Das Metaverse. 

Die neue Art des Internets. Aus Machtmonopolen werden Blockchains. Zweidimensionale Websites werden zu dreidimensionalem Raum. Menschen werden von Nutzenden zu Bewohnenden. Von Entwickler*innen zu Avataren. Werden von Fleisch und Blut zu 1 und 0. Potenziell die größte Mutation der Menschheitsgeschichte. Wir leben mit einer zweiten Identität im Netz. Treffen uns in digitalen Räumen zum Arbeiten, investieren unser Geld in NFTs und Cryptowährungen und kaufen NFT-Klamotten für unsere Avatare. All das scheint schon sehr real. 

Aber wie sieht unser persönliches digitales Leben aus? Sollten wir tatsächlich unsere Körper zurücklassen und den Großteil unserer Zeit als Avatare im Metaverse verbringen. Wie würden wir dort leben? Wie sähe unsere Umgebung aus? Mit was würden wir unsere Zeit vertreiben? Wie erleben wir Inhalte wie Nachrichten oder anderen Content im Metaverse? Mit diesen Fragen beschäftigt sich MY.META. Eine Sammlung von Gedanken, wie wir uns das Metaverse zu nutzen machen könnten und eine App, die das dreidimensionale Erleben von Social Media Inhalten ermöglicht und damit neue Arten der Interaktion offenlegt.

The metaverse. 

A new kind of internet. Monopolies become blockchains. Two dimensional websites turn into three-dimensional rooms. Humans evolve from users to residents. From developers to avatars from flesh and blood to 0 and 1. Potentially the biggest mutation in the history of humankind. We are living in the metaverse with a second identity. Arrange meetings in digital rooms, invest our money in NFT and Crypto and buy digital clothes for our avatars. All of that doesn’t seem to far off.

But what does our personal digital life look like? If we actually left our bodies behind to spend most of our time as avatars in the metaverse. How would we live there? What would our environment look like? What would our pastime be? How would we experience content like news or social media posts? MY.META is dealing with these questions. A collection of thoughts about how we can utilize the metaverse and an app, which lets the user experience their social media content in VR and thereby reveals new kinds of interaction.

Mutanten aus feinsten Porzellan zur Wertschätzung all dem, was gesellschaftlich als nichtig, unpassend, ekelig, hässlich, abscheulich, abfallend, schlecht, aber doch selbstverständlich wahrgenommen wird. Für die Abtrünnigen, Außenseiter, gebrochenen und unsichtbaren – Ich habe ein Teeservice entwickelt und bringe damit die Straße auf den Tisch für ein unbequemes Kaffeekränzchen. Das Projekt befindet sich noch in der Produktion und Weiterentwicklung, dies ist eine Art Zwischenbericht. Die Mutation begegnet sich dort, wo sich die Form und Material trifft: Nach langem und vielen recherchieren, Brainstorming und Feedbackgesprächen. Kam meine Entscheidungen erst im Prozess. Durch viele Tests in verschiedenen Materialien, wie Ton, Papier, Styrodur wurde für mich erst sichtbar, was überhaupt möglich ist, um auf meine Vorstellungen zu kommen. Ich habe mir ganz feine, realistische Müllcontainer aus Porzellan vorgestellt. Durch das Porzellan kam die Vereinfachung. Da im Prozess zum Porzellan gießen, erst ein mal Gipsformen hergestellt werden müssen – Positiv und Negativ-, diese sollten so einfach wie möglich gehalten werden und wichtig ohne hinter schnitte sein, damit das Porzellan Objekt am Ende auch gut herausnehmbar ist. Deswegen musste ich alle Details der Container entfernen. So einstanden meine Formen der endgültigen Modelle. Mit dem Material und der Formen-Geschichte entsteht die Mutation. Der Gegensatz von den großen, groben, schweren, robusten Containern und dem Porzellan, meist in Weiß, zart, zerbrechlich und fein. Mache ich das grobe zerbrechlich. Dadurch gebe ich dem, was gesellschaftlich als nichtig, unpassend, ekelig, hässlich, abscheulich, abfallend, schlecht, aber doch selbstverständlich wahrgenommen wird, eine Sichtbarkeit und Wertschätzung im Umgang mit diesen.

Mutants made out of the finest porcelain to glorify what is socially considered to be vain, inappropriate, disgusting, ugly, abominable, declining, bad, but still perceived as obvious. For the renegades, misfits, broken and Unseen. I made this Tea Setting to bring the street to the dining table and to create the best uncomfortable Teaparty. The project is still in production and further development, this is a kind of interim report. Mutation meets where form and material meet: After a lot of research, brainstorming and feedback discussions. My decisions came only in the process. Through many tests in different materials, such as clay, paper, Styrodur, it became clear to me what is actually possible to come up with my ideas. I imagined very fine, realistic porcelain waste containers. The simplification came through the porcelain. Since in the process of casting porcelain, plaster molds first have to be made – positive and negative – these should be kept as simple as possible and importantly without undercuts so that the porcelain object can also be easily removed at the end. So I had to remove all the details of the containers. This is how my molds of the final models came into being. The mutation arises with the material and the history of the form. The contrast between the large, rough, heavy, robust containers and the porcelain, mostly in white, delicate, fragile and fine. I make the rough fragile. In this way, I give visibility and appreciation to what is socially perceived as insignificant, inappropriate, disgusting, ugly, abominable, degrading, bad, but still taken for granted.

Eine Mutation beschreibt die dauerhafte Veränderung des Erbgutes. Eine Veränderung des Lebenstils? Der Haltung? Der Gewohnheiten? Mutation in den gesellschaftlichen Kontext gestellt, bedeutet die Veränderung von alt eingespielten Sitten, Bräuchen und Kulturen. TANTE EMMA widmet sich der Esskultur und wirft eine spekulative Sicht in die Zukunft.

Welche Beziehung werden wir zukünftig zu Insekten pflegen? Werden wir sie nicht mehr als Plage oder Feind jedes Bauern betrachten, sondern als eine nahrhafte Proteinquelle? Schaffen wir es sogar, dass der Mensch mit dem Insekt eine tiefgründigere bedeutende Beziehung eingehen kann? Eine Bindung die auf Faszination, Respekt und Gleichwertigkeit beruht. Wie die eines Kindes, wenn es zum ersten mal, ganz unvoreingenommen auf etwas Neues stößt. Wenn diese Haltung nicht durch die Meinung vorheriger Generationen unterdrückt wird, sondern dem Interesse Neuem nachzugehen, Freiheit gegeben wird. Wie würde sich dadurch die Sicht der Menschheit auf Insekten ändern? Nehmen wir mal an, wir adaptieren die Offenheit und Unvoreingenommenheit der jeweils jüngsten Generation. Werden wir dann in der Lage sein selber Veränderung zu zu lassen? Wird die Haltung der Menschheit mutieren?

TANTE EMMA konnotiert Insekten neu.
Bringt neue Wertigkeit und Transparenz.
TANTE EMMA spielt mit der Provokation.
Kontextualisiert die Hypermutation.

