Nach einer experimentellen Phase, war das Ziel des Projektes lange die Exponate mit Hilfe von Augmented Reality aus dem Museum herauszuholen. 3D gescannte Exponate sollten im Stadtraum verteilt werden und ihre Geschichten erzählen um UserInnen einen spielerischen Umgang mit Ihnen zu ermöglichen. 

Basierend auf den Reaktionen meiner KommilitonInnen zu dem Trailer Video dieser Projektidee wurde mir klar, dass “Bewegtbild” vor allem mit starkem Bildmaterial einen bleibenden Eindruck hinterlässt.
Die Konsequenz: Ich entschloss mich dazu ein Musik Video Im Kunstgewerbemuseum Berlin drehen zu wollen, da dies damals ein realistischeres bzw. Umsetzbareres Ziel war in der Zeit und mit den Mitteln die mir zustanden.

Ich möchte die toten Räume des Museums nutzen und durch meine Körperlichkeit zum Leben erwecken. Der Wunsch und Traum ist es den Raum durch die Musik zu beleben. Gleichermaßen ein Musikstück durch den Raum zum Leben erwecken.
Ich will die Objekte in neue Kontexte setzen mit Hilfe eines spielerischen Umgangs durch Improvisation und Choreographie Geschichten und Zusammenhänge neu konzeptualisieren und erzählen, sowie es das Museum selbst tut.
Der bisher entstandene Film trägt den Titel “Ein Teil fehlt”.
Ich löse die Objekt Mensch Beziehung auf und mache mich darin langsam selbst zum Objekt. 

Ausgangspunkt meiner Arbeit ist und bleibt der Raum im Museum, denn so wie das Museum selbst Artefakte unterschiedlichster Epochen verbindet, möchte ich durch die Verbindung unterschiedlichster Disziplinen: Musik, Tanz, Film und Animation einen Raum erschaffen, indem nicht nur der Zuschauer kurzweilig in eine andere Welt entführt wird, auch die Objekte selbst werden verzaubert, kriegen selbst eine Stimme, dürfen Leben, wenn auch nur für den Moment. 

Das AR App Projekt verfolge ich nach wie vor weiter, jedoch aktuell ausschließlich innerhalb meines Musik Projektes. Die App ist aktuell über die Konzeptionsphase hinausgewachsen, wird in einem kleinen Team realisiert und hoffentlich bald auf den Markt kommen.

After an experimental phase, the goal of the project was to bring the exhibits out of the museum with the help of augmented reality. 3D scanned exhibits should be distributed in the urban space and tell their stories to enable users to interact with them in a playful way. 

Based on the reactions of my fellow students to the trailer video of this project idea, it became clear to me that „moving images“ leave a lasting impression, especially with strong visuals.
The consequence: I decided to shoot a music video in the Kunstgewerbemuseum Berlin, because this was a more realistic and realizable aim in the time and with the means I had.
I would like to use the dead spaces of the museum and bring them to life through my corporeality. The desire and dream is to enliven the space through music. Similarly, to bring a piece of music to life through the space.
I want to put the objects in new contexts using a playful approach through improvisation and choreography to reconceptualize and retell stories and contexts as the museum itself does.
The film created so far is titled „A Part is Missing.“ in which I dissolve the object-human relationship and slowly become an object within it. 

The starting point of my work is and remains the space in the museum, because just as the museum itself connects artifacts from different eras, I would like to create a space by combining the most diverse disciplines: music, dance, film and animation, in which not only the viewer is transported entertainingly into another world, but also the objects themselves are enchanted, get a voice themselves, are allowed to live, even if only for the moment. 

I am still pursuing the AR App project, but currently exclusively within my music project. The app is currently growing past the conception phase, is being realized in a small team and will hopefully soon be launched on the market.

Ausgangspunkt dieser Semesterarbeit sind die im KGM-Berlin ausgestellten Nautilus Pokale, welche gegen Mitte bis ende des 16. Jahrhunderts in den westeuropäischen Küstenregionen gefertigt wurden.  Für die Goldschmiede waren die meist aus Asien stammenden Nautilusschalen beliebte Objekte, an welchen sie all ihre Fertigkeiten und die Finesse ihres Handwerks demonstrieren konnten. Für die hochrangigen Adelsmänner welche diese Nautilus Pokale erwarben oder geschenkt bekamen, waren diese Gegenstände mehr ein Prestigeobjekt als ein Nutzgegenstand, welche ihren sozialen Status und Macht demonstrieren sollten. Zur späten Renaissance Zeit wurde der Nautilus Pokal ein beliebtes Motiv in der Kunst der Vanitas Stillleben und zum Symbol der Vergänglichkeit allen Reichtums und der Eitelkeit. Die Intention des  „Vanitas Pokal“ ist es, die Bedeutung des Nautilus Pokals in der Kunst und des Handwerks in eine Zeitgemäße Abstraktion zu bringen. Mit dem von Vorurteilen befreiten weißem Blatt Papier soll der Focus auf den Pokal an sich gesetzt werden, möglichst befreit von jeglicher Ornamentik und Symbolismus. Die Bearbeitung des Papiers in seiner filigranen Zerbrechlichkeit gleicht dem Handwerk eines Goldschmiedes und das Material an sich ist sehr Anfällig für jede Art von Verwitterung und damit auch für Vergänglichkeit. Mit der Handlung das von mir erarbeitete Objekt zu entzünden und verbrennen zu lassen, wollte ich nicht nur den Aspekt der Vergänglichkeit unterstreichen, sondern die Schönheit des Moments möglichst in den Fokus setzen und zelebrieren. 

