Aus der Dauerausstellung des Kunstgewerbemuseums in Berlin wurden im Rahmen des Entwurfsprojektes Neobionten Willkomm-Pokale entführt und in die Heutige Zeit versetzt. 

Die ersten Willkomm-Pokale, stammen aus der frühen Neuzeit und dienten als große Trinkgefäße. Der Brauch war es, eine zu ehrende Person oder Gast mit einem Trunk aus einem kostbaren Gefäß zu begrüßen. Die Verwendung des Willkomms war fester Bestandteil der Rituale in Versammlungen, Zeremonien und festlichen Anlässen adeliger Gesellschaften oder bürgerlicher Korporationen, insbesondere Zünften.

Das Bild eines Pokales, aus dem jeder trinken kann, ist ein Bild geprägt von Zusammengehörigkeit, des Zusammenseins.

Aufgrund der aktuellen Weltsituation verschwindet der Gedanke an einen Willkomm, aus dem alle gemeinsam trinken, eher schnell. Fragen wie, wie können wir nach Monaten des „social distancing“ wieder zusammenfinden? – Wie können wir gemeinsam feiern? – Oder anders gefragt: Wie kann aus den vielen vereinzelten Individuen eine Einheit werden und welche Rolle spielen dabei Rituale? – kommen auf. 

Sehr kraftvoll ist jedoch das Bild eines gemeinsamen Trinkgefäßes, das in der Mitte einer Gruppe steht, um gemeinsam auf einen besonderen Moment anzustoßen. 

Willkomm vol. II bringt die vereinzelten Individuen der Gesellschaft zu einer Einheit zusammen, repräsentiert durch mehrere gestapelten Becher und es entsteht EIN Willkomm.

As part of the Neobiont design project, welcome cups were kidnapped from the permanent exhibition of the Kunstgewerbemuseum in Berlin and relocated to the present day.

The first welcome cups come from the early modern era and were used as large drinking vessels. It was customary to greet a person or guest to be honoured with a drink from a precious vessel. The use of the welcome was an integral part of the rituals in meetings, ceremonies and festive occasions of aristocratic societies or civil corporations, especially guilds.

The image of a cup that everyone can drink from is an image of togetherness, of unit.

Due to the current world situation, the thought of a welcome, from which everyone drinks together, disappears rather quickly. Questions like, how can we get back together after months of “social distancing”? – How can we celebrate together? – Or to put it another way: How can the many isolated individuals become a unit and what role do rituals play in this? – appear.

However, the image of a shared drinking vessel standing in the middle of a group to toast a special moment together is very powerful.

Welcome vol. II brings the isolated individuals of society together to form a unit, represented by several stacked cups. ONE welcome emerges.

Einfache Strohmatratzen dienten bis ins späte 19. Jahrhundert üblicherweise als Schlafunterlage. Solche Gegenstände, die von dem entbehrungsreichen Leben der einfachen Leute zeugen, trifft man in Museen jedoch kaum an. Was sagt das nun über unser kulturelles Gedächtnis aus?

ORIGINAL Neuwieder Kabinett

Erworben 1779 vom Kronprinzen Preußens. Preis: 12.000 Goldtaler oder 21.500 Gulden. Eines der teuersten Möbelstücke seiner Zeit. Abraham Roentgen, der Vater David Roentgens, zahlte im Jahre 1763 für ein großes Haus nebst Werkstätten und Schuppen 3.140 Gulden (Haben die etwas mit dem Kabinett zu tun oder ist das ein beliebiges Beispiel??). Das Neuwieder Kabinett wurde nur selten benutzt, es diente vor allem Repräsentationszwecken.

Until the late 19. century, simple straw mattresses were being used as sleep overlays. Such objects, which are relics of the plain folks life full of privation, one seldomly encounters in museums. What does this have to say about our cultural collective memory? 

ORIGINAL Neuwieder Kabinett

Purchased in 1779 by the crown prince of Prussia. Price: 12,000 gold coins or 21,500 guilders. One of the most expensive furnitures of its time. In 1763 Abraham Roentgen, the father of David Roentgen, paid 3,140 guilders for a big house with workshops and shed. The Neuwieder cabinet was seldomly used, its main function was representative.

Das KuppelreliquIar spielt mit dem Gegensatz von Innen und Außen, von Zeigen und Verbergen, von Austellungs- und Kultwert: Während die detailliert ausgeführte Außenhülle den Innenraum einer Kirche quasi nach außen kehrt, kann der eigentliche Inhalt des Gefäßes, die Reliquie, nicht eingesehen werden. Das Kuppelreliquiar wurde im Laufe der Jahrhunderte unterschiedlich verwendet: Während es zunächst die Kopfreliquie von Gregor von Nazianz enthielt, diente es später als Hostienbehälter.

Heute – über 800 Jahre später – stellt sich die Frage, womit das Objekt, das nunmehr seine religiöse Funktion eingebüßt hat, seinen Platz im Museum verdient? Aufgrund der meisterlichen Handwerkskunst? Wegen der Verarbeitung hochwertiger Materialien? Weil es einfach schön anzuschauen ist? Oder eben doch, weil es ehemals die Kopfreliquie von Gregor von Nazianz bewahrt hat?

Das geheimnisvolle Wechselspiel von Außen und Innen des Kuppelreliquiars wird hier umgekehrt: Der Inhalt wird zur Hülle, die Hülle zum Inhalt. Doch was passiert dabei mit dem Wert und dessen Zuschreibung? Wohnt er der Reliquie selbst inne oder stellt er sich erst über den Entzug her? Gewinnt etwas nur dann an Wert, wenn es nicht von allen gesehen oder besessen werden kann?

The dome reliquary plays with the contrast of inside and outside, of revealing and covering, of exhibition value and cult value: While the inside of a church is being turned out into the detailed façade, the actual inner life of the vessel, the relic, can´t be seen. The dome reliquary has been used for multiple causes throughout the centuries: While it originally accommodated the head reliquary of Gregory of Nazianzus, it later served as host container.

Nowadays – over 800 years later – the question arises, if the object that henceforth forfeited its religious function, still deserves its place in the museum?

Owing to its finest craftsmanship? On account of the usage of high-class materials? Because it is simply nice to look at? Or since after all it previously stored the head reliquary of Gregory of Nazianzus?

The mysterious interplay of outside and inside of the dome reliquary is being turned around: The inner life becomes the façade, the façade becomes the inner life. Thus what happens with the value and its value adjustment? Is it inherit to the relic itself, or is it being created by deprivation. Does it only gain value when it can`t be seen nor possessed by anyone?

