TITEL: Ohne Helm und ohne Gurt
windows of opportunity are often missed. often because nobody is aware of them, more often because they are not seized.
the latent potential in evolving technologies is our greatest inspiration – harnessing it is often cursed because we are

Objekt der Wahl: Helm.

ON CLEMENS WEISSHAAR

Clemens Weisshaar (DE) was born in Munich. After an apprenticeship as a metal worker he studied product design at Central Saint Martins College of Art and Design and the Royal College of Art in London and was an assistant to Konstantin Grcic for three years before founding his first office for design in 2000. Weisshaar lives in London and Munich. He works together with Reed Kram (SE,US) Together they founded their studio KRAM/WEISSHAAR

Clemens Weisshaar and Reed Kram’s work redefines cutting edge design. They have been referred to as “the vanguard of the next generation of digital designers” (FORM magazine) and “the poster boys of a new breed of designers” (International Herald Tribune). Their projects span from software development to process design, from product design to architecture. Weisshaar and Kram’s work focusses on the vanishing line between the digital and the physical, always remaining committed to “redesigning design” (Arch+ magazine).
Their work has been exhibited worldwide and can be found in the permanent collections of the Vitra Design Museum, Weil am Rhein, Museum of Modern Art, New York and the Centre Pompidou, Paris.

www.kramweisshaar.com

Clemens Weisshaar // Kairos

Ein spannender Punkt in das Gespräch mit Clemens Weisshaar war, was er über seine Schuhmanufaktur in China berichtet hat. Er hat eine Fabrik inklusive aller benötigter Geräte gebaut, in der man innerhalb von 48h Schuhe produzieren, bzw. Massenproduzieren kann, die man vorher ortsunabhängig mit einem speziellen Programm am PC entworfen hat. Diese schnelle Methode hätte gleich mehrere Vorteile, zum einen kann man sich seinen Schuh selbst designen, zum anderen ist die Fertigung so schnell, dass man nach Bedarf (bzw. nach Bestellung) produziert. Die Vorproduktion auf Prognose und Lagerung wäre nicht mehr nötig.
Ausserdem hat er die Maschinen so gebaut, dass die Materialien nicht miteinander verklebt werden, sondern alles aus dem selben Material besteht, und man die Schuhe nach dem verschleiß theoretisch einsenden und das Material wieder verwenden könnte.
Auf die Frage, warum die Fabrik in Asien ist, kam überraschenderweise nicht die Antwort dass es günstiger und leichter ist eine solche Fabrik dort aufzubauen, sondern „deep knowledge“, also die Annahme dass chinesische Arbeiter, aufgrund der vielen Massenfertigung in den Schuhfabriken dort, auch automatisch die besten Sneakers herstellen würden.

Andere Aussagen, von denen ich leider akustisch den Zusammenhang nicht verstanden habe, die mir aber als relevant für seine Arbeit und Sicht auf die Dinge erschienen sind waren :

-Endkonsumenten haben keinen Geschmack
-sein Team ist Divers, und somit alles was die großen Player wollen
-der Markt wird für Autorendesigner immer enger, weil es auch immer weniger Kunden für diesen Markt gibt
-die Verantwortung, den Produktionskreislauf nachhaltiger zu machen, liegt seiner Meinung nach beim Endverbraucher und in dessen Konsumverhalten
-wie schafft man es, im Designprozess die Pflicht zur Kür zu machen? Das möchte er herausfinden, damit ihm die Arbeit ihm immer Spaß macht.
-man braucht einen Kunden wie z Bsp. Adidas, der weniger intellektuell ist, denn solche Firmen sind offen für Neues

Seine Designagentur, die sich zwischen von Sport, Tech, Rennautos und Digital Design bewegt, und die er mit einem zweiten männlichen Kollegen führt, hat sich laut eigener Aussage zum Ziel gesetzt Design zu redesignen. Auf die Frage, wieso ausgerechnet seine Agentur glaubt, einen so frischen Blickwinkel auf Design zu haben, man bedenke, dass die Designgeschichte, und ebenso die Themenfelder Sport und Tech überwiegend von weissen Männern erzählt, antwortete er dass dies nicht wirklich stimmt, da Ada Lovelace ja den Computer erfunden hat, und viele Frauen in der Geschichte einfach verschwiegen wurden, bzw. ihre Errungenschaften ihren Ehemännern zugeschrieben wurden. Außerdem fände er Frauen im Handwerk toll, zum Bespiel Frauen die schweissen können, um den Männern „einzuheizen“.