A mutation describes a permanent change in the genetic material. A change in lifestyle? Attitude? Habits? Put in a social context, mutation means a change in long-established customs, traditions and cultures. TANTE EMMA is dedicated to the food culture and gives a speculative view of the future.

What kind of relationship will we have with insects in the future? Will we no longer see them as a pest or enemy of every farmer, but as a nutritious source of protein? Will we even manage to form a more profoundly significant relationship with the insects? A bond based on fascination, respect and equality. Like that of a child when it encounters something for the first time, without any preconceptions. If this attitude is not suppressed by the opinion of previous generations, but freedom is given to the interest in pursuing something new. How would this change humanity’s view of insects? Let’s assume that we adapt the openness and impartiality of the youngest generation. Will we then be able to allow change ourselves? Will the attitude of humanity mutate?

TANTE EMMA connotes insects in a new way.
Brings new values and transparency.
TANTE EMMA plays with provocation.
Contextualises hypermutation.

Taggen ist nichts anderes als das schreiben von Hand, meistens an Wände oder auf Objekte. dabei geht es vor allem um seine eigene Duftmarke und persönlichen Handschrift, die man so stylisch und individuell wie möglich ausdrückt. ein Tag muss nicht unbedingt lesbar sein, viel mehr soll es ein ästhetisches Gesamtbild geben. Außerdem kann ein Tag viele verschiedene Bedeutungen haben, wie eine Reviermarkierung,  ein Gruß oder ein ich war hier. da es beim taggen viele verschiedene Stile gibt, beschäftige ich mich mit dem „one liner“, also ein Tag, der aus einer Linie besteht. dabei geht es darum einen schnellen und beiläufigen Tag anzubringen und das Zeichenutensil so wenig wie möglich abzusetzen. dies habe ich mit mehreren Modellen aus einem langen Papierstreifen umgesetzt, anschließend aus einem Acrylglas- und Stahlblechstreifen. Meine Mutation besteht darin, den Tag von der Wand zu nehmen und als dreidimensionales Objekt zu übersetzen in einer neuen Objektsprache, also eine neue weise der Kommunikation. dadurch kann man meinen Tag berühren und die ecken, Kanten und kurven spüren, um eine Verbindung mit dem Objekt aufbauen zu können.  Da das neue Objekt keine Wand mehr benötigt, kann es überall platziert werden. Somit entsteht ein neuer öffentlicher Raum, man kann ihn zwar nicht begehen aber man kann sich drum herum setzen, bemalen, anfassen oder als Treffpunkt nutzen. 

Tagging is nothing more than writing by hand, mostly on walls or objects. it’s all about your own scent brand and personal signature, which you express as stylishly and individually as possible. a tag does not necessarily have to be legible, there should be an overall aesthetic picture. In addition, a tag can have many different meanings, such as marking territory, a greeting or I was here. Since there are many different styles of tagging, I’m dealing with the „one liner“, i.e. a tag that consists of one line. the point is to set up a quick and casual tag and set the drawing implement down as little as possible. I have implemented this with several models from a long strip of paper, then from a strip of acrylic glass and sheet steel. My mutation consists of taking the tag off the wall and translating it as a three-dimensional object into a new object language, i.e. a new way of communicating. this allows you to touch my tag and feel the corners, edges and curves to connect with the object. Since the new object no longer requires a wall, it can be placed anywhere. This creates a new public space, you can’t walk through it, but you can sit around it, paint, touch it or use it as a meeting place.

Die „Shabtu“-Objekte und -Namen sind eine mutierte Version des jüdischen Shabbat-Rituals. Shabbat ist die Bezeichnung für den siebten Tag der Woche im jüdischen Kalender, also den Samstag. Das Shabbat-Prinzip ist sehr einfach: Man sollte das Wochenende nutzen, um innezuhalten und alles zu unterlassen, was man an den Wochentagen tut. Der Name des traditionellen Shabbat-Rituals ist ‚Kiddusch‘ (hebräisch: „Heiligung“). Das Ziel des Kiddusch-Rituals ist es, zwischen dem Shabbat (Wochenende) und den Wochentagen zu unterscheiden. Das Ritual wird an einem Kidduschbecher mit Wein praktiziert, während das Shabbatgebet gesprochen wird, und wird normalerweise vom männlichen Familienoberhaupt geleitet.

Das Shabbat-Prinzip, mit dem ich mich in diesem Projekt befasst habe, hat nichts mit Glauben oder Gott zu tun, sondern mit dem wachsenden Bedürfnis, einen oder zwei Tage pro Woche zu haben, an denen ich mir bewusst erlaube, innezuhalten, mir Zeit für mich selbst zu nehmen und mich von dem intensiven Wettlauf, der das Leben manchmal sein kann, abzukoppeln. Das Wort Shabbat bedeutet ‚er pausierte‘ und das Wort Shabtu ist eine erfundene Mutation des Wortes ‚Shabbat‘, das geschlechtsneutral ist und ’sie pausierten‘ bedeutet.

Die Shabtu-Objekte sind aus Steingut gefertigt und bestehen aus einer hohen Weinkaraffe und vier runden Gläsern. Das Shabtu-Ritual folgt demselben Prinzip wie das Shabbat-Ritual, nämlich zwischen dem Wochenende und den Wochentagen zu unterscheiden. Das Ritual beginnt, wenn die Karaffe mit Wein gefüllt ist und alle vier Gläser auf den Zylinder der Karaffe gestellt werden. Der Wein muss in die Gläser gegossen werden, aber dazu müssen alle vier Gläser zuerst in die Mitte des Tisches gestellt werden. Die Karaffe wird an die Teilnehmer weitergereicht und jeder Teilnehmer stellt ein Glas ab. Dann wird die Karaffe erneut weitergereicht und jeder Teilnehmer gießt den Wein in einer kreisenden Armbewegung in die runde Hohlglasachse. Nachdem alle Gläser gefüllt sind, kommt die Zeit für einen persönlichen Moment des Shabtu. Jeder Teilnehmer hält das Glas an Mund und Nase, damit er den Wein riechen und spüren kann, und nimmt sich einen Moment Zeit zum Pausieren und Nachdenken.

The ‘Shabtu’ objects and names are a mutated version of the Jewish Shabbat ritual. Shabbat is the name of the seventh day of the week in the Jewish calendar, which is Saturday. The Shabbat principle is very simple: one should take the weekend time for pausing and stop doing anything that one does during the weekdays. The name of the traditional Shabbat ritual is ‘Kiddush’(Hebrew:“Sanctification”). The aim of the Kiddush ritual is to distinguish between the Shabbat(weekend) and the weekdays. The ritual is being practiced over a Kiddush cup of wine while saying the Shabbat prayer and is usually led by the male head of the household.

The Shabbat principle that I have dealt with in this project has nothing to do with faith or god, but with the growing urge I felt to have a day or two each week in which I am knowingly allowing myself to pause, dedicate time for myself and disconnect myself from the intensive race that life can sometimes be. The word Shabbat means ‘he paused’ and the word Shabtu is an invented mutation of the word ‘Shabbat’, which is gender-neutral and means ‘They paused’.