Was genau passiert eigentlich, wenn wir einem Objekt begegnen?

Für gewöhnlich sehen wir die Dinge als etwas Statisches oder Unveränderliches an – und auch die Museen stützen eine solche Perspektive, da sie die vielfältigen individuellen Erfahrungen, die Generationen von Besucher:innen mit den Objekten gemacht haben, nicht mitrepräsentieren.

Aber was wäre, wenn sich das Wesen eines Objektes verändert, abhängig davon wie wir es betrachten? Zwar bleibt die Materialität der Dinge (mehr oder weniger) unverändert, aber die Interpretationen, die wir an sie herantragen, sind potentiell unendlich. Den Dingen wohnt also nicht nur eine Wahrheit inne, sondern so viele Wahrheiten wie Besucher:innen mit ihnen verknüpfen. Ihre Identitäten werden fluide.

Penumbra möchte dieses Wechselverhältnis zwischen Objekt und Betrachter:in sichtbar machen. Der lebendige Schatten, der neben dem Objekt ausgestellt wird, gibt einen Hinweis auf dessen genuine Pluralität: Das Objekt hinterlässt Spuren an der Wand, bekommt eine Stimme, reagiert und interagiert. Kurz, es wird zu einem dynamischen Gegenüber, wodurch die traditionelle Hierarchie zwischen aktiver:m Betrachter:in und passivem Objekt hinterfragt und aufgebrochen wird.

What really goes on during the encounter of an object?

Artifacts are usually perceived as unchangeable, permanent and stationary. Museums tend to uphold this basic principle, failing to represent thousands of generations of visitors’ experiences with objects that somehow seem to remain eternal and immutable.

But what if the essence of an object were to change depending on how we look at it? The material object is unalterable, but the interpretations we can have of it are infinite: its identity becomes fluid, embodying not only one truth, but as many realities as viewers bring along with them.

Penumbra aims to make visible the role we play in an object’s identity. The exhibited artifact is displayed along with its shadow, dynamic, lively and unpredictable, providing a constant reminder of its plurality. On the wall, the object leaves a trace, has a voice, reacts and interacts, becoming an active counterpart in the museum experience, thus challenging the long established hierarchy between the viewer and the exhibit.

Maria, die am häufigsten dargestellte biblische Frauenfigur, wird als devote, schweigsame Persönlichkeit repräsentiert. Dieses Bild hat sich gesellschaftlich manifestiert und reproduziert. Daran lässt sich erkennen, dass Darstellungsformen Teil eines Gesamtgesellschaftlichen Diskurses sind, welcher zur jeweiligen Zeit reguliert, was sagbar und zeigbar ist, der jedoch auch immer beweglich und durch Interventionen veränderbar ist.
Das Projekt NEO MARY regt dazu an, die gewohnten christlichen Darstellungen in Frage zu stellen und einseitige sowie männlich dominierte Repräsentationen aufzuzeigen und zu kritisieren. Ziel ist es, den Repräsentationskreislauf der demütigen, stillen und gefügigen Frau zu durchbrechen und Maria Raum für eine neue und zeitgemäße Stimme zu geben.
Das Glasbild „Neo Mary“ ist eine Neuinterpretation des im KGM Berlin ausgestellten Glasgemäldes „Geburt Christi“ von Peter Hemmel. Wie das Original, zeigt „NeoMary“ Maria im blauen Marienmantel in der bekannten Stallszenerie mit Ochse und Esel, nimmt den Titel jedoch wörtlich. Erhobenen Hauptes blickt die Gebärende die betrachtende Person an und beherrscht den Raum. Die klassische Darstellung Marias als devote und schweigsame Person wird überwunden, die Fremdbestimmung abgelegt. Hemmels Werk stammt aus einer Zeit in der das Christentum in vielen Kulturkreisen sinnstiftend war und die Lebenswelten stark beeinflusste. Auch wenn in weiten Teilen die Institution Kirche an Bedeutung eingebüßt hat, ist auch 540 Jahre später noch die westliche Kultur und Gesellschaft stark von christlichen Traditionen und Denkweisen bestimmt. In den modernen Familien- und Rollenbildern werden christliche Werte und Subjektivierungsweisen fortgeschrieben, verschiedene Formen der Diskriminierung werden religiös legitimiert und nicht zuletzt wird der Akt der Geburt nach wie vor tabuisiert. Das Glasbild im Format 48 x 58 cm besteht aus insgesamt 36 transparenten Buntglasstücken, die in Bleiruten gefasst sind.

Mary, the most frequently portrayed biblical female figure, is represented as a submissive, silent personality. This image has manifested and reproduced itself socially. This shows that forms of representation are part of an overall social discourse, which at the time regulates what can be said and shown, but which is also always flexible and changeable through interventions.
The project of ”NEO MARY“ encourages to question the usual Christian representations and to point out and criticize one-sided as well as male-dominated representations. The aim is to break the cycle of representation of the humble, quiet and submissive woman and to give Maria space for a new and contemporary voice.
The glass picture „Neo Mary“ is a reinterpretation of the stained glass „Birth of Christ“ by Peter Hemmel exhibited at KGM Berlin. Alike the original, the ”NeoMary” depicts Mary in a blue virgin mary cope in the infamous nativity scene with ox and donkey, but interprets the title literally. With her head held high, the birthing mother is observing the viewer and dominates the room. The classical depiction of Virgin Mary as a devoted and taciturn person is being overcome, the heteronomy discarded. Hemmels artwork stems from a time when Christianity had a great influence and heavily affected the living environment. Even though the institutionalized church has mostly lost its meaning, 540 years later the Western culture and society is still heavily shaped by Chritian traditions and concepts. Within the modern view on family and gender, Christian values and modes of subjectivation are being continued, different forms of discriminations are being legitimated by religion and last but not least the occurence of birth is still kept taboo. The 48 by 58 cm glass picture consists of 36 transparent coloured glass pieces, which are girthed by lead camings.

Das Projekt „Nautilus P.A.“ ist weniger eine gestalterische Weiterentwicklung der Nautilus Pokale der Renaissance, als eine Reflektierende Arbeit nach den Gesichtspunkten der Moderne. Die Arbeit möchten einen Bezug schaffen, sowohl auf die Entstehungsgeschichte der Prunkpokale als auch die absehbar bevorstehende Entwicklung der vom Aussterben bedrohten Gattung der Nautilus. Die Kunsthandwerkliche Erscheinung der Kerze bildet eine abstrahierte Nachbildung der Nautilus ab, welche mit einem Fischernetz von Menschenhand gefangen wurde.