Dominique Bertisch

Es gibt ja nicht den einen Moment, sondern solche Momente kommen immer wieder. Vielleicht eint sie bei mir ein Zusammentreffen von Druck von außen und Klarheit innen? Oder war es einfach Glück innerlich klar zu sein, welche Entscheidung zu treffen war?  Oder brauche ich den Druck um in Klarheit zu sehen? Keine Ahnung, aber selbstbestimmt zu entscheiden, statt Fremdbestimmung, den Moment zu nutzen, hat mich sicherlich auch zu dem gemacht, die ich heute bin. In der Art wie ich agiere, in meiner inneren Unabhängigkeit und damit auch Freiheit. Trotz aller Abhängigkeiten in denen wir alle stecken. Fachlich würde ich eher von Menschen erzählen, die mich auf meinem Weg geprägt haben, die mich herausgefordert haben, mit denen ich im Diskurs mein Wissen, meine Überzeugung, meine Erkenntnisse schärfen konnte. Und dieser Prozess wird nie zu Ende sein. Welch ein Glück.

Zum Objekt: ein Maßband oder Meterstab
Braucht man immer und hat viel mit meiner ersten Berufswahl zu tun

On TulGa Beyerle

Tulga Beyerle (*1964, Wien) ist seit dem 1. Dezember 2018 Direktorin des Museums für Kunst und Gewerbe Hamburg. Ausgehend vom programmatischen Gründungsgedanke von Kunstgewerbemuseen über die Vorbildsammlung Gestaltungsqualität zu prägen, ist es ein wesentliches Anliegen Tulga Beyerles das Museum als Möglichkeitsraum und Plattform für Diskurs und Verhandlung über die Fragen der Gestaltung unserer Welt zu verstehen.

Als ausgewiesene Designexpertin war sie von 2014 bis 2018 Direktorin des Kunstgewerbemuseums Dresden, Schloss Pillnitz, und zugleich Mitglied der Geschäftsführung der Staatlichen Kunstsammlungen Dresden, einem der führenden Museumsverbunde Deutschlands. Zuvor war sie Co-Leiterin der Vienna Design Week, die sie 2006 mitbegründete. Zudem war sie viele Jahre als selbstständige Kuratorin in Europa erfolgreich tätig.

Nach einer mit Gesellenprüfung abgeschlossenen Tischlerlehre studierte sie Industrial Design in Wien und unterrichtete an der dortigen Universität für angewandte Kunst im Anschluss für rund sieben Jahre Designgeschichte und Theorie. Sie ist unter anderem Mitglied im Programmrat der Bundeskunsthalle in Bonn und im wissenschaftlichen Beirat des Mudac, dem Museum für angewandte Kunst in Lausanne.

www.mkg-hamburg.de

Tulga Beyerle // Kairos

Die einschneidenden Momente, die in Tulga Beyerles Leben als Kairos gelten, kamen anders als bei den anderen Gästen zuvor, eher aus der Entscheidung heraus die vorherige Phase zu beenden. Sie hatte verschiedene Stationen ausprobiert, und jeweils gemerkt, dass die Situation sie auf Dauer unglücklich machen würde. Durch die freie, aber risikobehaftete Situation etwas zu beenden, ohne zu wissen was danach kommt, entsteht auch eine große Freiheit, die Platz zur freien Entfaltung und Selbstbestimmtheit bietet.

Nachdem sie die Berufsfelder der Tischlerin, Lehrbeauftragten und Kuratorin der Vienna Design Week hinter sich gelassen hat, ist sie jetzt Direktorin des Museums für Kunst und Gewerbe in Hamburg. Einen Wandel des Design- und Kunstgewerbemuseen hält sie für dringend notwendig. Nicht nur vor dem Hintergrund, dass diese Museen in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts entstanden sind und der gesellschaftliche Wandel vor den Museen nicht halt macht. Sondern auch, weil sie ihre Plattform nutzen möchte, um aktiv einen Diskurs voranzutreiben und etwas zu bewegen, anstatt wie es Museen sonst oft tun, gesellschaftliche Umbrüche nur aufzubereiten und zu konservieren. Gerade vor diesem Hintergrund wundert sie sich über fehlende Radikalität, vor allem bei den jüngeren Designer*innen und Kurator*innen. Wofür man steht, was man darstellt, was man direkt und indirekt mit seinem Handeln/ Arbeiten unterstützt sollte grundsätzlich hinterfragt und überdacht werden.
Ebenso ist ihr wichtig den gesellschaftlichen Wandel, den man anstrebt, vorzuleben; als sie eine Ausstellung zu Social Design vorbereitete, hatte sie sich erstmal mit ihrer Umgebung in Hamburg befasst und die Nachbarschaft des Museums und ihre Institutionen angesehen, was ein erfreulich fruchtbares Miteinander zufolge hatte.

