Archiv der Kategorie: BA

Doubleness Of Discourse | Joy Braun | 2022

Joy Braun-1

 

 

Doubleness Of Discourse | Joy Braun | 2022

„Bei der Bildung von Identität sind uns aber das , was uns fremd, sowie auch das was uns nah erscheint, wesentliche Abgrenzungs- oder Beziehungspunkte.
Identität vereint dabei sowohl individuelle als auch kollektive
Formen der Wahrnehmung von Wirklichkeit. ‚Jegliche kollektive Identität definiert sich zuerst im Gegensatz zum anderen, so wie
sich jede individuelle Identität über die Beziehung zum anderen bestimmt.‘ (Marc Augé 1995: Krise der Identität oder Krise des Andersseins? S.92)
Demzufolge ist jede Identität durch das Doppelgefühl der Unterschiedlichkeit oder der Übereinstimmung, dem ‚doubleness
of discourse‘ geprägt (Hall 1991: The Local and the Global S.48).

Sibylle Groth 2003: Bilder des Fremden – Zur Konstruktion kultureller Stereotype im Film, 18).

Ausgehend von diesem Zitat, beschäftigt sich die Bachelorarbeit „Doubleness of Discourse“, mit der Gruppenzugehörigkeit und Abgrenzung von Menschen anhand ihrer Kleidung. Was passiert, wenn man die Stile, Stofflichkeit und Formen von jeweils zwei Gruppen mischt und den Erkennungswerten eine neue Dimension gibt.

„In the formation of identity, however, what is foreign to us,
as well as what seems close to us, essential demarcation or relationship points.
Identity unites both individual and collective forms of perception of reality.’Any collective Identity is first defined in opposition to the other, such as each individual identity over the relationship to the other definitely.‘ (Marc Augé 1995: Crisis of Identity or Crisis of being different? p.92) consequently every identity is through the double feeling of difference or agreement, the ‚doubleness of discourse‘ (Hall 1991: The Local and the Global p.48).

 

Sibylle Groth 2003: Images of the Other – On the Construction of Cultural Stereotypes in Film, 18).

Based on this quote, the bachelor thesis „Doubleness of Discourse“ deals with the group membership and differentiation of people based on their clothing. What happens when you mix the styles, textures and shapes of any two groups and add a new dimension to the recognizable values.

Betreuer*innen : J. Zigerli, I. Harms, E. Sitter 

Credits:

Photography: Joy Braun

Model: Erwin Nill

 

UDK RUNDGANG 2022 | Mode & Produkt Design

UdK BERLIN RUNDGANG 2022
Product Design (IPP) & Mode Design (IBT)

Strasse des 17. Juni 118 – 10623 Berlin
Daily 12.00 – 18.00 h.

22 JULY

12.00-18.00: previews for Professionals
book a preview ticket here / hier

12.00, 14.00, 16.00: IBT-FASHION-WALKS, meeting point: lobby

14.00-15.30: IPP-VIP-TOUR, meeting point: cafeteria/hof – please r.s.v.p. at 

23 JULY

12.00-18.00: IPP & IBT open house for general public, presenting graduates Bachelor & Master projects.
Find all shows and program here / hier online

12.00, 14.00, 15.00: IBT-FASHION-WALKS, meeting point: lobby

20.00 IBT Schau22

24 JULY

12.00-18.00: IPP & IBT open house for general public, presenting graduates Bachelor & Master projects.
Find all shows and program here / hier online

– – – – – – YOU ARE INVITED – – – – – –

PARASITBYJSMNHLM | Frederik Britzlmaier | 2022

 

PARASITBYJSMNHLM | Frederik Britzlmaier | 2022

PARASITBYJSMNHLM beschreibt ein kontinuierlich expandierendes  intermediates Netzwerk rund um die Arbeit PARASITBYJSMNHLM von Jasmin Halama.

Dabei erfaehrt die Arbeit von Jasmin Halama eine Uebersetzung mit originalen Zitaten, in der digitale Animation zu analoger Animation wird, Michail Bachtin wird in seiner Dialogitaet zu Julia Kristevas intertextualität, Stuehle bleiben Stuehle und werden doch aus ihrer ursprünglichen Zweckmaeßigkeit herausgeloest um selbst zum Koerper zu werden, waehrend ihm seine Individualitaet entzogen wird. So entstehen Charaktere, die sich nicht als Individuum, sondern als multividuals verstehen. Diese toten Leiber gaukeln so mit ihren Fake-Identity-Techniken eine Seele vor, die ihnen nicht zu Grunde liegt. Es entsteht eine Aura um sie, die von Perspektive zu Perspektive flackert und schließlich erlischt.

 

PARASITBYJSMNHLM describes a continuously expanding,  intermediate network revolving around the work PARASIT by Jasmin Halama.

Thereby the work of Jasmin Halama experiences a translation including original quotations, in which digital animation becomes analog animation, Mikhail Bakhtin’s dialogicality becomes Julia Kristeva’s intertextuality, Chairs remain chairs and yet are detached from their original purposefulness to become bodies themselves, while being stripped of their individuality. In this way, characters emerge who do not see themselves as individuals, but as multividuals. With fake-identity techniques, these dead bodies pretend to have a soul, they don’t have. An aura surrounds them, that flickers from perspective to perspective and finally goes dead.

 

 

Some Things Newly Rendered | Erika Körner | 2022

Some Things Newly Rendered | Erika Körner | 2022

Manchmal ist man auf der Suche nach etwas, und findet auf einmal etwas ganz anderes, unerwartetes, und merkt, dass einem die ganze Zeit genau diese Sache gefehlt hat, ohne es vorher zu wissen. In letzter Zeit habe ich mich mit 3D-Modellierung beschäftigt. Ich versuche, meinen Kopf zu überzeugen, dass diese Pixel auf dem Bildschirm tatsächlich etwas echtes darstellen, etwas das existiert. Um es zu beweisen, habe ich sie aus dem Bildschirm herausgezogen. Die Suche nach der Brücke, oder so etwas in der Art. In ein paar Jahren wird es nicht mehr nötig sein, dieses Überzeugen. Wir alle werden teils aus Fleisch, teils Müll, teils digitales Rendering sein – dreh mal das Metallic auf und noch ein Bump dazu. Bei diesem Projekt geht es also um die materielle Unsicherheit des Menschen, um die Unmöglichkeit, Materie in Daten umzuwandeln und umgekehrt. Die Kluft zwischen dem, was man zu kennen glaubt, und dem, was man bekommt. Um neulich gerenderte Dinge.