The Shabtu Objects are made out of stoneware and include one tall wine carafe and four rounded glasses. The Shabtu ritual is carrying the same principle as the Shabbat ritual-to distinguish between the weekend and the weekdays. The ritual starts when the carafe is filled with wine and all four glasses are placed upon the cylinder of the carafe. The wine needs to be poured into the glasses but in order to do so, all four glasses have to be placed first at the center of the table. The carafe is being passed among the participants and each participant puts one glass down. Then the carafe is being passed again and each participant is pouring the wine in a circular arm movement into the rounded hollow glass axis. After all glasses have been filled, the time comes for a personal moment of Shabtu. Each participant is holding the glass near to his mouth and nose, so he can smell and sense the wine, and takes a moment for pausing and reflecting.

15 Latten, davon 13 mit einem quadratischen Profil und zwei mit einem rechteckigen und zwei Holzbretter sind die visuell wahrnehmbaren Bestandteile des Rot-blauen Stuhls von Gerrit Rietveld. Durch sowohl die Position und den Aufbau, aber auch die Farbgebung, ist dieser Stuhl ein nicht zu verwechselnder Designklassiker. Doch wie verändert sich die Wahrnehmung dieses Stuhl unter diversen Veränderungen und Abstraktionen dieses Stuhls?

Im Rahmen meines Projekts habe ich mich mit der Farb- und Formveränderung des Rot-Blauen Stuhls auseinandergesetzt mit der schlussendlichen vollen Abstraktion vom Stuhl zu 2 Paletten, die von Studenten als kostengünstige Alternative dienen, ein Bettgestell zu bauen. Aber giftige Kleber, die in den Paletten enthalten sind, machen sie eigentlich ungeeignet für den Bettenbau. Lasst Paletten Paletten sein und benutzt in Zukunft vielleicht einfach bestehende Möbel für den Gestellbau.

5 slats, 13 of them with a square profile and two with a rectangular one and two wooden boards are the visually perceptible components of the Red and Blue Chair by Gerrit Rietveld. By both the position and the structure, but also the color scheme of its components, this chair is a design classic that cannot be mistaken. But how does the perception of this chair change under various tweaks and abstractions of this chair?

As part of my project, I looked at the color and shape changes of the Red and Blue Chair with the eventual full abstraction from the chair to 2 pallets used by students as a low cost alternative to build a bed frame. But toxic glues contained in the pallets actually make them unsuitable for bed construction. Let pallets be pallets and maybe in the future just use existing furniture for frame construction.

Die vier hier gezeigten Kurzzeitprojekte stehen alle unter dem Thema Hypermutation. Wie verändern sich Dinge, Lebewesen, wie verändern wir uns und wie können wir aktiv Einfluss auf diese Veränderungen nehmen um diese Entwicklung, diese Mutation zu beschleunigen, um sie zur hypermutation zu machen? Allen vier arbeiten liegt auch eine Form von Naturalität zugrunde, das Luftpartikel, das mit Glück vielleicht sogar genau so existieren kann, der Regenschirm, der nicht mehr aus Kunststoff und ausgeklügelter Metallkonstruktion besteht, sondern aus Materialien, die die Natur uns einfach so vor die Füße legt und die genauso leicht auch wieder in diesen Zyklus des Entstehen und Verrotten zurückgeführt werden können. Wir können unsere Träume ganz einfach mit nur ein bisschen Käse beeinflussen und zu unserem Vorteil verbessern, sind allerdings nicht nur auf uns selbst begrenzt sondern können mit Eingriffen auch Bäume und sogar einen ganzen Wald zu unseren Gunsten verändern. Immer wieder in den vergangenen Monaten half auch ein Blick auf Philosophen und Land Artists der Sechziger und Siebziger Jahre, um einen Eindruck davon zu bekommen wonach sie auf der Suche waren und woher beispielsweise Andy Goldsworthy oder Sigurdur Gudmundsson ihre Inspiration und ihre visuelle Sprache fanden. 

The four short projects shown here all deal with the topic of the hypermutation. How do things change, living things, how do we change and how can we actively influence these changes to accelerate this development, this mutation to make it a hypermutation? All four of them also have some form of naturality in them, the air particle that could maybe exist exactly like that, the umbrella that isn’t made plastic and throughoutly engineered metal construction but from materials nature simply gives to us and that can be returned to that cycle just as simple. We can influence our dreams with only a bit of cheese and change them for the better. We are not only limited to ourselves but can shape trees and whole forests with simple interventions. In the recent months looking to philosophers and land artists from the sixties and seventies always helped to get an insight what the were searching for and where for example Andy Goldsworthy or Sigurdur Gudmundsson found inspiration and their visual language.

In MYCOTOPIA durchzieht eine Symbiose von Pilz und Mensch alle Bereiche des Lebens: Die Menschen haben in Design und Architektur Raum geschaffen für Hypermutationen im Reich der Pilze – begonnen mit Bausteinen, aus denen Städte, Straßen und Häuser erwachsen, geschaffen durch Myzel: Pilze lösen Nährstoffe mit Hilfe von Enzymen aus ihrer Umgebung auf und nehmen diese zu sich. Als Nahrungsquelle können sie so Zellulose nutzen, die aus verschiedenen Reststoffen aus der Agrar- oder Forstwirtschaft wie Stroh, Hanf-Schäben und Holzspänen bezogen werden kann. Dieses dreidimensionale Pilznetzwerk verdichtet das Pflanzenmaterial zu einem festen Verbundwerkstoff, der verschiedene Dichten und damit Eigenschaften haben kann. Das Pilzmyzel bildet somit einen biologischen Mörtel. Myzel kann als Basis für Verbundwerkstoffe eingesetzt werden, die als Isolierung für Thermik, Akustik oder Brandschutz Eigenschaften dient. Mit der MYCOMOULD lässt sich ein vielseitig einsetzbarer Baustein herstellen. Die Vorbereitung der Biomasse benötigt drei Wochen, die Fertigstellung weitere 10-15 Tage. Verschiedene Steckmöglichkeiten ermöglichen das Bauen großer Strukturen ohne zusätzliche Verbindungsmaterialen. Bei kleineren Teilen wie Möbeln könnten die Bausteine vor dem Abtöten der Pilze aufeinander gesetzt werden. Wird das gesamte Objekt in einem sterilen Umgebung gehalten, werden die einzelnen Teile zu einem großen zusammenwachsen ihre Form jedoch beibehalten. Im architektonischen Maßstab ist weder das sterile Zusammenwachsen noch das Abtöten durch Erhitzen der Pilz Elemente möglich. Durch sein Wachstum hinein in Beton, Zement oder Holz jedoch kann der Pilz-Pflanzen-Verbundwerkstoff mit einem dritten Material fest verbunden werden, das zum Bau großer Strukturen notwendig wäre.