The starting point for this project were the nautilus goblets exhibited in the KGM-Berlin, which were produced in the mid to late 16th century in the coastal regions of Western Europe. For the goldsmiths, the nautilus goblets, which were mostly imported from Asia, were popular objects on which they could demonstrate all their skills and finesse of their craft. For the noblemen who purchased or were given these goblets, they were more an object of prestige than of utility, intended to demonstrate their social status and power. In the late Renaissance period, the nautilus cup became a popular motif in vanitas still life art and a symbol of the transience of all wealth and vanity. The intention of the „Vanitas Cup“ is to transfer the meaning of the nautilus goblet in arts and crafts into a contemporary abstraction. With the white sheet of paper, freed from prejudices, the focus is to be placed on the goblet itself, freed as far as possible from any ornamentation and symbolism. The processing of the paper in its fragility resembles the craft of a goldsmith and the material itself is very susceptible for any kind of weathering and thus also for transience. With the act of setting the object I created on fire and watching it burn down, not only did I mean to emphasize the aspect of transience, but also to focus on and celebrate the beauty of the moment as much as possible. 

KGM3D ist eine Anwendung, also eine App, die die Techniken des 3d Scans und der Augmented Reality nutzt, um die Objekte und das Wissen des Kunstgewerbemuseums für viele Menschen erfahrbar zu machen. Man kann das Projekt auch als einen Vorschlag für eine zeitgenössische Ausstellungsmethode verstehen. Das Museum soll auf den öffentlichen Raum ausgeweitet und mit der Stadt verwoben werden. Sammlungsobjekte sollen ihre Vitrinen verlassen und sichtbar werden. Zu dem Konzept gehört eine Plakat Kampagne, die die 2D Bilder der Objekte bereits im Stadtbild verteilt. Mit dem QR-Code darauf erhalten die Nutzenden Zugriff zu den 3D Kopien der Objekte. 3D Objekte werden ebenfalls in der Stadt auf Standorte platziert und können  mit der App, in einer augmented reality von anderen Nutzenden besucht und betrachtet werden. So entsteht ein Netzwerk, der Objekte auf der Landkarte, wie auch unter den Nutzenden der App. Die App ist interaktiv. Benutzer*innen werden angeregt aktiv und kreativ zu werden denn das öffentliche Museum entsteht und wächst, durch das Mitmachen von Vielen. Benutzer*innen werden aus ihrer passiven Rolle der Museumsbesuchenden zu Mitgestaltenden erhoben. Außerdem werden Nutzende dazu aufgefordert Geschichten zu ihren eigens erstellten Neu-kontextualisierungen der Objekte zu verfassen und im feed miteinander zu besprechen. KGM3D soll gleichzeitig Fragen zur Relevanz der Museums-Bewahrungskultur, und zur Relevanz und Nutzung zeitgenössischer Medien provozieren. Es sollen Kontexte und Bilder entstehen, die zeitgenössische Fragen, Themen und Diskussionen anregen. Außerdem sollen Objekte auch mit ihren tatsächlichen, geschichtlichen Standorten verknüpft und nicht-fiktive Kontexte erzählt werden. Sodass man zwischen den Ebenen wechseln kann und auch hier eine Parallelität und ein Vergleich stattfindet.

KGM3D is an app that uses the techniques of 3d scanning and augmented reality to make the objects and knowledge of the Kunstgewerbemuseum Berlin experienceable for people. The project can also be seen as a proposal for a contemporary exhibition design. The museum will be extended to the public space and interwoven with the city. The objects of the collection will leave their showcases and become visible. The concept includes a poster campaign that spreads and displays 2D images of the objects in the cityscape. With the QR code on it, users can access 3D copies of the objects. The 3D objects are also placed on locations around the city and can be visited and viewed by other users in augmented reality using the app. This creates a network of objects on the map and among the users of the app. The app is interactive. Users are encouraged to become active and creative, because the public museum emerges and grows through the participation of many. Users are elevated from their passive role of museum visitors to co-creators. Furthermore, users are invited to write stories about their own re-contextualizations of the objects and to discuss them with each other in the feed. KGM3D is intended to provoke questions about the relevance of museum preservation and exhibition culture, as well as the relevance and use of contemporary media. Contexts and images are to be created that stimulate contemporary questions, issues, and discussions. In addition, objects should also be linked to their actual, historical locations, and non-fictional contexts should be narrated. So that it is possible to switch between the levels, parallelism and comparison are possible here as well.