Sometimes when you search for something, you find a totally other thing you didn’t expect and you realize all the time you were actually looking for that thing and you didn’t know it. Lately I’ve been 3D modeling. Training my brain to understand that some pixels on a screen are actually something that exists. So to convince myself I pulled them out of the screen. Finding the bridge they call it, or something of that nature. In a couple of years it won’t take any convincing any more. You’ll be part flesh, part garbage, part digital render, turn up the metallic and add a bump. So this project is really about human material uncertainty, about the impossibility of parsing matter into data and vice versa. That gap between what you think you know and what you get. About some things newly rendered.

 

Betreuer*innen : Prof. Franziska Schreiber, Prof. Gesche Joost, KM Alexandra Börner

Credits:

Photographer: Alžběta Čermáková
Make-Up: Minji Park
Model: Minji Park
Set assistant: Nataliya Susyak
3D Environment (Installation): Yago Dzugala

 

Bin beschäftigt | Camilla Volbert | 2022

Bin beschäftigt | Camilla Volbert | 2022

“I have artistic skill but no creativity or motivation. I can’t draw/ paint without copying an image/object. What do I do? Please help”

What do you do if there is no wrong and no right? How to stop competing? How to be a fake? What if you just existed

Betreuer*innen : Prof. Wowo (Waldemar) Kraus, PROF. DR. INGEBORG HARMS,  KM Alexandra Börner

Credits:

By Camilla Volbert
Photos: Hyesoo Chung
Make-Up & Hair: Anri Moor
Nails: nailsvoninge
Models: Anne Wencelides,  Laura Cornejo

 

New Flesh | Margarita Rozhkova | 2022

New Flesh | Margarita Rozhkova | 2022

“Long live the new flesh” („Lang lebe das neue Fleisch“) flüstert der Protagonist in der Schlussszene von David Cronenbergs einflussreichen Body Horror Film Videodrome, und zieht den Abzug der mit seiner Hand verwachsenen Pistole. In meiner Kollektion mit dem Titel New Flesh verlagere ich den Fokus vom Körper auf das sensible Fleisch.

Ich betrachte das Fleisch im Zeitalter des Bio-Informationskapitalismus mit den ihn konstituierenden regulatorischen Praktiken, die darauf abzielen, das Fleisch dem Imperativ der Körperoptimierung zu unterwerfen. Auf diese Weise möchte ich eine Diskussion über das Widerstandspotenzial des Fleisches anregen, da Sensibilität, Transgression und Nicht-Identität für unser Verständnis des Konzeptes „Fleisch“ von zentraler Bedeutung sind.

Der Herrenanzug ist das wahrscheinlich repräsentativste Kleidungsstück in der menschlichen Garderobe. Hier durchläuft er verschiedene Stadien der Verwandlung in den Zustand der Nicht-Identität. Der Herrenanzug wird um Fleisch zu werden.

“Long live the new flesh” – whispers the protagonist and pulls the trigger of his grown-into-hand pistol in the final scene of David Cronenberg’s cult body horror Videodrome.
In my collection New Flesh, I intend to shift the focus from the body to the sensible flesh.

I look at the flesh in the age of informational bio-capitalism with its regulatory practices that are aimed at submitting the flesh to the body-enhancement imperatives. By doing so, I would like to open up a conversation about potential for

resistance (Widerstandspotenzial) of the flesh since potential, sensibility, transgression, and non-identity are central to our understanding of the notion of flesh.
The men’s suit, the most representational item in the human wardrobe, is going through different stages of metamorphosis into the state of non-identity, to become flesh.

Betreuer*innen : Prof. Franziska Schreiber, Prof.DR.Kathrin Busch, KM Magdalena Kohler

Credits:

Model: Mario Campos Castellano
Photo: Julieta Saravia
H&M: Margarita Rozhkova
Assistance: Tzu Ting Wang

 

 

The beauty of simplicity | Chloe Le | 2022

 

 

The beauty of simplicity | Chloe Le | 2022

Die Schönheit des Einfachen

Meine Arbeit ist von dem Áo Dài inspiriert, eine lange Tunika, die von vietnamesischen Frauen oftmals bei Festlichkeiten getragen wird. Das Áo Dài ist ein Symbol der Bescheidenheit der vietnamesischen Kultur, das sich in fast allen Lebensbereichen durchzieht. Durch die Pandemie habe ich die Schönheit dieses Attributes wiederentdeckt und somit auch wieder eine Verbindung zu meiner Mutter herstellen können. Sie repräsentiert das typische vietnamesische Frauenbild: fürsorglich, hingebungsvoll und vor allem bescheiden. Bescheiden in ihrer Art zu leben, zu lieben und zu kleiden. Ihre Liebe für Minimalismus hat mich und meine Ästhetik stark beeinflusst. Ich möchte mit dieser Kollektion das Áo Dài mit untypischen Materialien und Schnitten für mich neu definieren, dabei jedoch nicht sein Essenz außer Acht zu lassen.

The beauty of simplicity

My work is inspired by the Áo Dài, a long tunic often worn by vietnamese women at festive events. The Áo Dài is a symbol of modesty in vietnamese culture that permeates almost every aspect of life. Through the pandemic I have rediscovered the beauty of this attribute and thus been able to reconnect with my mother. She represents the typical vietnamese image of women: caring, devoted and above all modest. Modest in the way she live, love and dress. Her love for minimalism has had a huge impact on me and my aesthetic. With this collection I want to redefine the Áo Dài for myself with untypical materials and cuts without neglecting its essence.