Die Tatsache, dass Studierende heute mehr daran interessiert sind sich mit gesellschaftlichen Problemen zu beschäftigen, und weniger den Fokus darauf legen, sich oder der Firma für die man spöter arbeitet einen Namen zu machen und beispielsweise auf namenhaften Messen ausgestellt zu werden, ist zwangsläufig wichtig. Die politische Positionierung ist eine Grundhaltung, auch wenn sie von sich selbst sagt, dass sie als Frau weniger Radikal ist, als es teilweise ihre männlichen Kollegen (Kuratoren und Direktoren) sind. Diese fragen sich nicht, wen sie mit ihren Ausstellungen vor den Kopf stoßen, wen sie womöglich verletzen, enttäuschen oder zerstören, und haben daher oft den Vorteil mehr aufsehen zu erregen. Dennoch ist es wichtig eine Haltung einzunehmen und nicht nur zu zeigen, sondern auch zum mitmachen zu motivieren.

Das Ziel ist, den Museumsbesucher nicht nur als Betrachter oder Konsument zu sehen, sondern ihn in Projekte einzubeziehen, eine Auseinandersetzung voranzubringen und ihm/ihr dadurch eine Stimme im Diskurs zu verleihen, ihn hineinzuführen in eine aktiv mitgestaltende Position.
Denn das, was sie an dem Thema Design so faszinierend findet, und was sie seit Beginn ihrer Karriere interessiert und begleitet, ist dass es immer wieder um die essentielle Frage geht: wie wollen wir unsere Welt gestalten?

Dominique Bertisch

I would like to talk about the notion of LEARNING … and my KAIROS moment was when I first realized that learning could awaken a real joy and creativity in me. This form of learning is more than absorbing information and facts. It is about acquiring a deep understanding and getting involved. It enabled me to do my own thing!

The object I would like each student to bring is a tool … like a hammer or a pair of scissors etc. A tool they like and like using.
My object is a Stanley N°4 hand plane.

Mayday 1998, photo by Florian Böhm

On Konstantin Grcic

Konstantin Grcic (*1965) was trained as a cabinet maker at The John Makepeace School for Craftsmen in Wood before studying Design at the Royal College of Art in London.
Since setting up his own practice in Munich in 1991 he has developed furniture, products and lighting for leading design companies.
Today, Konstantin Grcic Design is based in Berlin and is active in several fields ranging from industrial design projects, exhibition design and collaborations in architecture and fashion. Among his producers are Artek, Cassina, ClassiCon, Flos, Flötotto, Kettal, Laufen, Magis, Mattiazzi, Muji, Mutina, Nespresso, Plank, Serafino Zani and Vitra. From the fashion and lifestyle sector, Audi, Hugo Boss, Issey Miyake, Louis Vuitton, Prada, Rado and smart/Daimler are amongst his clients.
Many of his products have been awarded international design prizes. He received the Compasso d’Oro in 2001 for the Mayday lamp (Flos), 2011 for the Myto chair (Plank) and 2016 for the OK lamp (Flos). For Tom and Jerry from Magis‘ series The Wild Bunch he received the German Design Award in Gold in 2011. In 2016 he received the Personality Award by the Rat für Formgebung.
Grcic defines function in human terms, combining formal strictness with considerable mental acuity and humour. His work is characterised by a careful research into the history of art, design and architecture and his passion for technology and materials.

www.konstantin-grcic.com

ZUSAMMENFASSUNG

Konstantin Grcic // Kairos

Konstantin Grcic redete zunächst über den Prozess des Lernens, und wie er erst nach der Schule begriffen hat, was lernen eigentlich ist. Dass man auch das Lernen selbst lernen muss, und er es in seiner Schulzeit einfach nicht beigebracht bekommen hat.
Als Objekt hat er sich deswegen gewünscht, dass jeder ein Werkzeug mitbringt, mit dem er gerne arbeitet. Denn erst in seiner Lehre zum Schreiner ist im klargeworden, dass gelerntes eine Bemächtigung mit sich bringt. Ein Moment des Glücks, Teil von etwas zu sein, etwas verinnerlicht haben und etwas tatsächlich zu leben und weitergeben zu können.

Die Handwerkerlehre war ein Grundbautein, aber er hat auch gemerkt, dass es nicht genau das ist, was er möchte. Die Planungsphase, die im Schreinerberuf ja ein Teil des Handwerks ist, hat ihn am meisten gereizt, und hier wollte er noch tiefer einsteigen. In England, wo er seine Ausbildung absolvierte, ist das Handwerk auch näher im künstlerischen Bereich angesiedelt und anerkannt, weshalb er von Beginn an ermutigt wurde Dinge frei zu interpretieren. Den Beruf sieht er als eine elementare Grundlage, aber die Interpretation ist in der englischen lehre verhältnismäßig frei.