Der DigitalPokal bezieht sich auf einen aus Elfenbein gedrechselten Pokal aus dem 17. Jahrhundert, welcher lediglich zur Demonstration der mechanischen und technischen Herstellungsverfahren zu dieser Zeit diente. Um diese Analogie in meinem Werk ausdrücken zu können habe ich mich intensiv mit Demonstrationen technischer Herstellungsverfahren in der heutigen Zeit beschäftigt, mit dem Ziel diese in mein Neobiont zu integrieren. Das wohl für unsere Zeit bedeutendste, neu entwickelte Herstellungsverfahren stellt eindeutig der 3D Druck und dessen Ökosystem des Modellieren und Entwerfen in einer digitalen Welt dar, was uns eine Vielzahl an neuen Möglichkeiten zur Konstruktion von vorher unmöglich herstellbaren Strukturen bietet. Genau diese Beziehung, zwischen digitaler Entwurfswelt, in der wir unserer Fantasie und Gedanken komplett freien Lauf lassen können, und dem 3D Drucker, der versucht diese zu interpretieren und in die Wirklichkeit zu bringen, ist die Grundlage meiner Auseinandersetzung in dieser Arbeit. Zudem wollte ich die aktuelle Situation der Pandemie ebenfalls mit dem Bezug zu den Technischen Erfindungen die uns dadurch nun täglich begleiten und den Alltag momentan überhaupt ermöglichen in das Projekt einfließen lassen. Aus diesem Grund findet man alle technischen Helfer die man im Homeoffice benötigt integriert in den Pokal. Die aus dem Boden kommenden Kabel stellen dabei die Gebundenheit sowohl ans eigene Zuhause als auch der unausweichliche Druck der zu schaffenden Arbeit dar. Somit ist der Pokal selbst die Verkörperung eines modernen Menschen der sich Zuhause in Quarantäne befindet.

The DigitalPokal refers to an ivory turned cup from the 17th century, which served only to demonstrate the mechanical and technical manufacturing processes at that time. To express this analogy in my work, I have dealt intensively with demonstrations of technical manufacturing processes in modern times, intending to integrate them into my Neobiont. Probably the most significant newly developed manufacturing process for our time is 3D printing and its ecosystem of modeling and designing in a digital world, which offers us a multitude of new possibilities for the construction of previously impossible structures. This relationship between the digital design world and the 3D printer is the basis of my argument for this work.
Furthermore, I wanted to incorporate the current situation of the pandemic with regard to technical inventions that now accompany us in our daily lives into the project. For this reason, you will find all the technical helpers that you need in the home office integrated into the cup. The cables coming out of the floor represent the connection to one’s own home as well as the inevitable pressure of the work ahead.
Thus, the cup itself is the embodiment of a modern man who is at home in quarantine.

Neo[n] Mary setzt sich mit der Repräsentation der Frau in der sakralen Kunst auseinander. Das Christentum ist, wie die meisten Religionen der Gegenwart, weitgehend androzentrisch geprägt und hat darüber hinaus die männliche Dominanz in der Gesellschaft religiös legitimiert. Über die Jahrhunderte wurden starke Frauenfiguren systematisch aus der Bibel gestrichen. Mögliche Identifikationsfiguren beschränken sich auf die heilige, unbefleckte, folg- und schweigsame Maria, die Mutter Gottes oder die böse, sündige Eva, die den „unschuldigen Mann“ verführte und so die Verbannung aus dem ewigen Paradies provozierte. Die Misogynie der Bibel findet vor allem in der Kunst ihren Ausdruck. Maria wird stark auf ihre Mutterrolle reduziert und meist in einer zurückhaltenden devoten Körperhaltung präsentiert, den Blick zur Seite oder zu Boden gerichtet – passiv. Diese Bilder haben sich in unserem kollektiven Gedächtnis manifestiert und werden kaum hinterfragt. Neo[n] Mary transformiert die mittelalterlichen Glasgemälde des Kunstgewerbemuseums in die Gegenwart und löst sie vom Bild der devoten und fügigen Frau. Die Lichtobjekte aus geschichteten Acrylglaselementen zeigen Maria in einer starken und autonomen Rolle – eine laute und poppige Antwort auf Jahrhunderte der Unterdrückung, des Schweigens und stillen Betens.