 

 

Betreuer*innen :

Credits:

Photography: Parham Khorrami

Hair & Make-Up: My Uyen Uong

Models: Mai & Quyny


 

Maison UdK

 

 

 

MAISON UDK //  SoSe 22 // Design Project

In dem Projekt „Maison UdK“ geht es darum, dass sich Studierende in unterschiedlichen, fiktiven Abteilungen auf Produkt / Prozessgruppen spezialisieren. Das Entwurfsprojekt bildet einen Gegenentwurf zur Ausbildung als „Kreativdirektor*In“, die/der gleichzeitig sowohl die Vision großer Kollektionen entwickeln als auch das handwerkliche Know-how unterschiedlicher Produktgruppen erlernen soll. Mit diesem Pilotprojekt möchten wir untersuchen, ob Gruppen von Studierenden gemeinschaftlich Repräsentanten unterschiedlicher Produkt-Departments sein können und Strukturen eines eigenen „Maisons“ innerhalb sowie außerhalb der UdK Berlin entwickeln können.

Studierende werden sich hier in Teams in unterschiedlichen Abteilungen auf Produkt- und Prozessgruppen spezialisieren. Ziel des Seminars ist es, andere Dimensionen des Arbeitens als Modedesigner kennenzulernen, Abstimmungen gemeinsam zu tätigen und neue Strukturen zu erproben. Eine Spezialisierung in Produkt- oder Materialgruppen kann für das weitere Schaffen aufgebaut werden.

 

 

 

 

 

Projektteilnehmende:

Lenard Schnitzler & Emily Zanon

Alex Hein & Haleh Afshar

Minji park & Clemens Kramer

Philine Beutel, Fanny Freunden & Anna Filzmoser

Greta Berghoff & Luzie Richter

Linus Richolson & Andreas SoykaJakob

Deutschmann & Alice Enguyen

Zanya Lazarus & Lara Geyer

Essie Kramer

 

 

Lehrende: Gast Prof. Julian Zigerli, KM Evelyn Sitter, Christoph Hefti, Stefan Hipp, Dorothée Warning, Julia Kunz

AGENCY FOR UNSEEN SIGHTS | ESMÉE WILLEMSEN | BA 2022

AGENCY FOR UNSEEN SIGHTS | Bachelorarbeit 2022

Ausflüge, Reisen, Urlaub und Ferien sind etwas, wovon wir gerne träumen. Schöne Landschaften, aufregende Städte, faszinierende historische Denkmäler. Unser Wunsch wegzugehen hat meiner Meinung nach mehr mit uns selbst zu tun als mit dem Ziel unserer Träume. Das Glück, das mit einer Reise verbunden ist, hat weniger mit dem Ort zu tun, an den wir gehen, sondern mehr mit der Erfüllung unserer Bedürfnisse und Wünsche. Durch das Reisen schulen wir unsere Vorstellungskraft und die Art und Weise, wie wir die Dinge im Allgemeinen sehen, was zweifellos eines der glücklichsten Dinge am Reisen ist. Wir nutzen den Urlaub als Flucht vor der Realität. Es bietet uns Abstand von zu Hause, unserem Alltag, unseren Routinen und stressigen Jobs und macht uns stattdessen frei und abenteuerlustig. Wir wollen etwas anderes erleben; eine andere Welt und wir sehen es als gesund und normal an, Sehnsucht nach fernen Orten zu verspüren.

Bei diesem Projekt geht es darum, von fernen Orten zu träumen und einen tiefen Drang zu haben, die Welt und all ihre Spektakel zu sehen. Die Ferne und Exotik mit eigenen Augen erleben, anstatt Geschichten zu hören, zu lesen oder Filme über ferne Orte zu schauen. Meine Motivation kommt von einer ständigen Erinnerung daran, dass es so viele Orte gibt, an die man gehen kann, verstärkt durch die Existenz von Social-Media-Plattformen wie Instagram, wo jeder die ganze Zeit überall scheint zu sein.

Was ist der nächste Hotspot, zu dem ich gehen sollte? Wie kommt es, dass ich nie in dieses Museum gegangen bin? Welches der 10 schönsten Cafés dieser Stadt darf ich nicht verpassen? Scheiße, habe ich vergessen, die atemberaubende Aussicht zu teilen, die ich heute Morgen auf diesem Berggipfel hatte?

Die Agency of Unseen Sights wurde gegründet und ihr Zweck ist es zu erforschen, wie Orte behandelt werden, wenn sie mit Objekten markiert sind, die darauf hinweisen, dass es etwas zu sehen gibt. Ich wollte verstehen und sehen, ob die Politik von Objekten vermitteln kann, wie sie verwendet werden sollten und welche Ergebnisse die Verwendung dieser Objekte haben wird. Wird der Betrachter/Benutzer ein tieferes Verständnis für den Akt des Sehens und Besichtigens haben? Wird der neu kontextualisierte Ort, an dem meine Objekte platziert werden, als Sehenswürdigkeit gelesen/gesehen?

Mit Agency of Unseen Sights möchte ich nicht unbedingt positive oder negative Seiten des Sightseeings vermitteln, aber der Zweck ist, dass die Menschen den Akt des Sehens hinterfragen, sich Gedanken darüber machen, wie unsere Augen und Ansichten mit Objekten gelenkt und markiert werden, wie unsere Sehenswürdigkeiten vermarktet werden. Was wollen sie uns zeigen? Vielleicht sogar darüber nachzudenken, ob Ihre eigenen Augen darauf trainiert sind, nach ‘sehenswürdiges’ zu suchen, oder ob alles zu einem Spektakel werden kann, wenn Sie erkennen, dass Sie derjenige sein können, der entscheidet, was Sie sehen möchten. Oder nicht.

Agency for Unseen Sights ist eine neu gegründete fiktive Agentur, die Infrastruktur bereitstellt, um jeden Ort in eine Sehenswürdigkeit zu verwandeln. Mit Objekten aus dem Katalog der Agentur lassen sich Orte, die auf den ersten Blick nicht besonders erscheinen, in Must-sees verwandeln.