In MYCOTOPIA a symbiosis between fungi and humans permeates all areas of life: In design and architecture, humans have created space for hypermutations in the realm of fungi – starting with building blocks from which cities, roads and houses are grown, created by mycelium – fungi dissolve nutrients from their environment with the help of enzymes. As a food source, they can thus use cellulose, which can be obtained from various agricultural or forestry residues such as straw, hemp shives and wood chips. Functioning as a biological mortar this three-dimensional fungal network compresses the plant material into a solid composite material that can have different densities. Mycelium can be used as a base for composite materials, acting as insulation for thermal, acoustic or fire protection properties. MYCOMOULD can be used to produce a versatile building block with applications in design and architecture. Preparation of the biomass for a brick requires three weeks, completion another 10-15 days. Various plug-in options allow for building of large structures without additional connecting materials. For smaller parts such as furniture, the building blocks could be placed on top of each other before being killed by heatdrying. If the entire object is kept in a sterile environment, the individual parts will coalesce into one large one but retain their shape. On an architectural scale, neither sterile coalescence nor heating and killing the fungal elements is possible. However, by growing into concrete, cement, or wood, the fungus-plant composite can be firmly bonded to a third material that would be necessary to build large structures.

Birken sind bekannt für ihre weiß schimmernde Rinde und somit bereits aus weiter Ferne gut zu erkennen. Doch was würde geschehen, wenn aufgrund einer durch äußere Umstände ausgelösten Mutation die Bäume Sonnenenergie in ihrer Rinde aufnehmen, speichern und auch wieder abgeben könnten? Das Projekt “From White to Light” simuliert eine Mutation in einer utopischen Welt, in der Birken beginnen, im Stamm gespeichertes Licht über angewachsene Baumpilze oder sich ablösende Rindenstreifen nach außen abzugeben. So kann besonders in der Stadt eine neue Wechselwirkung zwischen Natur und Mensch entstehen. Dies wäre eine natürliche und nachhaltige Alternative zu bisherigen Leuchtquellen wie zum Beispiel Straßenlampen. 

The white bark of birch trees makes them easily recognizable from a distance and is one of the main characteristics of the tree. However, what would happen if trees, due to mutation triggered by external circumstances, were able to absorb, store and release solar energy in their bark? The project titled “From White to Light” simulates a mutation in a utopian world in which birch trees begin to emit light stored in the trunk to the outside via overgrown fungi or peeling bark. Thus, a new interaction between nature and people can develop, especially in the city. In contrast to previous sources of light such as street lamps, this would be a natural and sustainable option. 

Wir Menschen bezeichnen uns selbst als die anpassungsfähigsten Lebewesen unseres Planeten. Über eine lange Zeit der Evolution sind wir nicht nur zu dem geworden was wir sind, sondern haben auch unser Umfeld zu dem gemacht, was wir wollen. Die Umgebung modelliert, uns und die Welt verändert, in die Form gebracht wie wir sie uns wünschen. Nicht starr, stetig im Wandel befindet sich der Wunsch nach Transformation,
Adaption… an neue Umstände und andere Orte, an die derzeitige Situation sowie die zukünftigen.

„HYPERMUTATIONS“

Das Projekt „Foamablity“ befasst sich mit Veränderung, Adaption und Entfremdung beziehungsweise der erneuten Nutzung und neuen Kontextualisierung von Schaumstoff. Ein Material, bestehend aus dem Werkstoff für die Ewigkeit – Kunststoff. 

Ein Material, dass von dem Menschen geschaffen wurde, um bestimmte Eigenschaften zu erzielen, die nicht mit herkömmlichen Naturrohstoffen erreicht werden können. In diesem Projekt soll es aber nicht um die Verbesserung der Welt oder der Verwendung eines nachhaltigeren Materials gehen. Es ist vielmehr eine konzeptionelle Auseinandersetzung mit dem Übriggebliebenen. Durch eine  spielerische und experimentelle Arbeitsweise, ist die Verwendung von alten Matratzen, Schaumstoffresten und gefundenen beziehungsweise vorhandenen Gestellen, Materialien und einfachsten Utensilien, zu einer Reihe von Möglichkeiten geworden, das bereits Vorhande zu etwas Neuem werden zu lassen. Die Mutation von dem was wir geschaffen haben, nicht verwertet haben, gleichzeitig erneut Form annimmt oder besser gesagt sich dieser beugt und biegt.

Have foam!

We humans describe ourselves as the most adaptable creatures on our planet. Over a long period of evolution, we have not only become what we are, but have also made our environment what we want it to be. Modelled the environment, changed ourselves and the world, shaped it into the form we want it to be. Not rigid, constantly changing is the desire for transformation, adaptation… to new circumstances and other places, to the present situation as well as the future.

„HYPERMUTATIONS“ 

The project „foamablity“ deals with change, adaptation and alienation, respectively the renewed use and new contextualisation of foam.

A material consisting of the material for eternity – plastic. A material that was created by the human being in order to achieve certain characteristics that cannot be achieved with conventional natural raw materials. However, this project is not about improving the world or using a more sustainable material. Rather, it is a conceptual exploration of what is left over. Through a playful and experimental approach, the use of old mattresses, foam remnants and found or existing frames, materials and the simplest utensils has become a series of possibilities for turning what already exists into something new. The mutation of what we have created, not recycled, at the same time takes shape again, or rather bends and flexes it.

Have foam!

Die Lebensbedingungen ändern sich, die Umwelt ändert sich, und ebenso muss die Spezies mutieren, sich anpassen, umwandeln und sich in glücklichen Fällen weiterentwickeln. Transformation, permanente Veränderung als Teil der Existenz, um weiter zu sein. Mutation ist die Natur eines jeden Wesens und die Natur ist weise. Die Umwelt beeinflusst das Lebewesen und formt es um, und die Lebewesen wiederum beeinflussen sich gegenseitig und die Welt um sie herum, so dass der Kreislauf weitergeht. Mutation ist eine Konstante, die in verschiedenen Größenordnungen und Geschwindigkeiten auftritt und Teil eines jeden von uns ist, der wiederum Teil des Ganzen ist. Die Gesichtsmaske ist zu einem unverzichtbaren Bestandteil des Alltags geworden, ihre Verwendung ist eine Notwendigkeit und ein Muss. Sie verändert die Art und Weise, wie wir unsere Umgebung wahrnehmen, und die Art und Weise, wie andere uns wahrnehmen. Dieser kleine Gegenstand hat unser Verhalten radikal verändert. Seine Bedeutung ist sehr subjektiv. So wie der Virus, vor dem uns die Maske schützt, immer wieder mutiert, so könnte auch die Maske in Form und Funktion mutieren und dabei vielleicht eine andere Bedeutung erlangen, ein anderes Verhalten hervorrufen, eine andere Rolle einnehmen, eine neue Geschichte erzählen. Wir tragen sie so viele Stunden lang, dass sie sich wie eine zweite Haut anfühlen kann, wie eine Verlängerung von uns selbst. Könnte sie dann eine solche Rolle übernehmen? Sie verbleibt auf unserer Haut als Teil unseres Wesens, anstatt in unseren Taschen gequetscht und verschmutzt zu werden, bis wir sie wieder tragen. Was kann sonst noch neu bewertet, neu gedacht werden? Mein Ziel ist es, mich auf die Maske und ihr Entwicklungspotenzial zu konzentrieren.