Neo[n] Mary deals with the representation of women in the sacral art. Like most of the present religions, Christianity is mainly men centred and has religiously legitimized male dominance in society. Over the centuries, strong female figures have been erased systematically from the Bible. Possible identification figures are limited to the holy, immaculate, obedient, and silent Mary, the mother of God, or the evil, sinful Eve, who seduced the “innocent man” and thus provoked banishment from eternal paradise. The misogyny of the Bible finds expression above all in art. Mary is strongly reduced to her role as a mother and is usually presented in a reserved submissive posture, her gaze turned to the side or to the ground – passive. These images have manifested themselves in our collective memory and are hardly questioned. Neo[n] Mary transforms the medieval glass paintings of the Kunstgewerbemuseum Berlin to the present, detaching them from the image of the submissive and compliant woman. The light objects made of layered acrylic glass elements show Mary in a strong and autonomous role – a loud and poppy response to centuries of oppression, silence, and silent prayer.

Fokus dieser Semesterarbeit und der Zusammenarbeit mit dem Kunstgewerbemuseum Berlin, sind die dort ausgestellten Porzellanfigurengruppen der Firma Meißen.

Gestaltet und produziert im 18. Jahrhundert, spiegeln sie naturgemäß die Welt- und Wertedarstellung der damaligen Zeit wieder.

Sie positionieren die wohlhabenden, aristokratischen, weißen, heterosexuellen Charaktere im Zentrum des Modells und auch der damit portraitierten Welt.

So werden Hierarchien klar aufgezeigt, es wird exkludiert, verschwiegen und falsch gezeichnet, schwarze Personen grotesk dargestellt und einer perfiden Rolle zugeschrieben.

Nun ist eine solche künstlerische Darstellung der Weltgefüge im und aus dem 18. Jahrhundert leider nicht weiter verwunderlich, jedoch wird diese im KGM nur sehr oberflächlich inszeniert und präsentiert.

Die Figuren gehen im Meer der anderen Objekte unter, eine Auseinandersetzung mit ihrer Form und dem transzendierten Gedankengut ihrer Schöpfer*innen und der Gesellschaft des ausgehenden 18. Jahrhunderts kann nur bei sehr genauer Beobachtung oder einer trivialen intellektuellen Unterfütterung durch eine gebuchte Tour durch das Museum geschehen.

Genau hier möchte ,PRINT YOURSELF IN GLORY‘ wirken, gegenüberstellen, an den Betrachtenden rütteln, kontextualisieren und durch ein modernes, figuratives 3D gedrucktes Pendant Brücken schlagen.

Ich möchte eine direkte, physische Korrelation zwischen einer antiquierten Darstellung des menschlichen Lebens, einer alten Handwerkskunst und dessen modernem Pendant generieren.

Durch die direkte Gegenüberstellung der museualen Objekte (Figurengruppen von Meißen) und meinen Plastiken sollen klare, subtile Hinweise zu einer Auseinandersetzung mit sozialer Gerechtigkeit, Darstellung von Minoritäten und Hierarchien gegeben werden. Der oder die Empfänger*in kann durch die wechselhafte Betrachtung Perspektiven gewinnen.

Die im SLS Verfahren hergestellten Polyamidfiguren sind einfach ineinander steckbar, lassen sich unterschiedlich kombinieren und bieten so eine verspielte Möglichkeit der Selbstinszenierung und einer temporären räumlichen Konservierung dieser.

The focus of this semesters project and the collaboration with the Kunstgewerbemuseum Berlin are the porcelain figurine groups of the Meissen company exhibited there.

Designed and produced in the 18th century, they naturally reflect the conception of the world and representation of value of the time back then.

They position the wealthy, aristocratic, white, heterosexual characters at the center of the model and also of the world portrayed with them.

Thus, hierarchies are clearly shown, exclusion, concealment and misrepresentation prominently displayed, black people grotesquely portrayed and attributed to a perfidious role.

Now, such an artistic representation of the world structures in and from the 18th century is unfortunately not surprising, but in the KGM it is staged and presented only very superficially.

The figures are lost in the sea of other objects, an examination of their form and the transcendent thought of their creators and the society of the late 18th century can only happen with very close observation or a trivial intellectual underpinning through a booked tour of the museum.

This is exactly where ,PRINT YOURSELF IN GLORY‘ wants to act, to juxtapose, to jolt the viewer, to contextualize, and to build bridges through a modern, figurative 3D printed counterpart.

I want to generate a direct, physical correlation between an antiquated representation of human life, an ancient craft, and its modern counterpart.

Through the direct juxtaposition of the figural groups from Meissen and my sculptures, clear, subtle references to an examination of social justice, representation of minorities, and hierarchies are intended. The recipient can gain perspectives through the changing observation.

The polyamide figures, produced in the SLS process, can be easily inserted into each other, can be combined in different ways and thus offer a playful possibility of self-dramatization and a temporary spatial conservation of these.

…ist ein ironischer Kommentar zu einer Kultur in der Selfcare & Selbstoptimierung als Ersatzreligion fungieren.