Die Agency for Unseen Sights bietet die Möglichkeit, unsichtbare „Sehenswürdigkeiten“ sichtbar zu machen und hinterfragt kritisch die Art und Weise, wie wir für neue Perspektiven und Erfahrungen in die Ferne reisen, und die Gründe, warum wir uns an bestimmte Orte begeben, um sie zu betrachten. Kann man überall schöne Ausblicke genießen? Ist es der Ort, der interessant genug sein muss, um Aufmerksamkeit zu erregen, oder sind es die Umstände? Können mit Hilfe von Infrastruktur, Artefakten, Schildern oder Markierungen interessante Sehenswürdigkeiten geschaffen werden, die uns daran erinnern, dass wir hinschauen müssen, dass etwas passieren muss, das es zu beachten gilt?

Trips, travel, holiday and vacation are something we like to daydream about. Beautiful landscapes, exciting cities, fascinating historical monuments. In my opinion, our wish to go away has more to do with ourselves than the destination of our dreams. The happiness connected to a trip has less to do with the place where we are going, but more with fulfilling our needs and desires. Through travelling we train our imagination and the way we see things in general, which is undoubtedly one of the most fortune things about travel. We use vacations as an escape from reality. It offers us distance from home, our everyday lives, our routines and stressful jobs and instead make us feel free and adventurous. We want to experience something else; a different world and we see it as healthy and normal to feel a longing for distant places.

This project is about dreaming of distant places, having a deep urge to see the world and all its spectacles. experiencing the far away and exotic with own eyes instead of hearing stories, reading or watching movies about far away places. My motivation comes from a constant reminder that there are so many places to go, strengthened by the existence of social media platforms like Instagram, where everyone seems to be everywhere all the time. 

What is the next hot spot I should go to? How come I never went to this museum before? Which cafe of the 10 nicest cafes in this city can’t I miss? Shit, did I forget to share the amazing view I had on this mountaintop this morning? 

Agency of Unseen Sights was born and it’s purpose is to research how places are being treated when they are marked with objects that indicate that there is something to be seen. I was driven to understand and see if the politics of objects can communicate how they should be used and what outcome the usage of these objects will have. Will the viewer/user have a deeper understanding of the act of seeing and sightseeing? Will the newly contextualized place where my objects are put in be read/seen as a sight? With Agency of Unseen Sights I do not necessarily aim to communicate positive or negative sides about sightseeing, but the purpose is for people to question the act of seeing, to have a second thought about how our eyes and views are guided and marked with objects, how our sights are being marketed. What do they want us to see? Maybe to even think about if your own set of eyes are trained to be looking for spectacles, or if everything can turn into a spectacle once you realize you can be the one to decide what to look at. Or not.

Agency for Unseen Sights is a newly founded fictional agency that provides infrastructure to turn any place into a place of interest. With objects from the agency’s catalogue, places that at first-hand don’t seem special can be transformed into must-sees. 

The Agency for Unseen Sights offers the possibility to make invisible ‘sights’ visible and critically questions the way we travel far for new perspectives and experiences and the reasons we are going to specific places to gaze. Can scenic views be enjoyed anywhere? Is it the place that needs to be interesting enough to draw attention or is it the circumstances? Can interesting sights be created with the help of infrastructure, artefacts, signs or markers that reminds us that we have to have a look, that there must be something going one which should be observed? 

 

 

 

 

 

Prozess

 

Betreut durch: Prof. Ineke Hans, Prof. Holger Neumann, KM Annika Unger

Kontakt: | www.esmeewillemsen.com

WHOLE EARTH | LOUIS BINDERNAGEL | BA 2022

WHOLE EARTH | Bachelorarbeit 2022

Das Projekt Whole Earth ist eine einzigartige Plattform für Notfallmaßnahmen, die einen Dialog zwischen Designern, Herstellern und den Menschen vor Ort ermöglicht.
Ausgehend von der unabhängigen Produktion von Gesichtsschutzschilden und anderen medizinischen Hilfsmitteln wie PSA zu Beginn der Covid-19-Pandemie befasst sich das Projekt Whole Earth mit der Analyse, Konsolidierung und Schaffung von Netzwerken, die der Idee „Think Global, Make Local“ gewidmet sind. Es verfolgt den Ansatz eines dezentralen Produktionssystems mit Open-Source-Ideen, die weltweit geteilt werden. Das Konzept von Open Source und gemeinsamen kreativen Lizenzen ermöglicht es, Produkte als digitale Daten über das Internet zu teilen und nach Bedarf vor Ort selbst zu produzieren. Dies ist eng, aber nicht ausschließlich mit digitalen Fertigungswerkzeugen wie CNC, 3D-Druckern, Lasercuttern und vielen anderen verbunden, die meist in Makerspaces und in Privathaushalten zu finden sind. Daraus ergibt sich die Möglichkeit, dass nicht nur ein oder wenige Akteure, sondern ein globaler Prozess entstehen kann, an dem verschiedene Menschen mit unterschiedlichen Hintergründen arbeiten. Das Projekt Whole Earth plant, diesen Ansatz bei der Bewältigung von Krisen – humanitärer oder ökologischer Art – in die Praxis umzusetzen.
Das Projekt bietet kurz-, mittel- und langfristige Unterstützung für Krisen, indem es bestehende Netzwerke und Makerspaces in der Nähe und rund um den Globus nutzt. Das Projekt entwickelt Werkzeuge und eine Plattform, die für eine fruchtbare Zusammenarbeit erforderlich ist.

Es geht von diesen drei Fragen aus:

Wo ist das Problem und was ist bereits vorhanden? Wir beginnen damit, das Thema zu recherchieren, mit lokalen und globalen Experten zu sprechen, zu verstehen, was gebraucht wird, herauszufinden, welche Lösungen bereits vorhanden sind, auf denen man aufbauen kann, und vor allem, ob eine Produktlösung machbar ist.

Was können wir tun? Wir entwickeln Ideen auf der Grundlage unserer Recherchen: entweder neue Ansätze oder den Ausbau bestehender Ansätze.

