Archiv der Kategorie: Produktdesign

CareA | Catalina Gomez Alvarez | BA 2022

CareA | Bachelorarbeit 2022

CareA ist ein Pflanzenbewässerungssystem, das sich aus Gastronomie Abfällen, wie Joghurteimern, Tomatendosen und alten Leinenbeuteln zusammenbauen lässt. Alle Materialien sind leicht aufzufinden, bei Bedarf auch austauschbar und kostenlos. Die 3D-gedruckten, verbindenden Teile aus recyceltem PLA machen aus den geupcycleten Einzelteilen ein Gesamtsystem. Die Becken aus Dosen können je nach Bedarf verlängert oder gekürzt werden, dadurch, dass sie aus mehreren Gliedern bestehen. Der einfache Aufbau, und das Weglassen von technischen Elementen, wie in anderen hydroponischen Systemen sogt für eine bessere Zugänglichkeit und vereinfacht die Wartung. CareA ist ein Open-Source-Projekt. Eine Bauanleitung, ein Herbarium und alle 3D Modelle können heruntergeladen werden. Die Gemeinschaft der Nutzer soll in den Designprozess inkludiert werden, so kann sich in Foren ausgetauscht werden und das Herbarium wachsen, Tools überdacht und weiterentwickelt werden. Das System wurde konzipiert, um eine Art Haushaltsapotheke, bestückt mit regionalen Wildkräutern, bei sich in der WG, im Gemeinschaftsgarten oder in der Einzimmer Wohnung anzulegen. Fast verloren gegangenes Volkswissen aus Kloster Heilgärten soll wieder aufgelebt werden, und das Bewusstsein über den eigenen Körper und die uns umgebende Natur soll in unseren Alltag integriert werden. Das System ist wassersparend, da das Wasser zirkuliert und mit Nährstoffen versetzt wird und so bis zu einem Monat im Umlauf bleiben kann. Ich habe Prinzipien der Permakultur angewandt, so dienen Haushaltsabfälle oder organische Abfälle als Dünger und die Pflanzen können, durch die langen Becken, gegenseitig positiv bedingend angebaut werden. 

CareA soll nicht die Pharmazie ersetzten, sondern eher ein Bewusstsein, über Ernährung und Fürsorge schaffen. In dem man mehr über Inhaltsstoffe in uns umgebenden Pflanzen lernt, die unsere Gesundheit positiv beeinflussen. Der Ansatz ist es, einen Kreislauf im eignen Haushalt entstehen zu lassen. Haushaltsabfälle, wie Gemüseverschnitt im Bokashi oder fermentiertes Urin, dienen als Dünger und aus den angelegten Kräutern können Tees, Salate oder Salben hergestellt werden, die wieder Auswirkung auf unseren Körper nehmen. Bei dem ganzen Prozess entstehen, so wenig Abfallprodukte wie möglich und verschaffen dem Nutzer gleichzeitig Autonomie. 

CareA is a plant watering system that can be assembled from catering waste such as yoghurt buckets, tomato cans and old canvas bags. All materials are easy to find, replaceable if needed and free of charge. The 3D-printed, connecting parts made of recycled PLA turn the upcycled individual parts into a complete system. The basins made of cans can be lengthened or shortened as needed, thanks to the fact that they consist of several links. The simple construction and the absence of technical elements, as in other hydroponic systems, ensures better accessibility and simplifies maintenance. CareA is an open source project. A construction manual, a herbarium and all 3D models can be downloaded. The community of users is to be included in the design process, so they can exchange ideas in forums and the herbarium can grow, tools can be reconsidered and further developed. The system was designed to create a kind of household pharmacy, stocked with regional wild herbs, in a shared flat, in a communal garden or in a one-room flat. Almost lost folk knowledge from monastery healing gardens is to be revived, and awareness of our own body and the nature surrounding us is to be integrated into our everyday life. The system is water-saving as the water is circulated and nutrient-added and can thus remain in circulation for up to a month. I have applied permaculture principles, so household or organic waste serves as fertiliser and the plants can be grown in a mutually positive way, due to the long basins. 

CareA is not meant to replace pharmacy, but rather to raise awareness about nutrition and care. By learning more about ingredients in the plants around us that positively influence our health. The approach is to create a cycle in our own household. Household waste, such as vegetable cuttings in Bokashi or fermented urine, serve as fertiliser and the herbs grown can be used to make teas, salads or ointments that have an effect on our bodies. The whole process produces as few waste products as possible and at the same time gives the user autonomy. 

Prozess

Betreut durch

Prof. Dr. Michelle Christensen, Prof. Dr. Florian Conradi, Prof. Axel Kufus,  Prof. Holger Neumann

Kontakt

@catalina_gomez_alvarez

Fotos: Camille Couturier

Thanks to Friedrich from Einstein Center for Digital Future and Nabor zu Bentheim

EXCURSION Bregenzerwald | MA 2022/23

film: Tim Schütze

From 23-26 Oktober the Masterclass 2022/23 went to Voralberg where the explored workshops, producers and exhibition spaces in Bregenzerwald as an extra support to their MAGAZIN project: ‚With your back to the Wall‘.

Sunday:
• Arrival and visit to Kunsthaus Bregenz and architectural tour by Maciej Chmara (one of the most famous Peter Zumthor buildings)

Monday:
• Zumtobel tour, explanation. The range, production, light spectra, etc…
• Martin Bereuter, architect, carpenter, designer, chairman of the Bregenzerwald workshop, guided tour of production and the showroom
• Martin Mackowitz, Martin Rauch, clay production, clay construction and discussion in Martin Mackowitz’s private home on the qualities and production of clay (no photos allowed)

Tuesday:
• Mohr upholstery shop, guided tour and discussion with Johannes Mohr (co-initiator of the workshop). Guided tour by the managing director through the workshop and the current exhibition, small architectural tour by Maciej Chmara.
• Visit to Erhart Holz, the largest sawmill in Vorarlberg, explanation of the process and tour of the entire production, explanation of quality, regional material, etc.
• Short visit to the alpine dairy on Sunday
• Final workshop in Schnifis, cable car ride, short hike, and traditional Kasknöpfle food (and discussion with 3 Täler management and cable car manager).

^ arrival  >

v zumtobel

Bregenzerwald showroom

Mohr upholstery

Erhart Holz

    

 

MONOTUBE – ROHRBIEGEN

Hauptseminar ab 5. Semester – Wahlpflicht Produktdesign und Anpassungsstudium MA

Prof. Holger Neumann, WM Steffen Herm

SEMINARANGEBOT – COURSE OVERVIEW

Endergebnisse

Fahnen

WORK IN PROGRESS

 

MINDMAP

Die individuellen Recherchen der Studierenden wurden  als Inspiration und Orientierung mithilfe einer Mindmap kategorisiert, geclustert und visualisiert.
SEMINARANGEBOT – COURSE OVERVIEW
Familie Hempel von Marie Radke

Rohrbiegen beschreibt als Sammelbegriff verschiedene Umformprozesse (Biegeverfahren), deren Ziel es ist, durch Krafteinwirkung eine plastische Verformung eines Rohres oder eines Metallstabs herbeizuführen. Für das Biegen von Rohren (und Profilen) können je nach Material und Abmessungen des Ausgangsmaterials, der Geometrie des Werkstücks sowie der geforderten Bearbeitungspräzision verschiedene Verfahren angewendet werden.

Semesteraufgabe: Entwurf und Konstruktion eines Objekts aus Stahlrohr oder aus Vollmaterial, das die Fertigungstechniken des Rohr- bzw. Vollstabbiegens berücksichtigt. Der Entwurf soll sich im Innenraum verorten und kann ggf. selbststehend, hängend oder montiert. Verwendet werden soll ein Standardprofil von maximal 6 Metern Länge.

Geplant ist die Umsetzung der Entwürfe in der hauseigenen Metallwerkstatt. Folgende Bedingungen sind zu einzuhalten: Verwendung “zölliger” Rohre (½, ¾ und 1 Zoll Durchmesser) bzw. Vollstäbe in Stahl oder Aluminium bis maximal 12 mm Durchmesser. Die Verwendung weiterer Materialien ist in Absprache mit Marcel Wältring möglich.

Voraussetzungen

– Regelmäßige Teilnahme am Seminar
– Vortrag
– Präsentationen

Abgabe
– Prototyp
– Dokumentation
– Poster
– Kurz-Video

Betreuer
Prof. Holger Neumann
WM Steffen Herm

CARELLO

Konstruktion / Material 3 – Metall
PFLICHTSEMINAR TECHNOLOGIE / 3. SEMESTER BACHELOR

Prof. Holger Neumann, WM Julian Ribler

Basierend auf Referaten und Workshops wurden in Carello die relevanten Prinzipien und Parameter von verschiedenen Metallverarbeitungsverfahren vermittelt. Anschließend sollte das Wissen in dem individuellen Entwurf eines Wagens aus 1m³ gefaltetem Stahlblech angewandt werden.

Die Abwicklungen der Blechteile wurden gelasert, und in den Werkstätten gebogen und  zusammengesetzt.

Endergebnisse

Fahnen

Endpräsentation

Erste Ideen und Modelle

ZWISCHENPRÄSENTATION – MIT MALTE LICHT

EXKURSION

MINDMAP

Die individuellen Recherchen der Studierenden wurden  als Inspiration und Orientierung mithilfe einer Mindmap kategorisiert, geclustert und visualisiert.

SEMINARANGEBOT – COURSE OVERVIEW

Bleche sind eines der wichtigsten und wesentlichsten Metall-Halbzeuge, insbesondere Stahlblech ist von grundlegender Bedeutung in der Industrie und wird nicht nur für Gehäuse, sondern auch für Lasten tragende Konstruktionselemente, Maschinenteile und Produkte gerne eingesetzt.Die Semesteraufgabe besteht darin, aus 1 qm Stahlblech der Stärke 1mm ein Objekt zu entwerfen, das bestimmte Funktionen erfüllen soll. Im Verlauf des Semesters werden wir beim Entwurf des Objekts, alle wichtigen Blechkonstruktionen kennenlernen und anwenden.

Das Objekt soll aus ausgelaserten und gekanteten Blechelementen bestehen. Alle abgewickelten Elemente müssen auf eine Fläche von 980 x 980 mm passen, wobei ein Mindestabstand von 10 mm zwischen den einzelnen Teilen bestehen muss. Die Verbindung der Blechteile soll aus dem Material ohne zusätzliche Verbindungselemente erfolgen (z.B. durch Laschungen). Kantungen werden durch gelaserte Perforationen vereinfacht. Die Fertigung der Blechabwicklung erfolgt durch unseren Projektpartner System 180 GmbH.

Besonderen Wert wird auf einen effizienten Materialeinsatz sowie eine dem Prozess und dem Material angemessene Formensprache gelegt. Gemeint ist eine konstruktive Eleganz, die das Zusammenspiel zwischen Konstruktion, Statik und gestalterischer Qualität verkörpert.

Anforderungen
-regelmäßige Teilnahme Seminar + CAD-Seminar
-Referat
-Entwurf
-3D-Datensatz und Prototyp
-Dokumentation
-Poster und Präsentationsvideo

Kooperationspartner
System 180 GmbH https://www.system180.com/  

Gast
Dipl. Des. Malte Licht  https://oxyd-gmbh.de/

Betreuer
Prof. Holger Neumann
WM Julian Ribler

German Design Council announced 5 finalists Newcomer Award 2023 (4x UdK!)

German Design Award 2023: Five newcomer finalists selected. Four of them are graduates from UdK Design!
Product Design: Anna Koppmann, Tim Schütze and Tobias Trübenbacher, Fashion: Paula Keilholz.

Frankfurt, October 31, 2022
The jury of the German Design Award 2023 has selected the finalists for the »Newcomer« award.

The five up-and-coming designers from German design schools, Katharina Düing, Paula Keilholz, Anna Koppmann, Tim Schütze and Tobias Trübenbacher, impressed with their excellent portfolios. With their work, they show in particular a keen eye on social and ecological challenges – contemporary, relevant and with intelligent solutions. The award thus proves the importance of young design for the competitiveness and future viability of medium-sized companies and the German economy.

Design can provide answers to pressing questions of our time – this year, social issues and a strong ecological awareness are reflected in the portfolios of the finalists. What they all have in common is the focus on developing new solutions for ecological, social and global challenges and improving social interaction. What is exciting about the portfolios of the five selected young designers from different disciplines such as product, industrial, communication and fashion design is the diversity of perspectives and their respective implementation in practice.

The five finalists convinced the jury with their contemporary and progressive designs, which focus on topics such as gender justice, the energy and climate crisis or civil courage. The nominees were presented on October 12, 2022 in Berlin in the Soho House on the occasion of the Design Gala of the German Design Council. You get the chance to win the German Design Award, which is worth 15,000 euros.

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German Design Award 2023: Fünf Newcomer Finalist*innen ausgewählt. Vier davon sind Absolventen der UdK Design!
Produktdesign: Anna Koppmann, Tim Schütze und Tobias Trübenbacher, Mode: Paula Keilholz.

Frankfurt, 31. Oktober 2022
Die Jury des German Design Award 2023 hat die Finalist*innen für die Auszeichnung »Newcomer« ausgewählt.

Die fünf Nachwuchsdesigner*innen deutscher Gestaltungshochschulen, Katharina Düing, Paula Keilholz, Anna Koppmann, Tim Schütze und Tobias Trübenbacher, haben mit ihren ausgezeichneten Portfolios überzeugt. Sie zeigen mit ihren Arbeiten insbesondere einen scharfen Blick auf soziale sowie ökologische Herausforderungen – zeitgeistig, relevant und mit intelligenten Lösungen. Der Award belegt damit die Bedeutung von jungem Design für die Wettbewerbs- und Zukunftsfähigkeit mittelständischer Unternehmen und der deutschen Wirtschaft.

Design kann Antworten auf drängende Fragen unserer Zeit geben – so spiegeln sich in diesem Jahr vor allem soziale Themen ebenso wie ein starkes ökologisches Bewusstsein in den Portfolios der Finalist*innen wider. Allen gemeinsam ist die Ausrichtung auf die Entwicklung neuer Lösungen für ökologische, soziale und globale Herausforderungen und die Verbesserung des gesellschaftlichen Miteinanders. Spannend an den Portfolios der fünf ausgewählten Nachwuchsdesigner*innen aus unterschiedlichen Disziplinen wie Produkt-, Industrie-, Kommunikations- und Modedesign ist die Diversität an Perspektiven und deren jeweilige Umsetzung in die Praxis. Mit ihren gegenwartsnahen und progressiven Designs, die Themen wie Gendergerechtigkeit, Energie- und Klimakrise oder Zivilcourage in den Fokus nehmen, haben die fünf Finalist*innen die Jury überzeugt.

Die Nominierten wurden am 12. Oktober 2022 in Berlin im Soho House anlässlich der Design Gala des Rat für Formgebung präsentiert. Sie erhalten die Chance auf die mit 15.000 Euro dotierte Auszeichnung des German Design Award.
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LIGNOFLAX | ANDREAS WEIDAUER | BA 2022

LIGNOFLAX | Bachelorarbeit 2022

LignoFlax ist eine Material und Formstudie, welche das Potenzial von Lignin und Flachsfasern als Verbundwerkstoff untersucht.

Lignin ist ein natürliches Biopolymer, welches sich in Pflanzen und Bäumen wiederfindet. Es fungiert als Kleber, um die einzelnen Zellwände zusammenzuhalten.In jedem Holz oder jeder verholzenden Pflanze kommt ein Anteil von 30 % Lignin vor. Lignin ist eine Ressource, die jedes Jahr um 20 Milliarden Tonnen nachwächst.

Neben seiner hohen natürlichen Verfügbarkeit fällt Lignin zusätzlich in einer weltweiten Höhe von insgesamt 50 Millionen Tonnen pro Jahr als Abfallprodukt bei der Papierherstellung an.

Mischt man Lignin mit Naturharzen, natürlichen Fettsäuren, Cellulose, biologischen Additiven und natürlichen Verstärkungsfasern, so erhält man einen unter Temperatur- und Druckerhöhung verarbeitungsfähigen biologischen Kunststoff.

Das ARBOBLEND® des süddeutschen Hersteller Tecnaro GmbH ist ein Thermoplast, welcher auf industrielle Kunststoffverarbeitung hin konzipiert und optimiert wurde. Der Werkstoff ist zu 100 % bio-basiert und biologisch abbaubar.

Der Flachs oder auch Lein genannt ist eine historische Kultur Pflanze. Leinpflanzen bevorzugen vor allem ein maritimes Klima, deshalb gedeihen sie am besten im Küstenbereich, wie etwa in Nordfrankreich, Belgien und den Niederlanden. Flachs ist eine zwei Nutzungspflanze. Die Samen werden zu Öl und die Fasern zu Textilien verarbeitet. Der Flachs ist unkompliziert im Anbau, braucht keine Fungizide, Insektizide oder Wachstumsregler. Mit keiner Getreide Art verwandt, eignet er sich bestens zur Auflockerung der Frucht Folge. Die weltweite Leinernte beträgt etwa 2 Millionen Tonnen und macht damit 2 % des weltweiten Faseraufkommens aus.

Die Bcomp ampliTex® Serie steht für eine zukunftsweisende Technologie, die Flachsfasern in modernste Verbundwerkstoff-Produkte integriert. Dabei greift das Schweizer Unternehmen auf den regionalen europäischen Flachs zurück. Dabei sorgen die non-crimp Flachsfasergelege für höchste Stabilität und stellen leistungsstarke Naturfaserverbundwerkstoffe dar. Das Sortiment an technischen Geweben umfasst verschiedene Web Arten, biaxial, Twill und UDs – optimiert für leichte Verstärkung.

LignoFlax is a material and shape study investigating the potential of lignin and flax fibers as a composite material.

Lignin is a natural biopolymer based in plants and trees. It acts as a glue to bind the individual cell walls together. In any wood or lignifying plant, 30% lignin is present. Lignin is a resource that grows back by 20 billion tons every year.

In addition to its high natural availability, lignin is also produced worldwide as a waste product in paper production, amounting to a total of 50 million tons per year.

If lignin is mixed with natural resins, natural fatty acids, cellulose, biological additives and natural reinforcing fibers, the result is a bio-plastic that can be processed under increased temperature and pressure.

ARBOBLEND® from the southern German manufacturer Tecnaro GmbH is a thermoplastic that has been designed and optimized for industrial plastics processing. The material is 100% bio-based and biodegradable.

The flax or also called linen is a historical culture plant. Flax plants primarily prefer a maritime climate, so they thrive best in coastal areas, such as northern France, Belgium and the Netherlands. Flax is a two-use crop. The seeds are processed into oil and the fibers into textiles. Flax is uncomplicated to grow, needing no fungicides, insecticides, or growth regulators. Not related to any cereal species, it is best suited for loosening the fruit sequence. The global flax harvest is about 2 million tons, accounting for 2% of the world’s fiber supply.

The Bcomp ampliTex® series represents a pioneering technology that integrates flax fibers into state-of-the-art composite products. The Swiss company uses regional European flax for this purpose. In the process, the non-crimp flax fiber fabrics ensure maximum stability and represent high-performance natural fiber composites. The range of technical fabrics includes various weave types, biaxial, twill and UDs – optimized for lightweight reinforcement.

Prozess

Betreut durch

Prof. Jozef Legrand,  Prof. Holger Neumann,  Prof. Burkhard Schmitz

Kontakt

andreasweidauer.com

Beyond waste: system update available (?) @designtransfer 8. November 19:00

Vlasta Kubušová and Verena Michels met during the first edition of University of Arts` interdisciplinary M.A. program TRANSFECT DESIGN SYSTEMS. Seven years after their collaborative defence at designtransfer, they speak together about their respective professional practices, material design and research approaches. They are part of a new guard of international designers who address circular production The shared goal of their collaborative platform Sorry we are trying… BIOMATERIALS IN PRACTICE is updating our petro-modern ways and collaboratively shape closed loop systems and implement circularity – ideally for everyone.
Vlasta Kubušová is material designer, researcher and co-founder of crafting plastics! studio. www.craftingplastics.com

Verena Michels is designer, educator and founder of Weather Underground, Berlin. www.weatherunderground.de

 

In Cooperation with Prof. Ineke Hans / Design & Social Context.
Vlasta Kubušová und Verena Michels lernten sich während des ersten Jahrgangs des interdisziplinären Masterstudiengangs TRANSFECT DESIGN SYSTEMS der Universität der Künste kennen. Sieben Jahre nach ihrer gemeinsamen Master Präsentation bei designtransfer sprechen sie gemeinsam über ihre jeweiligen beruflichen Praktiken, Materialdesign und Forschungsansätze. Sie gehören zu einer neuen Garde internationaler Designer, und das Ziel ihrer kollaborativen Plattform Sorry we are trying… BIOMATERIALS IN PRACTICE ist es, petromoderne Systeme zu aktualisieren und gemeinsam geschlossene Kreislaufsysteme zu gestalten und in die Tat umzusetzen – am besten für alle.

