like to share the chair with your cat? Or share that space with them without interfering with each other?

Sharing Stool is a stool that can help you solve problems. It can not only provide the cat with space to rest, but also make it close to you. When you read a book or drink coffee, your cat will be under your feet.

Xueqi Huangfu

ÜBER SHARING STOOL

Möchten Sie den Stuhl mit Ihrer Katze teilen? Oder wollen Sie mit ihnen Raum teilen, ohne sich gegenseitig zu stören?

Sharing Stool ist ein Hocker, der Ihnen helfen kann das  Problem zu lösen. Es kann der Katze nicht nur Platz zum Ausruhen geben, sondern auch in Ihrer Nähe. Wenn Sie ein Buch lesen oder Kaffee trinken, wird Ihre Katze unter Ihren Füßen sein.

 

CIAO – € 10,00

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ON CIAO

Do you know that some of your actions have led to the extinction of some animals around you?

Yes, the fish in the river in the park. You may think they are ordinary, but they are slowly disappearing. We always advocate protecting the environment and controlling the extinction of species, but do we really know the creatures closest to us? no, we don‘t.

Ciao means hello and goodbye. When you see this puzzle, it may be the first time you know these fish, but maybe it will be the last time.

Xueqi Huangfu

ÜBER CIAO

Wissen Sie, dass einige Ihrer Handlungen zum Aussterben einiger Tiere um Sie herum geführt haben?

Ja, der Fisch im Fluss im Park. Man mag sie für gewöhnlich halten, aber sie verschwinden langsam. Wir sind immer dafür, die Umwelt zu schützen und das Aussterben der Arten zu kontrollieren, aber kennen wir wirklich die Kreaturen, die uns am nächsten stehen?

Ciao bedeutet Hallo und Auf Wiedersehen. Wenn Sie dieses Puzzle sehen, kann es das erste Mal sein, dass Sie diese Fische kennen, aber vielleicht wird es das letzte Mal sein.

SENSE – € 28,00

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€ 56,00 – to make the world a better place
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ON SENSE

Time flies, especially the time you take for yourself. SENSE is a gift to yourself.

The solid perfume works with essential oils that affect our body and mind. They help to relax, have a warming effect and can relieve pain. This creates an aromatic and physical ritual to take a break in the fast-paced times.

Sense can be applied to various parts of the body. Using it opens a time window in which you consciously perceive your body and yourself.

Lisa Marie Böhm

ÜBER SENSE

Zeit vergeht so schnell und gerade die, die man sich für sich selbst nehmen möchte. SENSE ist ein Geschenk an dich selbst.

Das feste Parfum arbeitet mit ätherischen Ölen, die unseren Körper aber auch unseren Geist beeinflussen. Sie helfen beim Entspannen, haben einen wärmenden Effekt oder lindern Schmerzen. So wird ein aromatisches und körperliches Ritual geschaffen, um sich in der schnelllebigen Zeit auch mal eine Pause zu nehmen.

Sense kann an verschiedensten Körperstellen aufgetragen werden und öffnet ein Zeitfenster, in dem man sich und seinen Körper bewusst wahrnimmt.

 

Talking Fashion bei ‚Kunst Raum Stadt‘

 Ausstellung von theoretischen Arbeiten zur Mode

Vitrine am Konzertsaal Hardenbergstraße 33
16. – 17.07. 2020     jeweils 10 – 22 Uhr 

 

Im Rahmen der (Kunst)Demonstration ‚Kunst Raum Stadt‘ stellen Jasmin Halama, Louis. A Krüger und Laura Talkenberg Auszüge ihrer theoretischen Arbeiten vor, die in geistes- & kulturwissenschaftlichen Seminaren bei Prof.Dr. Ingeborg Harms entstanden sind.

Die vollständigen Arbeiten befinden sich hier zum nachlesen. 

Laura Talkenberg

Louis A. Krüger

Jasmin Halama

Die Vitrine ist entstanden durch den grafischen Entwurf der Tutorinnen Clara Bageac und Nataliya Susyak
mit künstlerischen Mitarbeiterinnen Alex Börner und Evelyn Sitter.

 

 

Trans Form | Lilli Kern

Wasserlast

Reflektionsfläche

Frühling

Scoliose

Umkehr

Überfokussierung

Provokation

Eigener, fremder Blick

 

Prozess

KITCHEN CRAFTS bei ‚KUNST RAUM STADT’@ Vitrine designtransfer

Kitchen Crafts untersucht die Potentiale des heimischen Umfelds für das textile Experiment. In online/offline Workshops plissieren und weben wir Stoffe und Objekte. Dabei lassen wir uns von der Improvisation mit Mitteln und Materialien, die wir in unserem Zuhause finden, leiten und steuern.

Plissee ist eine textile Technik, die auch heute noch handwerklich in Werkstätten und Ateliers praktiziert wird. In diesem Workshop erkunden wir das Plissieren mit Papierformen und Wasserdampf, falten gemeinsam Papier und fixieren gefaltete Stoffe im Kochtopf oder Backofen. Im zweiten Teil experimentieren wir mit Materialien und Formen aus unserem Umfeld.

Im zweiten Workshop suchen wir experimentelle Strecken und Verbindungen für das Erstellen von Geweben unter Stühlen und Tischen, im Backblech, von Kühlschrank-Griff zur Waschmaschine. Falls räumlich möglich können die Arbeiten installiert bleiben und von Zeit zu Zeit wachsen. Hybride Techniken dürfen gerne hinzugezogen werden.

EN Kitchen Crafts investigates the potential of the home for the textile experiment. In online/offline workshops we pleat and weave cloth and textile artefacts. Our process is guided by improvising with materials and tools we find in our homes.

Pleating is a textile technique that, even today, is still done manually in crafts studios. In this workshop we explore pleating using paper moulds and steam. Together, we fold paper and fix the folded fabrics in pots or ovens. In the second part we experiment with non-textile materials and unusual moulds found in our home environment.

In the weaving workshop we experiment with alternative and experimental ways for building a loom at home. We connect the warp threads to chairs and tables, baking trays, refrigerators and washing machines. If possible, our looms can remain installed and the fabric grow over time. We explore combining textile and non-textile materials.