Wie können wir es herstellen? Für jede Lösung gibt es mehrere Produktionsmöglichkeiten; es ist wichtig, die effizienteste, nachhaltigste und anpassungsfähigste zu finden. Dieser Prozess kann das nötige Potenzial schaffen, um schnell auf Krisen zu reagieren. Wir schaffen ein dezentrales Produktionssystem, das je nach Bedarf lokal produzieren kann.

Ziel ist es, durch Öffentlichkeitsarbeit und einen Open-Source-Community-Ansatz ein globales Netzwerk von Gleichgesinnten aufzubauen. Eine Plattform wie diese kann der Beginn eines neuen Denkens sein, angefangen bei Krisen, bei dringenden Bedürfnissen bis hin zu Antworten auf die Probleme unseres Alltagslebens. Nur gemeinsam können wir eine Veränderung bewirken.

The Whole Earth project is a unique emergency response platform that facilitates a dialogue between designers, makers, and people working on the ground.
From the starting point of the independent production of face shields and other medical aids, like PPE, during the beginning of the Covid-19 pandemic, the Whole Earth project deals with the analysis, consolidation, and creation of networks dedicated to the idea of Think Global, Make Local. It follows the approach of a decentralised production system, with open-source ideas that are shared globally. The concept of open source and common creative licences allow products to be shared as digital data via the internet and independently produced on-site following a demand. This ties it closely, but not exclusively to digital fabrication tools, like CNC, 3D printers, laser cutters, and many more – mostly found in maker spaces and in homes.

This results in the possibility that not only one or a few actors but a global process can emerge, in which various people with different backgrounds work. The Whole Earth project plans to put this approach into practice in the context of responding to crises – humanitarian or environmental.
The project offers support for crises in the short, medium and long term using existing networks and maker spaces in the vicinity and all around the globe. The project develops tools and a platform, which is needed for fruitful cooperation.

It follows these three questions:

Where is the problem and what is already there? We start with researching the topic, talking to local and global experts, understanding what is needed, discovering what solutions are already available to build on and most importantly if a product solution is viable.

What can we do? We develop ideas based on our research: either new approaches or building on existing ones.

How can we make it? Each solution has several ways of production; it is relevant to discover the most efficient, sustainable, and adaptable. This process can give rise to the potential needed to react quickly to crises. We create a decentralised production system that can produce locally as required.

The aim is to build a global network of like-minded people through public relations and an open-source community approach. A platform like this can be the beginning of a new way of thinking, starting with crises, with urgent needs, and up to answers to the problems of our everyday life. Only together we can make a change.

 

Prozess

Betreut durch
Prof. Ineke Hans,  Prof. Holger Neumann,  Steffen Herm

Kontakt

THE MISFIT (IN US) | ISABEL MEIER KOLL | BA 2022

THE MISFIT (IN US) | Bachelorarbeit 2022

The MISFIT (in us) ist einen Geschichte über den ersten Eindruck. Sie widmet sich dem Eingangsbereich unseres Zuhauses. Diese wenigen Quadratmeter sind Zeugen unserer täglichen Abreisen und Ankünfte die von einer Vielzahl an Stimmungen und Bedeutungen begleitet werden. Es ist die Übergangszone zwischen Innen und Aussenwelt. Sie steht für Sicherheit und Geborgenheit, ein Ort wo wir uns nach einem langen Tag fallen lassen können, aber auch für einen Bereich der unangenehme Stille und die Empfindung von Einsamkeit auslösen kann, wenn die Tür erst einmal hinter uns ins Schloß gefallen ist. Neben diesen Eigenschaften übermitteln wir der Welt durch diese besondere Zone, den ersten Eindruck von unserer Wohnung . 

Um die Routinen und Handlungen die mit dem Betreten und Verlassen des Zuhauses einhergehen besser organisieren zu können, wurden mannigfaltigste Garderoben und Ordnungssysteme entwickelt. Aber um ehrlich zu sein: Egal wie sehr wir uns bemühen und welche gut durchdachten Garderobensysteme wir installieren, Dinge sammeln sich an!!!

Es gibt immer Gegenstände, die sich zu weigern scheinen in den bestehenden Systemen einen Platz einzunehmen. Entweder gebrauchen wir sie zu unregelmäßig, wie etwa Regenkleidung oder Kleiderbürsten oder das Leben selbst spült sie herein, wie zum Beispiel Sandspielsachen und die  berüchtigte Stocksammlung des Nachwuchses.
Es scheint fast so, als führten die Dinge ein Eigenleben. Sie trachten nach unserer Aufmerksamkeit, sie geben uns Hinweise über unsere bewussten wie auch unbewussten Handlungen. Und ob wir uns nun dessen gewahr sind oder nicht, wir sind mit ihnen verbunden. Wir teilen eine Geschichte. Die Dinge könnten anfangen zu sprechen. Lernen wir, ihnen zuzuhören!…

Der Entwurf : Auf Grundlage eingehender rezeptiv-projektiver Dialoge mit diversen kategoriesträubenden Gegenständen die den heimischen Flur dafür umso hartnäckiger zu bevölkern scheinen, entstanden  drei skulpturale Objekte mit Nutzungsangeboten, die als eigenwillige Wohnungen dieser Alltagsgegenstände verstanden werden können. In  The MISFIT (in us ) geht es nicht primär darum eine praktikable und funktionalen Lösung, im Sinne des Wortes „(los)-lösen“ zu finden!

Vielmehr stand im Vordergrund eine (Rück)-Verbindung, zu diesen Objekten zu schaffen, die auf Grund ihrer zweckerfüllenden schlichten und gewöhnlichen Charakteristik nicht zum Kult oder gar Fetischobjekt taugen und bei kleinsten Mängeln oder Überdruss drohen, leichtfertig gegen eine neuere Ausgabe eingetauscht zu werden. Der Titel MISFIT (in us) deutet auf ein Wechselspiel hin: Der Name MISFIT steht sowohl für die Unangepasstheit des Gegenstandes, wie auch für das Unangepasste, Chaosstiftende, Unbewusste, Imperfekte in uns, das sich unserer Konrolle entzieht und das wir meist vor anderen zu verstecken versuchen. Diese Arbeit darf als Einladung verstanden werden sich diesem Phänomen liebevoll mit einem Augenzwinkern zu widmen und sich die Frage zu stellen, wie ein ganz individueller MISFIT im eigen Zuhause aussehen könnte?