Living conditions change, the environment changes, and in the same way the species must mutate, adapt, convert and in fortunate occasions evolve. Transformation, permanent change as part of existence in order to continue being. Mutation is the nature of every being and nature is wise. The environment influences, reshapes the creature and in turn the creatures influence each other and the world around them, so the cycle continues. Mutation is a constant that occurs at various scales and speeds, is part of each of us, who in turn are part of the whole. The facemask has become a daily essential, using it is a necessity and a must. It completely changes the way we perceive our environment and the way others perceive us. This small object has radically transformed our behavior.  Its meaning is quite subjective. Just as the virus, from which the mask protects us, keeps mutating, so might the mask mutate in form and function and perhaps in the process acquire a different meaning, cause a different behavior, take on a different role, tell a new story. Facemask is a game changer. We wear it for so many hours that they can feel like a second skin, like an extension of ourselves. Could it then be able to assume such a role? Staying on our skin as part of our being instead of getting squeezed and contaminated in our pockets until re-worn. What else can be reevaluated; rethought? My aim is to focus on the mask and its potential for development.

Ein Quadrat— viele verschiedene Formen, die daraus gefaltet werden können. Das ist das besondere an der Origami-Kunst. Davon inspiriert entstand mein Projekt Der springende Punkt. Ein quadratisches Verpackungspapier, das aus einem Polymer mit Formgedächtnis (Shape Memory Polymer) 3D gedruckt wurde. Unter Wärmeeinfluss, lässt sich die flache Form immer wieder neu zu individuellen Verpackungen verformen, da sie in erwärmtem Zustand wieder zurück in ihre ursprüngliche Position zurückspringt. Gedacht ist es speziell für empfindliche Lebensmittel, wie z.B. Beeren, Tomaten, Pilze oder Chips, die normalerweise dazu neigen im vollen Einkaufsbeutel zerdrückt zu werden und auf die auch auf Lieferwegen nicht viel Rücksicht genommen wird. Als Mehrwegverpackungen sind sie auch um einiges umweltfreundlicher, als viele Verpackungen, die bisher in Supermärkten existieren, ob Plastik oder Papier, das auch nach mehrfachem Falten schnell reißen kann. 

Die Einsparung von Ressourcen und eine umweltfreundlichere Lebensweise sind in der heutigen Gesellschaft bereits ein großes Thema, sollten aber in Zukunft noch mehr an Wichtigkeit gewinnen. Denn was ist wichtiger als der Planet auf dem wir leben? Dies ist eben der springende Punkt.

One square – many different shapes that can be folded from it. That is the special thing about origami art. Inspired by this, my project was born. A square packaging paper that was 3D printed from a polymer with shape memory. With the influence of heat, the flat shape can be reshaped again and again into individual packaging, as it springs back to its original position when heated. It is intended especially for delicate foods, such as berries, tomatoes, mushrooms or crisps, which normally tend to get crushed in a full shopping bag and are not given much consideration on delivery routes. As reusable packaging, they are also a lot more environmentally friendly than a lot of the packaging that exists in supermarkets so far, whether plastic or paper, which can tear quickly even after being folded several times. 

Saving resources and living a more environmentally friendly lifestyle are already a big issue in today’s society, but should become even more important in the future. After all, what is more important than the planet we live on? 

Die somatische Hypermutation beschreibt den Vorgang der Ausreifung der Antikörper unseres Immunssystems, die Idee ist eine möglichst breite Variation an Antikörpern zu haben um für jeden Virus den passenden Antikörper zu haben. Dieses Konzept habe ich auf den Menschen übertragen, ich benutze den menschlichen Körper als den KÖRPER und verschiedene Stühle als ANTIKÖRPER. So soll auch jeder KÖRPER seinen passenden ANTIKÖRPER haben. Eine weitere Muation findet in dem Halbzeug statt, als Kategorie für Stühle habe ich mir Freischwinger ausgesucht, die normalerweise aus Rohren bestehen. Die Idee war es weg zu kommen von den Rohren und hin zum Metallblech. Durch Sicken im Stahlblech konnte ich das Blech versteifen und anschließend in Form bringen. Als Prototypen habe ich einen meiner drei entworfenen Stühle gebaut. Aus einem 1650mm x 460mm x 2mm Stahlblech wurde der ANTIKÖRPER-1 geformt. Mithilfe von vier Matrizen und zwei Pressen konnte ich das Blech verformen, so wie ich es Entworfen hatte. Der Prototyp war auch ein Experiment, teils hat es die Erwartungen erfüllt, teils auch nicht, durch ein paar Ungenauigkeiten hält der Stuhl nur kleinere und leichtere Personen aus. Das ist aber auch in Ordnung, weil die ANTIKÖRPER ja auch immer nur auf einen KÖRPER gut passen.

Somatic hypermutation describes the process of maturation of the antibodies of our immune system, the idea is to have the widest possible variation of antibodies to have the appropriate antibody for each virus. I have transferred this concept to humans, I use the human body as the BODY and different stools as the ANTIBODY. So also every BODY should have its matching ANTIBODY.  Another muation takes place in the semi-finished product, as a category for chairs I have chosen cantilever chairs, which are usually made of tubes. The idea was to get away from the tubes and towards the metal sheet. By beading the sheet steel, I was able to stiffen the sheet and then shape it. As a prototype, I built one of my three designed chairs. The ANTIBODY-1 was formed from a 1650mm x 460mm x 2mm steel sheet. With the help of four dies and two presses I was able to form the sheet metal as I designed it. The prototype was also an experiment, partly it met the expectations, partly not, due to some inaccuracies the chair can only support smaller and lighter persons. But that’s okay, because the ANTIBODIES always fit well only on one BODY.

Aus der Dauerausstellung des Kunstgewerbemuseums in Berlin wurden im Rahmen des Entwurfsprojektes Neobionten Willkomm-Pokale entführt und in die Heutige Zeit versetzt. 

Die ersten Willkomm-Pokale, stammen aus der frühen Neuzeit und dienten als große Trinkgefäße. Der Brauch war es, eine zu ehrende Person oder Gast mit einem Trunk aus einem kostbaren Gefäß zu begrüßen. Die Verwendung des Willkomms war fester Bestandteil der Rituale in Versammlungen, Zeremonien und festlichen Anlässen adeliger Gesellschaften oder bürgerlicher Korporationen, insbesondere Zünften.

Das Bild eines Pokales, aus dem jeder trinken kann, ist ein Bild geprägt von Zusammengehörigkeit, des Zusammenseins.

Aufgrund der aktuellen Weltsituation verschwindet der Gedanke an einen Willkomm, aus dem alle gemeinsam trinken, eher schnell. Fragen wie, wie können wir nach Monaten des „social distancing“ wieder zusammenfinden? – Wie können wir gemeinsam feiern? – Oder anders gefragt: Wie kann aus den vielen vereinzelten Individuen eine Einheit werden und welche Rolle spielen dabei Rituale? – kommen auf. 

Sehr kraftvoll ist jedoch das Bild eines gemeinsamen Trinkgefäßes, das in der Mitte einer Gruppe steht, um gemeinsam auf einen besonderen Moment anzustoßen. 