Teilnehmer: Charlotte Achterkamp, Haleh Afshar, Faris Al-Qaiwani, Clara Bageac, Philine Johanna Beutel, Joy Braun, Frederik Britzlmair, Patrick Engelmayer, Fanny Freundner, Maurice Gerlach, Lara Geyer, Titia Grefe, Philip Gultschewski, Mona Gutheil, Pia Alexa Haase, René Habeth, Roya Maria Haupt, Karl Caspar Hoess, Tim Lennart Keuschnig, Sezgin Kivrim, Erika Körner, Maike Lauber, Lisa Marie Elke Meier, Lukas-Maximilian Mogwitz, Linus Nicholson, Leon Antal Parcsami, Minji Park, Luzie Richter, Justin Rivera, Miriam Kuna Schade, Melanie Schill, Lenard David Schnitzler, Michael Sieweke, Katharina Spitz, Laurin Stecher, Nataliya Susyak,
Laura Talkenberg, Marie Trabandt, Camilla Volbert, Philip Jasper Welp, Emily Zanon

Lehrende: Berit Greinke, Evelyn Sitter.

Plissieren Foto © Titia Grefe

Teil von KUNST RAUM STADT 16. und 17. Juli

Achtung! Bitte haltet unbedingt die Hygieneregeln ein: Tragt Masken, haltet Abstand und bleibt in Bewegung, um keine großen Menschenansammlungen entstehen zu lassen.

16. Juli – 15. Oktober 2020, 24/7, designtransfer, UdK Berlin, Aussenvitrine, Einsteinufer 43
Performance Donnerstag 16.7. 18-20 Uhr

BOCKBANK – € 65,00

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ABOUT BOCKBANK

Trestles are very convenient. A table can be set up and dismantled in a few mo- ments and stowed away to save space.
Bockbank is a set of two trestles. You can use a board to sit, which you already have. It should be about 30cm wide.

The Bockbank trestles follow the same principle. However, they form the basis for a bench. The trestles are set up and a board is pushed through the rope. The rope stabilizes both the trestle itself and the board on top.

The rope is not just holding together the bench. When the trestles are folded, the rope becomes a shoulder strap. Like this they can easily be hung over the shoulder and transported. For example to a picnic in the parc.

Agnes Kelm

ÜBER BOCKBANK

Böcke sind praktisch. In wenigen Augenblicken ist ein Tisch aufgebaut und wieder abgebaut und platzsparend verstaut.
Bockbank ist ein Set aus zwei Böcken. Zum Sitzen kann man ein Brett benutzen, was man schon hat. Es sollte etwa 30cm breit sein.

Die Bockbank Böcke verfolgen das gleiche Prinzip. Sie bilden jedoch die Basis für eine Bank. Die Böcke werden aufgestellt und ein Brett aufgelegt. Das Seil hält das Brett in Position und stabilisiert gleichzeitig die Böcke.

Das Seil hält nicht nur die Bank zusammen, in zusammengeklapptem Zustand dient es als Tragegurt. So können die Böcke einfach über die Schulter gehängt und transportiert werden. Zu Freunden oder in den Park zum Picknick.

 

MATCH – € 12,00

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ABOUT MATCH

In pre-industrialized times, matches were mostly made in the homes of the workers.

The Match torch refers to this. In a lokal carpentry rods from softwood are cut and then at home wrapped in cotton strips that are soaked in wax. The wax comes from the remains of candles.

The wooden stick is untreated – it can go into a campfire, garden or household waste after the torch has burned down.

Agnes Kelm

ÜBER MATCH

Streichhölzer wurden in vorindustrialisierter Zeit meist in Heimarbeit hergestellt.

Match nimmt darauf Bezug. Von einer lokalen Tischlerei werden Stäbe aus Nadelholz zugeschnitten und anschließend in Heimarbeit mit in Wachs getränkten Baumwollstreifen umwickelt.

Das Wachs stammt von Kerzenresten. Der Holzstab ist unbehandelt und kann, nachdem die Fackel abgebrannt ist, ins Lagerfeuer, den Garten oder den Hausmüll.

 

Zine.Ria | Tomma Suki Hinrichsen | 2020

 

Zine.ria – zinnieren für eine bessere Welt | Bachelorarbeit 2020

Zine.ria ist ein frisch gegründeter Zine-Verlag aus Berlin. Wir gestalten und publizieren Zines: Bunte Hefte, die von selbsternannten Autor*innen hergestellt und in kleinen Auf- lagen veröffentlicht werden. Die vielen unterschiedlichen Geschichten und Visionen, die immer aus der Perspektive der Autor*innen selbst erzählt werden, bieten einen poeti- schen Zugang zu den Themen Stadt und Commons. Es geht hierbei nicht darum, konkrete Nutzungskonzepte für Orte zu erstellen, sondern vielmehr um einen individuellen Blick und die assoziative Ebene der Transformation. Die Zine.ria hat sich am Tempelhofer Flughafen niedergelassen und bietet die Möglichkeit diesen Ort zu erkunden und über ihn zu schreiben, zu zeichnen und zu dichten. 

Der Verlag hat sich aus Rücksicht auf die Umwelt auf Online- Zines spezialisiert, veröffentlicht aber auch Zines im Rahmen von Ausstellungen und/oder zu besonderen Anlässen. Zine.ria bietet Workshops an und ist selbst auch eine lernende Organisation. In den Workshops wird kein Wissen patentiert sondern wild weitergegeben. So kann jedes erstellte Zine wieder zu Collage-Material und somit kreative Anregung für neue Zines werden. 

Jede*r kann zinnieren und jedes Zine hat seine Nische!

Zineria is a newly founded Zine publishing house from Berlin

We design and publish zines: colorful magazines that are published by self-appointed authors. The many personal stories and visions, always told from the perspective of the authors themselves are creating visions and dreams for public space. The Zineria has settled at Tempelhof Airport and offers the opportunity for sharing thoughts and ideas about that place.

The Zineria has specialized in online zines out of consideration for the environment, but also publishes zines in the context of exhibitions and/or on special occasions. Zineria offers workshops and is itself also a learning organisation. In the workshops no knowledge is patented but wildly passed on. So every created zine can become collage material again and thus creative inspiration for new zines.