Im Gegensatz zu heute, war damals, als er den Beruf des Designers ergriff, der Markt überschaubarer, die Marktregeln einfacher, und die Ziele die man sich gesteckt hatte, klarer. Trotz der Erfahrungen und Erfolge, die er in all der Zeit verbuchen konnte, hat er das ideale Wirtschaftsmodell noch nicht gefunden. Der Schlüssel für eine gelungene Zusammenarbeit ist laut ihm aber ein gutes Maß an Intensität und Nähe, so dass sich alle Beteiligten wohl fühlen.

Das große Plus, das er sieht, wenn man mit der Industrie zusammen arbeitet, ist die Potenz des Wissens, welches enorm Groß ist, und man im Alleingang nie erreichen könnte. Er nutzt die Cooperationen für seine Zwecke, um Ideen industriell umzusetzen, auszuprobieren, und evtl. am Ende wieder in kleineren Rahmen zu denken.Bei der industriellen Zusammenarbeit besteht die Aufgabe des Designers wiederum darin, die Firmen dorthin zu bewegen, Sinnhaftigkeit und Impact der Produkte, und Ihre Verantwortung zur Nachhaltigkeit und Kreislaufstrategien zu überdenken. Denn gerade in der Zusammenarbeit mit großen Firmen hat man natürlich eine deutlich stärkere Schlagkraft und größere Reichweite.

Dominique Bertisch

KAIROS 5 – Object 5: NAGEL

Eine Geschichte von Entdeckung
Der Moment einen besonderen Entwurf, ein Produkt zu entdecken, zu spüren, dass es eine Verbindung gibt, etwas Fesselndes, eine Faszination, Freude an der Idee, das Potential zu erkennen und „den Nagel einzuschlagen“ – also sich zu committen, sich zu bekennen, Begeisterung
zu zeigen. Das Gefühl zu haben, dass es passt.
Und dann begibt man sich auf die Reise, von der man nicht recht weiß, wohin sie führt und welches Ergebnis sie bringt. Abenteuerlich, oft unterhaltend, manchmal ein Desaster, zum Haareraufen und eine Geschichte von Scheitern. Oder eine Geschichte von Erfolg, guter Beziehung, von viel Spaß und guter Energie und zum Schwärmen.

Das Objekt:
die Gäste mögen bitte einen Nagel mitbringen – groß oder klein, Stahl oder Messing, das spielt alles keine Rolle. Ansonsten machen wir gerne einen Test am Montag.

ON Stephan DornhOfer

Seit 1984 ist Stephan Dornhofer Geschäftsführer von MAGAZIN. Mit Leidenschaft fürs Produktdesign ist er unter anderem verantwortlich für die Zusammenstellung des Sortiments, das im Online-Shop und in den Läden in Stuttgart, München und Bonn erhältlich ist.

In 2020 ist MAGAZIN 50 Jahre alt. MAGAZIN liefert eine qualitative Auswahl an Einrichtungsprodukten bekannter und neu entdeckter Marken und Produzenten. MAGAZIN ist Händler, aber auch Hersteller einer eigenen Produktlinie, den M-Produkten. In ihnen realisiert die Marke eigene Ideen und bringt sie in intensiver Zusammenarbeit mit Designern und meist regionalen Herstellern auf den Markt.

www.magazin.com

Kairos 4 – Object 4

My Kairos moment is about personal signature, where critical questioning of conditions is an important part.
The object one should bring: a glass of water

In meinem Kairos-Moment geht es um die persönliche Unterschrift, bei der die kritische Infragestellung von Bedingungen eine wichtige Rolle spielt.
Das Objekt, zum mitbringen: ein Glas Wasser

On Hella Jongerius

Hella Jongerius’s research on colours, materials, and textures is never complete. All her questions are open-ended, and all her answers provisional, taking the form of finished and semi-finished products. These are part of a never-ending process, and the same is essentially true of all Jongeriuslab designs: they possess the power of the final stage, while also communicating that they are part of something greater, with both a past and an uncertain future. The unfinished, the provisional, the possible – they hide in the attention for imperfections, traces of the creation process, and the revealed potential of materials and techniques. Through this working method, Jongerius not only celebrates the value of the process, but also engages the viewer, the user, in her investigation.

www.jongeriuslab.com

KAIROS 6 – OBJECT 6

Mischer Traxler:
data and experience:
Reoccurring themes in our projects are: nature, questioning production processes or the urge to explore where things come from – their materiality and origin.
Nevertheless, for the topic of “Kairos” we decided to pick two of our projects and their resulting points of interest that pushed the studio in directions, we did not necessarily expect beforehand. The projects are “realLimited” and “ephemera” – the first deals strongly about making data tangible and thus graspable, whilst the second one set the start for us to explore the field of interaction and experiential design. Both topics deal about concepts and use the resulting designed objects as tools for communication.