Vortrag und Diskussion auf Englisch: Dienstag, 8. November, 19:00 @ designtransfer, Einsteinufer 43

More information @ designtransfer website.

WEATHER UNDERGROUND 2021, Foto: Max Weise

crafting plastics! studio

 

LOUIS BINDERNAGEL WINS GDG Circular Design Award 2022

At the recent German Design Graduates award ceremony at Schloss Pillnitz Louis Bindernagel won one of the four main awards with his graduation project „Whole Earth Project“.
He was handed over his award by the jury and books by the renown design critic Alice Rawsthorn in person.

Jury Statement:
The Circular Design Award 2022 goes to the „Whole Earth Project“ by Louis Bruno Bindernagel, a graduate of the Berlin University of the Arts. The work bears witness to the designer’s intensive examination of economic, ecological and social challenges at the same time. The project deals with the analysis, consolidation and creation of networks dedicated to the idea „Think Global, Make Local“ and follows the approach of a decentralized production system with ideas shared worldwide.
The jury was particularly impressed by the integration of several principles such as efficiency, sufficiency, resilience and consistency in one design, which are designed to be circular in as many phases of a life cycle as possible.
The jury: Prof. Daniela Bohlinger (Head of Sustainability Design BMW Group), Leif Huff (most recently Head of Design Wirelane)

Louis’ work is on show with 40 other projects in in the GDG show 2022 in schloss Pilnitz till 31 October, see
You can read more on the Award winners, here

 

BASF shows MA projekten on K messe

 

K fair is the biggest fair for plastics and rubber taking place in Dusseldorf every 3 years. It is a technical fair showing interesting innovations and techniques.
This year it has its 70 year aniversary, and the big topics in 2022 are circular economy, digitisation, climate protection.

BASF Creation Center shows some of the Projects on the fair that were developed with last years MA students in the project One Material, One Product
K Messe Dusseldorf
19-26 October
Booth in hall 5, C21/D21

see more on K-messe, here
and on its history, here
see the MA – BASF projects below

 

Marie Radke & Matthias Gschwendtner Winners of Diploma Selection

During Designblok Prague 2022 Matthias Gschwendtner & Marie Radke won prizes with their UdK MA projects. The took part in the Diploma Selection of the annual design festival. Matthias won the 1st Prize, Marie the 3rd Prize.
The Diploma Selection international competition is organized by Designblok in cooperation with EUNIC Cluster CZ (European Union National Institutes for Culture), see more

 

Serious Games – Alumni Gesprächsreihe – jeden Montag 18H

Eine Online-Gesprächsreihe mit
ehemaligen Design-Studierenden der UdK Berlin

Immer Montags
von 18:00 – 19:00 Uhr

Start im SoSe23 am 08.05.2023

Initiiert von Prof. Axel Kufus mit
Anja Lapatsch & Annika Unger

Wir fragen die früheren Absolvent:Innen,
was sich mit Design eigentlich erreichen und bewirken lässt –
in ihren Vorhaben, in ihrer Realität. Und was nicht – oder noch nicht.
Wir wollen erfahren, welche Spielarten in den professionellen Feldern des Design
oder auch jenseits davon sich finden oder auch erfinden lassen und
welchen Möglichkeiten und Unmöglichkeiten sie begegnet sind.
Die Alumni kommen immer zu zweit. Aber wer mit wem wann zusammentrifft –
das verraten wir auch unseren eingeladenen Gästen noch nicht.

 

Programm WiSe 2022/23

Einführung in den Entwurf für die Studierenden im ersten Semester Mode und Produkt über verschiedene Gestaltungs- und Entwurfsübungen, die ausgesuchte Aspekte von Beobachtung, Wahrnehmung, Findung und Formung über Methodik, Strategie, Reflexion und Diskussion, bis zu Dokumentation, Darstellung, Präsentation und Vorführung integrieren. Es werden unterschiedliche Aufgabentypen eingesetzt, sowie verschiedene Formate des Inputs, der Besprechung und der Diskussion.
 

Warm up! ist das verbindende Motiv im Wintersemester 22/23. Zum einen als Objekt, als Kleidung, Accessoire oder Produkt zur körperlich/mentalen Funktionserweiterung, zum anderen als thematischer Kontext: In diesem Jahr sind wir alle zum Sparen von Energie und Wärme aufgefordert. Wie können wir dem Umgang mit Kälte und Frieren aber auch Unsicherheiten und Ängsten begegnen und die Erfüllung existenzieller Bedürfnisse wie Wärme und Sicherheit unterstützen?

Wie bei jedem neuen Start empfiehlt es sich, zunächst Körper und Geist spielerisch durch Bewegung auf „Betriebstemperatur“ zu bringen. Die Entwurfsarbeiten werden abschließend im Februar gezeigt bzw. performativ vorgeführt.

 

 

 

 

 

 

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Prof. Robert Scheipner
KM Dipl. Des. Johana Dehio
Tutorin Nele Oetjens
Tutor Luca Ortmann

basislabor design

R008 und nach Aushang
mo + die 09.00 Uhr bis 14.00 Uhr
Start 17. Okt 2022 // 13.00 Uhr

Geschlecht gestalten. Feministische Lektüren

(Lynda Benglis, Artforum, 1974, Photo: Arthur Gordon)

Wenn es bei Simone de Beauvoir heißt, man würde nicht als Frau geboren, sondern zur Frau gemacht, dann möchte das Seminar fragen, welchen Anteil Kunst und Gestaltung daran haben. Wie werden Geschlechtsidentitäten über Bilder, Dinge oder Räume mitproduziert oder verunsichert und subvertiert? Wir wollen Paul B. Preciados Studie zur Rolle des Designs in der Konstruktion des modernen Junggesellen ebenso behandeln wie seine Idee für einen 3D-Fleischdrucker, um anarchistisch Geschlechtsorgane zu vervielfältigen und Genüsse zu multiplizieren. Wie wird in den Künsten der Kampf um „sexuelle Freiheit“ ausgefochten und warum ist sexueller Optimismus inzwischen in die Kritik geraten? Neben Repräsentationen von Geschlecht in den Künsten werden die körperliche Wirksamkeit von Diskursen und Bildpolitiken berücksichtigt, aber auch Geschlechtsangleichungen und Hormonpiraterien in den Blick genommen.

Mit Texten von Sara Ahmed, Judith Bulter, Donna Haraway, Michel Foucault, Catherine Malabou, Maggie Nelson, Paul B. Preciado, Legacy Russell und einer Exkursion zur Ausstellung „Empowerment. Kunst und Feminismen“.

Prof. Dr. Kathrin Busch

Freitag, 14-17h

Straße des 17. Juni 118, Raum 207

Beginn: 21.10.

Tim & Matthias nominated in the Bundespreis Ecodesign 2022

Tim Schütze & Matthias Gschwendtner are nominated in the Bundespreis Ecodesign 2022, category ‚Nachwuchs‘.
The first selection of projects – from which the  jury picked the nominations – can be seen in an informal jury exhibition untill 9 October  in feldfünf EV in the Metropolenhaus in Berlin. In the exhibition a 3rd UdK student is also on show: Max Hausmann designed a refill deo, developed with the Austrian Startup Holy Pit!

Tim Schütze is nominated with Monoplan the project he developed in the double project ‚Supermarket of the Future project / One Material, One Product for BASF‘. See Tim’s nomination and more info below.
Matthias Geschwendtner is nominated with his MA project New Scources. See Matthias‘ nomination and more info below.

On 5 December the winners will be announced in Berlin.
For all nominations, see HERE
More info on events HERE

EXCURSION TO DRESDEN / PILLNITZ | SoSe 2022

On 17 May – as part of the FIGURINES! project and Master colloquin we visited Zwinger Porzellansammlung in Dresden and Design Campus /Kunstgewerbemusem at Schloss Pillnitz.
The Zwinger is home to the amazing Porcelain collection with early European porcelain that saw the limelight since August the Strong ‚invented‘ how to make porcelain in Europe. The collection houses stunning and rare pieces, see

At Schloss Pillnitz we gained insight into the summer school program of the Design Campus and the collection of the Kunstgewerbemuseum and the transition of the museum over the years and its possible future.

Impressions from the excursion to Zwinger Dresden (Schloss Pillnitz below)

Design Campus / Kunstgewerbemuseum

FIGURINES! at Kunstgewerbe museum Dresden / Pillnitz | Oct. 2022

 

After the excursion in May 2022 to Kunstgewerbemuseum Dresden / Design Campus at Schloss Pillnitz  for the FIGURINES! project a selection of the FIGURINES! project are on show in the museum from 1-31 October.
The presentation of this Design & Social Context project coincides with the exhibition of German Design Graduates Show 2022 at Design Campus.

More info via: DESIGN CAMPUS LAB

 

FIGURINES!

For centuries ceramic figurines have been on the tables of kings and queens as ‘conversation pieces’ for topics that people understood and could read at the time.

Manufacturers were often connected to the courts and developed their own themes and specialties. For example Augustus the Strong, who is considered the ‘inventor’ of porcelain in Europe, also had technically groundbreaking giant animals made of porcelain in Meissen.

Figurines also made their way to the homes of ordinary people as charming decoration, but their meaning has faded. Nowadays our topics and discussions are different. 

How to attract a Fridays for Future generation or discount focussed society to ceramic figurines in the 21st century?

In the summer semester of 2022 product design students of the University of the Arts in Berlin explored the many faces of ceramic: 3D printing of clay, casting, or sculpting and historical, cultural, social aspects in design, such as: functionality of objects, craft versus machine, high and low culture (kitsch), history and storytelling, meaning and zeitgeist. 

The project has been launched as a DESIGN CAMPUS LAB in collaboration with the Kunstgewerbemuseum, Staatliche Kunstsammlungen Dresden. Some of the results are here on show in dialogue with the collection.  

FIGUREN!

Über viele Jahrhunderte standen plastische Figuren auf den gedeckten Tafeln der Könige und Königinnen und boten ‘Gesprächsstoff’ zu Themen, die die Menschen damals bewegten und lesen konnten, sogenannte ‘Conversation Pieces’.  Die Herstellung war oft direkt mit dem Hof verbunden und es wurden speziell Themen und Geschichten entwickelt. Zum Beispiel ließ August der Starke, der in Europa als ‘Erfinder’ des Porzellans gilt, technisch herausfordernde Großplastiken von Tieren in Meissen herstellen.

Figuren als Dekoration fanden auch ihren Weg in die Häuser der einfachen Leute, aber ihre Bedeutung ist meist verblasst. Heutzutage sind unsere Themen und Diskussionen andere. 

Wie lässt sich im 21. Jahrhundert eine Fridays-for-Future-Generation oder eine auf Sparpreise orientierte Gesellschaft für Keramikfiguren interessieren? 

Im Sommersemester 2022 erforschten Produktdesign-Studierende der Universität der Künste in Berlin die vielen Möglichkeiten von Keramik: 3D-Druck von Ton, Gießen oder Bildhauerei und historische, kulturelle, soziale Aspekte im Design, wie: Funktionalität von Objekten, Handwerk versus Maschine, Hoch- und Popkultur (Kitsch), Geschichte und Geschichtenerzählen, Bedeutung und Zeitgeist. 

Das Projekt wurde als DESIGN CAMPUS LAB in Kooperation mit dem Kunstgewerbemuseum der Staatlichen Kunstsammlungen Dresden entwickelt. Einige der Ergebnisse sind hier zu sehen und im Dialog mit der Sammlung präsentiert

 

louis, louie & matthias exhibitors in GDG 2022!

Louis Bindernagel, Louie Gavin and Matthias Gschwendtner are selected for the German Design Graduates exhibition 2022 that will take place this year at: Design Campus at the Wasserpalais of Kunstgewerbemuseum Schloss Pillnitz of the Staatliche Kunstsammlungen Dresden.
Their work will be shown in one of the categories: Sustainable Solutions, Everyday Life, Technical Innovation, Living Together and Future Scenarios.
To all graduates of the past year 2021/22 (including those who cannot be seen in the exhibition) around 50 prizes will again be awarded by the numerous GDG ambassadors on the opening weekend of 1 and 2 Oktober 2022.

See more on the GDG Show 2022 HERE

Police and I | Dennis Loebach

Police and I

Police Brutality is a very hard topic to talk about for many as it’s not an easy topic to digest.

The sculptures are meant to give that little push at dinner settings to open up for conversation. The best way to deal with trauma and or problems in general is opening conversation about it. This subject is very personal to me as I have lived through it and also during the make of the sculptures. Not only me but friends and family have gone through it too, as well as many others in this world. Having talked to many people about this theme I understood very quickly that many people, although very educated, still can’t fully grasp the concept and extent of racially motivated aggressions. Having dark skin raises the chance of dying through police Brutality by 3.5x compared to people with white skin. Which is an absurd markup and raises many questions who we should call when in danger because police kill.

The sculptures are hand modeled from clay, burned and weather using mixed media.

project:

process:

 

MILO | Lilly Kraemer

 

 

MILO – mal anders

Milo ist ein Tool für Kinder, das erste Berührungspunkte mit der Geometrie schon in jungem Alter ermöglicht. Es fördert ihre kreative Auseinandersetzung mit Formen und Farben, ohne sie dabei in ihrer kreativen Freiheit einzuschränken. Dadurch, dass Milo keine richtige oder falsche Anwendung hat und von jedem Kind anders gebraucht werden kann, können neben Kreisen und rechten Winkeln, vor allem neue Muster und Bilder geschaffen werden. Kindern haben oft nicht den Ansporn einen einwandfreien Kreis zu zeichnen. Vielmehr wollen sie erfahren und ausprobieren, ohne dabei auf eine Funktion beschränkt zu sein. Die Kinder können nun das kreative malen mit den Wachsmalern mit Zirkel, Lineal und Seil spielerisch erweitern.

Ausgangspunkt dieser Idee war es, dass es viele Dinge gibt, die für einige sehr einfach und alltäglich sind, für andere jedoch eine Herausforderung darstellen. Jedes Mensch, jedes Kind hat andere Voraussetzungen. Kinder mit körperlichen Einschränkungen haben oft Probleme mit der Motorik eines herkömmlichen Zirkels und sind oft auf Hilfsmittel oder andere Werkzeuge angewiesen. Milo verzichtet bewusst auf diese Hilfsmittel und konzentriert sich darauf, dass der Gebrauch so einfach wie möglich bleibt und so für jedes Kind zugänglich ist.

 

MILO – draw different

Milo is a tool for children that allows first experiences with geometry at a young age. It encourages their creative exploration of shapes and colours without restricting their creative freedom. Because Milo has no right or wrong use, and can be handled differently by each child, new patterns and images can be created in addition to circles and right angles. Children often do not have the drive to draw a perfect circle. Rather, they want to experience and explore without being limited to one function. The children can now playfully expand their creative drawing with the wax crayons using a compass, ruler and rope.

The idea was that there are many things that are very easy and commonplace for some, but a challenge for others. Every person, every child has different requirements. Children with physical limitations often have problems with the motility of a conventional circle and are often dependent on aids or other tools. Milo deliberately avoids these aids and focuses on keeping the use as simple as possible, making it accessible to every child.

 

 

 

 

YÌ CO | Xueqi Huangfu

 

 

YÌ CO

Fast jeder trägt täglich eine Wasserflasche mit etwa 1 Liter Wasser mit sich herum, um den Durst zu löschen, wenn wir durstig sind. Aber ich finde, wenn wir durstig sind, brauchen wir nur einen Schluck Wasser, um unseren Durst zu stillen. Trinkwasser ist leicht zu bekommen, mit kleinen Brunnen auf den Plätzen, Getränkeautomaten in den Schulen und Wasserhähnen überall. Aber wir nehmen immer Wasserflaschen mit, die bis zu 1 kg wiegen, weil wir nicht den richtigen Behälter für das Wasser haben. Das YÌ CO ist die Lösung für dieses Problem. YÌ CO ist aus lebensmittelechtem Silikon hergestellt und lässt sich leicht und schnell reinigen und trocknen. Mit einem Gewicht von knapp 40g lässt er sich leicht an der Reisetasche oder in der Hosentasche befestigen, so dass man seine Anwesenheit nicht spürt.

 

Almost everyone carries a water bottle with about 1 litre of water every day to quench our thirst when we are thirsty. But I find that when we are thirsty, we only need a sip of water to quench our thirst.
Drinking water is easy to get, with small fountains in the squares, vending machines in the schools and taps everywhere. But we always take water bottles that weigh up to 1 kg because we don’t have the right container for the water. The YÌ CO is the solution to this problem. YÌ CO is made of food-grade silicone and is easy and quick to clean and dry. Weighing just under 40 g, it is easy to attach to your travel bag or in your pocket, so you don’t feel its presence.

 

 

 

 

VESPERTINE | Tim Schuetze & Max Hausmann

 

 

VESPERTINE

Vom Sonnenuntergang bis zum Morgengrauen erhellen künstliche Lichtquellen unser Leben. Sobald das Tageslicht schwindet, suchen wir Orte, die erleuchtet sind. Auch wenn künstliches Licht unser ständiger Begleiter ist, bewegen wir uns von einer Lichtquelle zur nächsten. Wie wäre es jedoch, wenn wir unser Licht mitnehmen könnten?

VESPERTINE verbindet den Archetyp der vertrauten Deckenleuchte mit mobiler Lichttechnologie. An der Basis hängend ist VESPERTINE eine Deckenleuchte und lädt gleichzeitig die integrierten Akkus für den mobilen Gebrauch auf. Mit einem Handgriff lässt sich der magnetische Stecker lösen und VESPERTINE wird zur portablen Lichtquelle und begleitet uns innen wie außen bei Aktivitäten in den Abendstunden.

 

From sunset to dawn, artificial light sources illuminate our lives. As soon as the daylight fades, we look for places that are illuminated. And even though artificial light is our constant companion, we go from light source to light source instead of taking our light with us.

VESPERTINE combines the archetype of the familiar ceiling lamp with mobile lighting technology. Hanging from the ceiling as a pendant lamp, VESPERTINE charges the integrated batteries for mobile use. With a simple motion, the magnetic plug releases and VESPERTINE becomes a portable light source for activities beyond the daylight, curating lighting moods both indoors and outdoors.

 

 

 

 

VELODRE | Friedrich Kreppel

 

 

VELODRE

Fahrräder und Fahrradkörbe sind an sich schon ein schwieriges Anliegen. Die Montage ist kompliziert und nervenaufreibend. Das Fahrrad wird träge durch eine Montage an der Radgabel.
Doch Fixie-Fahrräder und Fahrradkörbe sind Erzfeinde. Velodre kombiniert eine einfache Montage und ein zum Fahrrad passenden Fahrrad-“Korb“.
Der Rahmen wird durch zwei Teile am Steuerrohr befestigt und braucht keine weiteren Stützen.
Durch die orangen-schwarze Farbgebung passt sich der Fahrradkorb unaufällig dem Fahrrad an.
Pizzakartons lassen sich bequem am Gestell festspannen und auch ein kleiner Rucksack oder der Einkauf passt darauf.
Velodre gibt Fixie-Fahrern die Möglichkeit, nicht in den Rucksack passende Gegenstände zu transportieren, ohne sich dabei auf das Aussehen auszuwirken.

 

 

 

 

 

VELLA | Luca Ortmann

 

 

VELLA

VELLA ist ein einteiliger Kaffeezubereiter für Filterkaffee. Durch Tiefziehen und Biegen eines rechteckigen Kunststoffplatte,
kann dieser materialeffizient und in wenigen Schritten hergestellt werden. Die Nutzung ist simple. Einen konischen Papierfilter
in die Filterform legen, mit Kaffeepulver füllen und Wasser aufgießen. Durch die in die Filterform gezogenen Wellen,
liegt der Filter nicht vollständig an der Innenwand an. Dadurch staut sich beim Brühvorgang der Kaffee nicht im Filterpapier, sondern
kann sich in der tiefgezogenen Form verteilen und wird dadurch nicht sauer. Durch den Kranz am unteren Teil des Filterhalters wird übergelaufener und tropfender Kaffee zurückgehalten. Der Herstellungsprozess an sich benötigt nur wenige Schritte.
Ein Streifen aus Polystyrol wird über einer Hartschaumform tiefgezogen. Um die Filterform, sowie den Kranz zu formen, reicht hierbei ein Arbeitsschritt. Für die Biegungen wird das Stück an den Biegestellen noch einmal erhitzt und erneut über eine Form mit dem entsprechenden Radius gezogen. Die Rundungen in der Form sind generell so gewählt, dass der Kaffeezubereiter leicht mit einem Tuch reinigen lässt und somit sich in keinen Ecken oder Kanten Rückstände bilden.