The MISFIT (in us) is a tale of a first impression. It addresses the entrance area of our home. These few square meters witness or daily departures and arrivals which are connected to a variation of moods and meanings. It´s the transmission zone between private space and outside world It stands for comfort and saftyness where we can let go after a long busy day, but also for a location where we can experience uneasy silence and lonelyness once the door locks behind us… Besides these facts it´s the first impression of our home which we display to the world.
To organize the routines and actions which come with entering and leaving the flat we have developed manifold   coatracks and shelfing systems. But to speak the truth: No matter how hard we try and no matter which coat rack we pick, stuff happens!!!

There are always some items which refuse to fit into categories, either because we don´t need them regularly enough, like für example raingear and clothes brushes, or because life itself floods them in the entrance zone like sandbox toys  or the famous  wood stick collection of the offspring. It seems like the objects have a life of their own. They demand our attention, give us hints  about our conscious but also non aware routines. And no matter if we are aware of it or not, we are connected to them. We share a story! The things might start speaking. Let´s learn to listen!…

The project: On base of detailed receptive and projective dialogs with differenet category restisting items, which seem to be even more persistent when it comes to inhabiting the hallway at home, resulted three sculptural objects with offers to use. They can be interpreted as extraordinary habitations for these daily objects. The main focus in The MISFIT (in us) was not to find a practical and functional solution in the meaning of  „getting detached“  or „getting rid“ of  something! The focus was more on finding a (re)-connection to these items, which are due to their plain, common and purposeful character not that suitable to stand for cult or fetish objects. Rather they are threatend to be replaced easily, once they show their first defects or one gets tired of them.

The title MISFIT (in us) indicates an interplay: The name stands for the not fitting item as it does for the not fitting, chaos-making, unconcious, imperfekt parts in ourselves. These parts  tend to slip out of our control and  we often try to hide them from others. This work is an invitation to devote ourselves to this phenomenon with a wink of an eye and in a caring manner. It comes with the question: How would your individual MISFIT look like in your home?

 

Prozess

Betreut durch

Prof. Ineke Hans, Prof. Jozef Legrand, WM Martin Beck

 

CONVIVIO | SILVA ALBTERTINI | BA 2022

CONVIVIO | Bachelorarbeit 2022

Convivio ist ein räumlicher und metaphorischer Raum, welcher dem geselligen Miteinander und dem geselligen Speisen gewidmet ist. Die Wurzel des Wortes Convivio bedeutet “Zusammenleben”, “Teilen von Lebenserfahrung” und erinnert gleichermaßen an den mit Essen gedeckten Tisch (Lat. Convivium). In diesem Begriff verdichtet sich die Essenz meiner Analyse und die darauf folgende Entwicklung meines Projekts: Die Definition eines Ortes, der dem Teilen gewidmet ist und der ein Katalysator für Geselligkeit sein soll.

Es handelt sich um eine räumliche Intervention in Form einer höhenverstellbaren Kuppel, welche an der Decke hängt und über dem Tisch die Speisende schwebt. Diese zieht durch ihre architektonische Präsenz eine räumliche und konzeptuelle Linie um der Tafel. Unabhängig von dem räumlichen Kontext, in dem sie positioniert wird, stellt Convivio eine Einladung dar sich am Tisch niederzulassen und steht für die Absicht, sich Zeit für das gemeinsame, gesellige Speisen zu nehmen, welches in unserem Alltag ein sehr wichtiger Akt ist.

Dank eines Gegengewichts, das in der Mitte der Kuppel hängt, kann sie vom Benutzer, der unter ihr sitzt, auf der vertikalen Achse bewegt werden. Das Anheben und Absenken der Kuppel versetzt den Benutzer an einen Raum im Raum und ermöglicht ihm, den Grad der Intimität selbst zu bestimmen. Convivio dient auch als sensorischer (Appetit-) Anreger: Die Sicht nach außen wird durch die Kuppel eingeschränkt, damit es zu keiner visuellen Ablenkung kommt und die Konzentration auf das Geschehen im Innenraum und auf die Gäste fokussiert bleiben kann. So bekommen die übrigen Sinne die Möglichkeit sich zu entfalten. 

Die Körbe, in denen die Speisen auf speziell angefertigte Teller gelegt werden, stehen symbolisch für die Mahlzeit und dienen als dekorative Elemente, die mit ihrer besonderen Form und den leuchtenden Farben dazu beitragen, eine einladende Atmosphäre zu schaffen. Diese Körbe haben Öffnungen, die den Duft der darin befindlichen Mahlzeit freisetzen, so erst die Neugierde wecken und dann zum langsamen Essen verleiten. Convivio lässt sich von der Architektur der Nomadenzelte inspirieren, insbesondere das subsaharische Beja-Zelt, den angestammten Behausungen, die unsere Spezies seit jeher bewohnt hat und dessen Umgebung uns instinktiv ein Gefühl von Schutz und Häuslichkeit vermittelt. 

Convivio stellt eine Weltanschauung dar und ist eine Hommage an der Konvivialität.

Convivio is a physical and metaphorical space dedicated to convivial togetherness and convivial dining. The root of the word convivio means „living together“, „sharing life experience“ and is equally reminiscent of the table set with food (Lat. convivium). This term condenses the essence of my analysis and the subsequent development of my project: the definition of a place dedicated to sharing meals and intended to be a catalyst for conviviality.

It is a spatial intervention in the form of a height-adjustable cupola that hangs from the roof above the dining table. Through its architectural presence, the cupola draws a conceptual line around the table. Regardless of the spatial context in which it is positioned, Convivio represents an invitation to take a seat together and stands for the intention to take time for shared, convivial dining, which is a very important act in our everyday lives. Thanks to a counterweight hanging in the middle of the cupola, it can be moved along the vertical axis by the user sitting underneath it. By raising and lowering the cupola the users are transported to a space within a space and they are able to determine the degree of intimacy themselves. 