Der Glaube an Gott wurde bei vielen Menschen mit dem Glauben an sich selbst abgelöst. Es geht um die ständige Optimierung des eigenen Körpers und des eigenen Geistes. Der verständliche und auch wichtige Ansatz der „Selfcare“ wird in extremen Ausmaßen betrieben. Durch die Verbesserung in allen Lebensbereichen, sei es Schlaf, Arbeit oder Freizeit erhofft man sich ein besseres und ausgefüllteres Leben. Auf der Suche nach der eigenen Perfektion, die massiv von kapitalistischen Interessen befeuert wird, kann man jedoch leicht den Blick für das andere und die anderen verlieren. Zudem kann das konstante vor Augen führen der eigenen Unzulänglichkeiten das Gegenteil von einem zufriedenen Leben bewirken.

In dem animierten Film werden modifizierte Fitnessgadgets in Szene gesetzt. Der Blick der Zuschauer:innen wird durch einen kirchenähnlichen Säulengang aus Marmor geleitet. An seinem Ende befindet sich ein Altar, auf dem drei transformierte Objekte stehen; eine goldene, juwelenbesetzte Hantel auf einem Ständer, ein goldener Medizinball und ein goldener, juwelenbesetzter Proteinshaker. 

Durch die religiöse Inszenierung werden die Fitnessgeräte zu heiligen Objekten der Anbetung und damit zu ironischen Symbolen für eine Kultur die von der eigenen Optimierung besessen ist.

…is an ironic commentary on a culture in which self-care & self-optimization act as a substitute for religion. 

For many people, the belief in God and religion has been replaced by the faith in themselves. It’s about constant optimization of your own body and mind. 

The understandable and also important approach of „self-care“ is being pursued to an extremely high degree. By improving in all areas of life, be it sleep, work or leisure, one hopes for a better and more fulfilling life. In the search for one’s own perfection, which is massively fueled by capitalistic interests, one can easily lose sight of the people and things around him or her. The constant visualization of one’s own inadequacies can lead to the opposite of a happy, fulfilled life. 

In the animated film modified fitness gadgets are staged in a sacred and glamourous way. The eye of the viewer is guided through the insides of a church-like colonnade made of marble. At the end of it is an altar on which three transformed objects are placed; a gold, jeweled dumbbell on a rack, a gold medicine ball, and a gold, jeweled protein shaker. The religious staging turns the fitness equipment into holy objects of worship and therefore ironic symbols for a culture obsessed with its own optimization.

Ich habe ein figürliches Henkelmodell aus dem 16.Jahrhundert aus dem Kunstgewerbemuseum Berlin entführt und es in das 21. Jahrhundert gebracht.  Nach diversen Transformationsprozessen stellte sich mir die Frage, was mein perfekter Henkel wäre. Dabei ist mir aufgefallen, dass ich schon lange keinem Menschen mehr die Hand geschüttelt habe. Mit Abformungen von unterschiedlichen Gesten meiner Hände, habe ich versucht Menschen Nähe zu schenken. Allerdings war ich immer der Hauptakteur. Ein Henkel bildet eigentlich die Schnittstelle zwischen einem Objekt und einem Menschen. Was passiert aber, wenn er zwei Menschen miteinander verbindet? 

Die neue Umgebung in der sich mein Henkel befindet ist eine Vernissage in Zeiten von Corona. Über eine Distanz von 1,5 Metern müssen Gläser nachgefüllt und Häppchen gebracht werden. Es sind verschiedene Modelle entstanden, um diesen Mindestabstand zu garantieren.

I kidnapped a 16th century figurative handle model from the Kunstgewerbemuseum Berlin and brought it into the 21st century.  After various transformation processes, I asked myself how my perfect handle should look like. Thinking about it, I recognized that I haven’t shaken hands with anybody for long time. With molds of different gestures of my hands, I tried to give people closeness. However, I was always the main actor. The handle actually is the interface between a human being and an object. But what happens when the handle connects two people? 

The new environment in which my handle is located is a vernissage in times of Corona. Over a distance of 1.5 meters glasses must be refilled and appetizers must be served. Various models have been created to guarantee this minimum distance.

Das Sammlung’s Objekt des KGM Berlin welches die Basis für die folgenden Auseinandersetzungen bot war der Kasten mit Meßinstrumenten, indem es mein Bestreben ist diesem eine neue Signifikanz zu geben. Faszinierend ist hierbei die Wechselwirkung zwischen diesen Objekten und der Welt Beziehungsweise deren Nutzen. Das Thema messen wurde damit in Verbindung mit dem Sammlungsobjekt zum Semesterthema und Grundlage für Prototypische Entwürfe die verschiedene Aspekte dieses Themas aufwerfen sollen um diese im weiteren zu vertiefen. Dabei stellte der Modellbau sich in diesem Semester als Grundlage vieler Forschungen heraus.