Object to bring with you that fits to our Kairos:
a measuring cup

ON MISCHER’TRAXLER

Katharina Mischer, Thomas Traxler and their team form mischer‘traxler studio. Based in Vienna they develop and design products, furniture, installations and more, with a focus on experiments, context and conceptual thinking. Balancing between handcraft and technology, the studio envisions whole systems, new production methods and kinetic or interactive installations that question topics, tell stories or open up new ways of doing things. Projects by mischer’traxler are often playing with uniqueness, form poetic records of their own production or interact with the viewer toevoke unexpected reactions.

Their works have been displayed in numerous museums and at international festivals and fairs and are to be found in the permanent collections of the MAK Vienna, the Art institute Chicago, the Vitra Design Museum and the British Design Council, among others. Their projects have won several awards, while as a studio, mischer’traxler was honoured with the ‘Designer of the future award’ by Design Miami/Basel and W-hotels in 2011 in 2014 with the ‘Young talent award’ by the Be-open foundation and recently with the Swarovski Design Medal 2016 by Swarovski and the Vienna Design Week. Recently they co-curated and designed the permanent exhibition MAK Design Lab at the MAK Vienna, which opened in May 2019.mischer’traxler frequently give talks about their work and conduct workshops in various Universities and Institutions.

www.mischertraxler.com
instagram: mischertraxler.studio

KAIROS 6: a talk with a Measuring cup – 26 participants

mischer’traxler // Kairos

Katharina Mischer und Thomas Traxler, die gemeinsam ein Designstudio in Wien betreiben, und mit verschiedenen Projekten weltweit ausgestellt wurden, sprechen mit ihren Installationen meist das Thema Umweltschutz an, machen dort auf Missstände aufmerksam und fördern mit einem Teil des Gewinns die Lösung des angesprochenen Umweltproblems.

Das Gespräch begann zunächst sehr interessant, unser mitgebrachtes Objekt war ein Messbecher, der vertretend dafür stand, dass Mischer’Traxler in ihrer Arbeit wichtig ist, Daten und Zahlen greifbar zu machen. Der Kairos sozusagen, bei dem Informationen in ein Erlebnis umgewandelt werden, dadurch weniger abstrakt werden und somit das Bewusstsein schärfen. Die Daten helfen ihnen auch bei der Formgebung der Objekte, was den Gestaltungsprozess auf eine hilfreiche Weise Einschränkt bzw. genaue Vorgaben macht.
Wir redeten auch darüber, dass es trotz der Intention etwas zu bewegen, immer wieder auch Kunden gibt, die das Produkt einfach nur „hübsch“ finden und die tiefere Bedeutung dahinter ignorieren. Das ist zwar zunächst enttäuschend, aber da die betreffenden Umweltprojekte durch die Einnahmen finanziert werden, leichter zu akzeptieren.

Die Zusammenarbeit mit ihren Mitarbeitern beschrieben sie auch als sehr offen. Jede Idee soll und darf auf den Tisch, keine Scham vor Kritik, und ein ständiges hin und her. Ausserdem betonten sie die Notwendigkeit, sich bewusst zu machen, wie man im Gestaltungsprozess Fragen stellt. Je nach Formulierung kann man das Ergebnis recht genau voraussagen, oder einen ganz unvorhersehbaren Dialog öffnen.

Sehr irritierend war es für mich, in der Fragerunde am Ende des Gesprächs, ihre Antworten auf die Frage nach sozialer Gerechtigkeit, Rassismus und ihren Ideen nach den Möglichkeiten, sich als Designer engagieren zu hören. Aus dem Publikum kam die Frage, wie sie sich auf die aktuelle Protestbewegung in den USA und Weltweit, auf das Thema Black Lives Matter beziehen und welche Optionen sie als Designer sehen, hier einen Beitrag leisten zu können, und man sich als Designer für mehr Diversität einsetzen könne. Zuerst kam als Antwort, dass Ihnen das Thema nicht so sehr bewusst war, ihnen in der sog. „Bubble“ in der sie sich bewegen, so viel Diversität herrscht, dass sie das Problem nicht wirklich erkennen können. (Später habe ich auf ihrer Internetseite alle bisherigen Mitarbeiter gegoogelt und ein komplett weißes bzw. weiß gelesenes Team entdeckt.)