Archäologische Funde aus Osttimor belegen das Menschen bereits vor über 40.000 Jahren die Schale der Nautilus gesammelt, verziert und zu Schmuckstücken verarbeitet haben. Das kunstvolle verarbeiten eben dieser Schalen wurde über viele Jahre zur Perfektion getrieben, sodass schlussendlich unzählige dieser Meisterwerke in den fürstlichen Kuriositäten Kabinetts in zentral Europa zu finden waren. Gegen Ende der Renaissance fand die Nautilusschale als Vanitas-motiv Eingang in die Stillleben Malereien. Gemäß der Philosophie dahinter, verkörpert die Nautilus nun die Vergänglichkeit von Schönheit, Reichtum und Eitelkeit und zelebriert die Tatsache, dass alles vergänglich und nichtig ist. 

Mit der neuen Interpretation eines Nautilus Pokals aus Paraffin soll auf die tragische Ironie hingewiesen werden, dass eine Uralte Gattung auf Grund ihrer Schönheit noch immer aus dem Meer gefischt wird, und zwar in noch nie dagewesenen Mengenverhältnissen. Sowie die Kerze anschaulich verbrennt, vergeht auch diese Lebensform vor unseren Augen.

The project „Nautilus P.A.“ is not so much a further development of the Renaissance Nautilus goblets in terms of design, but a reflective work according to the aspects of contemporary development. The work aims to create a reference both to the history of the origin of the sumptuous goblets and to the anticipated development of the endangered species of the nautilus. The artisan appearance of the candle depicts an abstracted replica of the nautilus, caught by human hands with a fishing net.

Archaeological discoveries from East Timor prove that people collected the shell of the nautilus more than 40,000 years ago, decorated it and crafted it into jewellery. The artistic processing of these shells has been perfected over many years, so that in conclusion countless of these masterpieces were to be found in the royal cabinets of curiosities in central Europe. Towards the end of the Renaissance, the nautilus shell found its way into still life paintings as a motif of the vanitas philosophy. According to the philosophy, the nautilus now embodies the transience of beauty, wealth and vanity and celebrates the fact that everything is impermanent and void. 

The new interpretation of a Nautilus goblet made of paraffin is intended to point out the tragic irony that an ancient species is being fished out of the sea for its beauty in unprecedented proportions. As the candle vividly burns, this life form also perishes before our eyes.

Was hätte ein „Design auf Zeit” im KGM verloren, in dem Zeit normalerweise stillgestellt wird? Die Objekte sollen hier so gut es geht vor dem Verfall bewahrt werden – dazu werden sie zunächst in der sogenannten „Entwesungskammer” von allen potentiell schädlichen Organismen befreit. Doch nicht alle Schädlinge lassen sich restlos beseitigen. Einige Bakterienarten leben aller Maßnahmen zum Trotz auch im Museumraum weiter.

Mithilfe von Petrischalen, einem Agarnährboden und einigen Bakterienproben aus dem Museum wird das „geheime Leben” der Museumsbakterien aufgedeckt. Es wird also nichts neues in das KGM gebracht, sondern mit dem gearbeitet, was ohnehin bereits vorhanden ist: Ob auf dem Kuppelreliquiar, der Eingangstür, der Vase von Louis Comfort Tiffany oder dem Schlüsselbund des Museumsleiters.

„Temporary design“ in the context of the KGM doesn’t really fit, since this is a place where time is usually suspended. The objects here are to be preserved from decay as best as possible – therefore they are first freed from all potentially harmful organisms in the so-called „disinfestation chamber“. However, not all pests can be completely eliminated. Despite all the measures taken, some types of bacteria continue to live in the museum. With the help of Petri dishes, an agar culture medium and some bacterial samples from the museum, the „secret life“ of the museum bacteria can be uncovered. So nothing new is brought into the KGM, rather work is done with what is already there: whether on the dome reliquary, the entrance door, the vase by Louis Comfort Tiffany or the museum director’s keychain.

Der Wandteppich “Boys will be boys” thematisiert Gewaltdarstellungen in unserer Gesellschaft. Wo entsteht Gewalt und wie kann sie sichtbar gemacht werden? Auch wenn vielleicht niemand mehr auf die Idee kommen würde, die eigenen Wohnräume mit Kriegsszenarien zu schmücken, so wird doch bei genauerem Hinsehen deutlich, dass auch unser Alltag nach wie vor von verschiedenen Gewaltformen durchzogen ist. Und dazu gehört auch die strukturelle Gewalt des Patriarchats. Wie aber wäre es, wenn wir dafür ein Bild fänden, eines, das den bitteren Ernst patriarchaler Machtkämpfe in ein Gefecht plüschiger Penisersatzobjekte verwandelt?

Der großformatige Wandteppich konterkariert die brutale Kriegsdarstellung des Originalgobelins mit seiner flauschigen Haptik und bricht mit der Darstellungsweise von Epen, indem die Krieger ihrer Rüstung beraubt und anstatt Waffen mit bunten Vibratoren ausgestattet lächerlich wirken. Die Absurdität von Krieg als aufeinander einschlagende Männer, die mit phallusartigem Penisersatz ihre Macht demonstrieren, wird ersichtlich. Die Arbeit ist als schmunzelnder Kommentar aus feministischer Perspektive zum Patriarchat zu verstehen.

The tapestry Wandteppich “Boys will be boys” broaches the issue of depictions of violence in our society. Where does violence begin and how can it be depicted? Despite no one considering to decorate their private spaces with war scenes, when taking a closer look, it becomes evident that our everyday life is still strained by different forms of violence. The structural violence of patriarchy being part of it. Hence what would happen, if we found a depiction for it, one that sublimates the deadly serious patriarchal power struggle into a battle of plushy penis substitutes?

The tapestry in large format impedes the brutal war depiction of the original with its fluffy haptics and breaks with the traditional portrayal of epics, by the warriors being deprived of their armour and their weapons being substituted with colorful vibrators, which makes them seem ridiculous. The absurdity of war becomes evident as men being at each other’s throats with phallus-like penis substitutes to demonstrate power. The work can be seen as a miscevious commentary about the patriarchy from a feminist point of view. 

Das Kunstgewerbemuseum ist angefüllt mit Objekten, die zwar schön zu betrachten sind, die wir aber intuitiv nicht (mehr) verstehen können: Wir wissen weder wie sie hergestellt wurden, noch welche Funktion sie einmal hatten. Wie gehen wir aber mit solchen Objekten um? Können wir dazu unsere eigenen Geschichten erfinden?