Das NORMale Maß

Dieser Ansatz stellt den Versuch dar das Sammlungsobjekt in einen Zyklus der Zeit und der damit einhergehenden Entwicklung zu bringen. Die aufkommende Genauigkeit und Präzision der Messinstrumente der damalige Zeit ist Basis für die Entwicklung industrieller Prozesse die im weiteren Maße zur Festlegung von Normen in Prozessen und Erzeugnissen einbettete. Hier entstand nun der Versuch diese aus der Zeit und technischen Entwicklung entstandene Erzeugnisse der Messtechnik wieder auf ihren Ursprung zurück zu führen. 

Der Maßlose Abend

Ein Messinstrumenten Kasten für den Erfolg eines Abends unter Freunden ist im wahrsten sinne des Wortes eine Schnapsidee. Jedoch wirft dieses aus der Modellbau Werkstatt mit Sarah Illenberger entstandene Objekt eine sehr interessante Frage auf. Was ist Messbar und was sollte überhaupt messbar sein? Daher stellt dieses Objekt einen Ausgangspunkt dar für zukünftige Auseinandersetzungen mit dem Thema der physischen Messbarkeit sozialer Interaktionen. 

The collection’s object in the KGM Berlin which provided the basis for the following Projects was the box with measuring instruments. The interaction between these objects and the world and their use is fascinating. The topic measuring in connection with the collection’s object became the semester topic and the basis for prototypical drafts which are supposed to question different aspects of this topic in order to further deepen them in the future. Model making turned out to be the basis for my research this semester.   

The NORMal measure  

This approach represents the attempt to bring the collection’s object into the cycle of time and technical development that springs from it. The increasing accuracy and precision of the measuring instruments of that time is the basis for the development of industrial processes, which were further embedded in the definition of norms in processes and products. Here the attempt was made to bring these products of that strive back to their origins, which had arisen from time and technical development.   

The excessive evening

A measuring tool box for the success of an evening among friends is obviously a quiet excessively sarcastic notion. However, this object that was created in the model making workshop with Sarah Illenberger raises a very interesting question. What is measurable and what should be measurable at all? Therefore, this object represents a starting point for future discussions on the subject of the physical measurability of social interactions.

Ein Zusammenhang auf den ich im Laufe meiner Recherche rund um das Thema Gefäße immer wieder gestoßen bin, war das Thema Leben und Tod. Die Vase symbolisiert den Anfang und das Ende in einer Welt, das Leben und der Tod wird hier in einer Form repräsentiert. Im kunsthistorischen Kontext repräsentiert die Vase zusammen mit anderen sehr symbolträchtigen Elementen, einerseits Reichtum, Luxus und Verschwendung, aber auch die damit verbundene Vergänglichkeit der Dinge bzw. des Lebens. In meinem Ansatz werden die Objekte nicht mehr nur als Symbol für etwas verstanden, sondern werden selbst zum Hauptakteur, die genau diese Lebendigkeit und gleichzeitige Vergänglichkeit verkörpern sollen. Ausgehend von diesen Überlegungen ist eine lebendige und somit auch vergängliche Objektreihe entstanden, die einen Gegenpol zu den perfekt präservierten und statischen Objekten im Kunstgewerbemuseum darstellen soll. Als Mittel der Lebendigkeit wurden Bakterien auf einem Agarnährboden und einer dreidimensionalen Form gezüchtet.

One connection I came across again and again in the course of my research on the subject of vessels was the theme of life and death.  Life and death are represented here in one form of an object. In the context of art history, the vase, together with other very symbolic elements, represents on the one hand wealth and luxury, but also the associated transience of life. In my approach, the objects are no longer understood as a symbol of something, but become the main actor themselves, which are supposed to embody exactly this liveliness and simultaneous transience. Based on these considerations, a living and therefore also transient series of objects were created. This should also be a counterpart to the perfectly preserved and static objects in the  Kunstgewerbemuseum. As a tool for liveliness, bacteria were grown on an agar soil and a three-dimensional form.

Die kleine Vase aus der königlichen Porzellanmanufaktur Berlin, die eingefroren hinter Glas verweilt, wird im Rahmen der Neobionten auf eine Reise in die heutige Welt genommen. Sie wird aus der Stille entführt und mit in die lebendige Welt genommen. Bei ihrem Transport wird sie verschiedenen Einflüssen ausgesetzt, vor der sie normalerweise geschützt ist. Die Vase nimmt jedoch eine Wandlung zwischen dem Museum und der Außenwelt vor und hat sich in ihrer Materialität verändert. Sie besteht nun nicht mehr aus Porzellan, sondern ist aus flexiblem TPU. Die Vase wird durch das Vakuumieren platzsparend und sicher verpackt. Das Transportieren wird vereinfacht. Zuhause kann der Museumsbesucher die Vase selbst hinter der Vitrine hervorholen und ihr Leben einhauchen in dem er sie nutzt. 

Im Rahmen der neobiontischen Reise kommt die Vase als Pitch für ein Merchandise für das KGM Shop zurück ins Museum. 