Willkomm vol. II bringt die vereinzelten Individuen der Gesellschaft zu einer Einheit zusammen, repräsentiert durch mehrere gestapelten Becher und es entsteht EIN Willkomm.

As part of the Neobiont design project, welcome cups were kidnapped from the permanent exhibition of the Kunstgewerbemuseum in Berlin and relocated to the present day.

The first welcome cups come from the early modern era and were used as large drinking vessels. It was customary to greet a person or guest to be honoured with a drink from a precious vessel. The use of the welcome was an integral part of the rituals in meetings, ceremonies and festive occasions of aristocratic societies or civil corporations, especially guilds.

The image of a cup that everyone can drink from is an image of togetherness, of unit.

Due to the current world situation, the thought of a welcome, from which everyone drinks together, disappears rather quickly. Questions like, how can we get back together after months of “social distancing”? – How can we celebrate together? – Or to put it another way: How can the many isolated individuals become a unit and what role do rituals play in this? – appear.

However, the image of a shared drinking vessel standing in the middle of a group to toast a special moment together is very powerful.

Welcome vol. II brings the isolated individuals of society together to form a unit, represented by several stacked cups. ONE welcome emerges.

Einfache Strohmatratzen dienten bis ins späte 19. Jahrhundert üblicherweise als Schlafunterlage. Solche Gegenstände, die von dem entbehrungsreichen Leben der einfachen Leute zeugen, trifft man in Museen jedoch kaum an. Was sagt das nun über unser kulturelles Gedächtnis aus?

ORIGINAL Neuwieder Kabinett

Erworben 1779 vom Kronprinzen Preußens. Preis: 12.000 Goldtaler oder 21.500 Gulden. Eines der teuersten Möbelstücke seiner Zeit. Abraham Roentgen, der Vater David Roentgens, zahlte im Jahre 1763 für ein großes Haus nebst Werkstätten und Schuppen 3.140 Gulden (Haben die etwas mit dem Kabinett zu tun oder ist das ein beliebiges Beispiel??). Das Neuwieder Kabinett wurde nur selten benutzt, es diente vor allem Repräsentationszwecken.

Until the late 19. century, simple straw mattresses were being used as sleep overlays. Such objects, which are relics of the plain folks life full of privation, one seldomly encounters in museums. What does this have to say about our cultural collective memory? 

ORIGINAL Neuwieder Kabinett

Purchased in 1779 by the crown prince of Prussia. Price: 12,000 gold coins or 21,500 guilders. One of the most expensive furnitures of its time. In 1763 Abraham Roentgen, the father of David Roentgen, paid 3,140 guilders for a big house with workshops and shed. The Neuwieder cabinet was seldomly used, its main function was representative.

Das KuppelreliquIar spielt mit dem Gegensatz von Innen und Außen, von Zeigen und Verbergen, von Austellungs- und Kultwert: Während die detailliert ausgeführte Außenhülle den Innenraum einer Kirche quasi nach außen kehrt, kann der eigentliche Inhalt des Gefäßes, die Reliquie, nicht eingesehen werden. Das Kuppelreliquiar wurde im Laufe der Jahrhunderte unterschiedlich verwendet: Während es zunächst die Kopfreliquie von Gregor von Nazianz enthielt, diente es später als Hostienbehälter.

Heute – über 800 Jahre später – stellt sich die Frage, womit das Objekt, das nunmehr seine religiöse Funktion eingebüßt hat, seinen Platz im Museum verdient? Aufgrund der meisterlichen Handwerkskunst? Wegen der Verarbeitung hochwertiger Materialien? Weil es einfach schön anzuschauen ist? Oder eben doch, weil es ehemals die Kopfreliquie von Gregor von Nazianz bewahrt hat?

Das geheimnisvolle Wechselspiel von Außen und Innen des Kuppelreliquiars wird hier umgekehrt: Der Inhalt wird zur Hülle, die Hülle zum Inhalt. Doch was passiert dabei mit dem Wert und dessen Zuschreibung? Wohnt er der Reliquie selbst inne oder stellt er sich erst über den Entzug her? Gewinnt etwas nur dann an Wert, wenn es nicht von allen gesehen oder besessen werden kann?

The dome reliquary plays with the contrast of inside and outside, of revealing and covering, of exhibition value and cult value: While the inside of a church is being turned out into the detailed façade, the actual inner life of the vessel, the relic, can´t be seen. The dome reliquary has been used for multiple causes throughout the centuries: While it originally accommodated the head reliquary of Gregory of Nazianzus, it later served as host container.

Nowadays – over 800 years later – the question arises, if the object that henceforth forfeited its religious function, still deserves its place in the museum?

Owing to its finest craftsmanship? On account of the usage of high-class materials? Because it is simply nice to look at? Or since after all it previously stored the head reliquary of Gregory of Nazianzus?

The mysterious interplay of outside and inside of the dome reliquary is being turned around: The inner life becomes the façade, the façade becomes the inner life. Thus what happens with the value and its value adjustment? Is it inherit to the relic itself, or is it being created by deprivation. Does it only gain value when it can`t be seen nor possessed by anyone?

Was genau passiert eigentlich, wenn wir einem Objekt begegnen?

Für gewöhnlich sehen wir die Dinge als etwas Statisches oder Unveränderliches an – und auch die Museen stützen eine solche Perspektive, da sie die vielfältigen individuellen Erfahrungen, die Generationen von Besucher:innen mit den Objekten gemacht haben, nicht mitrepräsentieren.

Aber was wäre, wenn sich das Wesen eines Objektes verändert, abhängig davon wie wir es betrachten? Zwar bleibt die Materialität der Dinge (mehr oder weniger) unverändert, aber die Interpretationen, die wir an sie herantragen, sind potentiell unendlich. Den Dingen wohnt also nicht nur eine Wahrheit inne, sondern so viele Wahrheiten wie Besucher:innen mit ihnen verknüpfen. Ihre Identitäten werden fluide.

Penumbra möchte dieses Wechselverhältnis zwischen Objekt und Betrachter:in sichtbar machen. Der lebendige Schatten, der neben dem Objekt ausgestellt wird, gibt einen Hinweis auf dessen genuine Pluralität: Das Objekt hinterlässt Spuren an der Wand, bekommt eine Stimme, reagiert und interagiert. Kurz, es wird zu einem dynamischen Gegenüber, wodurch die traditionelle Hierarchie zwischen aktiver:m Betrachter:in und passivem Objekt hinterfragt und aufgebrochen wird.

What really goes on during the encounter of an object?

Artifacts are usually perceived as unchangeable, permanent and stationary. Museums tend to uphold this basic principle, failing to represent thousands of generations of visitors’ experiences with objects that somehow seem to remain eternal and immutable.

But what if the essence of an object were to change depending on how we look at it? The material object is unalterable, but the interpretations we can have of it are infinite: its identity becomes fluid, embodying not only one truth, but as many realities as viewers bring along with them.