Ich möchte nicht sagen, dass sich jeder verpflichtet fühlen muss, sich für Themen zu engagieren, für die man kein Interesse hat. Ich habe jedoch gerade im künstlerisch-kritischen Kontext erwartet und mir gewünscht, dass ein Bewusstsein für die Thematik da sein würde, dass es eine bewusste Einstellungspolitik im Studio gibt, vielleicht sogar einen Inclusion Rider für die Zusammenarbeit mit Ausstellungsstätten oder zumindest ein Bewusstsein dafür, dass soziale Ungerechtigkeit und Umweltprobleme (was ja eines der Hauptanliegen von mischer’traxler ist) strukturell vernetze Themen sind.

Was jedoch als Antwort kam, war leider sehr enttäuschend, nicht nur weil es wie schon gesagt am Bewusstsein für die Thematik fehlte, sondern weil auch mit (meiner Meinung nach) absurden Argumenten versucht wurde, das Problem klein zu reden oder abzuwenden. Beispielsweise haben sie sich bewusst dagegen entschieden am Blackout Tuesday kein schwarzes Viereck zu posten, da sie sich mehr sorgen um die CO2 Bilanz eines einzelnen Instagram Posts sorgen (man bedenke dass wir in einem online Meeting steckten), oder beschrieben ihr Team als schon unheimlich divers, da sie auch homosexuelle Mitarbeiter haben. Wenn man sich nicht engagiert und in der Öffentlichkeit steht, kann man doch zugeben, dass man das Thema bislang ignoriert hat oder es für einen keine Bedeutung hat. Was zwar schade, aber immerhin ehrlich ist. Was aber danach kam an Argumenten, war der Versuch sich herauszureden, leider hinterließen diese Momente den bleibendsten Eindruck des ganzen Interviews.

Ich hoffe, dass diese Zusammenfassung dazu dient, sich der eigenen Verantwortung bewusst zu werden, die man hat, vor allem wenn man in der Öffentlichkeit steht. Aber auch diese Kritik anzunehmen und sich als Studio zu erlauben, zuzugeben dass man gerade erst anfängt dies zu realisieren. Sich nicht zu engagieren bedeutet eben auch, den Status Quo aufrecht zu erhalten und somit indirekt einen Beitrag zu leisten. Und gerade im Hinblick auf den Status Quo von Diversität im Design ist das Problem meiner Meinung nach nicht zu übersehen. Eben weil wir als Designer oft nicht nur das Endergebnis im Blick haben, sondern ganze Prozesse und Strukturen mit gestalten, und somit dafür verantwortlich sind, welche Nutzer und Hersteller mitgedacht werden und wer ausgeschlossen wird, hoffe ich dass es bald mehr Engagement gibt, diese Missstände zu ändern.

Dominique Bertisch

KAIROS 2 – Object 2

Julia’s Kairos has to do with two letters that you can read HERE (a letter from Mendini) and HERE (a letter to Mendini)

Julia is Bending the rules and proposes that everyone brings 2 objects: a packet of crisps and an object of animal origin

Seaweed Pavilion Davos

Antonia

ON JULIA LOHMANN

German-born designer and researcher Julia Lohmann investigates and critiques the ethical and material value systems underpinning our relationship with flora and fauna.
She is Professor of Contemporary Design at Aalto University, Finland, and directs her eponymous Helsinki-based design practice.

Julia studied at the Royal College of Art, where she has also taught and completed an AHRC-funded collaborative PhD scholarship between the RCA and the Victoria & Albert Museum. As designer in residence at the V&A in 2013, she established the Department of Seaweed, a transdisciplinary community of practice exploring the marine organisms‘ potential as a design material.

Julia Lohmann’s work is part of major public and private collections worldwide and has received awards, bursaries and support from the Esmée Fairbairn Foundation, the British Council, Jerwood Contemporary Makers, D&AD, Stanley Picker Gallery, the Arts Foundation, Wellcome Trust and Cooper Hewitt Smithsonian Design Museum.

www.julialohmann.co.uk
Julia at Aalto University
If you like you can read Julia’s PhD

Zusammenfassung

Julia Lohmann // Kairos

Die Designerin hat uns einen spannenden Einblick in ihre Projekte, Schlüsselpunkte ihrer Karriere und vor allem in ihre Denk- und Arbeitsweise im Entwurf gegeben.

Ursprünglich aus dem Bereich Grafikdesign, hat sich Julia Lohmann mit Ihren Projekten zwischen Kunst (, Forschung) und Design angesiedelt, fast immer mit starker politischer Aussagekraft. Sie hat in London studiert und gelehrt, unterrichtet und forscht mittlerweile in Helsinki an der Aalto University.