 

Prozess

      

 

WRAP IT! – € 27,00

 

  • I like WRAP IT! and Want to buy it:

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ON WRAP IT!

Whether for a birthday, Christmas or Easter – the packaging waste piles up. Many people keep wrapping paper for reuse. Unfortunately, the material isn’t perfect for this, adhesive tape, folds and ribbon leave their marks.

The project Wrap It! offers a sustainable alternative for gift wrapping and builds on the traditional Japanese fabric packaging Furoshiki.

In contrast to conventional wrapping paper, the fabric packaging can be reused as often as you like. The various geometric shapes and cheerful colors creates a pattern, which can be used as a playful guide for various packaging techniques.

Lisa Marie Böhm

ÜBER WRAP IT!

Ob zum Geburtstag, zu Weihnachten oder zu Ostern – es häuft sich der Verpackungsmüll. Viele Leute heben Geschenkpapier auf, um es wiederzuverwenden. Leider ist das Material nicht perfekt dafür geeignet, Klebeband, Knicke und Geschenkband hinterlassen ihre Spuren.

Das Projekt Wrap It! bietet eine nachhaltige Alternative zum Geschenke verpacken und knüpft an die traditionelle japanische Stoffverpackungstechnik Furoshiki an.

Im Gegensatz zu herkömmlichen Geschenkpapier, lässt sich die Stoffverpackung beliebig oft wiederverwenden.
Die verschiedenen geometrischen Formen und fröhlichen Farben bilden ein Muster, welches als spielerische Anleitung für verschiedenste Verpackungstechniken genutzt werden kann.

 

 

BOOK STOOL – € 97,00

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ON BOOK STOOL

Who doesn’t know it: Books you like to read are not placed on a shelf. They lie all over the apartment, on tables, shelves or stools and take up space.

Book Stool is a stool that supports the topic of intuitive storage and gives our books we are reading a place. At the same time, it retains its function as a stool and offers a seat when there aren’t enough chairs.

Lisa Marie Böhm

ÜBER BOOK STOOL

Wer kennt es nicht: Bücher, die man lesen mag, stellt man nicht in sein Regal. Sie liegen in der ganzen Wohnung herum, auf Tischen, Regalen oder Hockern und nehmen Platz weg.

Book Stool ist ein Hocker, der sich mit dem Thema des intuitiven Ablegens auseinandersetzt. Er unterstützt dies und schenkt unseren Büchern, die wir lesen, einen Platz. Gleichzeitig behält er seine Funktion als Hocker und bietet eine Sitzgelegenheit, wenn mal ein Stuhl zu wenig vorhanden ist.

 

 

PROJECT BACKGROUNDS

Berlin 9 July 2020

Launching 16 July 2020 at Bikini Berlin, GIFT REBELS  is a new design collection and experimental retail concept designed and organized by five design students enrolled in the recent Talking Shop course in the Time of Corona at Berlin University of the Arts (UdK).

Aiming for more than mere aesthetic achievement, this design project encompasses objects and furniture intended to be given as gifts while exploring the value of products and the prices consumers are willing to pay for them. At the same time, it intends to inspire purchasers and end users to reflect on the roles they play in making the world a better place.

In the Times of Corona the course and project have been led entirely online by designers Ineke Hans and Maciej Chmara with an introduction by UK based designer Tord Boontje, communication workshops with Berlin based Anna Carnick and Miami based Wava Carpenter (anava projects) and a visit from Berlin designer Anna Badur.

contact:

Berlin 9. Juli 2020

Am 16. Juli 2020 wird das Projekt GIFT REBELS im Bikini Berlin präsentiert. Es setzt sich zusammen aus einer neue Designkollektion und einem experimentellen Einzelhandelskonzept, welches von fünf Designstudenten entworfen und organisiert wurde. Der Ursprung der Ausstellung liegt im Kurs Talking Shop Kurs an der Universität der Künste Berlin (UdK).

Bei dem Projekt geht es um mehr als nur um Ästhetik. Die Objekte und Möbel, sind als Geschenke konzipiert und es soll in Erfahrung gebracht werden, wieviel der Käufer für das Produkt gewillt ist zu zahlen. Käufer sollen angeregt werden über ihre Rolle als Konsumenten nachzudenken, und eruieren ob man durch eine bewusste Form von Konsum und ein Wertbewusstsein die Welt ein wenig verbessern kann.

In der Zeit von Corona wurden der Kurs und das Projekt vollständig online von den Designern Ineke Hans und Maciej Chmara geleitet, mit einer Einführung des britischen Designers Tord Boontje, Kommunikationsworkshops mit der in Berlin ansässigen Anna Carnick und Wava Carpenter die in Miami lebt (anava-projects) und ein besuch von Berliner Designerin Anna Badur.

> DIRECT TO THE GIFT REBELS

GIFT REBELS INVITE TO BIKINI

TALKING SHOP
– shop test –

An experimental retail concept & design collection by UdK students that proposes a new way to shop:
exploring the value of products and dedicated to gifts that are meaningfull and do good

YOU ARE INVITED

Bikini House, west entrance (kino)
Budapester Str. 38-50, 10787 Berlin
Opening Hours: 16 July, 16:00-21:00 & 17 July, 10:00-16:00

Designs by Lisa Böhm, Xueqi Huangfu, Agnes Kelm, Anna Koppmann, and Isabel Meierkoll
from the Talking Shop course in the Time of Corona at Berlin University of the Arts (UdK).

Purchase for altruism and contribute to www.passthecrayon.com
Follow Gift Rebels on Instagram at @udk_designandsocialcontext
Learn more at
Special thanks to Bikini Berlin for graciously hosting us.

TALKING SHOP is part of the UdK Berlin Demonstration 
KUNST RAUM STADT – Eine demonstration für die Künste in Zeiten der Krise www.udk-berlin.de/kunst-raum-stadt
and a result of our semester project: TALKING SHOP – love in times of Corona

> DIRECT TO THE GIFT REBELS

PRESENTS FOR PLANET EARTH

A Present That supports our LOCAL environment MADE IN BERLIn, not only good for your friend but also for society

Giving a gift can be a nice gesture to show someone our appreciation. Does this someone have to be a person? We believe that we should to be more thankful to planet earth.