Convivio also amplifies the sensory aspect of the shared meal: the view to the outside is restricted by the cupola so that the concentration can remain focused on the inside, on the guests and on the meal. This gives the other senses the opportunity to unfold, enhancing the experience of sharing and conviviality. Colorful and variously shaped baskets are placed on the table: food is served in these baskets, and they  contribute to create an inviting and cozy atmosphere. Through special openings at the top of these baskets, the scent of the food is released and slowly spreads around the room. 

Convivio draws inspiration from the architecture of nomadic tents, particularly of the sub-Saharan Beja tent. These tents are the ancestral homes that our species has inhabited since earliest times and their environment instinctively gives us a sense of shelter and domesticity. For this reason, a low table with floor seating was also designed for it. 

Convivio represents a worldview and is a tribute to conviviality.

 

 

Prozess

 

Betreut durch

Prof. Ineke Hans, Prof. Jozef Legrand, WM Maciej Chmara

Kontakt

www.silva-albertini.com

PlanA | JULIUS TERHEDEBRÜGGE | BA 2022

PLAN A | Bachelorarbeit 2022

Mit PlanA wird die Interaktion mit den uns lieb gewonnenen Objekten am Leben gehalten. Die Objekte stehen nicht nur im Raum und bekommen einmalig ihren festen Platz zugewiesen, sie treten auch für uns selber neu in Erscheinung. PlanA lädt dazu ein, damit zu spielen, wie die Objekte präsentiert oder kaschiert werden können. Es wird kein definierter Zustand von geschlossen oder geöffnet erzeugt, sondern ein fließender Übergang entsteht. Das Regalsystem präsentiert, je nach Perspektive, verschiedene Inhalte. Die Objekte können mit den unterschiedlichen Farbpaneele aus recyceltem Acrylglas unterschiedlich hervorgehoben. Mit den Podesten, die auf den gleichen Schienen wie die Farbpaneele laufen, können Objekte noch zusätzlich hervorgehoben werden. Durch das statisch architektonische Erscheinungsbild der Konstruktion und die Farbauswahl der Arcylglas-Paneele, die zu einem farbenfrohen Lichtspiel führen, entstehen Kontraste, die eine Spannung und zugleich Harmonie erzeugen.

PlanA hat eine enorm hohe Variabilität, es kann als Raumtrenner, da es von beiden Seiten “bespielt“ werden kann, als Bücherregal oder als Regal für die Lieblingsobjekte funktionieren, sowohl im privaten Bereich als auch in einer Office-Situation. Die Beine von PlanA sind so gestaltet, dass die Farbpaneelen durch sie hindurchgeschoben werden können, sie sind also nicht wie bei vielen anderen Regalsystemen die limitierende Instanz. PlanA lädt dazu, ein, die Objekte wieder häufiger in die Hand zu nehmen und mit ihnen zu interagieren. Die Objekte stehen nicht mehr einfach in einer Vitrine, sondern können immer wieder neu in Szene gesetzt, oder auch je nach Belieben eher kaschiert werden.

Farben sind enorm wichtige Informationsträger und daher aus unserer Welt der Kommunikation kaum noch wegzudenken. Farben können helfen besser zu differenzieren, Dinge zu verdeutlichen, aber sie können auch Emotionsträger sein. Dieser Umstand wird besonders deutlich, wenn man sich vor Augen führt, dass wir etwa zweihundert Grautöne voneinander unterscheiden können, aber ungefähr 16 Millionen unterschiedlicher Farbtöne. Das recycelte Acrylglas, bietet sehr viele Möglichkeiten, um mit den Objekten, die präsentiert werden sollen, auf unterschiedlichste Weise interagieren zu können. Wenn ein Objekt vor einer der Scheiben steht, kommt es deutlich anders zur Geltung als wenn es vor einer weißen Fläche steht. Werden zwei unterschiedliche Farben, durch das Verschieben der Farbpaneele, übereinander gelagert, können Objekte dahinter komplett verschwinden. Ziel der Farbauswahl war, Farben zu wählen, die eine Strahlkraft haben und zum Spielen einladen, allerdings die Aufmerksamkeit nicht zu sehr auf sich ziehen und den zu präsentieren den Objekten noch genügend Raum zum Atmen geben. Außerdem war es wichtig, dass das Acrylglas zu 100 % recycelt und auch weiterhin recycelbar ist. Daher wurde für den Bau des Prototyps Acrylglas der Firma Madreperla aus der pro Produktpalette Greencast ausgesucht, mit den Farbtönen: Greencast 71059 grün 3 mm, Greencast 71231 lila 3 mm, und Greencast 71112 fluor gelb 3 mm.

With PlanA, the interaction with the objects we love is kept alive. The objects not only stand in the room and are assigned their fixed place once, the objects always have a different appearance to us. PlanA invites you to play with how the objects can be presented or concealed. There is no defined state of closed or open, but a smooth transition is created. Depending on the perspective, the shelving system presents different objects. The objects can be highlighted differently with the different coloured panels made of recycled acrylic glass. With the pedestals, which run on the same rails as the color panels, objects can be additionally highlighted. The static architectural appearance of the construction and the color selection of the acrylic glass panels, which lead to a colorful play of light, create contrasts that create tension and harmony at the same time.

PlanA has an enormously high variability, it can function as a room divider, since it can be „played on“ from both sides, as a bookshelf or as a shelf for your favorite objects, both in the private area and in an office situation. PlanA’s legs are designed in such a way that the colour panels can be pushed through them, so legs are not the limiting instance as with many other shelving systems. PlanA invites you to take the objects in your hands more often and to interact with them. The objects no longer simply stand in a showcase, but can be staged again and again, or even concealed as you wish. Colours are enormously important carriers of information and it is therefore hard to imagine our world of communication without them. Colours can help to differentiate better, to make things clearer, but they can also carry emotions. This fact becomes particularly clear when you realize that we can distinguish about 200 shades of gray from each other, but about 16 million different shades of colour.