The small vase from the royal porcelain factory in Berlin, which lingers frozen behind glass, is taken on a journey into today’s world as part of the neobionts. She is kidnapped from silence and taken into the living world. During its transport it is exposed to various influences from which it is normally protected. However, the vase undertakes a change between the museum and the outside world and  has changed in its materiality. It is no longer made of porcelain but is made of flexible TPU. The vase is packed securely and space-saving by vacuuming. Transporting is simplified. At home, the museum visitor can pull out the vase from behind the showcase and breathe life into it by using it.

As part of the neobiontic journey, the vase comes back to the museum as a pitch for merchandise for the KGM shop.

Im Rahmen unseres Projekts „Convergence“ haben wir eine Website, „Urban plastic guide“ erstellt, welche über den Plastikverbrauch, die Verwendung von Plastik sowie über das Material selbst und seine Einsatzmöglichkeiten informiert. Der Schwerpunkt auf unserer Website liegt bei der Verwendung des Materials anhand von Recycling-möglichkeiten. Dafür haben wir eine Anleitung erstellt, welche über das Pressen von recycelten Plastikplatten zuhause aufklärt. Dazu haben wir DIY-Baupläne angefertigt, welche detailliert darstelle, wie man einen Bienenstock oder ein Vogel-Brutkasten aus den recycelten Platten baut. Um weitere Verarbeitungsmöglichkeiten darzustellen, haben wir eine Bildergalerie angelegt, die für Inspiration sorgen soll und dem Betrachter eine Auswahl an Möglichkeiten zeigt, wofür der Kunststoff sich einsetzten lässt. Abschließend haben wir auf einige Communities hingewiesen, bei denen man Plastic recyceln kann, Erfahrungen austauschen kann und engagierte Individuen trifft, mit denen man sich vernetzten kann. 

As part of our project „Convergence“ we have created a website, „Urban plastic guide“, which informs about plastic consumption, the use of plastic as well as the material itself and its possible uses. The focus on our website is on the use of the material based on recycling possibilities. For this, we created a tutorial that educates about pressing recycled plastic sheets at home. In addition, we have created DIY construction plans that show in detail how to build a beehive or a bird incubator from the recycled sheets. In order to show further processing possibilities, we have created a picture gallery, which should provide inspiration and show the viewer a selection of possibilities, for which the plastic can be used. Finally, we have pointed out some communities where you can recycle plastic, share experiences and meet dedicated individuals with whom you can network. 

Atem ist eine natürliche Eigenschaft von Lebewesen, ein gemeinsamer Nenner zwischen uns allen. Es ist aber auch etwas, das wir mit unserem Verstand nicht ganz erfassen können, geschweige denn mit Worten. Atem ist etwas, das uns so nahe ist, aber gleichzeitig auch so weit von unserem Bewusstsein entfernt sein kann. Gelegentlich fühlt es sich sogar wie ein ganz von uns entkoppeltes Lebewesen an, das unsere Brust in einem Rhythmus hebt und senkt, den wir nur selten selbst kontrollieren können. 

Wir wollten dieses Konzept aufnehmen und versuchen, es in ein physisches Objekt zu verpacken, welches Atem auf alternative Art und Weise erfahrbar macht. 

Wir begannen Varianten dieser atmenden Objekte zu bauen und begannen mit einem dreidimensionalen, das sich zwischen verschiedenen Gestalten verformen würde. Diese führten leider noch nicht so weit wie wir wollten, weshalb wir nach weiterer Konzeptarbeit auf die finale Variante stießen die wir gerne im angehängten Video ohne weitere Kommentierung vorstellen möchten. 

Breathing is a most natural trait of living beings, a common denominator between us all but also something we‘re not quite able to grasp with our minds, let alone words. Breathing is something that is so close to us but at the same time can also be so far from our minds. Sometimes, it might even feel like a decoupled living being inside of us, making our chest rise and fall in a rhythm we are not  always there to control ourselves.

We wanted to dissect this concept and try to pour it into a physical object that one could experience. 

We set out to create this breathing object and started with a three dimensional one that would morph between different shapes. It not yet quite being where we wanted it  to go, we collected suggestions and came up with our final idea that we would like to present you in the attached video without any further commentary.

Both Koppmann and Willemsen were concerned with how climate change is affecting the global temperature. They began investigating old technologies that were used to heat and cool space, hoping to uncover a low-tech, sustainable, and affordable option for modern homes. Their research led them to PCM, and they knew immediately that this semi-forgotten material had great potential.

PCM is a substance that stores and releases thermal energy when changing phases from solid to liquid. It can be used in thermal storage systems and is already commonly used in refrigerators and in ice packs.

“Centuries ago water was used as a PCM in the basement of buildings. When the ice slowly turned to a liquid state during summer, food was kept fresh. In winter it froze and released energy to the building in form of heat,” explained Willemsen.