In daily life there are many ways to value our environment. Most of the time they are connected to respectful behaviour.

We were asking ourselves how a present for planet earth could look like. How can we honor the gifted person as well as the planet? Is it a practical tool to actively change some- thing or is is a tool to raise awareness?

Agnes, Anna, Isabel, Lisa Marie & Xueqi

Ein Geschenk zu geben kann eine nette Geste sein, um jemandem unsere Wertschätzung zu zeigen. Muss das jemand eine Person sein? Wir glauben, dass wir dem Planeten Erde dankbarer sein sollten.

Im täglichen Leben gibt es viele Möglichkeiten, unsere Umwelt zu schätzen. Meistens sind sie mit respektvollem Verhalten verbunden.

Wir fragten uns, wie ein Geschenk für den Planeten Erde aussehen könnte. Wie können wir sowohl die Person, die ein Geschenk bekommt, als auch den Planeten ehren? Ist es ein praktisches Instrument, um etwas aktiv zu verändern, oder ist es ein Werkzeug, um das Bewusstsein zu schärfen?

 

PRESENTS TO USE UP

A USEFULL PRESENT till its end, MADE IN BERLIn, not only good for your friend but also for society 

This topic started from a problem that probably everyone knows: sometimes we get presents that we don’t use because they we either don’t like them or because they are simply decorative objects without any practical use.

Since they were given to us as presents as a nice gesture we do not have the heart to throw them away. As a result they land somewhere on the shelf where they then get dusty.

What a pity!
To avoid this from happening we created a few presents that can be used up.

Agnes, Anna, Isabel, Lisa & Xueqi

Dieses Thema ging von einem Problem aus, das wahrscheinlich jeder kennt: Manchmal bekommen wir Geschenke, die wir nicht verwenden, weil sie uns entweder nicht gefallen oder weil sie einfach dekorative Objekte ohne praktischen Nutzen sind.

Da sie uns als nette Geste geschenkt wurden, haben wir nicht das Herz, sie wegzuwerfen. Infolgedessen landen sie irgendwo ins Regal, wo sie dann staubig werden.

Das ist aber schade!
Um dies zu vermeiden, haben wir einige Geschenke erstellt, die aufgebraucht werden können.

Agnes Kelm

“I want to create objects with impact that help people to actively adapt their environment in the best way.”

Born in Berlin, Agnes is a product design student at UdK. Playful and well crafted, her work is influenced by considerations for the earth, culture, and society and is inspired by her regular walks through nature and the city.

Her designs for the Gift Rebels collection include Matchfackel, Bock Bank and Sticking Birds.

“Ich möchte Objekte mit Einfluss schaffen, die den Menschen helfen sollen, ihre Umgebung optimal zu formen.”

Agnes wurde in Berlin geboren und studiert Produktdesign an der UdK. Verspielt und gut verarbeitet, wird ihre Arbeit von Gedanken zu Umwelt, Kultur und Gesellschaft beeinflusst. Inspiration findet sie in Spaziergängen durch Stadt und Land .

Zu ihren Entwürfen für die Gift Rebels-Kollektion gehören die Matchfackel, die Bock Bank und die Sticking Birds.

 

Isabel Meierkoll

“As a privileged person from the western hemisphere and as someone who went through a creative education, I feel a duty to use my skills to invest in a better world.”

Born in Ulm, Isabel studies product design at UdK in Berlin. She originally planned to become a fashion designer, but eventually found textiles to be too narrow a focus and transferred to drama school. After ten years, he returned to design, preferring to make feelings and poetry manifest in physical objects.

Her designs for the Gift Rebels collection include Love Rocks, Bambi Stool, Ritual Retreats, and PicPic.

„Als privilegierte Person aus der westlichen Welt und als jemand, der eine kreative Ausbildung absolviert hat, fühle ich mich verpflichtet, meine Fähigkeiten für eine bessere Welt einzubringen.“

Isabel wurde in Ulm geboren und studiert Produktdesign an der UdK in Berlin. Ursprünglich hatte sie vor Modedesignerin zu werden, empfand jedoch eine zu starke Einschränkung bei Textilien und wechselte in die Schauspielschule. Nach zehn Jahren kehrte sie zum Design zurück und zog es vor, Gefühle und Poesie in physischen Objekten zu manifestieren.

Zu ihren Entwürfen für die Gift Rebels-Kollektion gehören Love Rocks, Bambi Stool, Ritual Retreats und PicPic.

 

Lisa Marie Böhm

“I think it is important to feel comfortable in your environment and skin.”

Lisa is a Berlin-based product design student at UdK. Her work focuses on natural materials and experimentation with simple, organic forms. Her practice is dedicated to creating objects that convey feelings through an imaginative, playful, and honest aesthetic.

Her designs for the Gift Rebels collection include Sense, Book Stool, and Wrap It.

“Ich denke, es ist wichtig, sich in seiner eigenen Haut und der Umgebung wohl zu fühlen.”

Lisa stammt aus Berlin und studiert Produktdesign an der UdK. In ihrer Arbeit konzentriert sie sich auf natürliche Materialien und dem Experiment einfachen, organischen Formen. Sie widmet sich der Schaffung von Objekten, die Gefühle durch eine einfallsreiche, spielerische und ehrliche Ästhetik kommunizieren.

Zu ihren Entwürfen für die Gift Rebels-Kollektion gehören Sense, Book Stool und Wrap It.

 

Anna Koppmann

“Products should be designed in such a way that they bring joy to both the consumer and our planet.”

Born in Munich, Anna studies product design at UdK in Berlin. Understanding environments is often the starting point for her projects. Her aim is to create objects that inspire curiosity and promote knowledge while addressing urgent social and sustainable questions.

Her designs for the Gift Rebels collection include Leaf Brooches and Modular Candles.