Durch Memes (Informationen, die durch Imitation übermittelt werden) werden neue Geschichten über einige Objekte der Sammlung erzählt. Die Texte spekulieren über mögliche soziale und kulturelle Zusammenhänge, in denen die Objekte einst existiert haben, heute existieren oder in Zukunft existieren könnten. Auf diese Weise fungiert das Museum nicht mehr nur als Archiv des Vergangen, sondern bildet auch einen Resonanzraum für neue Begegnungen und Phantasien. Inspiriert von den mittelalterlichen Backformen und ihrer Funktion, mit Bildern eine Geschichten zu erzählen, werden diese Memes in Form von Keksen und Stempeln serviert. Auf diese Weise findet das Meme den Weg zu dem Ort an dem Geschichten erzählt werden: dem Mund.

ORIGINAL

Die mittelalterlichen Backformen unterscheiden sich von den übrigen Sammlungsobjekten des Kunstgewerbemuseums. Anders als bei den vielen wertvollen Exponate, sind für ihre Herstellung weder hochwertige Materialien vonnöten noch eine spezifische Kunstfertigkeit. Hinzu kommt, dass Alltagsgegenstände, die von einfachen Leuten benutzt worden sind, kaum Eingang ins Museum gefunden haben.

Die Backformen bestehen aus geschnitztem Speck- oder Kalkstein, mit dem ein Motiv in den Teig eingedrückt wurde. Die Bildmotive sind aufgrund ihres Alters und der Präsentation im Museum jedoch schwer zu erkennen. Der bloße Anblick der Objekte verrät uns nicht, wie sie einst benutzt worden sind. Wie können wir ihren praktischen Gebrauch nachvollziehen, wenn sie in einem Kontexten ausgestellt werden, die sich so sehr von ihrer ursprünglichen Verwendungszusammenhängen unterscheiden?

The Kunstgewerbemuseum is filled with beautifully manufactured objects we cannot intuitively  understand: we don’t know how they were made and how they were used. How do we deal with an object when we cannot relate to its actual practice context anymore? Can we make up our own stories? Through memes (information spread by imitation) new stories about some objects of the collection are invented. The texts speculate about possible contexts in which this object once may have lived, is living now or will live in the future. In this way, the museum does not only function as an archive of the past but also as a space for new sorts of interaction with objects. Inspired on the medieval baking moulds and it’s function of telling a story by showing an image, these memes are distributed in form of a biscuit and a stamp. Thus, the meme find its way to the place where stories are told: the mouth.

ORIGINAL

The medieval baking mould distinguishes itself from the Kunstgewerbemuseum’s collection. Unlike many of the valuable and appreciated objects in the museum there were neither a special material nor high skills needed to produce this mould. Besides, not many everyday objects or kitchen tools that were used by ordinary people are being displayed. The moulds are made out of soap- or limestone which are engraved to show a relief image on the baked goods. The iconography depicted on these moulds is hard to recognize because of the mould’s age and the way it is presented in the museum. By seeing the object displayed in the museum one can hardly imagine how it was used. How can we experience the former usage of a tool when presented in a context so different from its actual practice context?

+

Nach einer experimentellen Phase, war das Ziel des Projektes lange die Exponate mit Hilfe von Augmented Reality aus dem Museum herauszuholen. 3D gescannte Exponate sollten im Stadtraum verteilt werden und ihre Geschichten erzählen um UserInnen einen spielerischen Umgang mit Ihnen zu ermöglichen. 

Basierend auf den Reaktionen meiner KommilitonInnen zu dem Trailer Video dieser Projektidee wurde mir klar, dass “Bewegtbild” vor allem mit starkem Bildmaterial einen bleibenden Eindruck hinterlässt.
Die Konsequenz: Ich entschloss mich dazu ein Musik Video Im Kunstgewerbemuseum Berlin drehen zu wollen, da dies damals ein realistischeres bzw. Umsetzbareres Ziel war in der Zeit und mit den Mitteln die mir zustanden.

Ich möchte die toten Räume des Museums nutzen und durch meine Körperlichkeit zum Leben erwecken. Der Wunsch und Traum ist es den Raum durch die Musik zu beleben. Gleichermaßen ein Musikstück durch den Raum zum Leben erwecken.
Ich will die Objekte in neue Kontexte setzen mit Hilfe eines spielerischen Umgangs durch Improvisation und Choreographie Geschichten und Zusammenhänge neu konzeptualisieren und erzählen, sowie es das Museum selbst tut.
Der bisher entstandene Film trägt den Titel “Ein Teil fehlt”.
Ich löse die Objekt Mensch Beziehung auf und mache mich darin langsam selbst zum Objekt. 

Ausgangspunkt meiner Arbeit ist und bleibt der Raum im Museum, denn so wie das Museum selbst Artefakte unterschiedlichster Epochen verbindet, möchte ich durch die Verbindung unterschiedlichster Disziplinen: Musik, Tanz, Film und Animation einen Raum erschaffen, indem nicht nur der Zuschauer kurzweilig in eine andere Welt entführt wird, auch die Objekte selbst werden verzaubert, kriegen selbst eine Stimme, dürfen Leben, wenn auch nur für den Moment. 

Das AR App Projekt verfolge ich nach wie vor weiter, jedoch aktuell ausschließlich innerhalb meines Musik Projektes. Die App ist aktuell über die Konzeptionsphase hinausgewachsen, wird in einem kleinen Team realisiert und hoffentlich bald auf den Markt kommen.

After an experimental phase, the goal of the project was to bring the exhibits out of the museum with the help of augmented reality. 3D scanned exhibits should be distributed in the urban space and tell their stories to enable users to interact with them in a playful way. 

Based on the reactions of my fellow students to the trailer video of this project idea, it became clear to me that „moving images“ leave a lasting impression, especially with strong visuals.
The consequence: I decided to shoot a music video in the Kunstgewerbemuseum Berlin, because this was a more realistic and realizable aim in the time and with the means I had.
I would like to use the dead spaces of the museum and bring them to life through my corporeality. The desire and dream is to enliven the space through music. Similarly, to bring a piece of music to life through the space.
I want to put the objects in new contexts using a playful approach through improvisation and choreography to reconceptualize and retell stories and contexts as the museum itself does.
The film created so far is titled „A Part is Missing.“ in which I dissolve the object-human relationship and slowly become an object within it. 

The starting point of my work is and remains the space in the museum, because just as the museum itself connects artifacts from different eras, I would like to create a space by combining the most diverse disciplines: music, dance, film and animation, in which not only the viewer is transported entertainingly into another world, but also the objects themselves are enchanted, get a voice themselves, are allowed to live, even if only for the moment. 