Penumbra aims to make visible the role we play in an object’s identity. The exhibited artifact is displayed along with its shadow, dynamic, lively and unpredictable, providing a constant reminder of its plurality. On the wall, the object leaves a trace, has a voice, reacts and interacts, becoming an active counterpart in the museum experience, thus challenging the long established hierarchy between the viewer and the exhibit.

Maria, die am häufigsten dargestellte biblische Frauenfigur, wird als devote, schweigsame Persönlichkeit repräsentiert. Dieses Bild hat sich gesellschaftlich manifestiert und reproduziert. Daran lässt sich erkennen, dass Darstellungsformen Teil eines Gesamtgesellschaftlichen Diskurses sind, welcher zur jeweiligen Zeit reguliert, was sagbar und zeigbar ist, der jedoch auch immer beweglich und durch Interventionen veränderbar ist.
Das Projekt NEO MARY regt dazu an, die gewohnten christlichen Darstellungen in Frage zu stellen und einseitige sowie männlich dominierte Repräsentationen aufzuzeigen und zu kritisieren. Ziel ist es, den Repräsentationskreislauf der demütigen, stillen und gefügigen Frau zu durchbrechen und Maria Raum für eine neue und zeitgemäße Stimme zu geben.
Das Glasbild „Neo Mary“ ist eine Neuinterpretation des im KGM Berlin ausgestellten Glasgemäldes „Geburt Christi“ von Peter Hemmel. Wie das Original, zeigt „NeoMary“ Maria im blauen Marienmantel in der bekannten Stallszenerie mit Ochse und Esel, nimmt den Titel jedoch wörtlich. Erhobenen Hauptes blickt die Gebärende die betrachtende Person an und beherrscht den Raum. Die klassische Darstellung Marias als devote und schweigsame Person wird überwunden, die Fremdbestimmung abgelegt. Hemmels Werk stammt aus einer Zeit in der das Christentum in vielen Kulturkreisen sinnstiftend war und die Lebenswelten stark beeinflusste. Auch wenn in weiten Teilen die Institution Kirche an Bedeutung eingebüßt hat, ist auch 540 Jahre später noch die westliche Kultur und Gesellschaft stark von christlichen Traditionen und Denkweisen bestimmt. In den modernen Familien- und Rollenbildern werden christliche Werte und Subjektivierungsweisen fortgeschrieben, verschiedene Formen der Diskriminierung werden religiös legitimiert und nicht zuletzt wird der Akt der Geburt nach wie vor tabuisiert. Das Glasbild im Format 48 x 58 cm besteht aus insgesamt 36 transparenten Buntglasstücken, die in Bleiruten gefasst sind.

Mary, the most frequently portrayed biblical female figure, is represented as a submissive, silent personality. This image has manifested and reproduced itself socially. This shows that forms of representation are part of an overall social discourse, which at the time regulates what can be said and shown, but which is also always flexible and changeable through interventions.
The project of ”NEO MARY“ encourages to question the usual Christian representations and to point out and criticize one-sided as well as male-dominated representations. The aim is to break the cycle of representation of the humble, quiet and submissive woman and to give Maria space for a new and contemporary voice.
The glass picture „Neo Mary“ is a reinterpretation of the stained glass „Birth of Christ“ by Peter Hemmel exhibited at KGM Berlin. Alike the original, the ”NeoMary” depicts Mary in a blue virgin mary cope in the infamous nativity scene with ox and donkey, but interprets the title literally. With her head held high, the birthing mother is observing the viewer and dominates the room. The classical depiction of Virgin Mary as a devoted and taciturn person is being overcome, the heteronomy discarded. Hemmels artwork stems from a time when Christianity had a great influence and heavily affected the living environment. Even though the institutionalized church has mostly lost its meaning, 540 years later the Western culture and society is still heavily shaped by Chritian traditions and concepts. Within the modern view on family and gender, Christian values and modes of subjectivation are being continued, different forms of discriminations are being legitimated by religion and last but not least the occurence of birth is still kept taboo. The 48 by 58 cm glass picture consists of 36 transparent coloured glass pieces, which are girthed by lead camings.

Das Projekt „Nautilus P.A.“ ist weniger eine gestalterische Weiterentwicklung der Nautilus Pokale der Renaissance, als eine Reflektierende Arbeit nach den Gesichtspunkten der Moderne. Die Arbeit möchten einen Bezug schaffen, sowohl auf die Entstehungsgeschichte der Prunkpokale als auch die absehbar bevorstehende Entwicklung der vom Aussterben bedrohten Gattung der Nautilus. Die Kunsthandwerkliche Erscheinung der Kerze bildet eine abstrahierte Nachbildung der Nautilus ab, welche mit einem Fischernetz von Menschenhand gefangen wurde.

Archäologische Funde aus Osttimor belegen das Menschen bereits vor über 40.000 Jahren die Schale der Nautilus gesammelt, verziert und zu Schmuckstücken verarbeitet haben. Das kunstvolle verarbeiten eben dieser Schalen wurde über viele Jahre zur Perfektion getrieben, sodass schlussendlich unzählige dieser Meisterwerke in den fürstlichen Kuriositäten Kabinetts in zentral Europa zu finden waren. Gegen Ende der Renaissance fand die Nautilusschale als Vanitas-motiv Eingang in die Stillleben Malereien. Gemäß der Philosophie dahinter, verkörpert die Nautilus nun die Vergänglichkeit von Schönheit, Reichtum und Eitelkeit und zelebriert die Tatsache, dass alles vergänglich und nichtig ist. 

Mit der neuen Interpretation eines Nautilus Pokals aus Paraffin soll auf die tragische Ironie hingewiesen werden, dass eine Uralte Gattung auf Grund ihrer Schönheit noch immer aus dem Meer gefischt wird, und zwar in noch nie dagewesenen Mengenverhältnissen. Sowie die Kerze anschaulich verbrennt, vergeht auch diese Lebensform vor unseren Augen.

The project „Nautilus P.A.“ is not so much a further development of the Renaissance Nautilus goblets in terms of design, but a reflective work according to the aspects of contemporary development. The work aims to create a reference both to the history of the origin of the sumptuous goblets and to the anticipated development of the endangered species of the nautilus. The artisan appearance of the candle depicts an abstracted replica of the nautilus, caught by human hands with a fishing net.

Archaeological discoveries from East Timor prove that people collected the shell of the nautilus more than 40,000 years ago, decorated it and crafted it into jewellery. The artistic processing of these shells has been perfected over many years, so that in conclusion countless of these masterpieces were to be found in the royal cabinets of curiosities in central Europe. Towards the end of the Renaissance, the nautilus shell found its way into still life paintings as a motif of the vanitas philosophy. According to the philosophy, the nautilus now embodies the transience of beauty, wealth and vanity and celebrates the fact that everything is impermanent and void. 

The new interpretation of a Nautilus goblet made of paraffin is intended to point out the tragic irony that an ancient species is being fished out of the sea for its beauty in unprecedented proportions. As the candle vividly burns, this life form also perishes before our eyes.