“Produkte sollten so gestaltet werden, dass sie sowohl dem Verbraucher als auch unserem Planeten Freude bereiten.“

Die in München geborene Anna studiert Produktdesign an der UdK in Berlin. Das Verständnis für das uns umgebende ist oft der Ausgangspunkt für ihre Projekte. Ihr Ziel ist es, Objekte zu schaffen, die Neugier wecken, Wissen fördern und gleichzeitig dringende soziale und nachhaltige Fragen beantworten.

Zu ihren Entwürfen für die Gift Rebels-Kollektion gehören Blätter Broschen und modulare Kerzen.

 

The Power of Ordinary II | Yuhang Ke

The Power of Ordinary II

Der Spiegel ist ein tägliches Objekt, das durch Lichtreflexion ein Spiegelbild erzeugt. Und es gibt viele Geschichten über Spiegel. Zum Beispiel gibt es eine andere Welt hinter dem Spiegel. Meine Fragestellung ist, wie ein gewöhnliches Alltagsobjekt wie ein Spiegel so verwendet werden kann, dass ein anderes Alltagsprodukt besonders und mehre Sinn gegeben wird aber ohne die Funktion zweiten Objekts zu verlieren. Mit anderen Worten, das ist immer noch ein tägliches Objekt.

The mirror is a daily object that creates a image through light reflection. And there are many stories about mirrors. For example, there is maybe another world behind the mirror. My question is how a normal object such as a mirror can be used in such a way given by another normal object and together multiple the meaning without losing the function of a second object. In other words, it is still a daily object.

 

Spiegel+ Paravent

Der erste Kontext, den ich fand für Spiegel, stammte aus der alten chinesischen Gartentechnologie, es hieß Jie Jing. Er ist ein Konzept für die Gestaltung von Garten. Durch bestimmte architektonische Vorkehrungen können die Menschen viele gestaltete Landschaften im Garten sehen, z. B. man kann den See und die Berge in der Ferne durch das Türloch an einem bestimmten Ort sehen oder durch das Fensterloch an der Promenade verschiedene Teile von dem Garden zu sehen.

Wenn ein Spiegel auf dem Paravent verwendet wird, kann man die Innen- oder Außenlandschaft auf dem Paravent durch die Reflexion des Spiegels ausleihen. Wenn sich der Biegewinkel des Paravents und die Position ändern, ändert sich die Szenerie auf dem Paravent entsprechend. Um den Paravent dynamischer zu gestalten, wird Spionspielfolie verwendet. Wenn das Licht auf einer Seite des Paravents heller ist als auf der anderen Seite, sieht es eher aus wie ein Stück Glas aus der Dunkelseite und aus der hellen Seite wäre es wie ein Spiegel. Wenn die Helligkeit auf beiden Seiten gleich ist, kann man die Objekte hinter dem Paravent und die überlagerte Reflexion vom Spiegel sehen.

Mirror + Folding screen

The first context I found for mirror came from ancient Chinese garden technology, it is called borrowed scenery. It is a concept for garden design. Certain architectural arrangements allow people to see many special landscapes in the garden, e.g. you can see the lake and the mountains in the distance through the door hole in a certain place or through the window hole on the promenade to see different parts of the garden.

If a mirror is used on a folding screen, you can borrow the interior or exterior landscape on the folding screen by reflecting the mirror. If the folding angle of the screen and the position change, the scenery on the screen changes accordingly. In order to make the screen more dynamic, window insulation film will be used. If the light on one side of the screen is brighter than on the other side, it looks more like a piece of glass from the dark side and from the light side it would be like a mirror. If the brightness is the same on both sides, you can see the objects behind the screen and the superimposed reflection from the mirror.

 

Spiegel+Tischware

Der zweite Kontext ist eine alte chinesische Geschichte über den Mond im Weinglas. Der Mond ist ein Symbol für die fehlende Heimatstadt in China. Der berühmteste Ausdruck dabei ist der Mond im Weinglas. Das bedeutet, dass der Dichter den Mond, durch Reflexion in den Wein, durch Phantasie im Glas hatte. Dies schafft eine starke Verbindung zwischen diesem Glas Wein und der Heimatstadt.

Die Methode der Reflexion wird verwandet, um von dieser Geschichte zu übertragen, und wandte ihn auf mehr anderes Geschirr an. Diese Geschichte beschränkt sich nicht mehr nur auf Wein, Weinglas und Mond. Verschiedene Spiegel bringen mehr Geschichten.

Mirror + Tableware

The second context is an ancient Chinese story about drinking the moon in the wine glass. The moon is a symbol of the missing hometown in China. The most famous expression is the moon in the wine glass. This means that the poet had the moon in wine glass by reflection and imagination. This builds a strong connection between this glass of wine and hometown.

The method of reflection can be used to transfer from this story and applied it to more other dishes. This story is no longer limited to wine, wine glass and the moon. Different mirrors bring more stories.

 

Prozess

 

Zeit als Symbol | Elisa Hösch

 

Zeit als Symbol 

Die Silhouette der Sanduhr gehört zum Kanon feststehender Formen. Sie spielt eine entscheidende Rolle in der Symbolik und fungiert als Signifikant für Zeit. Die Sanduhr hat in ihrer Objektbiografie eine Entwicklung vom unverzichtbaren Gebrauchsgegenstand zur höchsten Stufe der Versinnbildlichung durchlaufen. Es ist etwas Seltsames an dem Verständnis von Zeit als Eigentum. Wir geben Dingen Zeit, nehmen uns Zeit für-oder von etwas. Im Endeffekt verwalten wir sie selbstverständlich wie ein uns zugestandenes Kontingent. Dieser Film behandelt unseren metaphorischen Umgang mit Zeit als haptisches Ding, das eigentlich schon immer eine allumfassende Abstraktion bildet.

 

The Power of Ordinary | Yuhang Ke

 

Leave no one behind. | Transformation des Blumentopfs

Unsere Welt ist voller Dinge. Einige Dinge sind für unser Leben von großer Bedeutung, andere für uns attraktiv, aber nach einer Weile werden sie von uns völlig vergessen. Es gibt einige Dinge, die für unser Leben völlig insignifikant sind, obwohl wir jeden Tag mit ihnen verbringen. Diese Dinge nehmen den größten Teil unseres Lebens ein. Dieser Blumentopf ist so ein gewöhnliches Objekt in unserem Leben.