 

 

VELLA is a one-piece coffee maker for filter coffee. By thermoforming and bending a rectangular plastic sheet,
it can be produced material-efficiently and in a few steps. The use is simple. Place a conical paper filter
into the filter mold, fill it with coffee powder and pour water. Due to the corrugations drawn into the filter mold,
the filter does not lie completely against the inner wall. This means that the coffee does not accumulate in the filter paper during the brewing process, but rather
can distribute itself in the deep-drawn form and thus does not become sour. The rim on the lower part of the filter holder retains overflowing and dripping coffee. The manufacturing process itself requires only a few steps. A strip of polystyrene is thermoformed over a rigid foam mold. To form the filter shape, as well as the rim, one step is sufficient. For the bends, the piece is heated again at the bending points and again drawn over a mold with the appropriate radius. The curves in the mold are generally chosen so that the coffee maker can be easily cleaned with a cloth and thus no residues form in any corners or edges.

 

 

 

 

 

turn&light | Anton Oberlaender

 

 

turn&light

Eine Leuchte. turn&light verzichtet auf einen klassischen Schalter. Als Leseleuchte lässt sie sich in die gewünschte Position drehen und ist eingeschaltet, sobald sie ihre Waagerechte Stellung verlässt. Der Leuchtkörper lässt sich einfach von der Wandhaltung abziehen und aufstecken. Er lässt sich aus zwei spiegelsymmetrischen Hälften, welche aus Eichenholz CNC-gefräst gefertigt wurden zusammenfügen. Die Leuchtquelle besteht aus einer einzigen Hochleistungs-LED. Hierbei wird der Leuchtkörper über eine koaxiale Verbindung mit Strom versorgt. Die elektronische Masse wird unterbrochen, sobald der Leuchtkörper in die waagerechte Position gedreht wird. Damit wird sowohl eine direkte Beleuchtung nach unten, als auch eine indirekte Beleuchtung nach oben möglich. turn&light wurde in der Funktion auf das einfachste reduziert. Mit ihrer schlichten und natürlichen Erscheinung fügt sich die Leuchte angenehm in den Wohnraum ein.

 

 

A luminaire. turn&light dispenses with a classic switch. As a reading light, it can be turned to the desired position and is switched on as soon as it leaves its horizontal position. The luminaire body can be easily removed from the wall mount and put on. It can be assembled from two mirror-symmetrical halves, which are CNC-machined from oak wood. The light source consists of a single high-power LED. In this case, the luminous body is supplied with power via a coaxial connection. The electronic ground is interrupted as soon as the luminous body is turned to the horizontal position. This allows both direct lighting downwards and indirect lighting upwards. turn&light has been reduced in function to the simplest. With its simple and natural appearance, the lamp blends pleasantly into the living space.

 

 

 

 

 

Tulú | Maria Paula Salamanca Millán

 

 

Tulú

Die Hauptidee von Tulú war es, zwei unterschiedliche Lampenkonzepte zu vereinen: Das Ergebnis dieser Kombination ist Tulú. Eine Taschen- und Tischlampe, die auf jeder Oberfläche verwendet oder platziert werden kann und zugleich dank ihrer Handlichkeit und leichten Transportierbarkeit auch unterwegs nutzbar ist. Aufgrund ihrer nur mittleren Größe findet Tulú so auf jeder ebenen Fläche Platz und passt in die Hand eines jeden erwachsenen Nutzers*.

Die trapezförmige Form und die Ästhetik von Tulú sind hierbei vom Konzept der Einfachheit inspiriert. Darüber hinaus erfüllt sie unterschiedliche aufkommende Bedürfnisse des Nutzers*, wie z. B. die Möglichkeit, ein Mobiltelefon, parallel zur regulären Nutzung, aufzuladen. Dank ihres wiederaufladbaren Akkus benötigt Tulú zudem weder Batterien noch eine ständige Stromversorgung, was auch im Hinblick auf den Aspekt der Einfachheit und Nachhaltigkeit vorteilhafte Eigenschaften sind.

Tulú hat einen transluziden, beweglichen Kopf, in dem die Glühbirne untergebracht ist. Aufgrund der verringerten Lichtdurchlässigkeit des Kopfstücks kann so die Helligkeit angepasst werden. In Folge der Beweglichkeit des Kopfstücks lassen sich zudem unterschiedliche Beleuchtungswinkel zu verschiedenen Seiten hin einstellen.

 

 

The main idea of Tulú was to combine two different lamp concepts: The result of this combination is Tulú. A pocket and table lamp that can be used or placed on any surface and at the same time, thanks to its handiness and easy transportability, can also be used on the go. Due to its only medium size, Tulú thus finds a place on any flat surface and fits in the hand of any adult user*.

In this regard, Tulú’s trapezoidal shape and aesthetics are inspired by the concept of simplicity. Moreover, it meets different emerging needs of the user*, such as the possibility of charging a cell phone, in parallel with regular use. Moreover, thanks to its rechargeable battery, Tulú does not require batteries or a constant power supply, which are also beneficial features in terms of simplicity and sustainability.

Tulú has a translucent, movable head that houses the light bulb. The reduced translucency of the headpiece allows the brightness to be adjusted. As a result of the mobility of the headpiece, it is also possible to adjust different angles of illumination to different sides.

 

 

 

 

TOMA | Skarlett Balta

 

 

TOMA

Ein guter Tag beginnt mit einer guten Tasse Kaffee. Für einen Kaffee brauchen wir normalerweise mindestens zwei Utensilien, eine Kaffeekanne und eine Tasse, in die wir den Kaffee gießen. Dieses Projekt zielt darauf ab, die Zubereitung und Reinigung einer einzigen Tasse Kaffee so weit wie möglich zu vereinfachen.
TOMA ist eine Becher-Kaffeemaschine, aus der man direkt trinken kann, ohne zusätzliche Brühgeräte benötigt.
TOMA besteht aus drei Teilen, die zur einfachen Reinigung leicht zerlegt werden können, aber sicher genug sind, um das Verschütten von Flüssigkeit zu verhindern. Er ist einfach zu bedienen und leicht zu reinigen.

 

 

A good day starts with a good cup of coffee. For a coffee we usually need at least two utensils, a coffee pot and a cup to pour the coffee into. This project seeks to simplify as much as possible the preparation and cleaning for a single cup of coffee.
TOMA is a coffee machine that you can drink directly from without the need for a kettle or additional brewing equipment.
TOMA is made up of 3 pieces that are easy to disassemble for easy cleaning, but secure enough to prevent any liquid from spilling. It is easy to use and easy to clean.

 

 

 

 

 

Pap&Roll | Jairo Cuicapuza

 

 

Pap&Roll

Gewöhnliche Rollos bestehen meist aus einer unübersichtlichen Anzahl an Lamellen, einem Gewirr an Schnüren und einem Mechanismus, welcher sich gerne mal verklemmt. Zusätzlich macht die Vielzahl an verschiedenen Materialien es schwer, ein handelsübliches Rollo, Plissee oder Jalousie zu recyceln.
Mit meinem Projekt „Pap&Roll“, dem Rollo aus Papier, habe ich es mir zur Aufgabe gemacht, eine einfache aber effektive  Weiterentwicklung zu besagtem Gegenstand zu suchen.
Papier ist günstig, gut zu recyceln und es verströmt ein angenehmes Ambiente, wenn Licht hindurchfällt. An den richtigen Stellen geschnitten, gefaltet und mit Gewicht und Gegengewicht versehen, kann man das Papier-Rollo wie eine Ziehharmonika entfalten und an jedem beliebigen Punkt stehen lassen. Mit Hilfe eines Laser-Cutters kann das Schnittmuster schnell an individuelle Fenstermaße angepasst und sauber geschnitten werden. Ob farbiges oder selbst bedrucktes Papier, der Kreativität sind hier keine Grenzen gesetzt.

 

 

Standard blinds usually consist of a confusing number of individual slats, a tangle of cords and a pull mechanism that quickly gets stuck.
In addition, the number of different materials, make it difficult to recycle!
With Pap&Roll, I have made it my task to develop a blind that is made from a single cut of paper.
Paper is cheap, easy to recycle and it gives off a pleasant ambience when light shines through it. Cut in the right places, folded and provided with weight and counterweight, the paper blind can be unfolded like an accordion and left at any point. With the help of a laser cutter, the pattern can be quickly adapted to individual window dimensions and cut cleanly. Whether colored or printed paper, there are no limits set to be creativity.

 

 

 

 

 

Neko Grip | En Kitani

 

 

Neko Grip

Diese kleine schwarze Katze hilft dir, ganz ohne Training mit Stäbchen zu essen.
Ganz problemlos und ohne Stress!
So hälst du jeden Tisch sauber, ganz egal ob Sud Hause oder im Restaurant isst.
Nie wieder blamieren und gleichzeitig Zeit sparen – und jeden Bissen genießen!

“Ich gehe nie ohne meine kleine schwarze Katze aus dem Haus. Man weiß ja nie, wann eine von meinem Teller Nudel entkommen könnte.” -JB, 33

 

This little black cat helps you to eat with chopsticks without any training.
No more hassle, no more stress!
You can finally keep any table neat and tidy, whether you’re at home or enjoying a restaurant meal.
Save time and embarrassment – and savour every bite!!

“I never leave home without my little black cat. You never know when a noodle might escape.” – JB, 33

 

 

 

LEAFTABLE | Sheraz Bhatti

 

 

LEAFTABLE

Leaftable ist ein Holzmöbel, das neue Perspektiven in der digitalen Holzbearbeitung untersucht.Die Holzbearbeitung hat im vergangenen Jahrzehnt eine große Entwicklung erfahren. Von der analogen Produktion an stationären Maschinen gibt es eine große Veränderung zur digitalen vollautomatischen Bearbeitung. Heute kann man mit der Maschine bis zum Moment der Verbindung an einem Stück produzieren. Die Präzision, wie zwei Stücke zusammengefügt werden ist massiv höher. Für Gestalter ergeben sich neue Ausdrucksweisen und zusätzliche Qualitäten. Man kann freier mit Form umgehen und sich an Dinge heranwagen, die man früher nur mit sehr hohem handwerklichen Aufwand hätte erreichen können.
Der runde Sidetable, der als Flatpack konzipiert ist, besteht aus zwei unterschiedlichen Teilen: Ein Segment, was als Wiederholung die Tischplatte bildet und das Bein. Das Detail für die Verbindung dieser Teile kommt aus der Form und wird beim Besäumen des Formholzes eingefräst. Mit Hilfe von Kunststoffclips können alle Teile fixiert werden.

 

Leaftable is a wooden furniture that explores new perspectives in digital woodworking:
Woodworking has experienced great development in the past decade. There is a big change from analogue production on stationary machines to digital, fully automatic processing. Today you can produce with the machine in one piece up to the moment of connection. The precision of how two pieces are joined together is massively higher. New forms of expression and additional qualities result for designers. You can deal more freely with form and dare to do things that previously could only have been achieved with a great deal of manual effort.
The round side table, which is intended as a flat pack, consists of two different parts: a segment, which forms the table top as a repetition, and the leg. The detail for connecting these parts result from the form and is milled in when the molded playwood is trimmed. All parts can be fixed with plastic clips.

 

 

 

 

Hooked | Libi Gurdus

 

 

HOOKED

HOOKED ist ein spielerisches Geschirrset, das eine neue Art der Interaktion mit unseren täglichen Aktivitäten und Aufgaben bietet. Das Set funktioniert wie jedes andere Geschirrset, aber kleine Anpassungen innerhalb seiner Form verleihen ihm einen weiteren funktionalen Aspekt.
Alle Teile des Sets haben eine integrierte Hakenform, die es dem Benutzer ermöglicht, alle Teile aufzuhängen. Das Set verändert die Reihenfolge des Geschirrspülens, denn sobald das Geschirr trocken ist, gibt es keinen Grund mehr, es in einer extra Kabine
oder einem Regal zu lagern. Sie können einfach bis zur nächsten Verwendung hängen bleiben, genau wie die Töpfe und Pfannenwender, die oft in unserer Küche hängen. Das Set eignet sich besonders für Personen, die eine stilvolle und EINFACHE Aufbewahrungslösung suchen, um sich den Abwasch zu erleichtern.

 

 

HOOKED is a playful dish set that offers a new way of interacting with our daily activities and chores. The set functions as any other dish set, however small adjustments within its form give it another functional aspect. All the set parts have a hook form integrated into them which allows the user to hang all pieces. The set changes the order of the dishwashing routine as once the dishes are dry, there is no reason to store them in an extra cabin or shelf. They can easily remain hanging until the next use, just as the pots and spatulas often hanging in our kitchen. The set is especially suitable for individuals looking for a stylish and EASY storage solution and for an easier dish-washing routine.

 

 

 

 

 

 

 

C / O container | Inhwan Oh

 

 

C / O container
einfach verstaut

Stets interessieren mich einfache Formen und die aus ihr resultierenden Funktionen sowie ihre möglichen Anwendungsbereiche. Demnach hat mich die Beschäftigung mit der zylindrischen Form zu der Gestaltung eines simplen Etuis geführt.
Ich konnte beobachten, dass herkömmliche Behälter und ihre Komponenten kaum einheitlich betrachtet werden und der Deckel nicht in die totale Form und Funktion integriert ist. Diese Behälter verfügen entweder einen externen Deckel, der sich nach dem Öffnen vom Hauptkörper trennt oder einen am Körper verbundenen Deckel, der im Raum stört und im geöffneten Zustand funktionslos ist. Deshalb habe ich angefangen mich mit der Bewegung des Handgelenks beim Öffnen und Schließen auseinanderzusetzen. Mittels vielen Modellen und Versuchen habe ich ein rotor-ähnliches Gelenk entwickelt, was sich zwischen der Außen- und Innenwand befindet und einen geschmeidigen auf und zu Mechanismus bildet. Für den facettierten Körper habe ich mit unterschiedlichen Metallen und Legierungen experimentiert, um Biegeverhältnisse, Gewicht und Haptik ideal für das Etui anzupassen.
Durch die Konstruktion des Gelenks und der Schwerkraft gleitet der Deckel und ist beim Öffnen und Schließen sowie im offenen und geschlossenen Zustand wesentlich in der gesamten Gestalt und Funktion integriert. Um die komplexen Funktionen so einfach es geht erscheinen zu lassen, habe ich alle Komponente verstaut, genauso wie ein Etui das Chaos verstaut und seinen Inhalt behütet. Die Schlichtheit des C / O containers stammt von seiner einheitlichen Gestalt, der natürlichen Bewegung bei der Nutzung, seinem einfachen Mechanismus sowie dem verständlichen Zusammenbau und seinem vielseitigen Anwendungsbereich.

 

 

C / O container
simply stowed away

I have always been interested in simple forms and the functions that might result out of them as well as their possible areas of application. Therefore, dealing with a cylindrical form led me to designing a simple container.
I have noticed that containers and their components usually don´t get looked at as a unit and the cover is not integrated in the entire form and function. Common containers consist either of a lid separated after opening from the main body or of a cover connected to the body while opened which disrupts the space and doesn´t contribute functionally. Firstly, I started to analyze the wrist-movement while opening and closing a cylindrical container. Trying out many models I developed a rotor-like joint which is located inbetween the outer and inner wall to form a smooth opening and closing mechanism. For the facetted body I have experimented with different metals and alloys to adapt the bending properties, weight and feel ideally to the container.
Due to the construction of the joint and gravity, the cover slides and is intrinsically integrated into its entire form while opening and closing as well as in opened and closed condition. To make the functions appear as simple as possible I have stowed away all components just like the container stows away the chaos and protects its content. The simplicity of the C / O container originates from its uniform shape, the natural movement while using it, the simple mechanism, the clear assembly and the versatile areas of application.

 

 

 

 

 

 

SPACE FOLDING | Yuhang Han

 

 

SPACE FOLDING

Ein einfacher Wäscheständer, auf den Sie Ihre Bettwäsche zum Trocknen schieben können.

Trocknen Sie Ihre Laken auf der Wäscheleine auf dem Balkon oder falten Sie sie in kleine Stücke, um sie auf einem Trockengestell zu trocknen? Winzige Wäscheständer scheinen das Trocknen von Laken zu einer schwierigen Aufgabe zu machen. Warum nicht diesen magischen Wäscheständer ausprobieren? Jeweils zwei Stangen werden miteinander verbunden, und die Länge der Wäsche wird verdoppelt. Da eine Trockenstange nicht ausreicht, können Sie die Laken schwenken und auf die andere Stange schieben, wie einen zusammengefalteten Raum!

 

A simple drying rack on which you can slide your sheet to dry.

Do you dry your sheets on a clothesline on the balcony, or do you fold them into tiny pieces to dry on a drying rack? Tiny drying racks seem to make drying sheets a difficult task. Why not try this magic drying rack? Every two rods are connected to each other, and the length of the drying clothes is doubled. One drying rod isn‘t enough, so you can swivel and slide the sheets onto the other rod, like a folded up space!

 

 

 

 

RONDA | Alice Bonanomi

 

 

RONDA

Ronda ist kurvenreich, voluminös und einfach. Ihr rundes Profil erinnert an die Ästhetik der sechziger Jahre, es besteht aus modularen Formen, die gleich geformt sind und sich in entgegengesetzter Richtung abwechseln, um sowohl Rückenlehne als auch Sitzfläche zu
überbauen. Er ist aus Kork gefertigt, der durch rosa Knöpfe akzentuiert wird.
Dieses Projekt entstand aus Überlegungen zu Klappstühlen und der Erkenntnis, dass Platzersparnis nicht gleichbedeutend sein muss mit einer extremen Reduzierung des Volumens. Die erste Absicht war, dem Stuhl eine räumliche Bedeutung zu geben, wenn er geschlossen ist. Aus diesen Prämissen heraus kam ich zu dieser Form, ich wollte etwas Voluminöses und Verspieltes. Ich beschloss dann, mich darauf und auf die Modularität zu konzentrieren und nicht auf die Möglichkeit der Faltung.
Um die Konstruktion zu vereinfachen, habe ich die Rückenlehne und die Sitzfläche auf die gleiche Form reduziert, die abwechselnd die gesamte Form bildet.

 

Ronda is curvy, voluminous and simple. Her round profile recalls the esthetic of the sixties, it consists of modular forms that are shaped
alike and alternate in opposite directions to superstruct both back and seat. It is made out of cork accentuated by pink buttons.
This project was born from thoughts on folding chairs and how saving space doesn’t have to mean extreme reduction of volume. The
first intent was to give to it a spacial meaning when close. From these premises I came to this form, I wanted something voluminous and
playfull. I decided then to focus on that and on the modularity of it rather then the possibility of folding. In order make the construction
more simple I reduced both back and seat to the same shape that alternates creating the full form.

 

 

 

 

BEN und BENNET | Paul Krueger

 

 

BEN und BENNET

Ben und Bennett ist eine Set von auf das wesentliche reduzierten Sitzbänken. Aus einer einzigen Multiplexplatte gefertigt, bilden Sitzfläche und Beine ein durchgehendes Element. Das Biegen des robusten Materials wird durch präzise Schnitte ermöglicht, die fast durch das gesamte Material gehen. Die Breite der Schnitte lässt gerade genug Spielraum, um das Holz in den gewünschten 90-Grad-Winkel zu biegen. Die Kurven verleihen dem schlichten Design eine ansprechende Eleganz.

Die Vereinfachung, die Thema des Projektes war, in dessen Rahmen Ben und Bennet entstanden ist, kam auch im Gestaltungsprozess zum Vorschein. Ursprünglich aus dampfgebogenem Holz mit Rückenlehne konzipiert, ging es erst in Versuche mit Formholz und schließlich zur Biegung mit Hilfe von Schnitten, die ohne spezielle Werkzeuge an der Kreissäge durchgeführt werden können. Die geplante Rückenlehne wurde erst immer kleiner, bis sie fast ganz verschwand und im aktuellen Entwurf nur noch als Andeutung aus gebogenem Plexiglas zu finden ist.