Was hätte ein „Design auf Zeit” im KGM verloren, in dem Zeit normalerweise stillgestellt wird? Die Objekte sollen hier so gut es geht vor dem Verfall bewahrt werden – dazu werden sie zunächst in der sogenannten „Entwesungskammer” von allen potentiell schädlichen Organismen befreit. Doch nicht alle Schädlinge lassen sich restlos beseitigen. Einige Bakterienarten leben aller Maßnahmen zum Trotz auch im Museumraum weiter.

Mithilfe von Petrischalen, einem Agarnährboden und einigen Bakterienproben aus dem Museum wird das „geheime Leben” der Museumsbakterien aufgedeckt. Es wird also nichts neues in das KGM gebracht, sondern mit dem gearbeitet, was ohnehin bereits vorhanden ist: Ob auf dem Kuppelreliquiar, der Eingangstür, der Vase von Louis Comfort Tiffany oder dem Schlüsselbund des Museumsleiters.

„Temporary design“ in the context of the KGM doesn’t really fit, since this is a place where time is usually suspended. The objects here are to be preserved from decay as best as possible – therefore they are first freed from all potentially harmful organisms in the so-called „disinfestation chamber“. However, not all pests can be completely eliminated. Despite all the measures taken, some types of bacteria continue to live in the museum. With the help of Petri dishes, an agar culture medium and some bacterial samples from the museum, the „secret life“ of the museum bacteria can be uncovered. So nothing new is brought into the KGM, rather work is done with what is already there: whether on the dome reliquary, the entrance door, the vase by Louis Comfort Tiffany or the museum director’s keychain.

Der Wandteppich “Boys will be boys” thematisiert Gewaltdarstellungen in unserer Gesellschaft. Wo entsteht Gewalt und wie kann sie sichtbar gemacht werden? Auch wenn vielleicht niemand mehr auf die Idee kommen würde, die eigenen Wohnräume mit Kriegsszenarien zu schmücken, so wird doch bei genauerem Hinsehen deutlich, dass auch unser Alltag nach wie vor von verschiedenen Gewaltformen durchzogen ist. Und dazu gehört auch die strukturelle Gewalt des Patriarchats. Wie aber wäre es, wenn wir dafür ein Bild fänden, eines, das den bitteren Ernst patriarchaler Machtkämpfe in ein Gefecht plüschiger Penisersatzobjekte verwandelt?

Der großformatige Wandteppich konterkariert die brutale Kriegsdarstellung des Originalgobelins mit seiner flauschigen Haptik und bricht mit der Darstellungsweise von Epen, indem die Krieger ihrer Rüstung beraubt und anstatt Waffen mit bunten Vibratoren ausgestattet lächerlich wirken. Die Absurdität von Krieg als aufeinander einschlagende Männer, die mit phallusartigem Penisersatz ihre Macht demonstrieren, wird ersichtlich. Die Arbeit ist als schmunzelnder Kommentar aus feministischer Perspektive zum Patriarchat zu verstehen.

The tapestry Wandteppich “Boys will be boys” broaches the issue of depictions of violence in our society. Where does violence begin and how can it be depicted? Despite no one considering to decorate their private spaces with war scenes, when taking a closer look, it becomes evident that our everyday life is still strained by different forms of violence. The structural violence of patriarchy being part of it. Hence what would happen, if we found a depiction for it, one that sublimates the deadly serious patriarchal power struggle into a battle of plushy penis substitutes?

The tapestry in large format impedes the brutal war depiction of the original with its fluffy haptics and breaks with the traditional portrayal of epics, by the warriors being deprived of their armour and their weapons being substituted with colorful vibrators, which makes them seem ridiculous. The absurdity of war becomes evident as men being at each other’s throats with phallus-like penis substitutes to demonstrate power. The work can be seen as a miscevious commentary about the patriarchy from a feminist point of view. 

Das Kunstgewerbemuseum ist angefüllt mit Objekten, die zwar schön zu betrachten sind, die wir aber intuitiv nicht (mehr) verstehen können: Wir wissen weder wie sie hergestellt wurden, noch welche Funktion sie einmal hatten. Wie gehen wir aber mit solchen Objekten um? Können wir dazu unsere eigenen Geschichten erfinden?

Durch Memes (Informationen, die durch Imitation übermittelt werden) werden neue Geschichten über einige Objekte der Sammlung erzählt. Die Texte spekulieren über mögliche soziale und kulturelle Zusammenhänge, in denen die Objekte einst existiert haben, heute existieren oder in Zukunft existieren könnten. Auf diese Weise fungiert das Museum nicht mehr nur als Archiv des Vergangen, sondern bildet auch einen Resonanzraum für neue Begegnungen und Phantasien. Inspiriert von den mittelalterlichen Backformen und ihrer Funktion, mit Bildern eine Geschichten zu erzählen, werden diese Memes in Form von Keksen und Stempeln serviert. Auf diese Weise findet das Meme den Weg zu dem Ort an dem Geschichten erzählt werden: dem Mund.

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Die mittelalterlichen Backformen unterscheiden sich von den übrigen Sammlungsobjekten des Kunstgewerbemuseums. Anders als bei den vielen wertvollen Exponate, sind für ihre Herstellung weder hochwertige Materialien vonnöten noch eine spezifische Kunstfertigkeit. Hinzu kommt, dass Alltagsgegenstände, die von einfachen Leuten benutzt worden sind, kaum Eingang ins Museum gefunden haben.

Die Backformen bestehen aus geschnitztem Speck- oder Kalkstein, mit dem ein Motiv in den Teig eingedrückt wurde. Die Bildmotive sind aufgrund ihres Alters und der Präsentation im Museum jedoch schwer zu erkennen. Der bloße Anblick der Objekte verrät uns nicht, wie sie einst benutzt worden sind. Wie können wir ihren praktischen Gebrauch nachvollziehen, wenn sie in einem Kontexten ausgestellt werden, die sich so sehr von ihrer ursprünglichen Verwendungszusammenhängen unterscheiden?

The Kunstgewerbemuseum is filled with beautifully manufactured objects we cannot intuitively  understand: we don’t know how they were made and how they were used. How do we deal with an object when we cannot relate to its actual practice context anymore? Can we make up our own stories? Through memes (information spread by imitation) new stories about some objects of the collection are invented. The texts speculate about possible contexts in which this object once may have lived, is living now or will live in the future. In this way, the museum does not only function as an archive of the past but also as a space for new sorts of interaction with objects. Inspired on the medieval baking moulds and it’s function of telling a story by showing an image, these memes are distributed in form of a biscuit and a stamp. Thus, the meme find its way to the place where stories are told: the mouth.

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The medieval baking mould distinguishes itself from the Kunstgewerbemuseum’s collection. Unlike many of the valuable and appreciated objects in the museum there were neither a special material nor high skills needed to produce this mould. Besides, not many everyday objects or kitchen tools that were used by ordinary people are being displayed. The moulds are made out of soap- or limestone which are engraved to show a relief image on the baked goods. The iconography depicted on these moulds is hard to recognize because of the mould’s age and the way it is presented in the museum. By seeing the object displayed in the museum one can hardly imagine how it was used. How can we experience the former usage of a tool when presented in a context so different from its actual practice context?

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