Vor dieser besonderen Epidemie war die Maske nur ein gewöhnliches Objekt wie dieser Blumentopf. Sogar Masken sind oft nur in den Ecken der Regale von Supermärkten oder Apotheken versteckt und werden nicht bemerkt. Jetzt, nach dem Ausbruch der COVID-19-Epidemie, wurde die Maske plötzlich zu einem sehr wichtigen Objekt für den Menschen. Masken schützen die Atmung der Menschen, und Blumentöpfe schützen die Atmung von den Pflanzen. Nach der Rolle des Beschützers zu urteilen, sind Blumentöpfe und Masken Beschützer von Lebewesen. wenn eines Tages der Blumentopf plötzlich zum wichtigsten und einzigen Beschützer aller Lebewesen auf dem Planeten wird, genau wie die aktuelle Situation von Masken, wie wir den Blumentopf sehen würden, der früher in unserem Leben ganz unauffällig und gewöhnlich ist.

Our world is full of things. Some things are very important to our lives, others are attractive to us, but after a while we will completely forget them. There are some things that are completely insignificant to our lives, although we spend every day with them. These things take up most of our lives. This flower pot is such an ordinary object in our life.

Before this particular epidemic, the mask was just an ordinary object like this flowerpot. Even masks are often only hidden in the corners of supermarket or pharmacy shelves and are not noticed. Now, after the outbreak of the COVID-19 epidemic, the mask suddenly became a very important object for humans. Masks protect people’s breathing, and flower pots protect breathing from plants. Judging by the role of the protector, flower pots and masks are protectors of living things. when one day the flowerpot suddenly becomes the most important and only protector of all living things on the planet, just like the current situation of masks, as we would see the flowerpot that used to be quite inconspicuous and normal in our lives.

 

Prozess

 

12 methods for slowing down time | Elisa Hösch

 

12 methods for slowing down time

In einer Zeit, in der die Zeit rast werden hier Maßnahmen getroffen um diese einzufrieren. Die Zeit wird durch buchstäbliche Veränderung der Ausgangsform einer Sanduhr verlangsamt. Das Glas wird gestaucht, gestreckt, gebeugt und der blaue Sand gelangt so nur durch Umwegen, oder gar nicht in das zweite Glas. In dieser ironischen Versinnbildlichung spielen physikalische Gesetze keine Rolle.

 

Towel | Paulina Heinz

 

TOWEL

Das Handtuch ist eines dieser Objekte, die wir jeden Tag mindestens einmal benutzt und dabei kaum wahrnehmen. Es ist ein stiller Helfer mit einer so klaren und Jahrhunderte alten Typologie, dass wir es so selbstverständlich benutzen, wie wenige andere Objekte.  Es gibt Handtücher, die für Comfort, Hygiene und Sauberkeit stehen und andere die an Sport, Aktivität und Funktion verweisen. Ein neues Handtuch ist weich und dicht gewoben, alte werden kratzig, steif und dünn mit der Zeit. Sie erzählen oft eine Geschichte der jahrelangen Benutzung. Durch ihr stilles Dasein und ihre pure und klare Funktion bleiben Handtücher oft lange im Besitz, sie sind selten Wegwerfprodukt und dienen dem Benutzer in der Regel eine lange Zeit. Um das Handtuch und seine vielen Nutzen und Bedeutungen zu beschreiben und analysieren, möchte ich die Erscheinungsweisen des Handtuches in vier Kategorien teilen: Das Handtuch als Alltagsobjekt, als Funktionsobjekt, als Übergangsobjekt und als intimes Objekt.

Während die meisten Nutzen des Handtuches das aufnehmen und abtrocknen von Flüssigkeiten beinhalten, stehen Handtücher trotzdem für Hygiene und Sauberkeit. Es geht selten um das dreckige, benutzte Handtuch und um die Flüssigkeiten, die es aufnimmt. Es ist ein Objekt, dass der Funktion dient, Flüssigkeiten zu entfernen und zu verbergen. Doch was, wenn das Handtuch dieses sichtbar macht? Was, wenn es konstant am Körper getragen wird, um eine neue Funktion im Alltag zu übernehmen? Was, wenn das Handtuch so intim und körperlich behandelt wird, wie es auch benutz wird? Wäre es trotzdem nur ein funktionales Objekt oder könnte es auch zur Reflexion über unseren Umgang mit Körperflüssigkeiten animieren?

Prozess

 

TRANSFORMERS | Cadavre Exquis | Co-Creative Blender-Sessions | SoSe 2020

Projektleitung
Prof. Axel Kufus
KM Annika Unger
KM Anja Lapatsch
LB Benno Brucksch

Studierende:
Delia Rößer
Caspar Frowein
Julius Führer
Ben Bela Hautmann
Elisa Hösch
Yuhang Ke
Lilli Kern

Cadavre Exquis bezeichnet eine spielerische Methode des Surrealismus, bei dem der Verstand und das kritische Denken bewusst ausgeschaltet wird, um dem Unbewussten und dem Zufall bei der Entstehung von Texten und Bildern freie Bahn zu verschaffen. Die Methode beruht darauf, dass mehrere Personen an einem Werk arbeiten. Dabei wird jedes Mal nach dem Zeichnen oder Schreiben das Papier so gefaltet, dass nur noch Ansätze des bereits entstandenem sichtbar sind. Erst beim Entfalten des Papiers erscheint das komplette, skurrile und surreale Ergebnis.

Object A | Elisa, Ben, Yuhang

Object B | Julius, Elisa, Yuhang, Delia

Object C | Lilli, Delia, Julius, Elisa

Object D | Ben, Lilli, Elisa

Object E | Yuhang, Julius, Delia

Object F | Delia, Yuhang, Lilli, Ben

 

Der Hirsch im Regenwald und der Tukan auf der Eiche | Sarah Sekles | 2020

 

Der Hirsch im Regenwald und der Tukan auf der Eiche | Bachelorarbeit 2020

Ich habe die Zeit der Bachelorarbeit genutzt intensiv in mich selbst hinein zu schauen, um den Katalog meiner Erfahrungen, meiner Fähigkeiten, die Hintergründe meiner Erziehung, den Aufbau meines Wertesystems und somit die Begründung meines Handelns, tiefgründiger kennen zu lernen. Die Herkunft, die Familiengeschichte und ihre gesellschaftliche Positionierung formen und beeinflussen die Methodik des Denkens und Handelns einer Person. Sie prägen ihre Identität. Das Verständnis und das Anerkennen der Individualität ist eine essentielle Grundlage der Schaffenstätigkeit.