I am still pursuing the AR App project, but currently exclusively within my music project. The app is currently growing past the conception phase, is being realized in a small team and will hopefully soon be launched on the market.

Ausgangspunkt dieser Semesterarbeit sind die im KGM-Berlin ausgestellten Nautilus Pokale, welche gegen Mitte bis ende des 16. Jahrhunderts in den westeuropäischen Küstenregionen gefertigt wurden.  Für die Goldschmiede waren die meist aus Asien stammenden Nautilusschalen beliebte Objekte, an welchen sie all ihre Fertigkeiten und die Finesse ihres Handwerks demonstrieren konnten. Für die hochrangigen Adelsmänner welche diese Nautilus Pokale erwarben oder geschenkt bekamen, waren diese Gegenstände mehr ein Prestigeobjekt als ein Nutzgegenstand, welche ihren sozialen Status und Macht demonstrieren sollten. Zur späten Renaissance Zeit wurde der Nautilus Pokal ein beliebtes Motiv in der Kunst der Vanitas Stillleben und zum Symbol der Vergänglichkeit allen Reichtums und der Eitelkeit. Die Intention des  „Vanitas Pokal“ ist es, die Bedeutung des Nautilus Pokals in der Kunst und des Handwerks in eine Zeitgemäße Abstraktion zu bringen. Mit dem von Vorurteilen befreiten weißem Blatt Papier soll der Focus auf den Pokal an sich gesetzt werden, möglichst befreit von jeglicher Ornamentik und Symbolismus. Die Bearbeitung des Papiers in seiner filigranen Zerbrechlichkeit gleicht dem Handwerk eines Goldschmiedes und das Material an sich ist sehr Anfällig für jede Art von Verwitterung und damit auch für Vergänglichkeit. Mit der Handlung das von mir erarbeitete Objekt zu entzünden und verbrennen zu lassen, wollte ich nicht nur den Aspekt der Vergänglichkeit unterstreichen, sondern die Schönheit des Moments möglichst in den Fokus setzen und zelebrieren. 

The starting point for this project were the nautilus goblets exhibited in the KGM-Berlin, which were produced in the mid to late 16th century in the coastal regions of Western Europe. For the goldsmiths, the nautilus goblets, which were mostly imported from Asia, were popular objects on which they could demonstrate all their skills and finesse of their craft. For the noblemen who purchased or were given these goblets, they were more an object of prestige than of utility, intended to demonstrate their social status and power. In the late Renaissance period, the nautilus cup became a popular motif in vanitas still life art and a symbol of the transience of all wealth and vanity. The intention of the „Vanitas Cup“ is to transfer the meaning of the nautilus goblet in arts and crafts into a contemporary abstraction. With the white sheet of paper, freed from prejudices, the focus is to be placed on the goblet itself, freed as far as possible from any ornamentation and symbolism. The processing of the paper in its fragility resembles the craft of a goldsmith and the material itself is very susceptible for any kind of weathering and thus also for transience. With the act of setting the object I created on fire and watching it burn down, not only did I mean to emphasize the aspect of transience, but also to focus on and celebrate the beauty of the moment as much as possible. 

KGM3D ist eine Anwendung, also eine App, die die Techniken des 3d Scans und der Augmented Reality nutzt, um die Objekte und das Wissen des Kunstgewerbemuseums für viele Menschen erfahrbar zu machen. Man kann das Projekt auch als einen Vorschlag für eine zeitgenössische Ausstellungsmethode verstehen. Das Museum soll auf den öffentlichen Raum ausgeweitet und mit der Stadt verwoben werden. Sammlungsobjekte sollen ihre Vitrinen verlassen und sichtbar werden. Zu dem Konzept gehört eine Plakat Kampagne, die die 2D Bilder der Objekte bereits im Stadtbild verteilt. Mit dem QR-Code darauf erhalten die Nutzenden Zugriff zu den 3D Kopien der Objekte. 3D Objekte werden ebenfalls in der Stadt auf Standorte platziert und können  mit der App, in einer augmented reality von anderen Nutzenden besucht und betrachtet werden. So entsteht ein Netzwerk, der Objekte auf der Landkarte, wie auch unter den Nutzenden der App. Die App ist interaktiv. Benutzer*innen werden angeregt aktiv und kreativ zu werden denn das öffentliche Museum entsteht und wächst, durch das Mitmachen von Vielen. Benutzer*innen werden aus ihrer passiven Rolle der Museumsbesuchenden zu Mitgestaltenden erhoben. Außerdem werden Nutzende dazu aufgefordert Geschichten zu ihren eigens erstellten Neu-kontextualisierungen der Objekte zu verfassen und im feed miteinander zu besprechen. KGM3D soll gleichzeitig Fragen zur Relevanz der Museums-Bewahrungskultur, und zur Relevanz und Nutzung zeitgenössischer Medien provozieren. Es sollen Kontexte und Bilder entstehen, die zeitgenössische Fragen, Themen und Diskussionen anregen. Außerdem sollen Objekte auch mit ihren tatsächlichen, geschichtlichen Standorten verknüpft und nicht-fiktive Kontexte erzählt werden. Sodass man zwischen den Ebenen wechseln kann und auch hier eine Parallelität und ein Vergleich stattfindet.

KGM3D is an app that uses the techniques of 3d scanning and augmented reality to make the objects and knowledge of the Kunstgewerbemuseum Berlin experienceable for people. The project can also be seen as a proposal for a contemporary exhibition design. The museum will be extended to the public space and interwoven with the city. The objects of the collection will leave their showcases and become visible. The concept includes a poster campaign that spreads and displays 2D images of the objects in the cityscape. With the QR code on it, users can access 3D copies of the objects. The 3D objects are also placed on locations around the city and can be visited and viewed by other users in augmented reality using the app. This creates a network of objects on the map and among the users of the app. The app is interactive. Users are encouraged to become active and creative, because the public museum emerges and grows through the participation of many. Users are elevated from their passive role of museum visitors to co-creators. Furthermore, users are invited to write stories about their own re-contextualizations of the objects and to discuss them with each other in the feed. KGM3D is intended to provoke questions about the relevance of museum preservation and exhibition culture, as well as the relevance and use of contemporary media. Contexts and images are to be created that stimulate contemporary questions, issues, and discussions. In addition, objects should also be linked to their actual, historical locations, and non-fictional contexts should be narrated. So that it is possible to switch between the levels, parallelism and comparison are possible here as well.