“This opened new applications. We found that PCM is available in a micro-encapsulated form which makes it possible to mix it with other building materials. That discovery was amazing because it enabled us to mix the material with paint and print it on fabric,” said Koppmann.

This realization led to their final Plus Minus 25, a temperature regulating curtain. The fabric of the curtain is printed with PCM that absorbs and releases heat to have a cooling effect in summer and a warming effect in winter, without using conventional devices or using any electricity.

The PCM used in the prototypes for Plus Minus 25 is active at 25 degrees Celsius. Around this temperature, the PCM starts to melt. During this melting process, it cools the air around it, and as the temperature drops, it hardens again. The melting temperature can be adjusted, and the material can be applied with different thicknesses for different climates.

Koppmann and Willemsen have been selected to be part of the antenna 2020 conference during Dutch Design Week, where 10 global graduates from across the world will share their ambitious and ground-breaking projects. Ahead of their talk, we had a chat with the two young designers.

An interview with Anna and Esmeé and Microtek is online. You can read it here including a link to their Case Study

You can also find out more on their semester project including the film they made here/below

Wenn etwas wie von Zauberhand leuchtet, kommt man aus dem Staunen nicht mehr heraus. Doch bei “Magic Torch” muss man etwas machen, damit das Licht angeht.

Inspiriert von dem traditionellen Kinderspielzeug “Cup-and-Ball”, bei dem man, wie der Name schon sagt, den Ball in den Becher treffen muss, ist “Magic Torch” ein ebenso aktives Erlebnis. Erweiternd hierzu kommt, dass wenn man in die Feuerschale trifft, das Spielzeug zu Leuchten beginnt. Die Lichter symbolisieren die Flammen der Fackel und man bekommt somit aktives Feedback, wenn man getroffen hat. Das ist vor allem für Kinder ein zusätzlicher Spaßfaktor!

Das innere des Spielzeugs ist wie folgt aufgebaut. Die Technik setzt sich aus recht herkömmlichen Teilen zusammen. Verwendet wurden u.a. Kugelschreiberfedern, um den Kontakt zwischen LEDs und Knopfbatterie herzustellen. Erst wenn das Gewicht des Balls den Abstandhalter auf die Federn drückt, schließt sich der Stromkreis und die LEDs beginnen zu leuchten.

Während der Entwicklung des Spielzeugs war vor allem die Formgebung entscheidend.

Es wurde in einem 3D Programm gearbeitet und die Umsetzung passierte an 3D Druckern. Da der Aufsatz, die sogenannten Flammen, aus transparentem Filament sein sollte, so dass die LEDs später auch durch das Material leuchten können, mussten hierfür erst einmal die richtigen Einstellungen auf dem RepRep Drucker gefunden werden.

Geschichte:

Pelle und Emma schlafen nicht gern im dunklen Kinderzimmer.

Deshalb haben beide eine Spielzeugfackel, die im Dunkeln ein warmes und

beruhigendes Licht abgibt. Auf dem Holzstab ist eine Schale befestigt, in der die Flammen zum Leuchten gebracht werden müssen. Es braucht einige Anläufe, bis man mit dem Ball, der an einer

Schnurr befestigt am Holzstab hängt, in die Feuerschale trifft. Es macht ihnen viel Spaß, kurz vor dem Schlafen noch einmal so geschickt sein zu müssen. Die Kinder können so auf spielerische Art und Weise ihr eigenes Nachtlicht anschalten. Vom Sielen müde geworden lässt das Licht beide schnell einschlafen.

Shapeshift beschäftigt sich mit der Erfahrbarkeit von Licht. Im Zentrum dabei steht dessen wissenschaftliche Zusammensetzung im Zeitalter der digitalen Gestik.

shapeshift wirkt zunächst wie ein Gemälde. Bewegt man jedoch eine der fünf Scheiben, entpuppt sich durch Licht und Schatten eine ungeahnte Tiefe.  Eine Faszination an Folgen, initiiert lediglich durch die Fingerspitze des Zeigefingers.

Ebenso wichtig ist der naturwissenschaftliche Hintergrund von Licht in Form von Wellen und Frequenzen. Statt als eine homogene Lichtquelle wird Licht nun in seiner ursprünglichen, sehr abstrakten Weise aufgefasst und dargestellt.

Überlagerung dieser Wellen wird nun als Interferenz bezeichnet. Je nach Verhältnis von Verstärkung und Auslöschung der Wellen ergibt sich eine schier unendliche Bandbreite an Mustern, die nicht zuletzt auf psychedelische Weise die Essenz von Licht spielerisch hinterfragen.

Start:
05.11.2020
Donnerstags, 9.30-11.00 Uhr als Video-Konferenz

Lehrende:
Prof. Gesche Joost
Emilia Knabe

Anmeldung:
Anmeldung bitte per Mail bis zum 03.11.2020 an Emilia Knabe

Photo Credits:
Chris Yang