Ich bin das Resultat einer bikulturellen Zusammenkunft. Meine Arbeit thematisiert diese Situation und beleuchtet die Eigenschaften aus denen ich bestehe. Ich betrachtete die jeweiligen Erkenntnisse und assimilierte sie. Die Recherche zur Bachelorarbeit beruhte auf der Analyse meiner eigenen Erfahrungen, auf den Gesprächen mit Verwandten und der Auswertung vieler Dokumente, bis hin zur Gegenüberstellung der gesellschaftlichen und geschichtlichen Oberthemen. Es galt herauszufinden, welche besonderen Merkmale in den jeweiligen Ländern und deren Kulturen zu finden sind, in Bezug auf Tradition und Geschichte. Während der Recherche ist ein Raum entstanden indem die Territorialitäten nicht länger getrennt waren. Es sind Verschmelzungen, Widerstände und Zufälle entstanden. Vieles was ich in meiner Recherche lernte und erfuhr begründet die Auswahl, Methodik, und das Resultat meiner Objektkollektion.

Die Objektkollektion behandelt 6 verschiedene Themen. Alle Objekte machen eine persönliche Geschichte oder Erfahrung sichtbar. Das Resultat porträtiert meine individuellen Emotionen über das Interagieren mit 2 verschiedenen Identitäten. Es dient meinem eigenen Verständnis von Nationalität und Herkunft. Entstanden sind Tonarbeiten, Schaumskulpturen, Textildesigns, Farbkompositionen, Malereien, Poesiecollagen, botanische Bilder.
Das abschließende Ausstellungskonzept dient der Zusammenführung und ist der Ort, wo Trennungen und Andersartigkeiten zu Harmonie und Einigkeit werden.

I used the time of the bachelor’s thesis to look deeply into myself in order to get to know the catalog of my experiences, my skills, the background of my upbringing, the structure of my value system and thus the reasons for my actions. The origin, family history and their social positioning shape and influence the methodology of a person’s thinking and acting. They shape their identity. Understanding and recognising individuality is an essential foundation of creative activity.

I am the result of a bicultural combination. My work addresses this situation and highlights the properties that I consist of. I looked at the respective findings and assimilated them. The research for the bachelor thesis was based on the analysis of my own experiences, on conversations with relatives and the evaluation of many documents, up to the comparison of the main social and historical topics. The task was to find out what special features can be found in the respective countries and their cultures, in terms of tradition and history. During the research, a space was created in which the territoriality’s were no longer separated. Mergers, resistances and coincidences have arisen. Much of what I learned in my research justifies the selection, methodology, and the result of my object collection.

The object collection deals with 6 different topics. All objects make a personal story or experience visible. The result portrays my individual emotions about interacting with 2 different identities. It serves my own understanding of nationality and origin. The results are clay works, foam sculptures, textile designs, color compositions, paintings, poetry collages, botanical images. The final exhibition concept serves to merge and is the place where separations and differences become harmony and unity.

 

Die Landschaft in Parana, Brasilien, wird von einer roten Erde geprägt . Wenn es regnet wird der Boden schlammartig und es bilden sich überall rote Pfützen. Am auffälligsten zeichnet sich diese Erde an den Häuserfassaden ab. Diese saugen bei Nässe die Bodenflüssigkeit in ihre Gesteinsschichten auf. Dadurch hat der untere Teil der meisten Häuser eine rote Fläche, die sich nach oben hin verläuft und in die ursprüngliche Fassadenfarbe übergeht. Daraus entstand die Idee des gewebten Wandteppichs. Dieser beginnt als Wandgebilde und wird wie eine Hohlkehle auf dem Boden zu einem herkömmlichen Teppich. Wegen der Form einer Hohlkehle erschloss mir die Idee, den Farbverlauf der roten Erde, aufzugreifen und im Textil aufzuzeigen.

Außerhalb von größeren Städten findet man in der brasilianischen Landschaft viele Termitenhügel. Manche sind mehrere Meter hoch, andere breit und fett, manche schmal, entweder mit vielen kleinen pickelchen oder ganz glatt.
Mir kam die Idee die Termitenhügel als eine Art Sitzkissen / Polster neu zu interpretieren und zu tarnen. Meine Termitenhügel bestehen aus Schaumstoffkernen. Die deckende Oberfläche ist mit der Technik des Trockenfilzens hergestellt. Die Filztechnik erlaubt mir den gewünschten Farbverlauf und die Unruhe der Erde zu kreieren.

The landscape in Parana, Brazil, is shaped by the red earth. When it rains, the ground becomes muddy and red puddles arise. This earth is most striking on the house facades. These absorb the soil liquid into their rock layers when its wet. As a result, the lower part of most houses has a red surface that runs upwards and changes to the original facade color. This resulted into the idea of ​​the woven tapestry. It begins as a wall structure and becomes a conventional carpet like a fillet on the floor. Because of the shape of a cove, I got the idea to portray the color gradient of the red earth in the textile.

Outside of major cities, there are many termite mounds in the Brazilian countryside. Some are several meters high, others are broad and fat, some are narrow, either with many small spots or very smooth. I got the idea to reinterpret and camouflage the termite mounds as a kind of seat cushion. My termite mounds are made of foam cores. The covering surface is made with the technique of dry felting. The felt technique allows me to create the desired color gradient and the agitation of the earth.