 

Ben und Bennett is a set of benches reduced to the minimum. Made from a single multiplex board, the seat and legs form a continuous element. Bending the sturdy material is made possible by precise cuts that go almost through the entire material. The width of the cuts leave just enough room to bend the wood to the desired 90-degree angle. The curves add an appealing elegance to the simple design.

Simplification, which was the topic of the project in which Ben und Bennet was created, also emerged in the design process. Originally conceptualized in steam-bent wood with a backrest, it proceeded to experiments with molded plywood and finally to kerf bending with the help of cuts that can be done with a circular saw without any special tools. The backrest first became smaller and smaller until it almost disappeared and in the current design can only be found as an allusion made from plexiglass.

 

 

 

 

HOUSEKEEPER | Marek Asamoah

 

 

HOUSEKEEPER

Inspiriert von der Funktion des klassischen und altertümlichen „Herrendieners“ eignet sich der „Housekeeper “ hingegen als Zimmerobjekt zur Alternative eines unordentlichen und vollgeräumten Klamottenstuhls in der Ecke des Zimmers.
Er dient dazu, die getragenen, nicht schmutzigen Gewänder und Hosen ordentlich auslüften zu lassen und sachgemäß zu verstauen, ohne groß Platz zu beanspruchen. Funktional dient er als Ordnungssystem und ist dazu ausgerichtet, wie der Herrendiener, ein bzw. mehrere Tagesoutfits aufzubügeln und für den erneuten Gebrauch bereitzustellen. Er ist aus sechs einzelnen, gefrästen Acrylglasscheiben aufgebaut, die sich einfach und schnell zusammenbauen lassen. Das Design, die Herstellung sowie das Auftreten des Objektes insgesamt ist, wie die gestellte Aufgabe, schlicht und einfach gestaltet, doch bringt der Housekeeper eine elegante, moderne und praktische neue Ausführung für ein Ordnungssystem der Kleidung im Schlafzimmer mit sich.

 

 

Inspired by the function of the classic and old-fashioned „gentleman’s valet“, the „Housekeeper „, in contrast, is suitable as a room object as an alternative to a messy and cluttered clothes chair in the corner of the room.
It serves to let the worn, not dirty robes and pants to air out neatly and store them properly, without taking up much space. Functionally, it serves as an organizing system and, like the gentleman’s valet, it is designed to iron one or more day’s outfits and make them ready for reuse. It is constructed of six individual milled acrylic panels that can be easily and quickly assembled. The design, manufacture, as well as the appearance of the object as a whole, like the task set, is designed to be simple and straightforward, but the Housekeeper brings an elegant, modern and practical new design for an organization system of clothes in the bedroom.

 

 

 

    

 

BRING THE BALANCE | Osamah Abouzor

BRING THE BALANCE

Das Konzept der Attraktion ist für mich essentiell, wegen seinem Zusammenhang durch die Form seiner Präsenz in unserem Leben mit unserer Art zu wählen und zu konsumier- en.
-Welche Impulse erzeugt eine Art der Attraktion in uns.

-Kann der Prozess der Attraktion mit bestimmten Elementen definiert werden, um At- traktion dadurch zu hacken?
-gibt es eine künstlerische Funktion?
-gibt es eine objektive Attraktion?

Auf der Suche nach einem Konzept, das die objektive Attraktion repräsentiert, kam ich zum Konzept des Balance, das gleichzeitig das Gegenteil vom Zustand des Imbalance der Kräfte ist, was ich als eine Art der Attraktion hacken wollte. Und um die Objektivität dies balanced Attraction zu erreichen, sollte jeder daran teilhaben können.
Von daher entstand die Idee, ein System zu entwerfen, das aus mehreren Elementen besteht (Bögen aus Holzfurnier, die mit Kugelmagneten aneinander befestigt werden und auf unterschiedliche Weise kombiniert werden können), um die Schaffung von Kom- positionen mit funktionellem oder ästhetischem Wert für allen zu ermöglichen.
Was alle diese Kompositionen eint, ist der Balance-faktor bei der Konstruktion, damit sich die Komposition stabilisiert.

The concept of attraction is essential to me because of its connection through the form of its presence in our lives with our way of choosing and consuming.

-What impulses creates a kind of attraction in us.

-Can the process of attraction be defined with certain elements in order to hack attrac- tion through it?

-is there an artistic function?
-is there an objective attraction?
In search of a concept that represents objective attraction, I came to the concept of bal-

ance, which is at the same time the opposite of the state of imbalance of power, which I wanted to hack as a kind of attraction. And in order to achieve the objectivity of this balanced attraction, everyone should be able to participate.

Hence the idea of designing a system made up of several elements (wooden veneer arcs attached to each other with spherical magnets, which can be combined in different ways) to allow the creation of compositions with functional or aesthetic value for every- one .

What unites all of these compositions is the balance factor in the construction to stabi- lize the composition.

Prozess

 

TAPTOPIA | Anna-Maria Argmann

TAPTOPIA

Der Zugang zu Trinkwasser ist in unserem Alltag selbstverständlich geworden. Nur wann ändert sich dieser Luxus und wie gehen wir damit um? Wasser wird mehr und mehr eine fragile Ressource der Erde und Wassermangel hat bereits schwerwiegende Folgen für die Natur. Wie schaffen wir ein Bewusstsein für einen neuen Umgang mit unserem Trinkwasser?

Der erste Berührungspunkt zu Wasser sind die Wasserhähne in unseren Wohnungen. Ohne uns im Klaren darüber zu sein, wie viel Wasser wir gerade verbrauchen, genießen wir den bequemen und funktionalen Zugang. Mit „TAPtopia“ möchte ich dieses System stören und den*ie Benutzer*in eines Wasserhahns mit unserem verschwenderischen Umgang des Trinkwassers konfrontieren.

Mit verschiedenen Adaptern an unterschiedlichen Wasserhähnen wird der Wasserzugang erschwert. Glasadapter verteilen das Wasser in den Raum oder spritzen den*ie Benutzer*in direkt an. Eine Seife umfasst den Hahn und schafft eine neue Verbindung. Ein Gummi verhindert das Öffnen und eine Silikonhaube die Nutzung von Warmwasser.

Wie viel Wasser ist wirklich nötig und wie viel können wir durch unser eigenes Handeln sparen?

Access to drinking water has become a matter of course in our everyday lives. But when will this luxury change and how do we deal with it? Water is becoming more and more a fragile resource of the earth and water shortage already has serious consequences for nature. How do we create awareness for a new way of dealing with our drinking water?

The first point of contact with water are the taps in our homes. Without being aware of how much water we are using, we enjoy the convenient and functional access. With „TAPtopia“ I want to disturb this system and confront the user of a tap with our wasteful use of drinking water.

 

With different adapters on diverse taps, water access is made more difficult. Glass adapters spread the water into the room or spray the user directly. A soap surrounds the tap and creates a new connection. A rubber prevents opening and a silicone cap blocks the use of hot water.

How much water is really necessary and how much can we save through our own behavior?

Prozess

 

LET’S FENCE | Katharina Matejcek

LET’S FENCE

Ein Zaun ist eine von Menschen geschaffene Grenze die zwei Bereiche voneinander trennt. Er umschließt Grundstücke, bietet so auf der einen Seite Schutz vor unbefugtem Betreten und trennt auf der anderen Seite Familien voneinander. 

Was passiert, wenn man diese Grenze aufbricht und sich auf ihr aufhält oder sie sogar überwindet?

„Let‘s Fence“ befasst sich mit genau dieser Fragestellung. Verschiedene Gegenstände laden dazu ein, unterschiedliche Zauntypen zu hacken und das System Zaun und seine Funktion neu zu denken.

Mit einhängbaren Trittstufen und einem Silikonfingerschutz wird das Klettern über Grenzen stark vereinfacht.

Eine Schaukel bietet die Möglichkeit sich an jedem Zaun eine Sitzgelegenheit zu schaffen oder sogar zu schwingen. 

Aufsteckbare Platten machen aus dem 20cm hohen Zäunchen rund um öffentliche Berliner Plätze einen bequemen Ort zum Verweilen und Aufhalten. 

Und das nächste Mal, wenn Sie an einem Zaun vorbeilaufen, fragen Sie sich doch, wie Sie diese Grenze aufbrechen können.

A fence is a man-made boundary that separates two areas. It encloses properties, providing protection from trespassers on the one hand and separating families from each other on the other. 

What happens when you break this border and stay on it or even cross it?

„Let‘s Fence“ addresses this very question. Various objects invite you to hack different types of fences and rethink the fence system and its function.

Climbing over boundaries is greatly simplified with hook-in steps and a silicone finger guard.

A swing offers the possibility to create a seat at any fence or even to swing. 

Attachable panels turn the 20cm high fence around public Berlin squares into a comfortable place to stay and rest. 

And the next time you walk past a fence, ask yourself how you can break this boundary.

Prozess

 

IS THAT TOO CLOSE FOR YOU? | Jing Jin

 

IS THAT TOO CLOSE FOR YOU?

Narben, Falten, Kratzer, blaue Flecken, Dellen… die Spuren auf unserem Körper wachsen, bewegen sich und atmen mit uns. Manche von ihnen verblassen schneller, wie die Dellen, manche bleiben länger, aber keine von ihnen ist wirklich dauerhaft. Zusammen dokumentieren sie jedoch wahllos unsere persönliche Geschichte und jeden unscheinbaren, flüchtigen Moment, den wir erleben. Die Art von Spuren, auf die sich dieses Projekt konzentriert, sind die Einkerbungen. Um diese Spuren zu hinterlassen, ist ein enger körperlicher Kontakt erforderlich, aber es wird kein Schaden angerichtet und es dauert nicht lange. 

Das Hacken mit Hautspuren bedeutet, die intime Beziehung zwischen uns und dem Marker zu hacken, ganz gleich, ob es sich bei dem Marker um uns selbst, andere Menschen oder Objekte und Umgebungen handelt. Hacken bedeutet, zu hinterfragen, zu verstehen und neue Perspektiven auf das zu formulieren, was gehackt wird. 

Scars, wrinkles, scratches, bruises, indents…the marks on our body grow, move and breathe with us. Some of them fade away faster, like the indents, some stay longer, but none of them is truly permanent. However, together they indiscriminatingly document our personal history, and every inconspicuous fleeting moments we live through. The type of marks that this project focuses on is the indents. In order to leave these marks, close physical contacts is required but no harm will be made and it does not take long. 

Hacking with skin marks is to hack the intimate relationship between us and the marker, no matter if the marker is ourselves, other people, or objects and environments. To hack is to question, to understand, and to formulate new perspectives on what’s being hacked. 

 

Prozess 

ETZ | Amit Mansharof

ETZ

Das Projekt „Etz“ ist eine Plattform, die es dem Benutzer ermöglicht,
einen Teil des öffentlichen Raums zu beanspruchen, indem es mit
verschiedenen Arten von Holzteilen an Straßenmasten befestigt wird.
Die Befestigung erfolgt über Spanngurte und „schafft Platz“.
Das hier gezeigte Modell ist ein Arbeitsraum,
aber die Plattform ermöglicht dem Benutzer viele verschiedene Arten anderer Verwendungen,
indem die Teile in einem anderen Layout oder einer anderen Anzahl von Teilen angeordnet werden.

The project „Etz“ is a platform allowing the user to claim part of the public space by attaching to street poles with different kinds of parts made of wood.
The attachment is being made by tension belts and „creates a place“ .
The model showen here is a working space but the platform allow the user
many different kinds of other uses by seting the parts in a different layout or differentnumberof parts.

Prozess 

BRICKS | Cristiano Picaopereira & Max Funkat

BRICKS

Ein Finden zweier Suchender.
Einer nach der Form für das Material, der andere nach einem Material für die Form. Kork fand den Mauerstein – und der Mauerstein fand den Kork – ein Mauerstein aus Kork.

Welche Möglichkeiten bietet das recyceln von Flaschenkorken? Wie kann dem gewonnenen Material mit einfachen Mitteln eine neue Form gegeben werden. Eine Form, die als wandelbares Element in einem System funktionieren kann.

Wie kann man der Mauer ihrer Eigenschaften berauben und neue schenken? Eine Mauer erschaffen, die nicht schützt oder trägt, trennt und ausgrenzt – sondern ein System “Mauer” – welches zum verweilen, zur Zusammenkunft einlädt.

Das entstandene Element bedient sich der natürlichen Materialeigenschaften von Kork und nutzt sie effektiv, um in dem System zu funktionieren. Auch die Form des einzelnen Elementes – inspiriert durch den klassischen Mauerstein – berücksichtigt den Ursprung in vielerlei Hinsicht.

Der entwickelte brick lässt sich durch die Zugabe von Mörtel in Form von Rundstä- ben zu einer Mauer zusammensetzen. So wird das System “Mauer” wandel- und formbar – ohne Abriss, ohne Schutt. Eine Mauer für Innenräume, die mit unseren gewohnten Assoziationen bricht und ihr damit einen neuen Gegenwartssinn ermöglicht.

A finding of two seekers.
One looking for the form for the material, the other for a material for the form. Cork found the brick – and the brick found the cork – a brick made of cork.

What are the possibilities of recycling bottle corks? How can the extracted material be given a new shape with simple forms.

 

How can the wall be robbed of its characteristics and given new ones? Create a wall that does not protect or support, seperate and exclude – but a system „wall“ – wich invites to linger, to come together.

The resulting element makes use of the natural material characteristics of cork and uses them effectively to function in the system. The shape of the single element – inspired by the classic brick – considers the origin in many ways.

The resulting brick can be assambled into a wall by adding mortar in form of round rods. This makes the system „wall“ change- and malleable – without demolition, without rubble. A wall for interiors that breakes with our familiar associations and thus gives it a new sense of the present.

 

Prozess 

 

INBETWEEN | Hendrik Lucka

 

INBETWEEN

Wo und wie leben wir? Wir groß ist unsere Bewegungsfreiheit? Wer und was bestimmt unsere Freiräume? Wo können wir ungestört sein und wo müssen wir uns verstecken?

Inbetween untersucht die Zwischenräume dieser Fragen und wirft neue auf. Das Projekt soll dazu anregen sich selbst damit auseinander zu setzen und zu hinterfragen, wem die Stadt gehört und welche Rolle ihre Bewohner*innen dabei einnehmen. Es ruft dazu auf, sich Freiräume zu erschließen und gegebene Ordnungen Infrage zu stellen. Spielerisch und ungewohnt werden Strukturen umgenutzt, Symbole der Ausgrenzung und Abschottung werden zu Orten der Begegnung und des Verharrens. Wo Nachbarschaften auseinandergerissen und Nachbar*innen verdrängt werden, braucht es neue Wege, neue Treppen, Balkone, Terassen, Dächer, Tische, Stühle.

Wie die Vernetzung der Zäune die uns trennen müssen auch wir wie ein Netz zusammenkommen und unsere Städte gemeinsam so gestalten, wie wir sie am lebenswertesten finden.

Where and how do we live? How much freedom of movement do we have? Who and what determines our free spaces? Where can we be undisturbed and where do we have to hide? 

Inbetween explores the interstices of these questions and raises new ones. The project is intended to encourage people to look at this for themselves and to question who owns the city and what role its inhabitants play in it. It calls on people to open up free spaces and to question given orders. Structures are reused in a playful and unfamiliar way; symbols of exclusion and isolation become places of encounter and dwelling. Where neighbourhoods are torn apart and neighbours displaced, new paths, new staircases, balconies, terraces, roofs, tables, chairs are needed. Like the network of fences that separate us, we too need to come together like a net and shape our cities together in the way we find most livable.

Prozess

 

BIN AUFGEFANGEN | Gloriana Valverde & Helena Wassilowsky

 

BIN AUFGEFANGEN

During our research phase, we observed some figurines hold their position in a way that seems trapped. We thought it would be interesting to bring this movement back to life, by uniting their physical presence on the table with a digital tool — a filter. This brings the figurines to a digital dimension and makes them interactive, which gives these old-fashioned objects a modern approach. The filter also gave an opportunity to show how the digital world surpasses the possibilities of the physical one, since there are no limitations. We decided to unite the figurine with a typical object present on our tables: a teacup.

 

project:

 

process:

 

Ist doch nicht böse gemeint | Liesa Fritzsche

Ist doch nicht böse gemeint

There are many types of violence and it often starts in communication. Many words or statements are not recognised as such because one is familiar with them or used to them. Threats, blackmail, nagging, criticism, generalising, insulting, shaming, irony, sarcasm, excuses, justifications hurtful remarks and slights often disguised as jokes in these cases judge other people about one’s own feelings and the feelings are trivialised or ignored. Those who have experienced psychological violence over a longer period of time usually feel it worse than physical violence. It gradually destroys self-confidence. Based on the feeling of heartbreak and dealing with it, I wanted to express the disappointment, sadness and anger, but there is so much more behind these feelings. The way people behave in any relationship The environment and especially the communication. Perceived abusive expressions in everyday communication – microagressions, also ghosting,being ignored and sweeping conflicts under the carpet are part of it.
for example: From underestimation in the family, to toxic relationships to all forms of discrimination in everyday life. professional circles, false circles of friends and on the street.
Even if it is „well-intentioned“, they can be very hurtful.This kind of micro-violence in communication is what I want to show in my communication pieces.
Violence in communication can be found everywhere, but it is usually „not meant badly“.

project:

 

process:

 

Oddly | Karoline Heyde

Oddly

Too big, too small, too crooked, too misshapen, too pale, too different – too imperfect.

Worldwide about 1.3 billion tonnes of food end up in the rubbish every year. But about half of this could actually be avoided. More than 2.6 million hectares are farmed for the bin and almost 48 million tonnes of greenhouse gases are emitted for nothing.

With my project Oddly I want to question the standards of the food industry but also the purchasing decisions of consumers. Because we also tend to reach for the standard because we are used to it and tend to be sceptical about what is unknown and looks different. But also due to the strict EU regulations of the food industry a lot is sorted out before it even reaches the supermarket. Like the crooked cucumber for example which does not fit into the boxes for storage and is therefore simply impractical for retailers. It’s cheaper and easier to throw it away even though it actually tastes just as good and just as much work goes into growing it as a straight cucumber.

With Oddly I bring the misfits among vegetables into the supermarket and onto the dining table as conversation pieces to provide fun and serious conversation. This takes away the fear of the unfamiliar and makes you wonder why such foods are only on the table and not on your own plate. After all, it is precisely the flaws and imperfections that make something special and lovable.

For the prototypes, the imperfect vegetables were 3D scanned, printed, moulded in plaster and then cast in ceramic. To make them look even more whimsical and absurd on the table, they were enlarged three to four times. In this way they stand out even more from the norm and attract attention.

 

project:

process:

 

 

FOREVER TRASH | Gabriel Knoop

FOREVER TRASH

People have always created things to perpetuate themselves and their culture. Buildings, monuments, statues, figures – carved, chiseled or pottered. They remind us of historical events, great rulers, rites or sanctuaries. Porcelain is a material that has always been used in this context, to create decorative, representative and symbolic objects. It is firmly rooted in many places of the world. whether in ancient China, ancient Greece, in aztec or old egyptian culture. FOREVER TRASH creates an analogy to this practice by staging trash objects made of porcelain as representative figures of our time. Whether we like it or not, what our generation will leave behind is clear: lots of trash. Packaging is quickly unpacked and thrown away. We devote only fractions of a second to this unpleasant topic. Yet garbage embodies many aspects of human activity: Consumption, capitalism, environmental exploitation and destruction, ignorance, megalomania … all this has to do with garbage. Our garbage will outlast the age of humanity and will probably leave traces on our planet forever.

That‘s why it represents us best.

project:

 

KORAL | Emma Johann

KORAL

KORAL gives a central place to those that we usually overlook or actively ignore. Corals.In the last 30 years, we have lost 50% of the world‘s corals due to rising water temperatures. When the water temperature rises around corals, the algae that are in their skin disappear as a protective mechanism. The corals give us a signal by turning white. White corals are not dead, they are dying. They can recover when the water temperature drops again.

But that only happens if we act. If we care. When I think about figurines, I think about kitsch and people having porcelain figures somewhere on their shelves, waiting for them to slowly dust away. KORAL is a more interactive approach to figurines. KORAL generates a relationship with the figurine, not just an emotional one but a relationship that depends on each other. You have to care about KORAL, to keep it alive. By underfiring the 3D-printed porcelain, it absorbs water and moisturizes the surface. To create a reciprocal relationship with the figure, I immediately thought of a living figure. Something special that deserves your attention. The 3D printed structure is the perfect base for planting on the surface. By absorbing water, the porcelain keeps them alive. But only if one cares about it. Feeding it with water and attention. This project is nowhere near a solution to coral bleaching around the world. But it brings corals back into our daily lives.