Der DigitalPokal bezieht sich auf einen aus Elfenbein gedrechselten Pokal aus dem 17. Jahrhundert, welcher lediglich zur Demonstration der mechanischen und technischen Herstellungsverfahren zu dieser Zeit diente. Um diese Analogie in meinem Werk ausdrücken zu können habe ich mich intensiv mit Demonstrationen technischer Herstellungsverfahren in der heutigen Zeit beschäftigt, mit dem Ziel diese in mein Neobiont zu integrieren. Das wohl für unsere Zeit bedeutendste, neu entwickelte Herstellungsverfahren stellt eindeutig der 3D Druck und dessen Ökosystem des Modellieren und Entwerfen in einer digitalen Welt dar, was uns eine Vielzahl an neuen Möglichkeiten zur Konstruktion von vorher unmöglich herstellbaren Strukturen bietet. Genau diese Beziehung, zwischen digitaler Entwurfswelt, in der wir unserer Fantasie und Gedanken komplett freien Lauf lassen können, und dem 3D Drucker, der versucht diese zu interpretieren und in die Wirklichkeit zu bringen, ist die Grundlage meiner Auseinandersetzung in dieser Arbeit. Zudem wollte ich die aktuelle Situation der Pandemie ebenfalls mit dem Bezug zu den Technischen Erfindungen die uns dadurch nun täglich begleiten und den Alltag momentan überhaupt ermöglichen in das Projekt einfließen lassen. Aus diesem Grund findet man alle technischen Helfer die man im Homeoffice benötigt integriert in den Pokal. Die aus dem Boden kommenden Kabel stellen dabei die Gebundenheit sowohl ans eigene Zuhause als auch der unausweichliche Druck der zu schaffenden Arbeit dar. Somit ist der Pokal selbst die Verkörperung eines modernen Menschen der sich Zuhause in Quarantäne befindet.

The DigitalPokal refers to an ivory turned cup from the 17th century, which served only to demonstrate the mechanical and technical manufacturing processes at that time. To express this analogy in my work, I have dealt intensively with demonstrations of technical manufacturing processes in modern times, intending to integrate them into my Neobiont. Probably the most significant newly developed manufacturing process for our time is 3D printing and its ecosystem of modeling and designing in a digital world, which offers us a multitude of new possibilities for the construction of previously impossible structures. This relationship between the digital design world and the 3D printer is the basis of my argument for this work.
Furthermore, I wanted to incorporate the current situation of the pandemic with regard to technical inventions that now accompany us in our daily lives into the project. For this reason, you will find all the technical helpers that you need in the home office integrated into the cup. The cables coming out of the floor represent the connection to one’s own home as well as the inevitable pressure of the work ahead.
Thus, the cup itself is the embodiment of a modern man who is at home in quarantine.

Neo[n] Mary setzt sich mit der Repräsentation der Frau in der sakralen Kunst auseinander. Das Christentum ist, wie die meisten Religionen der Gegenwart, weitgehend androzentrisch geprägt und hat darüber hinaus die männliche Dominanz in der Gesellschaft religiös legitimiert. Über die Jahrhunderte wurden starke Frauenfiguren systematisch aus der Bibel gestrichen. Mögliche Identifikationsfiguren beschränken sich auf die heilige, unbefleckte, folg- und schweigsame Maria, die Mutter Gottes oder die böse, sündige Eva, die den „unschuldigen Mann“ verführte und so die Verbannung aus dem ewigen Paradies provozierte. Die Misogynie der Bibel findet vor allem in der Kunst ihren Ausdruck. Maria wird stark auf ihre Mutterrolle reduziert und meist in einer zurückhaltenden devoten Körperhaltung präsentiert, den Blick zur Seite oder zu Boden gerichtet – passiv. Diese Bilder haben sich in unserem kollektiven Gedächtnis manifestiert und werden kaum hinterfragt. Neo[n] Mary transformiert die mittelalterlichen Glasgemälde des Kunstgewerbemuseums in die Gegenwart und löst sie vom Bild der devoten und fügigen Frau. Die Lichtobjekte aus geschichteten Acrylglaselementen zeigen Maria in einer starken und autonomen Rolle – eine laute und poppige Antwort auf Jahrhunderte der Unterdrückung, des Schweigens und stillen Betens.

Neo[n] Mary deals with the representation of women in the sacral art. Like most of the present religions, Christianity is mainly men centred and has religiously legitimized male dominance in society. Over the centuries, strong female figures have been erased systematically from the Bible. Possible identification figures are limited to the holy, immaculate, obedient, and silent Mary, the mother of God, or the evil, sinful Eve, who seduced the “innocent man” and thus provoked banishment from eternal paradise. The misogyny of the Bible finds expression above all in art. Mary is strongly reduced to her role as a mother and is usually presented in a reserved submissive posture, her gaze turned to the side or to the ground – passive. These images have manifested themselves in our collective memory and are hardly questioned. Neo[n] Mary transforms the medieval glass paintings of the Kunstgewerbemuseum Berlin to the present, detaching them from the image of the submissive and compliant woman. The light objects made of layered acrylic glass elements show Mary in a strong and autonomous role – a loud and poppy response to centuries of oppression, silence, and silent prayer.

Fokus dieser Semesterarbeit und der Zusammenarbeit mit dem Kunstgewerbemuseum Berlin, sind die dort ausgestellten Porzellanfigurengruppen der Firma Meißen.

Gestaltet und produziert im 18. Jahrhundert, spiegeln sie naturgemäß die Welt- und Wertedarstellung der damaligen Zeit wieder.

Sie positionieren die wohlhabenden, aristokratischen, weißen, heterosexuellen Charaktere im Zentrum des Modells und auch der damit portraitierten Welt.

So werden Hierarchien klar aufgezeigt, es wird exkludiert, verschwiegen und falsch gezeichnet, schwarze Personen grotesk dargestellt und einer perfiden Rolle zugeschrieben.

Nun ist eine solche künstlerische Darstellung der Weltgefüge im und aus dem 18. Jahrhundert leider nicht weiter verwunderlich, jedoch wird diese im KGM nur sehr oberflächlich inszeniert und präsentiert.

Die Figuren gehen im Meer der anderen Objekte unter, eine Auseinandersetzung mit ihrer Form und dem transzendierten Gedankengut ihrer Schöpfer*innen und der Gesellschaft des ausgehenden 18. Jahrhunderts kann nur bei sehr genauer Beobachtung oder einer trivialen intellektuellen Unterfütterung durch eine gebuchte Tour durch das Museum geschehen.