Über ihren Kairos mit Mendini, der sich in einem öffentlichen Brief über ihre Arbeit echauffierte, (sie hat eine Bank ausgestellt, in der abstrahierten Form eines ausgeweideten Kalbskadavers) sagte sie, dass ihr in dem Augenblick bewusst wurde wie wichtig es ist das Objekt entschlüsseln zu können. Sie hatte mit dem Objektversucht, den Moment darzustellen wann der Körper eines Kalbs zur hohlen Form wird, an welcher Stelle im Prozess der Schlachtung die Empathie schwindet. Dies war für sie nicht beim eintritt des Todes des Tieres, denn auch für den Leblosen Tierkörper hat man noch Mitgefühl. Es war für sie an dem Punkt, an dem das Tier ausgenommen war und nur noch die äußere Form hatte. Diese Form hat sie dann übertragen, was Mendini so sehr aufbrachte, dass er den offenen Brief schrieb.
Dadurch erkannte sie, dass sie sich bevorzugt als Designerin sehen möchte. Denn Kunst kann oft als „verrückt“ oder „abstrakt“ abgetan werden, was bedeutet dass sie nicht immer verstanden werden muss, während man mit Design in das Leben der Leute einwirkt. Idealerweise erreicht man möglichst viele Leute auf individuelle Art und Weise mit den Objekten. Aber durch den Moment mit Mendini hat sie für sich erkannt dass man den Menschen manchmal die Dinge doch erklären muss um ihnen den Zugang leichter zu machen.

In einer anderen Arbeit, ein Pavillon aus Meeresalgen, der beim World Economic Forum (WEF) ausgestellt wurde, bot sie einen Workshop für die Teilnehmer an, die dort Broschen aus Meeresalgen herstellen konnten. Ein Schlüsselmoment war für sie, dass die Teilnehmer, die den Pavillon besuchten, miteinander ins Gespräch kamen, auf eine viel unbefangenere Art als während der Konferenz. Sie hatte somit also als Designerin viel mehr Einfluss und Menschen stärker erreicht und untereinander zusammen gebracht als man es vom Produkt her alleine annehmen würde.

Entwürfe beginnen bei ihr meistens mit Fragestellungen. Wenn sie eine interessante Beobachtung macht, überlegt sie, wieso sie so empfindet und denkt, und ob dies tatsächlich ihre eigenen Empfindungen sind oder ob das von der Gesellschaft geprägte Sichtweisen sind. Wäre sie vor die Aufgabe gestellt einen Bürostuhl zu entwerfen, auf dem man 10 Stunden arbeiten kann ohne Rückenschmerzen zu bekommen, würde sie sich erstmal fragen wieso jemand 10 Stunden sitzen sollte und ob man das wirklich will?

Das mitgebrachte Objekt waren bei ihr eine Tüte Chips, hierzu gibt es auch eine Kairos Geschichte: Ihr erster Auftrag als Grafikdesignerin, der Kunde war ein Chipshersteller , hielt ihr eine Tüte Chips hin und sagte: „Wir wissen, dass hier jedes Kind pro Tag zwei Tüten Chips isst. Wir wissen aber auch, dass jedes US-Amerikanische Kind pro Tag 4 Tüten Chips isst. Dort wollen wir hin und das ist deine Aufgabe.“ In dem Moment wurde ihr klar, dass sie diese Aufgabe nicht möchte.

Ein Projekt, an denen Julia Lohmann gerade arbeitet sind Biocolors, ein Forschungsprojekt, das sich mit nachhaltigen wegen zum Einfärben beschäftigt und auch mit der Frage was mit den Farbstoffen bei der Rückführung bzw nach dem Lebenszyklus des Produkts passiert.
Insgesamt war der Talk sehr spannend, da Julia Lohmann die Projekte aus so vielen verschiedenen Blickwinkeln betrachtet und analysiert, was sehr aufschlussreich, inspirierend und motivierend ist.

Dominique Bertisch

KAIROS 1 – OBJECT 1

Nitzan Cohen:
The object I would like everyone to bring has one specific function, few typologies and very many growing individual interpretations.
It is what has surely by now become the symbol of our current dystopian reality. An object which became a necessity, in many parts of the world it is prohibited not to use it, and otherwise is simply a symbol for good citizenship and solidarity. It seems to anonymise, alienate and divide us, as much as it is a sign for keeping safe and united:
your breathing mask.

Friction Lab Shield (MANUAL)

ON NITZAN COHEN

Nitzan Cohen is a designer, educator and art director.
After several years as a designer at Konstantin Grcic Industrial Design, and earlier graduating from the design academy in Eindhoven; Nitzan Cohen established his own multi-disciplinary design studio.