 

Meine Vorfahren haben vor dem 2. Weltkrieg als deutsche Juden im brasilianischen Dschungel Zuflucht vor den Nazis gefunden. Ohne Mittel, ohne Transport- und Einkaufsmöglichkeiten, musste der Hunger unteranderem mit barbarischen Mitteln bekämpft werden. Also kam es dazu, dass mein Opa irgendwann Jagt auf die Papageien der Region machen musste. Ich habe mir vorgestellt wie meine Familie im Dschungel saß und Papageien auf den mitgebrachten Tellern aus gutem, deutschen Meissner Porzellan aßen. Ich habe Porzellanteller hergestellt und ein eigenes Dekor gestaltet, welches die Elemente des Zwiebelmusters aus Meissen mit der Schönheit der Papageien verbindet. Das Konzept beruht auf der kontrastreichen Gegenüberstellung beider Motive.

Before the Second World War, my ancestors found refuge from the Nazis as German Jews in the Brazilian jungle. Without means of transport and shopping, hunger had to be fought with barbaric means. So at some point my grandfather had to hunt the parrots in the region. I imagined my family sitting in the jungle and eating parrots on their German Meissen porcelain plates they brought. I made porcelain plates and designed my own decor, which combines the elements of the „Zwiebelmuster“ pattern from Meissen with the beauty of the parrots. The concept is based on the contrasting comparison of both motifs.

 

 

In nahezu jedem brasilianischen Haushalt findet man eine Tonfigur von Mestre Vitalino. Sie fallen aufgrund ihrer Einfachheit, Ursprünglichkeit, der naiven Bearbeitung und der ironischen Interpretation der brasilianischen Gesellschaft angenehm auf. Die Figuren zeigen den Brasilianer in seiner Urform in verschiedenen Tätigkeiten.
Einer der bedeutesten Arbeiten von Mestre Vitalino ist „Retirantes“, auf Deutsch „Flüchtlinge“. Ich erkenne darin eine Analogie zu meiner eigenen Familiengeschichte. Ich wollte mit dem selben Handwerk, Technik und Material von Mestre Vitalino arbeiten und wählte einen ähnlichen rot-bräunlichen Ton aus. Ich zeige 6 Familienmitglieder, jeder Figur habe ich ein Charaktermerkmal gegeben um erkennbar zu machen wer sie sind. Wie bei Mestre Vitalino steht meine Familie hintereinandergereiht auf einer Bodenfläche, die als Schale bzw. Teller genutzt werden kann.

Mein Vater wuchs mit Vorhängen vor den Fenstern auf. Auch in Berlin beobachte ich oft, vor allem dort wo ältere Menschen wohnen, dass die Fenster zugehängt sind.
Ich erarbeitete ein für mich interessantes Textilkonzept, eine Tragfläche für die Erzählung meiner Vorfahren und deren Herkunft aus Wuppertal. Entstanden sind Vorhänge auf denen eine Poesie meiner Uroma gestickt wurde. Das Garn färbte ich mit der Krappwurzel. Wuppertal war einst Industriestadt der Textilherstellung und des Färbens.

A clay figure by Mestre Vitalino can be found in almost every Brazilian household. They attract attention because of their simplicity, originality, naive processing and ironic interpretation of Brazilian society. The figures show the Brazilian in his archetype in various activities.
One of the most important works by Mestre Vitalino is „Retirantes“, in English „Refugees“. I see an analogy to my own family history. I wanted to work with the same craft, technique and material from Mestre Vitalino and chose a similar red-brown tone. I show 6 family members, I have given each figure a characteristic to make clear who they are. Like the work from Mestre Vitalino, my family is lined up on a surface that can be used as a bowl or plate.

My father grew up with curtains in front of the windows. This I often observe in Berlin, especially where older people live, that the windows are closed by curtains. I developed an interesting textile concept, a surface for telling my ancestors story and show their origin from Wuppertal. The results are curtains on which a poetry of my great grandmother was embroidered. I dyed the yarn with the Krapp root. Wuppertal was once an industrial city of textile production and dyeing.

 

Prozess

Nalu | Sandra DuCarrois | 2020

 

Nalu | Bachelorarbeit 2020

Als MIDI Controller bietet NALU die Möglichkeit, durch die Erzeugung verschiedener Hirnstromwellen mittels Konzentration, einen experimentellen Input zur herkömmlichen Musikproduktion zu schaffen. Die vier messbaren Hirnstromwellen – Theta-, Alpha-, Beta- und Gamma-Welle – bieten sich als Eingabequelle an und können in der Musik-Software, der Digital Audio Workstation, auch ‚DAW’ gennant – verschiedenen digitalen Instrumenten zugewiesen werden. Die Gamma-Welle, die die höchste Form der Konzentration darstellt, kann durch Übungen von jedem Menschen erzeugt werden. Dabei verhält es sich ähnlich wie bei einem Musikinstrument, wie beispielsweise der Gitarre, das man durch regelmäßiges Üben erlernen kann.

Die zwei NALU Controller sind über Bluetooth mit dem Laptop und der Musik-Software verbunden und verfügen über jeweils fünf Bedienelemente, die mit Befehlen verknüpft werden, die Instrumente und Effekte innerhalb der Musik-Software steuern. NALU dient als experimentelles Musikinstrument, das die Musikproduktion mit Hirnstromwellen unterstützt und eine Verbindung zwischen meditativer Konzentration und Klangerzeugung schafft.

As a MIDI controller, NALU offers the possibility of creating an experimental input for conventional music production by generating brainwaves through concentration exercises. The four measurable brainwaves – theta, alpha, beta and gamma wave – are an ideal source of input and can be assigned to various digital instruments and music effects used in a music software – a digital audio workstation also known as DAW. Similar to a regular musical instrument, such as a guitar, it requires regular practice to improve.

NALU connects wirelessly to a computer transmitting measured brainwaves using an EEG headband and translates these to MIDI signals that commence a previously assigned digital instrument within a DAW. Resting your hands upon the controllers only minimal motion is required to activate touch controls assigned to DAW commands such as delay, reverb or similar sound modulations as well as additive sound effects like kick, snare or drums. Throughout the process of brainwave and thereby sound generation one is able to either modulate while concentrating or after recording one of the four measurable brainwaves.NALU is a musical instrument that supports music production using brainwaves and creates a connection between meditative concentration and sound generation.

 

Prozess

 

PrüferInnen 

Prof. Burkhard Schmitz, Prof. Holger Neumann, KM Antonia Kühne