 

project:

process:

 

FUMING | Felix Zahner

FUMING.

a conversation piece that poses as an incense holder

As a conversation piece, „fuming.“ addresses the issue of toxic masculinity and encourages a conversation about it. The figure depicts three sad men. They each stand for a way of dealing with one‘s feelings, worries and problems. The incense cone inside the middle figure creates a smoke that flows out of all three heads and brings the object to life.

Felix Zahner – 

project:

 

process:

 

ONE MONTH | Ivo Allgoewer

ONE MONTH

ONE MONTH is a sculpture representing the monthly meatconsumption in Germany. The sculpture consists of 62 matt-black bones, which are piled up into a heap. Some of themshow different figures and facts about the environmentalimpact of the meat consumption depicted. The sculpturemakes the viewers think about their own meat consumptionand its consequences.

 

project:

 

process:

 

PIOUPIOU – Lila Guedin

PIOUPIOU

The Pioupiou project was born from the desire to create a contemporary porcelain figurine, inspired by two archetypes of porcelain objects, the tea set and the bird figurines that used to be found on well-arranged tables to show the beauty of nature. My idea was to merge these two archetypes to create a service that would not be presented on a tray (horizontally) but could be stacked to create a vertical figurine. It is a different way to consider everyday objects. Using the stacking, not as a simple way to store, to optimize closet space but as a possibility to give a sculptural look to these objects. Instead of hiding them behind a door, what if they were left in the room for all to see as a figure of the house ? By stacking these everyday objects, we obtain something more fragile, refined, which must be handled with more care, something that echoes the classic figurine.

The tea set also represent a past culture, it was at the time, gifts offered as marriage present.

Nowadays, it is not so common that people have a set for tea or coffee, but more pieces that they get from here and there. I wanted to dust off this « classic » and make an attractive porcelain service/figurine.

Before, birds figure were arranged to show the beauty of nature on the table. Nowadays birds are one of the most domesticated species by human, and many species are in danger of extinction because of human behavior (deforestation, climate change, pollution). So I also wanted to bring this conversation around the table, and around a cup of tea or coffee. To design my set, I inspired myself with different elements of birds like the tail, the beak or the crown.

My figurine is composed with one pot (tail), one milk jug (beak), one cup (with a hole as an handle and different way to grab the cup, (eyes) and one coffee filter (crown). We use directly the different parts of the bird, as humans just take advantage of the animal species and nature that surrounds it. I wanted to represent a bird in an minimalist way, not one particular species, but a sort of collage, which allows some interpretation to the user. The pieces alone don’t look like parts of a bird but it’s putting them together that reveals the figurine.

 

project:

 

process:

NEOZOO | Aurelia Lehmann

NeoZoo

Nowadays, figurines are usually only found at flea markets, in museums, expensive porcelain shops or perhaps in grandparents‘ glass cabinets. Their image is kitschy and their relevance dusty. Back then, until a few decades ago, they belonged on the tables of aristocratic and upper-class society set with already expensive porcelain, in order to provoke conversation or provide space for extensive exchanges on socially or politically decisive topics.

This function of the ceramic figures is little known and all the more seriously represented by the view of the tasteless jumble.

With my project „NeoZoo“, I would like to invite the porcelain figures back to the table and give them a context that humorously plays with and breaks the theme of kitsch. On the one hand, „NeoZoo“ is to make use of the tradition and function of the „Conversation pieces“ and, on the other hand, to explore new types of functional ceramics.

With four animal figurines, which stand for the most frequently immigrated animals in Berlin’s urban space, I would like to open up the conversation for the displacement of animals from the countryside to the city caused by humans. The function of the individual figurines supports this message and makes a critique clear in that those animal figurines spit on the plate of the user of the object or optionally „shit“. With the selection of fox, squirrel, pigeon and raccoon, I would like to point out the responsibility and relevance of human behaviour towards these animals. The bigger the city, the more animals will live in it in the future, and in order to make it possible for them to live together, it will become increasingly important for humans to critically question and adapt themselves and their role in urban space.

project:

 

process:

 

SOWL | Lea Dekara

SOWL

Our everyday life is becoming increasingly fast paced and time has become a valuable commodity in our society. Due to digitization, you can be reached anytime and anywhere. This makes it even harder to actually recover from the day during or after work. wThe stress level is constantly increased and the pressure of today’s performance society supports this unhealthy lifestyle. You take fewer or even no breaks and work until you are unfocused and frustrated. Thus, you overexert your own body day after day without regard to your own well-being.

The draft SOWL aims to counteract this outcome. It is a tea service in the shape of an owl. But why an owl? Patience and wisdom are often associated with the owl. In other words, exactly the qualities that we lack in our hectic everyday lives.

SOWL should not only be a simple commodity or decoration, but also show how important it is to take regular breaks. SOWL can be seen as a personal advisor that accompanies you throughout the day at work. The set can be placed on the table and while you work every now and then to draw attention to breaks.

Even just a small break of five minutes, during which you drink a cup of tea, can relax you and increase your health and productivity throughout the day.

project:

 

process:

 

LITTLE TREASURES | Johanna Klein

 

LITTLE TREASURES

A project about butterfly extinction in Germany

The diversity and beauty of the tiny butterfly eggs remain hidden to the naked eye in everyday life. At the same time, humans with their re-ckless and selfish way of life contribute to the fact that the habitats of butterflies continue to dwindle and thus the populations are endange-red. This project „serves“ humans the effects of their actions on fellow creatures.

 

Johanna Klein –

project:

    

 

process:

 

SEX TALK | Emma Mende

SEX TALK

With the project „sex talk“ I want to break the taboos and stigmas around the topic of female* masturbation. For this purpose, I have taken casts of famous sex toys that are mainly used by women* and made them in porcelain. To begin, I captured existing sex toys with the 3D scanner and then upscaled these files by twelve percent, as I had to account for the shrinkage of porcelain. After that, I 3D printed the files and then reworked them with spray putty to get rid of the grooves created by printing. After that, I was able to cast the objects in plaster, then cast them in porcelain. After drying, I manually engraved decorations into the porcelain based on traditional porcelain patterns. After the first firing, I was able to glaze the figures and then fire them a second time. In the final step, I repainted the details with gold glaze and fired a third time. I placed the resulting objects on matte black metal stands.

My project „sex talk“ is a new form of traditional conversation objects and should encourage to talk more about the topic of female* masturbation, as this is often concealed. Talking objects were around the seventeenth century and later traditional, mostly porcelain, figures that were placed on the table to start conversations about socially relevant topics. Exactly on this principle, „sex talk“ is also intended to encourage open and free conversation with guests, friends and strangers about this relevant topic. I want girls to no longer feel ashamed when they masturbate and women of all ages to be able to have an open conversation about masturbation without shame. After all, masturbation is not only healthy, but enormously beautiful and a big step towards sexual self-determination.

project:

 

process:

 

IT IS STILL HERE | Lukas Dilger

 

IT IS STILL HERE

A preserved image of Antarctic ’Doomsday Glacier’ as a memorandum and decorative tablepiece.

The Thwaites Glacier – also called Doomsday Glacier – is one of the most significant and spectated Antarctic glacier, considering rising sea levels. It is considered as a forefront of Antarctic ice in regard to global warming. With new found warm-water currents underneath its field of ice shelf it is predicted that large parts of the glacier will be fully melting off and flowing into open sea within the next ten years.

It Is Still Here is a new take on the role of porcelain objects as table decorations and conversation pieces as we know them from the 16th century onwards. The collection of four objects shows an abstract portrait of the ever-changing and melting Thwaites Glacier, frozen in time. Preserved in porcelain, a material similar to ice in its color, feeling of temperature and brittleness, but a lot more durable, so one can take the memorandum to the glacier into the comfort of their own home. Reminding us, that right now the glacier is still there.

Depicted are four typical parts of a glacier, modeled after currently existing examples of the Thwaites Glacier, but they can also be projected on many other glaciers, as the threat of melting off is there for a lot of them. Of all glaciers worldwide the major part is receding because of global warming and fueled by smaller factors such as warm water flows and glacial blackness.

The pieces will bring us closer to a spot on earth, which is very important to our climate and will once be lost forever.

 

project:

 

process:

 

Fragile | Fatma Cankaya

Fragile

Away from acrylic nails towards luxurious porcelain accessories. A material study in which the difficulty lay in perceiving porcelain not only as a classic table decoration, but also as an accessory that adorns the body. Since nail studios use fast-hardening acrylic and can therefore glue anything to the nails, and have a wide range of design options, it does not mean that porcelain cannot implement the same properties. With the porcelain fingernails you don’t have to have your nails done again and again and there is no more wasting of materials, you put the nail on like a ring over your finger and the party can start.

As a statement and it-piece object, this unisex piece of jewelry beautifies everyone’s hands, regardless of age, figure or fashion style. The trend of styled nails is increasing, that’s why done nails symbolize a kind of freedom, self-confidence and the expression of one’s personality.

The porcelain nails are suitable for the evening of your life. Especially for special events like the „Met Gala“ in New York. The theme of any red carpet is to stand out and exude as much extravagance as possible.

In order to attract attention, nail designs have to be trumped again and again, and this is only possible up to a certain point. After that, it’s more about which materiality you can use to attract even more attention. Of course with fingernails made of porcelain.

 

project:

 

process:

 

INDENTIFY YOUR IDENTITY | Anna Wibke Münz

INDENTIFY YOUR IDENTITY

The decoration is meant to show that there is an individual behind every balaclava. Every person is unique in their own way. On one hand, the masking leads to an identification with the group, a sense of togetherness, and on the other hand, the individual protects him/herself from attacks from outside. The attached „spikes“ show the harsh reality of political persecution, condemnation and restricted speech, but also the softer side of the person behind the mask, when looked at more closely. For the decoration, solid porcelain was creamed with the addition of water and filled into silicone bags. To achieve the desired result, nozzles were used which are actually used for baking. The creamy porcelain could then be shaped into the desired form with the help of the baking utensils.

project:

process:

 

SILICART | Clara Escobar

SILICART

Silicart enables co-living with algae. The shape is informed by a silicoflagellate micro alga. Algae also grow on its surface. The hollow inside serves as a tank from which the algae irrigate themselves. They filter the water and lead to cleansed water to evaporate into the room which cools down the interior climate. This low-maintenance product can be crafted from local soil and is solely driven by microbiological forces fuelled by sun, CO2 and human care.

 

project:

 

process:

UDK RUNDGANG 2022 | Mode & Produkt Design

UdK BERLIN RUNDGANG 2022
Product Design (IPP) & Mode Design (IBT)

Strasse des 17. Juni 118 – 10623 Berlin
Daily 12.00 – 18.00 h.

22 JULY

12.00-18.00: previews for Professionals
book a preview ticket here / hier

12.00, 14.00, 16.00: IBT-FASHION-WALKS, meeting point: lobby

14.00-15.30: IPP-VIP-TOUR, meeting point: cafeteria/hof – please r.s.v.p. at 

23 JULY

12.00-18.00: IPP & IBT open house for general public, presenting graduates Bachelor & Master projects.
Find all shows and program here / hier online

12.00, 14.00, 15.00: IBT-FASHION-WALKS, meeting point: lobby

20.00 IBT Schau22

24 JULY

12.00-18.00: IPP & IBT open house for general public, presenting graduates Bachelor & Master projects.
Find all shows and program here / hier online

– – – – – – YOU ARE INVITED – – – – – –

One material, one product featured at BASF

The Master group 2021/2022 presented their projects at BASF CreationLab in Ludwigshafen in May.
Their products and films were received very well and BASF made a Feature on it on their website.
Have a look HERE!
oder auf Deutsch HIER! 

OTHER-Control vs. SELF-Determination Exhibition @ designtransfer, OPENING 8.–24. 7

Auguren meets Weizenbaum

designtransfer präsentiert Projekte aus der Auguren Publikation über Fluch und Segen von technologischen Entwicklungen aus der Fakultät Gestaltung / UdK Berlin zusammen mit investigativen künstlerischen Arbeiten aus der Digital Sovereignty Ausstellung / Weizenbaum Institut mit dem Fokus FREMD-Kontrolle vs. SELBST-Bestimmung.

Eröffnung mit digitalem Artist Talk Adam Harvey,
Freitag 8. Juli, 19:00
Ausstellung: Dienstag – Freitag, 12.00 – 18:00

UdK-Rundgang
Feitag 22. Juli, Preview: 12:00 – 18:00
Samstag 23. Juli, 12:00 – 20:00
16:00, Führung mit Präsentationen
17:00, Grillen im Hof mit Berlin Open Lab
Sonntag, 24. Juli, 12:00 – 18:00

Künstler*innen von der Weizenbaum Conference 2022 „Practicing Sovereignty. Interventions for open digital futures“:
Adam Harvey, Joana Moll, Danja Vasiliev, Julian Oliver, Sarah Grant and Juan Pablo Garcia Sossa

UdK Projekte von:
Dominik Annies & Philpp Hainke & Peter Glas, Louie Gavin, Tobias Raschbacher, Natalia Riviera & Jung Hsu, Nadya Shikalova, Zoe Spehr, Erik Anton Reinhardt, Hibiki Ishijima, Dawoon Park, Maxim Tur, Fang Tsai, Sevasti Giannitsi, Marc Loewer, Moritz Sebastian Aust, Elisabeth Schachoff & David Quan Minh Ha & Julia Kressirer & Dominic Gollanek, Josephine Aymar & Thomas Kuhn, Angel Hafermaas, MengXuan Sun, Rafael D’Almeida, Lukas Graf

Anna Koppmann at Triennale Milano

The chair that Anna Koppmann designed for the AHEC-SLOW project will be part of AHEC’s the Forest Tales presentation in the Triennale during the Milan Design Week 2022.
The exhibition celebrates the designers from all around the world that AHEC worked with in the past 2 years demonstrating of the beauty and versatility of American hardwood. Design duo Studio Swine have curated twenty two pieces from four projects, including work by both established and emerging designers, and incorporated them into a labyrinthine ‚mountain‘ of wooden crates hand-painted with landscapes of the forests.

The Full list of exhibitors: Alessandro Gazzardi (IT), Anna Koppmann (DE), Clémence Buytaert (FR), Federico Degioanni (IT), Heatherwick Studio (UK), Ini Archibong (CH), Ivana Taylor (AU), Jaime Hayon (ES), llenia Viscardi (IT), Mac Collins (UK), Maria Bruun (DK), Maria Jeglinska-Adamczewska (PL), Matteo Benedetti (IT), Maximilian Rohregger (AT), Nong Chotipatoomwan (TH), Pascal Hien (DE), Simon Gehring (DE), Siyanda Mazibuko (ZA), Studio Swine (JP/UK), Taiho Shin (KR), Trang Nguyen (VN), Yunhan Wang (CN)
www.forest-tales.com

Triënnale Milano
Viale Emilia Allemagne 6
3-12 June 11.00-21.00 h.

PIXEL CHAIR | Max Hausmann | MA 2023

PIXEL CHAIR

PIXEL CHAIR is a script-based design of a customizable CNC-manufactured chair.
The first input parameters of the script are the basic dimensions and angles, which are gridded to fit the material thickness, which can also be set as an input parameter. The basic design is then translated into pixels with an underlying point grid. By selecting points of this grid with a brush tool, „pixels“ of the chair can be erased. At the same time, a pattern is recalculated and nested.
The script can be seen as a concept for a game/app in wich users can design their own chair in an augmented reality app and achieve a „nesting score“ by erasing pixels of the chair. The basic design of the chair fits on a quarter of an industrial 25mm fibreboard (105 cm x 144 cm). When you play the game and modify the chair, the freed-up space then unlocks bonus objects like a stool or a wardrobe.

Max Hausmann, Anp. Sem SS2022 –

 

 

process:

 

AGENCY FOR UNSEEN SIGHTS | ESMÉE WILLEMSEN | BA 2022

AGENCY FOR UNSEEN SIGHTS | Bachelorarbeit 2022

Ausflüge, Reisen, Urlaub und Ferien sind etwas, wovon wir gerne träumen. Schöne Landschaften, aufregende Städte, faszinierende historische Denkmäler. Unser Wunsch wegzugehen hat meiner Meinung nach mehr mit uns selbst zu tun als mit dem Ziel unserer Träume. Das Glück, das mit einer Reise verbunden ist, hat weniger mit dem Ort zu tun, an den wir gehen, sondern mehr mit der Erfüllung unserer Bedürfnisse und Wünsche. Durch das Reisen schulen wir unsere Vorstellungskraft und die Art und Weise, wie wir die Dinge im Allgemeinen sehen, was zweifellos eines der glücklichsten Dinge am Reisen ist. Wir nutzen den Urlaub als Flucht vor der Realität. Es bietet uns Abstand von zu Hause, unserem Alltag, unseren Routinen und stressigen Jobs und macht uns stattdessen frei und abenteuerlustig. Wir wollen etwas anderes erleben; eine andere Welt und wir sehen es als gesund und normal an, Sehnsucht nach fernen Orten zu verspüren.

Bei diesem Projekt geht es darum, von fernen Orten zu träumen und einen tiefen Drang zu haben, die Welt und all ihre Spektakel zu sehen. Die Ferne und Exotik mit eigenen Augen erleben, anstatt Geschichten zu hören, zu lesen oder Filme über ferne Orte zu schauen. Meine Motivation kommt von einer ständigen Erinnerung daran, dass es so viele Orte gibt, an die man gehen kann, verstärkt durch die Existenz von Social-Media-Plattformen wie Instagram, wo jeder die ganze Zeit überall scheint zu sein.

Was ist der nächste Hotspot, zu dem ich gehen sollte? Wie kommt es, dass ich nie in dieses Museum gegangen bin? Welches der 10 schönsten Cafés dieser Stadt darf ich nicht verpassen? Scheiße, habe ich vergessen, die atemberaubende Aussicht zu teilen, die ich heute Morgen auf diesem Berggipfel hatte?

Die Agency of Unseen Sights wurde gegründet und ihr Zweck ist es zu erforschen, wie Orte behandelt werden, wenn sie mit Objekten markiert sind, die darauf hinweisen, dass es etwas zu sehen gibt. Ich wollte verstehen und sehen, ob die Politik von Objekten vermitteln kann, wie sie verwendet werden sollten und welche Ergebnisse die Verwendung dieser Objekte haben wird. Wird der Betrachter/Benutzer ein tieferes Verständnis für den Akt des Sehens und Besichtigens haben? Wird der neu kontextualisierte Ort, an dem meine Objekte platziert werden, als Sehenswürdigkeit gelesen/gesehen?

Mit Agency of Unseen Sights möchte ich nicht unbedingt positive oder negative Seiten des Sightseeings vermitteln, aber der Zweck ist, dass die Menschen den Akt des Sehens hinterfragen, sich Gedanken darüber machen, wie unsere Augen und Ansichten mit Objekten gelenkt und markiert werden, wie unsere Sehenswürdigkeiten vermarktet werden. Was wollen sie uns zeigen? Vielleicht sogar darüber nachzudenken, ob Ihre eigenen Augen darauf trainiert sind, nach ‘sehenswürdiges’ zu suchen, oder ob alles zu einem Spektakel werden kann, wenn Sie erkennen, dass Sie derjenige sein können, der entscheidet, was Sie sehen möchten. Oder nicht.

Agency for Unseen Sights ist eine neu gegründete fiktive Agentur, die Infrastruktur bereitstellt, um jeden Ort in eine Sehenswürdigkeit zu verwandeln. Mit Objekten aus dem Katalog der Agentur lassen sich Orte, die auf den ersten Blick nicht besonders erscheinen, in Must-sees verwandeln.

Die Agency for Unseen Sights bietet die Möglichkeit, unsichtbare „Sehenswürdigkeiten“ sichtbar zu machen und hinterfragt kritisch die Art und Weise, wie wir für neue Perspektiven und Erfahrungen in die Ferne reisen, und die Gründe, warum wir uns an bestimmte Orte begeben, um sie zu betrachten. Kann man überall schöne Ausblicke genießen? Ist es der Ort, der interessant genug sein muss, um Aufmerksamkeit zu erregen, oder sind es die Umstände? Können mit Hilfe von Infrastruktur, Artefakten, Schildern oder Markierungen interessante Sehenswürdigkeiten geschaffen werden, die uns daran erinnern, dass wir hinschauen müssen, dass etwas passieren muss, das es zu beachten gilt?