Genau hier möchte ,PRINT YOURSELF IN GLORY‘ wirken, gegenüberstellen, an den Betrachtenden rütteln, kontextualisieren und durch ein modernes, figuratives 3D gedrucktes Pendant Brücken schlagen.

Ich möchte eine direkte, physische Korrelation zwischen einer antiquierten Darstellung des menschlichen Lebens, einer alten Handwerkskunst und dessen modernem Pendant generieren.

Durch die direkte Gegenüberstellung der museualen Objekte (Figurengruppen von Meißen) und meinen Plastiken sollen klare, subtile Hinweise zu einer Auseinandersetzung mit sozialer Gerechtigkeit, Darstellung von Minoritäten und Hierarchien gegeben werden. Der oder die Empfänger*in kann durch die wechselhafte Betrachtung Perspektiven gewinnen.

Die im SLS Verfahren hergestellten Polyamidfiguren sind einfach ineinander steckbar, lassen sich unterschiedlich kombinieren und bieten so eine verspielte Möglichkeit der Selbstinszenierung und einer temporären räumlichen Konservierung dieser.

The focus of this semesters project and the collaboration with the Kunstgewerbemuseum Berlin are the porcelain figurine groups of the Meissen company exhibited there.

Designed and produced in the 18th century, they naturally reflect the conception of the world and representation of value of the time back then.

They position the wealthy, aristocratic, white, heterosexual characters at the center of the model and also of the world portrayed with them.

Thus, hierarchies are clearly shown, exclusion, concealment and misrepresentation prominently displayed, black people grotesquely portrayed and attributed to a perfidious role.

Now, such an artistic representation of the world structures in and from the 18th century is unfortunately not surprising, but in the KGM it is staged and presented only very superficially.

The figures are lost in the sea of other objects, an examination of their form and the transcendent thought of their creators and the society of the late 18th century can only happen with very close observation or a trivial intellectual underpinning through a booked tour of the museum.

This is exactly where ,PRINT YOURSELF IN GLORY‘ wants to act, to juxtapose, to jolt the viewer, to contextualize, and to build bridges through a modern, figurative 3D printed counterpart.

I want to generate a direct, physical correlation between an antiquated representation of human life, an ancient craft, and its modern counterpart.

Through the direct juxtaposition of the figural groups from Meissen and my sculptures, clear, subtle references to an examination of social justice, representation of minorities, and hierarchies are intended. The recipient can gain perspectives through the changing observation.

The polyamide figures, produced in the SLS process, can be easily inserted into each other, can be combined in different ways and thus offer a playful possibility of self-dramatization and a temporary spatial conservation of these.

…ist ein ironischer Kommentar zu einer Kultur in der Selfcare & Selbstoptimierung als Ersatzreligion fungieren.

Der Glaube an Gott wurde bei vielen Menschen mit dem Glauben an sich selbst abgelöst. Es geht um die ständige Optimierung des eigenen Körpers und des eigenen Geistes. Der verständliche und auch wichtige Ansatz der „Selfcare“ wird in extremen Ausmaßen betrieben. Durch die Verbesserung in allen Lebensbereichen, sei es Schlaf, Arbeit oder Freizeit erhofft man sich ein besseres und ausgefüllteres Leben. Auf der Suche nach der eigenen Perfektion, die massiv von kapitalistischen Interessen befeuert wird, kann man jedoch leicht den Blick für das andere und die anderen verlieren. Zudem kann das konstante vor Augen führen der eigenen Unzulänglichkeiten das Gegenteil von einem zufriedenen Leben bewirken.

In dem animierten Film werden modifizierte Fitnessgadgets in Szene gesetzt. Der Blick der Zuschauer:innen wird durch einen kirchenähnlichen Säulengang aus Marmor geleitet. An seinem Ende befindet sich ein Altar, auf dem drei transformierte Objekte stehen; eine goldene, juwelenbesetzte Hantel auf einem Ständer, ein goldener Medizinball und ein goldener, juwelenbesetzter Proteinshaker. 

Durch die religiöse Inszenierung werden die Fitnessgeräte zu heiligen Objekten der Anbetung und damit zu ironischen Symbolen für eine Kultur die von der eigenen Optimierung besessen ist.

…is an ironic commentary on a culture in which self-care & self-optimization act as a substitute for religion. 

For many people, the belief in God and religion has been replaced by the faith in themselves. It’s about constant optimization of your own body and mind. 

The understandable and also important approach of „self-care“ is being pursued to an extremely high degree. By improving in all areas of life, be it sleep, work or leisure, one hopes for a better and more fulfilling life. In the search for one’s own perfection, which is massively fueled by capitalistic interests, one can easily lose sight of the people and things around him or her. The constant visualization of one’s own inadequacies can lead to the opposite of a happy, fulfilled life. 

In the animated film modified fitness gadgets are staged in a sacred and glamourous way. The eye of the viewer is guided through the insides of a church-like colonnade made of marble. At the end of it is an altar on which three transformed objects are placed; a gold, jeweled dumbbell on a rack, a gold medicine ball, and a gold, jeweled protein shaker. The religious staging turns the fitness equipment into holy objects of worship and therefore ironic symbols for a culture obsessed with its own optimization.

Ich habe ein figürliches Henkelmodell aus dem 16.Jahrhundert aus dem Kunstgewerbemuseum Berlin entführt und es in das 21. Jahrhundert gebracht.  Nach diversen Transformationsprozessen stellte sich mir die Frage, was mein perfekter Henkel wäre. Dabei ist mir aufgefallen, dass ich schon lange keinem Menschen mehr die Hand geschüttelt habe. Mit Abformungen von unterschiedlichen Gesten meiner Hände, habe ich versucht Menschen Nähe zu schenken. Allerdings war ich immer der Hauptakteur. Ein Henkel bildet eigentlich die Schnittstelle zwischen einem Objekt und einem Menschen. Was passiert aber, wenn er zwei Menschen miteinander verbindet? 

Die neue Umgebung in der sich mein Henkel befindet ist eine Vernissage in Zeiten von Corona. Über eine Distanz von 1,5 Metern müssen Gläser nachgefüllt und Häppchen gebracht werden. Es sind verschiedene Modelle entstanden, um diesen Mindestabstand zu garantieren.

I kidnapped a 16th century figurative handle model from the Kunstgewerbemuseum Berlin and brought it into the 21st century.  After various transformation processes, I asked myself how my perfect handle should look like. Thinking about it, I recognized that I haven’t shaken hands with anybody for long time. With molds of different gestures of my hands, I tried to give people closeness. However, I was always the main actor. The handle actually is the interface between a human being and an object. But what happens when the handle connects two people? 