Combining design work with design research and design education, Cohen held a chair for Industrial and System Design at the HBK Saarbrücken and a guest professorship at the Master program for Space and Communication at the HEAD in Geneva. Cohen currently is a professor for product design and the Dean of the Faculty of Design and Art, at the Free University of Bolzano (unibz).

In Bolzano Cohen has founded the ‘Design F(r)iction Lab’ an interdisciplinary Research and Design Lab looking for innovative sustainable solutions for an industrial and societal transformation. The Lab is currently active in the fields of growing materials and growing design, the future of open source production, Nano Electronics and sustainable Printed Electronics, as well as the integration of traditional crafts with new techniques, materials and technology.

Cohen won several international design awards and his designs and art-direction works are part of the most renowned design collections worldwide. Amongst which: the CNAP (Centre national arts plastiques) – French National Centre for Visual Arts; ‚Die Neue Sammlung’ – The international design Museum, Munich.

Very general overview of just one of the projects currently under development at the ‘Design F(r)iction Lab’

www.nitzan-cohen.com

Zusammenfassung 

Nitzan Cohen // Kairos 1

Die Einführungsveranstaltung war spannend, es ging um viele verschiedene persönliche sowie aktuelle Themen und Sichtweisen auf die Krise, örtliche Unterschiede und Gestaltungsansätze, beispielsweise wie seine Universität in Bozen mit dem Lockdown umgeht.

Nitzan berichtete, dass sein erster Kairos im Studium war, als er verstand wie wichtig es für ihn ist keine Kompromisse einzugehen. Er versucht seinen seine Entwürfe so unabhängig vom Kontext und Einflüssen wie möglich zu machen. Also keine Abstriche zu machen wenn es um seinen Entwurf geht, damit das Ergebnis so Original, Originell wird und so frei aus ihm heraus entfaltet ist, wie möglich. Weitere Kairos hatte er beim lesen von „Zen und die Kunst ein Motorrad zu warten“ von Robert M. Pirsig (1974) und in seinem Praktikum bei Konstantin Grcic.

Die Beobachtung die er gerade in der CoVid19- Krise macht, ist dass die Großstädte, die sonst als frei und voller Möglichkeiten gelten, durch die geschlossenen Institutionen und den beschränkten Raum, den Kleinstädten und Dörfern jetzt nichts mehr voraus haben. Im Gegenteil, die Provinzen sind jetzt der Ort an dem man die meiste Freiheit hat und der Alltag sich am wenigsten verändert, also die Freiheit im Vergleich am ehesten erhalten blieb.

Spannend waren auch die Gedanken und Gespräche, die sich über Zwischenfragen ergaben, wir kamen auf den Ort Bozen zu sprechen, wo Nitzan unterrichtet, und er erzählte von den Spannungen, die in dem verhältnismäßig kleinen Ort herrschen, und über die Vor- und Nachteile, die es hat, als Zugezogener in diese Dynamik der Zweiseitigkeit zu kommen, ohne einer Seite anzugehören. Zum einen hat man mit den einzelnen Gruppen keine Probleme weil man nicht zum anderen Lager gehört, andererseits gehört man auch nirgends richtig dazu.

Auch interessant waren die Infos über die Co-Produktion von Cellulose und Combucha, die in der Apfelwirtschaft entstehen, und die man dann direkt vor Ort Produzieren und weiterverwerten kann. Dies ist ein Beispiel, das sich viele Produktionsorte zum Vorbild nehmen könnten; die lokale Produktion effektiv Nutzen und Regional verarbeiten..

Der Campus Bozen, der während des Shutdown noch mitten im Semester war, schaffte es, alle Kurse innerhalb einer Woche auf online umzustellen. Seitdem geben die Studierenden ihre Entwürfe/Anleitungen bei den Werkstattleitern ab, die noch in die Werkstätten dürfen, und haben somit eine neue, berufsrelevante Erfahrung mehr, die der Produktionsaufträge.

Die Onlineseminare laufen gut, Nitzan berichtete von einer überdurchschnittlichen Pünktlichkeit und Aufmerksamkeit seitens der Studierenden.

Auf die Abschließende Frage wie es jetzt nach Corona weiter ginge, aber mit den Prinzipien der Kompromisslosigkeit, sagte er, wir, als Produktdesigner, müssen jetzt Verantwortung übernehmen (für unser Handeln, unsere Produktion aber auch für die Mitmenschen und ihre Bedürfnisse), und wir müsse darauf achten dass im Dialog Gemeinsamkeiten entstehen, aber mit der größtmöglichen Diversität, sodass wir möglichst viele Menschen erreichen und niemanden benachteiligen.

Dominique Bertisch