Trips, travel, holiday and vacation are something we like to daydream about. Beautiful landscapes, exciting cities, fascinating historical monuments. In my opinion, our wish to go away has more to do with ourselves than the destination of our dreams. The happiness connected to a trip has less to do with the place where we are going, but more with fulfilling our needs and desires. Through travelling we train our imagination and the way we see things in general, which is undoubtedly one of the most fortune things about travel. We use vacations as an escape from reality. It offers us distance from home, our everyday lives, our routines and stressful jobs and instead make us feel free and adventurous. We want to experience something else; a different world and we see it as healthy and normal to feel a longing for distant places.

This project is about dreaming of distant places, having a deep urge to see the world and all its spectacles. experiencing the far away and exotic with own eyes instead of hearing stories, reading or watching movies about far away places. My motivation comes from a constant reminder that there are so many places to go, strengthened by the existence of social media platforms like Instagram, where everyone seems to be everywhere all the time. 

What is the next hot spot I should go to? How come I never went to this museum before? Which cafe of the 10 nicest cafes in this city can’t I miss? Shit, did I forget to share the amazing view I had on this mountaintop this morning? 

Agency of Unseen Sights was born and it’s purpose is to research how places are being treated when they are marked with objects that indicate that there is something to be seen. I was driven to understand and see if the politics of objects can communicate how they should be used and what outcome the usage of these objects will have. Will the viewer/user have a deeper understanding of the act of seeing and sightseeing? Will the newly contextualized place where my objects are put in be read/seen as a sight? With Agency of Unseen Sights I do not necessarily aim to communicate positive or negative sides about sightseeing, but the purpose is for people to question the act of seeing, to have a second thought about how our eyes and views are guided and marked with objects, how our sights are being marketed. What do they want us to see? Maybe to even think about if your own set of eyes are trained to be looking for spectacles, or if everything can turn into a spectacle once you realize you can be the one to decide what to look at. Or not.

Agency for Unseen Sights is a newly founded fictional agency that provides infrastructure to turn any place into a place of interest. With objects from the agency’s catalogue, places that at first-hand don’t seem special can be transformed into must-sees. 

The Agency for Unseen Sights offers the possibility to make invisible ‘sights’ visible and critically questions the way we travel far for new perspectives and experiences and the reasons we are going to specific places to gaze. Can scenic views be enjoyed anywhere? Is it the place that needs to be interesting enough to draw attention or is it the circumstances? Can interesting sights be created with the help of infrastructure, artefacts, signs or markers that reminds us that we have to have a look, that there must be something going one which should be observed? 

 

 

 

 

 

Prozess

 

Betreut durch: Prof. Ineke Hans, Prof. Holger Neumann, KM Annika Unger

Kontakt: | www.esmeewillemsen.com

WHOLE EARTH | LOUIS BINDERNAGEL | BA 2022

WHOLE EARTH | Bachelorarbeit 2022

Das Projekt Whole Earth ist eine einzigartige Plattform für Notfallmaßnahmen, die einen Dialog zwischen Designern, Herstellern und den Menschen vor Ort ermöglicht.
Ausgehend von der unabhängigen Produktion von Gesichtsschutzschilden und anderen medizinischen Hilfsmitteln wie PSA zu Beginn der Covid-19-Pandemie befasst sich das Projekt Whole Earth mit der Analyse, Konsolidierung und Schaffung von Netzwerken, die der Idee „Think Global, Make Local“ gewidmet sind. Es verfolgt den Ansatz eines dezentralen Produktionssystems mit Open-Source-Ideen, die weltweit geteilt werden. Das Konzept von Open Source und gemeinsamen kreativen Lizenzen ermöglicht es, Produkte als digitale Daten über das Internet zu teilen und nach Bedarf vor Ort selbst zu produzieren. Dies ist eng, aber nicht ausschließlich mit digitalen Fertigungswerkzeugen wie CNC, 3D-Druckern, Lasercuttern und vielen anderen verbunden, die meist in Makerspaces und in Privathaushalten zu finden sind. Daraus ergibt sich die Möglichkeit, dass nicht nur ein oder wenige Akteure, sondern ein globaler Prozess entstehen kann, an dem verschiedene Menschen mit unterschiedlichen Hintergründen arbeiten. Das Projekt Whole Earth plant, diesen Ansatz bei der Bewältigung von Krisen – humanitärer oder ökologischer Art – in die Praxis umzusetzen.
Das Projekt bietet kurz-, mittel- und langfristige Unterstützung für Krisen, indem es bestehende Netzwerke und Makerspaces in der Nähe und rund um den Globus nutzt. Das Projekt entwickelt Werkzeuge und eine Plattform, die für eine fruchtbare Zusammenarbeit erforderlich ist.

Es geht von diesen drei Fragen aus:

Wo ist das Problem und was ist bereits vorhanden? Wir beginnen damit, das Thema zu recherchieren, mit lokalen und globalen Experten zu sprechen, zu verstehen, was gebraucht wird, herauszufinden, welche Lösungen bereits vorhanden sind, auf denen man aufbauen kann, und vor allem, ob eine Produktlösung machbar ist.

Was können wir tun? Wir entwickeln Ideen auf der Grundlage unserer Recherchen: entweder neue Ansätze oder den Ausbau bestehender Ansätze.

Wie können wir es herstellen? Für jede Lösung gibt es mehrere Produktionsmöglichkeiten; es ist wichtig, die effizienteste, nachhaltigste und anpassungsfähigste zu finden. Dieser Prozess kann das nötige Potenzial schaffen, um schnell auf Krisen zu reagieren. Wir schaffen ein dezentrales Produktionssystem, das je nach Bedarf lokal produzieren kann.

Ziel ist es, durch Öffentlichkeitsarbeit und einen Open-Source-Community-Ansatz ein globales Netzwerk von Gleichgesinnten aufzubauen. Eine Plattform wie diese kann der Beginn eines neuen Denkens sein, angefangen bei Krisen, bei dringenden Bedürfnissen bis hin zu Antworten auf die Probleme unseres Alltagslebens. Nur gemeinsam können wir eine Veränderung bewirken.

The Whole Earth project is a unique emergency response platform that facilitates a dialogue between designers, makers, and people working on the ground.
From the starting point of the independent production of face shields and other medical aids, like PPE, during the beginning of the Covid-19 pandemic, the Whole Earth project deals with the analysis, consolidation, and creation of networks dedicated to the idea of Think Global, Make Local. It follows the approach of a decentralised production system, with open-source ideas that are shared globally. The concept of open source and common creative licences allow products to be shared as digital data via the internet and independently produced on-site following a demand. This ties it closely, but not exclusively to digital fabrication tools, like CNC, 3D printers, laser cutters, and many more – mostly found in maker spaces and in homes.

This results in the possibility that not only one or a few actors but a global process can emerge, in which various people with different backgrounds work. The Whole Earth project plans to put this approach into practice in the context of responding to crises – humanitarian or environmental.
The project offers support for crises in the short, medium and long term using existing networks and maker spaces in the vicinity and all around the globe. The project develops tools and a platform, which is needed for fruitful cooperation.

It follows these three questions:

Where is the problem and what is already there? We start with researching the topic, talking to local and global experts, understanding what is needed, discovering what solutions are already available to build on and most importantly if a product solution is viable.

What can we do? We develop ideas based on our research: either new approaches or building on existing ones.

How can we make it? Each solution has several ways of production; it is relevant to discover the most efficient, sustainable, and adaptable. This process can give rise to the potential needed to react quickly to crises. We create a decentralised production system that can produce locally as required.

The aim is to build a global network of like-minded people through public relations and an open-source community approach. A platform like this can be the beginning of a new way of thinking, starting with crises, with urgent needs, and up to answers to the problems of our everyday life. Only together we can make a change.

 

Prozess

Betreut durch
Prof. Ineke Hans,  Prof. Holger Neumann,  Steffen Herm

Kontakt

plug&sit – Anton Oberlaender

plug&sit

A minimalist chair CNC machined from a sheet of plywood. This project faces two challenges: maximum material efficiency through an optimized arrangement of the individual parts during the milling process and the elimination of connecting elements such as screws, dowels or glue. The design is based on a simple plug connection. This means that it can be quickly disassembled into all the individual parts and also reassembled without any tools. The arrangement of the individual parts for the milling process was optimized for a set consisting of four chairs. These can thus be produced from one plate (2,440mm x 1220mm) with minimal waste.
The design’s upright yet comfortable seating position allows the chair to be used in the dining room as well as at a desk. Hard edges meet slightly rounded corners and give plug&sit a light, friendly look.

Anton Oberländer, 4. Sem SS2022

 

process:

 

 

CHESS | Paul Krueger

CHESS

In the short term project nesting, I developed a chess game, which can be be made from two 150x200mm plates. Different colored Material is being used to distinguish the players. The outstanding fact about this game is, that 100% of the material is being used and nothing goes to waste. The organically shaped figures, are on one side referencing classic chess figures while also perfectly integrating in the nesting. In the process my goal was to stay close to the original shapes of chess figures, while making little changes to them, that would make them ideal for nesting.

The chessboard is also integrated in the nesting. The oddly shaped stones that emerge from that can be arranged individually. Resulting from this intentional gaps occur, which distinguish it from a traditional chess game and reference its production.

Paul Krueger, 4. Sem SS2022

process:

BALANCIN | Maria Paula Salamanca Millan

BALANCÍN

In the elaboration of BALANCÍN, the industrial cutting process of Nesting was taken into account, which automatically generated a simple trapezoidal geometry of its pieces and as a result a better accommodation of these within the plate layer (860-790mm) of the respective material (plate sperm wood) generating as well the least possible amount of waste of material. BALANCÍN is a children’s seesaw toy for children between 3 and 5 years old with an approximate size of 55cm high x45cm long, which can be assembled and disassembled without the need to use any kind of glue for the union of all its trapezoidal pieces that fit together through their respective incisions. This toy allows the child to swing from front to back by means of its geometry and the gripping or supporting limbs at the front top and bottom (such as the handlebars and footrest).

Maria Paula Salamanca Millan, 4. Sem SS2022

 

process:

 

Nest | Luca Ortmann

NEST

NEST is a pendant lamp made of wood, which consists of organically shaped wooden parts, which are held together by 3 ropes. The panels rest on nodes in the ropes. The shape of the individual wooden parts is ehr undefined. The ropes, by which the wooden parts are held together, however, together form a clear sphere, which additionally brings order to the construction. The warm light of the lamp is additionally enhanced by the light wood. Despite the open construction, the lamp has its own inner life and the layered construction creates an open and warm atmosphere in the room. In the manufacture of the lamp, there is also little waste, because the individual parts fit perfectly into each other. Thus, NEST is also efficient in its production and can also be delivered or stored space-efficiently.

Luca Ortmann, 4. Sem SS2022

 

process:

 

Hugo | Lilly Kraemer

HUGO

Building with Hugo is designed to help children combine their imagination with cognitive thinking and inventiveness, to place process above outcome, and to empower them to create their own world. Without guidelines and free of everything known, the aim is to give an opportunity to give shape and form to that which cannot be captured in words.

Lilly Kraemer, 4. Sem SS2022

 

POTATOEBIKE – Lila Guédin

Potatoe bike

For this short project on Nesting, I was interested in an object that we all know: the draisienne for children. I find this object interesting with its round shapes that remind the world of play and childhood. I imagine that these shapes can be nested to lose as little material as possible during production. What I find interesting with this object is that there are already hundreds of them, it is not for me to draw or invent a new object but to find a virtuous solution for the production of an object that already has a limited life span. The shapes I designed for my bike fit together. For exemple the forks can fit into each other and the seat is placed in the center to lose as little material as possible. The different elements of the bike are like patterns with a repeating connection. The bikes are cut out of a sheet of plywood of 2.44 m by 1.44 m, 24 mm thick, and 6 bikes can be cut out of one sheet. The bike is transported flat, you assemble it yourself with bolts. It is very simple and can be done with the child for a playful moment. The size of the seat is adjustable to allow the child to enjoy this object longer even if he grows up!

Lila Guédi, Exchange Student SS2022

 

process:

 

96 – Lea Dekara & Karoline Heyde

96

96 is a chess game in which black and white aren’t opposed as usual, but round and edged pieces. Both sides have a different formal language and are nevertheless recognizable as belonging to each other. Thus, both sets have similar characteristics, such as the King’s crown and the Tower’s battlements. However, they are presented differently.
Also the playing field is not constructed as a closed surface, but is divided into seperate stones with a thickness of 10mm. Here the distinction is also not solved by colors, but the two formal languages are taken up again. The 25mm thick figures get their character by an optimal and material-saving use of the material. For example, King and Queen can be inserted into each other at their upper ends, so that no residual material is created. The first model made of polysterol gives a first glimpse of what the final design can look like in a 1:1 scale. The final prototype is to be made of solid wood, so that the figures are easy to handle with an optimal weight.
96 pieces that only play together.

Lea Dekara, 4. Sem SS2022

Karoline Heyde, 4. Sem SS2022

 

process:

 

ALIENCHAIR – Hendrik Lucka

ALIENCHAIR

The alien-chair is a lounge chair whose components can be milled from the same wood-based panel. The parts are arranged in such a way that as little material as possible is wasted. The joints between the individual parts are also milled, so that the chair can be assembled directly after milling. Plywood or so-called 3-layer boards with a material thickness of 30 mm can be used.

Hendrik Lucka, 8 Sem. SS2022 |

 

process:

HAKEN3 | Helena Wassilowsky

HAKEN3

Instead of drilling holes in walls, you can slide this hook onto different surfaces. To do this, you have to bend it in four different places. This allows it to adapt to the place where you want it to hold something.#

Helena Wassilowsky, SS2022

process:

Handman | Gloriana Valverde

Handman

A puzzle consisting of just one element of the human body — hands — allowing children to play with and form whichever figure they please. Laser-cut from a 32 x 45 cm HDF plate.

Gloriana Valverde, 6 Sem. SS2022 |

process:

 

 

Puzzle | Emma Johann

Puzzle

What is the impact of our meat and fish consumption on the environment? We probably all know the answer to this question, but how do you educate children about the negative environmental consequences of meat and fish consumption? PUZZLE provides a playful way to address this
current topic in a more understandable and child-friendly way.

Emma Johann, 4 Sem. SS2022

 

process:

Earwings – Clara Escobar

Earwings

Forest fairies don’t only fly with them, they also decorate themselves with ear wings. From a 5×5 cm silver sheet these seven jewels arose to shine.

Clara Escobar, 4 Sem. SS2022

 

project:

 

 

NIP | Alice Bonanomi

NIP

NIP is a short project about the harmony of organic forms. It is a silicone shell for making ice cubes with the purpose of leisure interaction. The sinuous curvy shapes of the ice forms moulded are shaped to have a firm grip facilitating interactions and designed on the proportion of the body curves. The pieces are nested together on a rectangular base of 26cmx12cm.

Alice Bonanomi, 4 Sem. SS2022

 

process:

Cliffhanger – Alexander Luczak & Jonas Fehrenbach

Cliffhanger

Cliffhanger is a sculptural wardrobe inspired by a rock face.
Made from black coated Multiplex board,  its dimension of 120 by 40 centimeters and a great number of hook like-shapes on its surface, it provides plenty of possibilities to hang jackets, coats, scarfs, caps and bags.
The structure is based on a horizontal wall-mounted hanging system, that provides a support for 6 vertical slats. Each of them is designed after a longitudinal cut of a rock face.
Using Nesting technology , the cnc mill production uses up 96 precent of a standard sized multiplex board (125 x250 cm).
The design process is based on a permanent interplay between the overall visual appearance of the assembled object and the spatial arrangement of single parts on the standard sized plywood sheet.    Hereby material efficiency as well as visual outcome are improved simultaneously.

Alexander Luczak, 8 Sem. SS2022 |
Jonas Fehrenbach, 8 Sem. SS2022 |

 

process:

 

Two UdK projects are finalists in MAKE ME! competition Łódź

In 2022 edition of the Annual Łódź Design Festival, two projects are running up in the awards.

Marie Radke is nominated with her MA project VOLTA and together with Anna Koppmann Marie is also nominated with the First Aid Gloves. This project they are currently working out for production with a Creative Prototyping Stipendium of the Udk

Make Me! is an international design contest for young designers awarded with amounts to PLN 60.000 (~EUR 13.000)!
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Ein-und-zwanzig: Marie & Matthias in Milan!

The 21 winners of the international young talent competition ein&zwanzig have been chosen.

The range of her work extends from flexible systems, seating and office furniture to multifunctional objects, lights, everyday objects and textile design, and…… Marie Radke and Matthias Gschwendtner are part of the selection with their graduation projects!

The 21 winners will be presented from June 6th to 12th, 2022 at the 60th edition of the Salone del Mobile at Officina 3, Via Tortona 31 in Milan. The coveted „Best of Best“ award will be presented on June 6, 2022. This year, the design of the exhibition is being realized by the Parisian design studio N O C O D. The winners of last year’s young talent competition will also be present

LINKS:
Marie Radke: Volta
Matthias Gschwendtner: New Sources
ein-und-zwanzig winners (filter 2022)

Die 21 Winner des international ausgerichteten Nachwuchswettbewerbs ein&zwanzig stehen fest.

Die Bandbreite ihrer Arbeiten erstreckt sich von flexiblen Systemen, Sitz- und Büro-Möbeln über multifunktionale Objekte bis hin zu Leuchten, Alltagsgegenständen und textilem Design, und…. Marie Radke und Matthias Gschwendtner sind dabei mit ihre Abschlussarbeiten!.

Die 21 Winner werden vom 6. bis zum 12. Juni 2022 anlässlich der 60. Edition des Salone del Mobile in der Officina 3, Via Tortona 31 in Mailand präsentiert. Die begehrte »Best of Best«- Auszeichnung wird am 6. Juni 2022 verliehen. Das Ausstellungsdesign realisiert in diesem Jahr das Pariser Designstudio N O C O D. Auch die Gewinnerinnen und Gewinner des letztjährigen Nachwuchswettbewerbs werden anwesend sein.

LINKS:
Marie Radke: Volta
Matthias Gschwendtner: New Sources
ein-und-zwanzig gewinner (filter 2022)

 

PYLON

PYLON – ROTATIONAL MOULDING / OBJEKTE FÜR DRAUssen
Hauptseminar ab 5. Semester – Wahlpflicht Produktdesign und Anpassungsstudium MA

Prof. Holger Neumann, WM Steffen Herm

 

ENDERGEBNISSE

FAHNEN

ENDPRÄSENTATION

ERSTE IDEEN UND MODELLE

EXPERTENBESUCH VON PHILIPP HAINKE

 

EXKURSION ZU GLOBAL SANITÄRSYSTEME NACH COSWIG

MAPPING

Die  individuellen Recherchen der Studierenden wurden als Inspiration und Orientierung mithilfe einer Mindmaps kategorisiert, geclustert und visualisiert.

UNSERE ROTATIONSGUSSMASCHINE  

SEMINARANGEBOT – COURSE OVERVIEW

Hocker von Phillip Hainke

Kontext: Das Rotationsguss- bzw. Rotationssinterverfahren ist ein Prozess zur Fertigung mittelgroßer bis sehr großer, hohler Kunststoffteile, die beispielsweise im Spritzguss nicht mehr möglich bzw. extrem teuer wären. Prinzip: Mit Hilfe von in alle Richtungen gleichmäßig angreifenden Fliehkräften werden flüssige Werkstoffe gegen die Innenwand einer Hohlform gepresst, bis diese erkaltet und der thermoplastische Werkstoff erstarrt – oder bis ein 2-K Kunststoff abbindet und sich verfestigt. Die bewusst chaotische und gleichmäßige Bewegung beim Guss ermöglicht gleichmäßige Wandstärken.

Formfaktor: Der Prozess “verlangt” geschlossene, volumige Hohlformen, die möglichst große Radien aufweisen und üppige Wandstärken vertragen.  Rotationsguss determiniert im besonderen Maße eine bestimmte Formensprache: “Blopp-Formen”. Er profitiert von geringen Formwerkzeugbaukosten im Vergleich zum Spritzguss. Zur Fertigung werden wir die vorhandene Rotationsgussmaschine in unserer Kunststoffwerkstatt nutzen. Brauchbare Materialien werden wir in Versuchsreihen experimentell ermitteln.