The new environment in which my handle is located is a vernissage in times of Corona. Over a distance of 1.5 meters glasses must be refilled and appetizers must be served. Various models have been created to guarantee this minimum distance.

Das Sammlung’s Objekt des KGM Berlin welches die Basis für die folgenden Auseinandersetzungen bot war der Kasten mit Meßinstrumenten, indem es mein Bestreben ist diesem eine neue Signifikanz zu geben. Faszinierend ist hierbei die Wechselwirkung zwischen diesen Objekten und der Welt Beziehungsweise deren Nutzen. Das Thema messen wurde damit in Verbindung mit dem Sammlungsobjekt zum Semesterthema und Grundlage für Prototypische Entwürfe die verschiedene Aspekte dieses Themas aufwerfen sollen um diese im weiteren zu vertiefen. Dabei stellte der Modellbau sich in diesem Semester als Grundlage vieler Forschungen heraus.

Das NORMale Maß

Dieser Ansatz stellt den Versuch dar das Sammlungsobjekt in einen Zyklus der Zeit und der damit einhergehenden Entwicklung zu bringen. Die aufkommende Genauigkeit und Präzision der Messinstrumente der damalige Zeit ist Basis für die Entwicklung industrieller Prozesse die im weiteren Maße zur Festlegung von Normen in Prozessen und Erzeugnissen einbettete. Hier entstand nun der Versuch diese aus der Zeit und technischen Entwicklung entstandene Erzeugnisse der Messtechnik wieder auf ihren Ursprung zurück zu führen. 

Der Maßlose Abend

Ein Messinstrumenten Kasten für den Erfolg eines Abends unter Freunden ist im wahrsten sinne des Wortes eine Schnapsidee. Jedoch wirft dieses aus der Modellbau Werkstatt mit Sarah Illenberger entstandene Objekt eine sehr interessante Frage auf. Was ist Messbar und was sollte überhaupt messbar sein? Daher stellt dieses Objekt einen Ausgangspunkt dar für zukünftige Auseinandersetzungen mit dem Thema der physischen Messbarkeit sozialer Interaktionen. 

The collection’s object in the KGM Berlin which provided the basis for the following Projects was the box with measuring instruments. The interaction between these objects and the world and their use is fascinating. The topic measuring in connection with the collection’s object became the semester topic and the basis for prototypical drafts which are supposed to question different aspects of this topic in order to further deepen them in the future. Model making turned out to be the basis for my research this semester.   

The NORMal measure  

This approach represents the attempt to bring the collection’s object into the cycle of time and technical development that springs from it. The increasing accuracy and precision of the measuring instruments of that time is the basis for the development of industrial processes, which were further embedded in the definition of norms in processes and products. Here the attempt was made to bring these products of that strive back to their origins, which had arisen from time and technical development.   

The excessive evening

A measuring tool box for the success of an evening among friends is obviously a quiet excessively sarcastic notion. However, this object that was created in the model making workshop with Sarah Illenberger raises a very interesting question. What is measurable and what should be measurable at all? Therefore, this object represents a starting point for future discussions on the subject of the physical measurability of social interactions.

Die kleine Vase aus der königlichen Porzellanmanufaktur Berlin, die eingefroren hinter Glas verweilt, wird im Rahmen der Neobionten auf eine Reise in die heutige Welt genommen. Sie wird aus der Stille entführt und mit in die lebendige Welt genommen. Bei ihrem Transport wird sie verschiedenen Einflüssen ausgesetzt, vor der sie normalerweise geschützt ist. Die Vase nimmt jedoch eine Wandlung zwischen dem Museum und der Außenwelt vor und hat sich in ihrer Materialität verändert. Sie besteht nun nicht mehr aus Porzellan, sondern ist aus flexiblem TPU. Die Vase wird durch das Vakuumieren platzsparend und sicher verpackt. Das Transportieren wird vereinfacht. Zuhause kann der Museumsbesucher die Vase selbst hinter der Vitrine hervorholen und ihr Leben einhauchen in dem er sie nutzt. 

Im Rahmen der neobiontischen Reise kommt die Vase als Pitch für ein Merchandise für das KGM Shop zurück ins Museum. 

The small vase from the royal porcelain factory in Berlin, which lingers frozen behind glass, is taken on a journey into today’s world as part of the neobionts. She is kidnapped from silence and taken into the living world. During its transport it is exposed to various influences from which it is normally protected. However, the vase undertakes a change between the museum and the outside world and  has changed in its materiality. It is no longer made of porcelain but is made of flexible TPU. The vase is packed securely and space-saving by vacuuming. Transporting is simplified. At home, the museum visitor can pull out the vase from behind the showcase and breathe life into it by using it.

As part of the neobiontic journey, the vase comes back to the museum as a pitch for merchandise for the KGM shop.

Ein Zusammenhang auf den ich im Laufe meiner Recherche rund um das Thema Gefäße immer wieder gestoßen bin, war das Thema Leben und Tod. Die Vase symbolisiert den Anfang und das Ende in einer Welt, das Leben und der Tod wird hier in einer Form repräsentiert. Im kunsthistorischen Kontext repräsentiert die Vase zusammen mit anderen sehr symbolträchtigen Elementen, einerseits Reichtum, Luxus und Verschwendung, aber auch die damit verbundene Vergänglichkeit der Dinge bzw. des Lebens. In meinem Ansatz werden die Objekte nicht mehr nur als Symbol für etwas verstanden, sondern werden selbst zum Hauptakteur, die genau diese Lebendigkeit und gleichzeitige Vergänglichkeit verkörpern sollen. Ausgehend von diesen Überlegungen ist eine lebendige und somit auch vergängliche Objektreihe entstanden, die einen Gegenpol zu den perfekt präservierten und statischen Objekten im Kunstgewerbemuseum darstellen soll. Als Mittel der Lebendigkeit wurden Bakterien auf einem Agarnährboden und einer dreidimensionalen Form gezüchtet.

One connection I came across again and again in the course of my research on the subject of vessels was the theme of life and death.  Life and death are represented here in one form of an object. In the context of art history, the vase, together with other very symbolic elements, represents on the one hand wealth and luxury, but also the associated transience of life. In my approach, the objects are no longer understood as a symbol of something, but become the main actor themselves, which are supposed to embody exactly this liveliness and simultaneous transience. Based on these considerations, a living and therefore also transient series of objects were created. This should also be a counterpart to the perfectly preserved and static objects in the  Kunstgewerbemuseum. As a tool for liveliness, bacteria were grown on an agar soil and a three-dimensional form.