Aufgabe: Als Pylon bezeichnet man unter anderem ein “kegelförmiges Hütchen zur Absperrung im Straßenverkehr” (Quelle: Wikipedia). Pylonen markieren Veränderungen im öffentlichen Raum und sollen Aufmerksamkeit auf sich zu ziehen. Diese Eigenschaften stellen den Ausgangspunkt für die gestalterische Übung zum Thema Rotationsguss dar. Die zu entwerfenden Objekte sollen outdoortauglich, wasserfest und vandalismussicher sein. Sie sollen als Objekte dienen, die für (Gruppen)-Outdoor Aktivitäten und Events dienlich sind und als kleine Helfer genutzt werden können: Als Podest, Poller, Abgrenzung, als improvisiertes Sitzmöbel oder Ablage, eventuell in Kombination mit anderen Objekten (Outdoortaugliche Profile oder Halbzeuge). Sie können sicherheitsfördernd konzipiert sein und sind in den Bereichen Straßenfest, Urban Gardening, Spiel, Sport Verkehr und Bau zu finden.

Voraussetzungen
– Regelmäßige Teilnahme am Seminar
– Vortrag
– Präsentationen

Abgabe
– Prototyp
– Dokumentation
– Poster
– Kurz-Video

Betreuer
Prof. Holger Neumann
WM Steffen Herm

THE MISFIT (IN US) | ISABEL MEIER KOLL | BA 2022

THE MISFIT (IN US) | Bachelorarbeit 2022

The MISFIT (in us) ist einen Geschichte über den ersten Eindruck. Sie widmet sich dem Eingangsbereich unseres Zuhauses. Diese wenigen Quadratmeter sind Zeugen unserer täglichen Abreisen und Ankünfte die von einer Vielzahl an Stimmungen und Bedeutungen begleitet werden. Es ist die Übergangszone zwischen Innen und Aussenwelt. Sie steht für Sicherheit und Geborgenheit, ein Ort wo wir uns nach einem langen Tag fallen lassen können, aber auch für einen Bereich der unangenehme Stille und die Empfindung von Einsamkeit auslösen kann, wenn die Tür erst einmal hinter uns ins Schloß gefallen ist. Neben diesen Eigenschaften übermitteln wir der Welt durch diese besondere Zone, den ersten Eindruck von unserer Wohnung . 

Um die Routinen und Handlungen die mit dem Betreten und Verlassen des Zuhauses einhergehen besser organisieren zu können, wurden mannigfaltigste Garderoben und Ordnungssysteme entwickelt. Aber um ehrlich zu sein: Egal wie sehr wir uns bemühen und welche gut durchdachten Garderobensysteme wir installieren, Dinge sammeln sich an!!!

Es gibt immer Gegenstände, die sich zu weigern scheinen in den bestehenden Systemen einen Platz einzunehmen. Entweder gebrauchen wir sie zu unregelmäßig, wie etwa Regenkleidung oder Kleiderbürsten oder das Leben selbst spült sie herein, wie zum Beispiel Sandspielsachen und die  berüchtigte Stocksammlung des Nachwuchses.
Es scheint fast so, als führten die Dinge ein Eigenleben. Sie trachten nach unserer Aufmerksamkeit, sie geben uns Hinweise über unsere bewussten wie auch unbewussten Handlungen. Und ob wir uns nun dessen gewahr sind oder nicht, wir sind mit ihnen verbunden. Wir teilen eine Geschichte. Die Dinge könnten anfangen zu sprechen. Lernen wir, ihnen zuzuhören!…

Der Entwurf : Auf Grundlage eingehender rezeptiv-projektiver Dialoge mit diversen kategoriesträubenden Gegenständen die den heimischen Flur dafür umso hartnäckiger zu bevölkern scheinen, entstanden  drei skulpturale Objekte mit Nutzungsangeboten, die als eigenwillige Wohnungen dieser Alltagsgegenstände verstanden werden können. In  The MISFIT (in us ) geht es nicht primär darum eine praktikable und funktionalen Lösung, im Sinne des Wortes „(los)-lösen“ zu finden!

Vielmehr stand im Vordergrund eine (Rück)-Verbindung, zu diesen Objekten zu schaffen, die auf Grund ihrer zweckerfüllenden schlichten und gewöhnlichen Charakteristik nicht zum Kult oder gar Fetischobjekt taugen und bei kleinsten Mängeln oder Überdruss drohen, leichtfertig gegen eine neuere Ausgabe eingetauscht zu werden. Der Titel MISFIT (in us) deutet auf ein Wechselspiel hin: Der Name MISFIT steht sowohl für die Unangepasstheit des Gegenstandes, wie auch für das Unangepasste, Chaosstiftende, Unbewusste, Imperfekte in uns, das sich unserer Konrolle entzieht und das wir meist vor anderen zu verstecken versuchen. Diese Arbeit darf als Einladung verstanden werden sich diesem Phänomen liebevoll mit einem Augenzwinkern zu widmen und sich die Frage zu stellen, wie ein ganz individueller MISFIT im eigen Zuhause aussehen könnte?

The MISFIT (in us) is a tale of a first impression. It addresses the entrance area of our home. These few square meters witness or daily departures and arrivals which are connected to a variation of moods and meanings. It´s the transmission zone between private space and outside world It stands for comfort and saftyness where we can let go after a long busy day, but also for a location where we can experience uneasy silence and lonelyness once the door locks behind us… Besides these facts it´s the first impression of our home which we display to the world.
To organize the routines and actions which come with entering and leaving the flat we have developed manifold   coatracks and shelfing systems. But to speak the truth: No matter how hard we try and no matter which coat rack we pick, stuff happens!!!

There are always some items which refuse to fit into categories, either because we don´t need them regularly enough, like für example raingear and clothes brushes, or because life itself floods them in the entrance zone like sandbox toys  or the famous  wood stick collection of the offspring. It seems like the objects have a life of their own. They demand our attention, give us hints  about our conscious but also non aware routines. And no matter if we are aware of it or not, we are connected to them. We share a story! The things might start speaking. Let´s learn to listen!…

The project: On base of detailed receptive and projective dialogs with differenet category restisting items, which seem to be even more persistent when it comes to inhabiting the hallway at home, resulted three sculptural objects with offers to use. They can be interpreted as extraordinary habitations for these daily objects. The main focus in The MISFIT (in us) was not to find a practical and functional solution in the meaning of  „getting detached“  or „getting rid“ of  something! The focus was more on finding a (re)-connection to these items, which are due to their plain, common and purposeful character not that suitable to stand for cult or fetish objects. Rather they are threatend to be replaced easily, once they show their first defects or one gets tired of them.

The title MISFIT (in us) indicates an interplay: The name stands for the not fitting item as it does for the not fitting, chaos-making, unconcious, imperfekt parts in ourselves. These parts  tend to slip out of our control and  we often try to hide them from others. This work is an invitation to devote ourselves to this phenomenon with a wink of an eye and in a caring manner. It comes with the question: How would your individual MISFIT look like in your home?

 

Prozess

Betreut durch

Prof. Ineke Hans, Prof. Jozef Legrand, WM Martin Beck

 

Kimia & Sany receive creative prototyping stipendium x sustainablity!

vorkoster / taster

Founders: Kimia Amir-Moazami and Sany Chea

Mentor: Prof. Ineke Hans

funded by: Creative Prototyping x sustainability – the Berlin startup grant at the UdK Berlin

The taster is a product that makes the deterioration of food visible in color. It is used as a lid for all sorts of containers in which food is stored. Its shape is a homage to the upside-down plate, which is often used to cover food. In the middle is a pH-sensitive film that reacts to the spoilage of protein-containing foods by changing color. The color of the lid shows us when the food should no longer be consumed or it reminds us unobtrusively and analogously to use the food in our refrigerator before it becomes inedible.

The Berlin Startup Scholarship is funded by the European Social Fund and the State of Berlin (Senate Department for Economics, Energy and Businesses), more info

 

Anna & Marie receive Creative Prototyping Stipendium X Sustainability!

FIRST AID GLOVES

Founders: Anna Koppmann and Marie Radke

Mentor: Prof. Ineke Hans

funded by: Creative Prototyping x sustainability – the Berlin startup grant at the UdK Berlin

The Berlin Startup Scholarship is funded by the European Social Fund and the State of Berlin (Senate Department for Economics, Energy and Businesses), more info

The human brain decides within eight seconds whether to initiate first aid measures or not. In emergency situations, only every third accident victim in Germany receives first aid, which many people pay for with their lives every year. The greatest inhibitions when carrying out first aid measures are the fear of touching strangers, little knowledge about first aid in emergency situations and the associated lack of practice. The First Aid Gloves combine the basic protection of disposable medical gloves with helpful first aid instructions. They ensure patient and self-protection and, by overcoming inhibitions, promote willingness to provide first aid. The printed medical latex gloves use internationally understandable pictograms to create a safe and intuitive framework for dealing with a hectic emergency situation. On the left hand is a first aid checklist. The right glove is printed with instructions on how to perform chest compressions. The First Aid Gloves impress with their compact and wallet-friendly packaging and are therefore immediately ready for use.
The First Aid Gloves should help, give courage and ultimately save lives.

CONVIVIO | SILVA ALBTERTINI | BA 2022

CONVIVIO | Bachelorarbeit 2022

Convivio ist ein räumlicher und metaphorischer Raum, welcher dem geselligen Miteinander und dem geselligen Speisen gewidmet ist. Die Wurzel des Wortes Convivio bedeutet “Zusammenleben”, “Teilen von Lebenserfahrung” und erinnert gleichermaßen an den mit Essen gedeckten Tisch (Lat. Convivium). In diesem Begriff verdichtet sich die Essenz meiner Analyse und die darauf folgende Entwicklung meines Projekts: Die Definition eines Ortes, der dem Teilen gewidmet ist und der ein Katalysator für Geselligkeit sein soll.

Es handelt sich um eine räumliche Intervention in Form einer höhenverstellbaren Kuppel, welche an der Decke hängt und über dem Tisch die Speisende schwebt. Diese zieht durch ihre architektonische Präsenz eine räumliche und konzeptuelle Linie um der Tafel. Unabhängig von dem räumlichen Kontext, in dem sie positioniert wird, stellt Convivio eine Einladung dar sich am Tisch niederzulassen und steht für die Absicht, sich Zeit für das gemeinsame, gesellige Speisen zu nehmen, welches in unserem Alltag ein sehr wichtiger Akt ist.

Dank eines Gegengewichts, das in der Mitte der Kuppel hängt, kann sie vom Benutzer, der unter ihr sitzt, auf der vertikalen Achse bewegt werden. Das Anheben und Absenken der Kuppel versetzt den Benutzer an einen Raum im Raum und ermöglicht ihm, den Grad der Intimität selbst zu bestimmen. Convivio dient auch als sensorischer (Appetit-) Anreger: Die Sicht nach außen wird durch die Kuppel eingeschränkt, damit es zu keiner visuellen Ablenkung kommt und die Konzentration auf das Geschehen im Innenraum und auf die Gäste fokussiert bleiben kann. So bekommen die übrigen Sinne die Möglichkeit sich zu entfalten. 

Die Körbe, in denen die Speisen auf speziell angefertigte Teller gelegt werden, stehen symbolisch für die Mahlzeit und dienen als dekorative Elemente, die mit ihrer besonderen Form und den leuchtenden Farben dazu beitragen, eine einladende Atmosphäre zu schaffen. Diese Körbe haben Öffnungen, die den Duft der darin befindlichen Mahlzeit freisetzen, so erst die Neugierde wecken und dann zum langsamen Essen verleiten. Convivio lässt sich von der Architektur der Nomadenzelte inspirieren, insbesondere das subsaharische Beja-Zelt, den angestammten Behausungen, die unsere Spezies seit jeher bewohnt hat und dessen Umgebung uns instinktiv ein Gefühl von Schutz und Häuslichkeit vermittelt. 

Convivio stellt eine Weltanschauung dar und ist eine Hommage an der Konvivialität.

Convivio is a physical and metaphorical space dedicated to convivial togetherness and convivial dining. The root of the word convivio means „living together“, „sharing life experience“ and is equally reminiscent of the table set with food (Lat. convivium). This term condenses the essence of my analysis and the subsequent development of my project: the definition of a place dedicated to sharing meals and intended to be a catalyst for conviviality.

It is a spatial intervention in the form of a height-adjustable cupola that hangs from the roof above the dining table. Through its architectural presence, the cupola draws a conceptual line around the table. Regardless of the spatial context in which it is positioned, Convivio represents an invitation to take a seat together and stands for the intention to take time for shared, convivial dining, which is a very important act in our everyday lives. Thanks to a counterweight hanging in the middle of the cupola, it can be moved along the vertical axis by the user sitting underneath it. By raising and lowering the cupola the users are transported to a space within a space and they are able to determine the degree of intimacy themselves. 

Convivio also amplifies the sensory aspect of the shared meal: the view to the outside is restricted by the cupola so that the concentration can remain focused on the inside, on the guests and on the meal. This gives the other senses the opportunity to unfold, enhancing the experience of sharing and conviviality. Colorful and variously shaped baskets are placed on the table: food is served in these baskets, and they  contribute to create an inviting and cozy atmosphere. Through special openings at the top of these baskets, the scent of the food is released and slowly spreads around the room. 

Convivio draws inspiration from the architecture of nomadic tents, particularly of the sub-Saharan Beja tent. These tents are the ancestral homes that our species has inhabited since earliest times and their environment instinctively gives us a sense of shelter and domesticity. For this reason, a low table with floor seating was also designed for it. 

Convivio represents a worldview and is a tribute to conviviality.

 

 

Prozess

 

Betreut durch

Prof. Ineke Hans, Prof. Jozef Legrand, WM Maciej Chmara

Kontakt

www.silva-albertini.com

PlanA | JULIUS TERHEDEBRÜGGE | BA 2022

PLAN A | Bachelorarbeit 2022

Mit PlanA wird die Interaktion mit den uns lieb gewonnenen Objekten am Leben gehalten. Die Objekte stehen nicht nur im Raum und bekommen einmalig ihren festen Platz zugewiesen, sie treten auch für uns selber neu in Erscheinung. PlanA lädt dazu ein, damit zu spielen, wie die Objekte präsentiert oder kaschiert werden können. Es wird kein definierter Zustand von geschlossen oder geöffnet erzeugt, sondern ein fließender Übergang entsteht. Das Regalsystem präsentiert, je nach Perspektive, verschiedene Inhalte. Die Objekte können mit den unterschiedlichen Farbpaneele aus recyceltem Acrylglas unterschiedlich hervorgehoben. Mit den Podesten, die auf den gleichen Schienen wie die Farbpaneele laufen, können Objekte noch zusätzlich hervorgehoben werden. Durch das statisch architektonische Erscheinungsbild der Konstruktion und die Farbauswahl der Arcylglas-Paneele, die zu einem farbenfrohen Lichtspiel führen, entstehen Kontraste, die eine Spannung und zugleich Harmonie erzeugen.

PlanA hat eine enorm hohe Variabilität, es kann als Raumtrenner, da es von beiden Seiten “bespielt“ werden kann, als Bücherregal oder als Regal für die Lieblingsobjekte funktionieren, sowohl im privaten Bereich als auch in einer Office-Situation. Die Beine von PlanA sind so gestaltet, dass die Farbpaneelen durch sie hindurchgeschoben werden können, sie sind also nicht wie bei vielen anderen Regalsystemen die limitierende Instanz. PlanA lädt dazu, ein, die Objekte wieder häufiger in die Hand zu nehmen und mit ihnen zu interagieren. Die Objekte stehen nicht mehr einfach in einer Vitrine, sondern können immer wieder neu in Szene gesetzt, oder auch je nach Belieben eher kaschiert werden.

Farben sind enorm wichtige Informationsträger und daher aus unserer Welt der Kommunikation kaum noch wegzudenken. Farben können helfen besser zu differenzieren, Dinge zu verdeutlichen, aber sie können auch Emotionsträger sein. Dieser Umstand wird besonders deutlich, wenn man sich vor Augen führt, dass wir etwa zweihundert Grautöne voneinander unterscheiden können, aber ungefähr 16 Millionen unterschiedlicher Farbtöne. Das recycelte Acrylglas, bietet sehr viele Möglichkeiten, um mit den Objekten, die präsentiert werden sollen, auf unterschiedlichste Weise interagieren zu können. Wenn ein Objekt vor einer der Scheiben steht, kommt es deutlich anders zur Geltung als wenn es vor einer weißen Fläche steht. Werden zwei unterschiedliche Farben, durch das Verschieben der Farbpaneele, übereinander gelagert, können Objekte dahinter komplett verschwinden. Ziel der Farbauswahl war, Farben zu wählen, die eine Strahlkraft haben und zum Spielen einladen, allerdings die Aufmerksamkeit nicht zu sehr auf sich ziehen und den zu präsentieren den Objekten noch genügend Raum zum Atmen geben. Außerdem war es wichtig, dass das Acrylglas zu 100 % recycelt und auch weiterhin recycelbar ist. Daher wurde für den Bau des Prototyps Acrylglas der Firma Madreperla aus der pro Produktpalette Greencast ausgesucht, mit den Farbtönen: Greencast 71059 grün 3 mm, Greencast 71231 lila 3 mm, und Greencast 71112 fluor gelb 3 mm.

With PlanA, the interaction with the objects we love is kept alive. The objects not only stand in the room and are assigned their fixed place once, the objects always have a different appearance to us. PlanA invites you to play with how the objects can be presented or concealed. There is no defined state of closed or open, but a smooth transition is created. Depending on the perspective, the shelving system presents different objects. The objects can be highlighted differently with the different coloured panels made of recycled acrylic glass. With the pedestals, which run on the same rails as the color panels, objects can be additionally highlighted. The static architectural appearance of the construction and the color selection of the acrylic glass panels, which lead to a colorful play of light, create contrasts that create tension and harmony at the same time.

PlanA has an enormously high variability, it can function as a room divider, since it can be „played on“ from both sides, as a bookshelf or as a shelf for your favorite objects, both in the private area and in an office situation. PlanA’s legs are designed in such a way that the colour panels can be pushed through them, so legs are not the limiting instance as with many other shelving systems. PlanA invites you to take the objects in your hands more often and to interact with them. The objects no longer simply stand in a showcase, but can be staged again and again, or even concealed as you wish. Colours are enormously important carriers of information and it is therefore hard to imagine our world of communication without them. Colours can help to differentiate better, to make things clearer, but they can also carry emotions. This fact becomes particularly clear when you realize that we can distinguish about 200 shades of gray from each other, but about 16 million different shades of colour.

The recycled acrylic glass offers many possibilities to interact with the objects and present them in a wide variety of ways. When an object is placed in front of a coloured surface, it appears significantly different than when it is placed in front of a white surface. If two different colours are overlapped by moving the colour panels, objects behind them can disappear completely. The aim of the colour selection was to choose colours that have a radiance and invite you to play, however not draw too much attention to themself and give the objects wich is to be presented visually enough room to breathe. It was also important that the acrylic glass be 100% recyclable and continue to be recyclable. Therefore, for the construction of the prototype, acrylic glass from the company Madreperla was selected from the Greencast pro product range, with the colours: Greencast 71059 green 3 mm, Greencast 71231 purple 3 mm, and Greencast 71112 fluorescent yellow 3 mm.

 

 

 

 

Prozess

 

Betreut durch

Prof. Ineke Hans, Prof. Holger Neumann, Prof. Jozef Legrand

 

 

YOU & ME RICEBOWLS | En Kitani

 

 

YOU & ME RICEBOWLS

Husband and wife rice bowls* (a pair of rice bowls) have been one of the typical and traditional wedding gifts in Japan up until now.
Rice plays a very important role in the diet of some Asian countries including Japan. For Japanese people, generally it is very common for them to have their own rice bowl. They choose their rice bowl by design, colour, size, material, or texture in order to use it comfortably every single day. Originally rice bowls are selected by people’s own degree of comfort. However, if two people are to use „husband and wife rice bowls“, I would strongly suggest the rice bowls to be not just a pair of bowls, but something that are more meaningful, interweaving the concept of “Showing respect even if you are close to each other” from the Japanese proverb.

Partnership is supposed to be something beautiful and precious.
However we often forget how hard it is to find a partner, and how valuable a relationship and a partner are. We should still show respect to our partners. even as time goes by we may just become careless to them. We should not take their presence for granted.

The design of “You and Me Rice Bowls” is inspired by the Japanese expression “meshing gears” which means (for things or a relationship) to be in sync with each other. The wavy surface of the bowls represents our individual aspects, characters and also each of us has different perspectives on life. Some, but not all of them can be engaged like gears meshed together,  making the partners special to each other. Each bowl is unstable without any support—it can’t stand on the table alone. One is required to hold it all the time during the meal. As the person holds it, by putting their fingers between the wavy parts, it allows them to feel like they are holding their partner’s hand.
The rice bowls become stable if two of them are put together.

Every time someone uses it, it provides them an opportunity to re-think about their partner and re-consider how valuable their partner is— how hard it is to maintain a healthy partnership without care, sympathy, respect and effort required of each other, as well as thankful and grateful feelings towards their  partner to struggle together.

*“Husband and wife rice bowls” is the direct translation of the original name of the product in Japanese. Since partners should not be limited to husbands and wives, I have created a substitutional name for this product with a wish.

 

Spree other accesses – Jan Colomer

Spree other accesses

The purpose of this project is to explore the different correlations between the Spree and the actors that interact with it (architecture, flora and fauna, citizens, authorities, climate, industry…). The aim of the research is to react —through the tools of design— to the following questions: How can the Spree be reactivated as a public space while repairing the exploitative processes it suffered in the last centuries? How can a win-win relationship be achieved, in which humans not only take but also give something back to the river?

 

 

Rotation – Sebastian Schwindt

rotation

2/7„Die Umwandlung mechanischer Energie in Wärmeenergie und die Um-wandlung der geradlinigen Bewegung in die Drehbewegung sind die zwei grundlegenden Naturgesetze, mit denen der Mensch Vorausset-zungen schuf, sich die Dinge der Natur nutzbar zu machen.“ Vor dem Hintergrund meiner eigenen Herkunft und der geografi-schen Nähe zum Erzgebirge wurde ich früh durch das Spielzeug und die Weihnachtsobjekte aus dieser Region geprägt. Die kindliche Leichtigkeit der Farbkombinationen und die freien Anordungen simplen geometrischen Körper zog mich als Kind in ihren Bann und faziniert mich bis heute.Im Rahmen des Masterstudiums möchte ich mich – als Designer und meinem Interesse an der sozialen und gesellschaftlichen Bedeu-tung von Handwerk – mit einer der ältesten Fertigungstechniken, dem Drechseln auseinandersetzen. Diese Handwerkskunst reicht weit in der Menschheitsgeschichte zurück und findet sich in verschiedensten Kulturkreisen wieder. -Wo liegen die Grenzen eines im subtragtiven Verfahren herge- stelltem Rotationskörper heute? -Lassen sich Atribute von Wertigkeit durch zeitgenössische Verfahren transformieren? -Inwiefern repräsentiert die Handwerkstradition einen realen, sozialen Kontext? -Wie kann ihre experimentelle Weiterführung zur Entwicklung von nachhaltigem Design anregen?Um dieses Spannungsfeld zwischen erzgebirgischerHandwerkskunst und dem Drechseln als zukunftsorientierteFertigungstechnik zu eröffnen, möchte ich Forschungsreisenin diese Region unternehmen, mehr über den technologischenStand der Herstellungsverfahren verstehen, Kunsthandwerker*innenkennenlernen und mögliche Kooperationspartner*innen für meine Masterarbeit finden. Die gewonnenen Erkenntnisse möchte ich in abstrahierter Form weiter in eine Reihe von Rotationskörpern übersetzen – als Evolutionskette, deren Kernelemente verknüpft und im einzelnen Objekt zum Ausdruck gebracht werden.

 

-Was zeigt uns/mir wann ein gedrechseltes Element hergestellt wurde?

-Ab wann löst sich das Objekt aus aus der Tradition, bedient sich ihrer Technik zeigt aber ganz klar die Gegenwart. Durch Herstellung eigener Verbundwerkstoffe basierend auf na-türlichen und künstlichen Ausgangsstoffen möchte ichMuster ausarbeiten. Diese Muster, welche durch 3d Formen ent-stehen möchte ich auf ihre Abhänigkeiten untersuchen und kate-gorisieren.Mir geht es darum auf der Grundlage von holzhandwerklichen Verarbeitungswegen neue überraschende Richtungen durch Materi-alexperimente zu finden.Es ist auf der einen Seite die Annäherung über Materialexperi-mente hin zu einem Halbzeug in Form von Stangen, oder Leisten. Leisten welche aus den verschiedensten Materialien und Farben kombiniert werden um dann Ausgangsmaterial für die Weiterver-arbeitung zu werden.Dabei möchte ich mit Kombinationen aus Laubholz, Valchromat, Kunststoff und Acrylic arbeiten. Ich kann mir vorstellen das sich auf der Suche noch mehr zeigen wird, was sich von hieraus noch nicht absehen lässt.Das Freilegen von Mustern stellt eine Zwischenstufe auf dem Weg der Materialexpermente dar.Ich halte kurz inne und lege, mit Fokus auf entstehende Muster gewisse Parameter fest.Die Parameter ergeben sich aus zwei Faktoren. Zum einen aus der Zusammensetzung von unterschiedlichen Materialien nach Kriterien wie Farbe, Größe, Anzahl der verbunden Teile, Anord-nung im Raum und Größenverhältnisse zu einander.Zum anderen aus den angewendeten Profilen, deren Wiederholungen und Streckenabschnitten, also deren Längen ausschlaggebend-sind.Gedanklich sehe ich ein Spannungsfeld zwischen der technischen Transformation und der Gestaltung der Materialkombinationen.Diese Dialogpartner tretten in einen Austausch und bilden die Basis eines Gestaltungsdialogs. T: Was ist mit der Reproduzierbarkeit? M: Keine Ahnung, ich will mich erstmal überraschen lassen .T: Ja ok klingt gut, aber willst du am Ende nicht auch perfekt aussehen? M: Hmm, vielleicht…

 

SEBASTIAN_SCHWINDT_362326_MA-Technologie

SEBASTIAN SCHWINDT_362326_PERSONAL_REPORT_DDW&BASF-min

 

Sebastian Schwindt , MA WS2021/22 –

 

 

 

Reparatur – Niklas Böll

Reparatur

Der alltägliche Umgang des Menschen ist mit Artefakten bestimmt. Der überwiegende Teil dieser Gegenstände ist Ergebnis der industriellen Produktionsweise, ebenso wie die Materialien und die Werkzeuge aus denen sie hergestellt sind. Mit dem heranwachsen zurweltweit bestimmenden Warenproduktion in der Mitte des 19. Jahrhunderts, verloren veraltetete Fertigungsmethoden im handwerklichen Sinne an Bedeutung. Der Anfänglich gute Wille der Industrialisierung, Produkte zu günstigeren Preisen und einer Breiteren Maße verfügbar zu machen schlug jedoch um, in ein Wettrennen um das billigste Produkt in der Weltwirtschaft. Der Mensch verlor das Gespür und die Verbindung zu angeboten Produkten und Objekten des alltäglichen Lebens und aus einem Reparieren und Retten wurde ein Ersetzten.Da mein Vater als Restaurator tätig war, entwickelte ich bereits als Kind großes Interesse an Materialien und deren Gestaltung. Unter seiner Anleitung konnte ich früh verschiedene Techniken der Holzbearbeitung erlernen und einen Einblick in die Vielfalt der Materialien gewinnen. Von einfachen handwerklichen Tischlerarbeiten bis hin zu aufwendigen Oberflächengestaltungen wurde ich in sämtliche Bereiche der Restaurierung eingeführt. Diese frühen Erfahrungen entwickelten sich zu einer Leidenschaft für Gestaltung und die beteiligten Prozesse. Dort fand ich zu neuen Sichtweisen und Erfahrungen in meiner gestalterischen Praxis und konnte meinen kreativen Horizont durch kritische Reflektion erweitern. Anfangs beschäftigte ich mich mit unterschiedlichen Herstellungsprozessen und vertiefte mein Wissen in der Materiallandschaft. Später konnte ich diese Auseinandersetzung durch mein Engagement als Tutor im Fachbereich Technologie und Konstruktion bei Prof. Holger Neumann professionalisieren und fand dabei viel Unterstützung. Nach der umfassenden Auseinandersetzung mit der Materialität Holz und seinen Eigenschaften in meiner Bachelorarbeit möchte ich mich während des Masterprogramms tiefer in das Thema Reparatur und Konservierung im Kontext Nachhaltigkeit und Ästhetik einarbeiten. Durch meinen Vater wurde ich früh an das Universität der KünsteMA WS 2021/22Niklas Böll
Wiederherstellen von Objekten und Möbeln, welche bereits als wirtschaftliche Totalschäden abgestempelt wurden, herangeführt und entwickelte so ein Bewusstsein für Nachhaltigkeit und den ideellen Wert von Objekten, welcher über den reinen Produktwert hinausgeht. Dabei fasziniert mich die Veränderung eines Materials, die durch Benutzung im Alltag, Witterung oder anderweitige Alterung entsteht. Risse tun sich auf, Verfärbungen entstehen, Narben werden zum festen Bestandteil eines Objekts. So kann zum Beispiel die Front eines Schellack polierten Möbelstücks, welche der Sonne ausgesetzt ungleichmäßig bleicht und so die Farbe verändert, dem ganzen Objekt eine neue Ästhetik verleihen. Vormalige Mängel und Irritationen werden zu unverkennbaren Charakterzügen und Qualitäten, welche dem Objekt eine einzigartige Erscheinung geben. Die Reparatur wird ein Teil der individuellen Geschichte des Objekts. Die tagtäglich auf dem Holztisch abgestellte Kaffeetasse, welche ringförmige Verfärbungen auf der Tischplatte hinterlässt und dem Tisch einen individuellen Stempel verpasst; der von meinem Großvater immer wieder reparierte Holzschemel, welcher durch jede Ausbesserung ein neues Detail erhält diese ganz eigenen Ästhetiken und die dabei erzählten Geschichten interessieren mich. Zudem möchte ich untersuchen, in welcher Verbindung der Mensch zu einem Objekt steht und was ein Objekt individuell macht und an persönlichen Wert gewinnt. Inwiefern steht dies mit dem Kunsthandwerk und dem Handwerk und der Produktion in Verbindung, sind es die Materialien, die Spuren der Herstellung, oder einfach nur die Erinnerungen, die uns eine Beziehung mit einem Objekt eingehen lässt?! Interessant ist es hier einen Blick auf die japanische Tradition der “Keramikreperatur“ zu werfen, dem sogenannten „Kintsugi“. Hierbei werden gebrochene Teile in die Ursprüngliche Form gesetzt, jedoch bleibt die Bruchstelle sichtbar, bzw. wird sie hervorgehoben und somit ein Teil des Objektes. Anstelle an Wert zu verlieren, gewinnt das Objekt an Wert und wird meist kostbarer als zuvor. Hier steckt die Ästhetik nicht in der Perfektion, sondern im Fehlerhaften, im Vergänglichen, im Alten. Universität der KünsteMA WS 2021/22Niklas Böll
Im Rahmen des des Moduls 2 möchte ich mich ausführlich mit dem Thema auseinandersetzen und dabei ein Gestaltungskonzept entwickeln, welches auf den Einsichten und Kenntnissen aufbaut, die ich durch eine hybride Arbeitsweise zwischen theoretischer Recherche und praktischer experimenteller Arbeit mit verschiedenen Materialien erlangen möchte.

Im schriftlichen Teil meiner Masterthesis möchte ich mich im Spannungsfeld der Perfektion und des Fehlerhaften in der Gestaltung und der Produktion bewegen. Ich möchte erörtern was Fehlerhaftigkeit für uns in der Gesellschaft bedeutet und wie wir sie Aufnehmen. Unter anderem möchte ich mich mit den Fragen befassen, wie sich die Ästhetik durch umstellen in der Produktion, vom Handwerk hin zum Industriellen bis ins Digitale Zeitalter verändert hat. Fabriken und Fließbandproduktion wuchsen zur produzierenden Größe heran und prägten ein neues Erscheinungsbild der Produkte.Die Individualität, die durch das Handwerk einem jedem Werkstück hinzugefügt wurde, wurde durch ein gleichbleibendes, auf Perfektion ausgelegtes Produktergebnis ersetzt. Die Form und die Materialität der Produkte wurde dem Herstellungsverfahren angepasst. Organische Materialien wurden durch anorganische, leichter zu verarbeitende Materialien ersetzt. So wurde z.B. aus dem ungleichmäßigen Werkstoff Vollholz ein gleichmäßiger anorganischer Werkstoff, wie die Pressspannplatten, welcher wesentlich leichter zu verarbeiten ist.Das Kennzeichen dieser Produktion, der Serienproduktion, ist die sich wiederholende und Zielführende Schaffung eines gleichbleibendes Produkts. Was bedeutet Fehlerhaftigkeit in der Gestaltung? Wieso verspürt die Heutige Gesellschaft den Drang zur Rückkehr zum Individuellen? Interessant ist es hier zu betrachten, wie die Industrie reagiert und durch Prozessgestaltung sich diesem Trend anpasst. Erahnen lässt es sich durch Projekte von Firmen wie “Motel A Mio“, Diese wirbt gar mit Einzigartigkeit auf der eigenen Webseite und bietet Handgefertigte Keramik einer breiten Maße an, welche im Gegensatz zum sehr teuren, handgefertigten Keramik aus der Boutique erschwinglich wirkt. Dieses Verschwimmen von Handwerk und Industrie ist eine Entwicklung die ich ästhetisch und aus einer sozialen Perspektive sehr interessant finde und in meinem schriftlichen Teil meiner Masterthesis untersuchen möchte.

 

Kurzzeitprojekt_Niklas

Master_Modul1_Dokumentation_Niklas_Böll

Niklas Böll, MA WS2021/22 –

 

Transfloralismus – Kim Kuhl

Transfloralismus

Von ‘Transfloralismus’ und Arten übergreifendem Design  In meiner Masterarbeit untersuche ich spekulativ wie ein soziales Kommunikationsnetzwerk  für Bäume in Städten gestaltet werden kann. Ein holistischer Designansatz, in dem natürliche und künstliche, menschliche und nichtmenschliche Akteure miteinbezogen werden, setzt dabei die Basis für ein Projekt, das im stark anthropozentrisch geprägten Ökosystem Stadt die Bedürfnisse und Potentiale nichtmenschlicher Spezies berücksichtigt.  Inspiriert von verschiedenen post anthropozentrischen Ansätzen, steht das Bewusstsein für die Interdependenz und die bewusste Auflösung des Dualismus von Natur und Kultur im Fokus.  Bäume in Städten sind im Anthropozän starken Stressfaktoren ausgesetzt: Platzmangel, Schadstoffe, verdichteter Boden, Schatten, städtische Hitze- und Trockenperioden.  Funktionale und technische Anforderungen der Menschen werden in der Stadtplanung strukturell vor die Bedürfnisse der Bäume gestellt. Während Waldbäume über ihre Wurzeln und Mykorrhiza Pilze kommunizieren (auch ‘Wood Wide Web’ genannt) und in einem sozialen Interspezies Gefüge auf höchst intelligente Art und Weise für das gemeinschaftliche (Über-)Leben kooperieren, sterben immer mehr Stadtbäume als Folge unserer anthropozentrischen Integration und Haltung im urbanen Raum als auch der individualistischen Sicht auf den Baum als Einsiedler. Dabei sind vor allem gesunde Stadtbäume im kollektiven Kampf gegen die Klimakrise essentiell notwendig: Sie kühlen als natürliche Klimaanlage unsere schwülen Asphalt- und Betonlandschaften, sie reinigen und produzieren unsere Luft als ‘grüne Lunge’ der Stadt, sie tragen positiv zu unserer psychischen Gesundheit bei und sind Lebensraum für andere Lebewesen, die wiederum in zahllosen anderen Teilen unseres städtischen Ökosystems ihren Dienst leisten. Für ein baumgerechtes Leben in der Stadt, müssen wir Bäume als ‘Social Player’ ernst nehmen und ihnen ein soziales Kommunikationsnetzwerk ermöglichen, das ihnen erlaubt ihre Bedürfnisse und ihren Zustand zu kommunizieren. Dabei ist zu beachten, dass das Ökosystem Stadt im Gegensatz zum Wald von der Technosphäre dominiert wird und es neben natürlichen menschlichen und nichtmenschlichen Akteuren auch künstliche und ‘tote’ Akteure umfasst, die in der Gestaltung eines sozialen Kommunikationsnetzwerks als Kooperationspartner der Bäume in Frage kommen. Mit diesem Gedankenschritt geht ein grundlegendes Umdenken des romantischen Naturbegriffs einher. Die über Jahre verankerte ideelle Distanz von Natur und Kultur soll aufgelöst werden und der stetige Ausbau der Technosphäre soll die Biosphäre nicht mehr überlagern, sondern sich mit ihr verweben.


MA Modul 1_Kim Kuhl_dokumentation (2)(1)-min


Kim Kuhl, MA WS2021/22 – 
      



DUNKELGRÜNESBLAULICHT | Lilly Krämer

DUNKELGRÜNESBLAULICHT

dunkel grünes blau licht ist ein Versuch die Lampe zu entlasten.

dunkel grünes blau licht arbeitet mit dem was es hat und verstärkt, lenkt, färbt und verformt es. Ohne Umwege und unabhängig von äußeren Faktoren kann es Innenräume verändern und ihnen Charakter verleihen. 

dunkel grünes blau licht bietet die Möglichkeit, tiefer liegende Gebäudebereiche natürlich zu belichten, indem sie die Beleuchtungsstärke in der Raumtiefe erhöhen und damit für eine gleichmäßigere Ausleuchtung sorgen. Dadurch lässt sich der Energieverbrauch für eine künstliche Beleuchtung deutlich senken. 

dunkel grünes blau licht fordert die Auseinandersetzung zwischen Mensch und Licht, mit der Hoffnung sie so eine Beziehung aufbauen zu lassen. Durch die persönliche Adaptierung mit dem natürlichen Licht soll dringend notwendige Wertschätzung gewonnen werden.

dunkel grünes blau licht is an attempt to de-stress the lamp from its job. 

dunkel grünes blau licht works with what is given and amplifies, directs, discolours and deforms it. Without distraction and independent of its surrounding, it can change interiors and give them character. 

dunkel grünes blau licht offers the possibility of naturally illuminating deeper areas of a building by increasing the lighting intensity in the depth of the room and thus providing more uniform enlightenment. This significantly reduces the energy consumption for artificial lighting. 

dunkel grünes blau licht encourages the interaction between people and light, with the hope of allowing them to develop a relationship. Through personal adaptation with natural light, much-needed appreciation is to be gained.

 

 

Prozess

 

FERVID | Helena Wassilovsky

FERVID

EROSION ALS MUTATION

Eine von außen induzierte irreversible Veränderung, welche sich auf seine Umgebung auswirkt. Diese Veränderung zeigt sich in dem schmelzen der Gletscher weltweit. Seit dem 20. Jahrhundert sind diese zwei- bis dreimal schneller geschmolzen als der Durchschnitt. Der starke Schwund der Gletscher verändert Lebensräume an Land und im Wasser. Dieser durch uns unnatürlich ausgelöste, rapide Effekt hat sich mittlerweile verselbständigt und steht außerhalb unserer Kontrolle. Diese Experimente spielen mit den Grenzen von Isomalt, unter dem Einfluss von Hitze. Es ist ein direkter Vergleich zu unserem unvorsichtigen Umgang mit Ressourcen und den damit entstehenden klimatischen Folgen. Die Lichtschirme stehen sinnbildlich für die Abnutzung durch alltägliche Handlungen. In dem Versuch die Abnutzung mit Isomalt zu simulieren, verändert sich das Material visuell und physisch. Zunächst sind die langsamen Veränderungen kaum wahr zu nehmen, bis sich das Objekt plötzlich selbst dekonstruiert. Die Funktion wird aufgehoben und es ist unfähig seine ursprünglichen Eigenschaften aufrecht zu erhalten.

Das Veränderung ist dem Zufall überlassen.

EROSION AS MUTATION 

AN EXTERNALLY INDUCED IRREVERSIBLE CHANGE AFFECTING ITS SURROUNDINGS. This change is reflected in the melting of glaciers around the world. Since the 20th century these have melted two to three times faster than the average. The rapid consumption of the glaciers is changing habitats on land and in the water. The vast effects triggered by us has taken on a life of its own and is beyond our control. These experiments play with the boundaries of Isomalt through controlled exposure to heat. It is a direct comparison to our careless use of resources and the resulting climatic consequences it has on them. The lightshades stand for the wear and tear caused by everyday actions. In an attempt to simulate erosion with Isomalt, the material changes visually and physically. At first, the slow changes are barely noticeable until the object suddenly deconstructs itself. It becomes non-functional and it is unable to maintain its original properties.

The change is left to chance.

 

 

 

 

Prozess