The recycled acrylic glass offers many possibilities to interact with the objects and present them in a wide variety of ways. When an object is placed in front of a coloured surface, it appears significantly different than when it is placed in front of a white surface. If two different colours are overlapped by moving the colour panels, objects behind them can disappear completely. The aim of the colour selection was to choose colours that have a radiance and invite you to play, however not draw too much attention to themself and give the objects wich is to be presented visually enough room to breathe. It was also important that the acrylic glass be 100% recyclable and continue to be recyclable. Therefore, for the construction of the prototype, acrylic glass from the company Madreperla was selected from the Greencast pro product range, with the colours: Greencast 71059 green 3 mm, Greencast 71231 purple 3 mm, and Greencast 71112 fluorescent yellow 3 mm.

 

 

 

 

Prozess

 

Betreut durch

Prof. Ineke Hans, Prof. Holger Neumann, Prof. Jozef Legrand

 

 

Mit Essen spielt man – Emma Mende

 

mit essen spielt man

a card game about sustainability
This card game is supposed to teach about sustainability and health from a young age. The children can collect their cards when shopping more sustainable and will learn with ease and fun about different aspects like regionality, seasonality and eco-balance. This will provide a new understanding and recognition of sustainability inside the supermarket as well as at home.

When we started the project “Supermarket of the future” I initially thought about the future. In my opinion it is the children of this generation. So if you start with them, the future will automatically look more sustainable.
This card game deals with the supermarket in a playful way and is intended to help a young age understand more about aspects such as sustainability, eco-balance, regionality and seasonality.

The game consists of different cards, the product cards representing different foods of the supermarket belonging to seven food groups. Those being: fruit and vegetables, fish and meat, substitute products, animal products, beverages, dry goods and snacks. In addition, there are attacks on each product card that represent its strengths. These attacks damage the opponent’s card. They all have a certain number of sustainability points. This number of points are composed of their eco-balance but also of how healthy the food is. The other cards are called action cards. These are either booster cards or group cards. Both types of cards trigger different actions and often also have a learning aspect about sustainability. For example, with the “own packaging” card, you get 30 additional sustainability points for your own active product card.

Cards are collected directly in the supermarket. The more sustainable and healthier a purchase is, the more tickets are handed over at the end. To make this clear to all those involved, all products in the supermarket are provided with a symbol. These are small dots that are either green, orange or pink. Green dots are seen on particularly good foods, they generate three points, orange dots are on okay foods and generate two points, pink circles are on bad foods and generate either no points or just one. At the cash register, the cashier receives a visual hint of how many card packs to hand over. For every three points collected, one card pack is handed over. There are three cards in each pack. On the back of each pack is a QR code which shows the game manual.

Each child can collect together with its parents their own deck of cards.
As mentioned, two product cards always duel against each other. In each turn you can play any number of action cards and each turn is finished by a selected attack. In order to write down the score there is a simple table in the game manual which you can easily draw on a piece of paper. Otherwise, all you need is a dice.

Mit Essen spielt man is an easy and fun way to learn about sustainability. The aim of the game is that children in the supermarket might prefer to buy their “heroes” instead of the candy stuff and that due to the visual indication on the product, the green marked also land faster in the shopping trolley so that more cards can be collected. All this leads to a more sustainable shopping.Emma

Mende, 5 Sem. WS2021/22 –

MIT ESSEN SPIELT MAN_doku

project:


process:

 

Cafe & Beverage to go – Yuhang Han

Cafe & Beverage to go

a cafe to go beverage which can motivate people to use it in the pfandsystem
This container is designed for those who are willing to try the rental container as a supermarket shopping package. The container is made of ppsu provided by basf, which is lighter in weight than glass containers, cannot be broken, and can be reused 800-1000 times. When packaging is taken back from consumers by recycling companies, it can be further steam sterilized to keep food safe during the pandemic.

Yuhang Han, Anpassungssem. WS2021/22 –

contradictory thread_doku

project:


process:

 

BILLIEBEAN | Alina Seegert

BILLIE BEAN

a project that brings legumes closer to the consumer.
Eating legumes has an incredible number of benefits for our health and the environment. Their cultivation is also highly important for sustainable soil management and global food security. They have a small environmental footprint, increase carbon storage in the soil, and contribute their own nitrogen fertilizer, thus counteracting climate change. Through their diverse flowers, they counteract insect mortality. This design provides a modern communication and inspiration to include legumes more in our meals again and additionally it encourages to replace the occasional meat meal.

The supermarket display consists of two-sided fine corrugated board. The challenge was to generate the most plausible assembly method possible by folding and inserting only, since the entire product, the display including pulses, is to be delivered to the stores in a flat packs. In a single module is space for 30L leguminous. The package will be delivered on a standard EU pallet 120cm x 80cm.

To create more inspiration, simple generalized recipes are printed on the pillow boxes made of recycled paper, which serve as packaging to avoid all aluminum or plastic packaging. They are meant to encourage you to try your way through the different peas, beans and lentils, which is why the exact variety is not mentioned in the recipe.Together with the Leguminous herbs and spices are exhibited. The direct affiliation should be unmistakable as they can clearly contribute to digestibility. The supermarket display is intended in the vegetable section, because it is a basic food, with incredibly positive heal.

Alina Seegert, 7 Sem. WS2021/22 –

BILLIEBEAN_doku

project:


process:

 

WRAP IT UP | Lukas Henneberger

WRAP IT UP

In the supermarket ecosystem, goods are delivered to supermarkets on roll containers. In order to secure the cargo and stabilize the containers, they are wrapped with a plastic film made of polyethylene. According to the manufacturer, PE stretch film is made of 100% recyclable plastic. However, it is a pure single-use product. In the supermarket, it is unraveled and disposed of after the goods are received. Thus, the film is unusable after only one use. With my design, I would like to explore an alternative for this disposable item.

Through a, made of 100% TPU security film this problem can be counteracted. Wrap it Up is a reusable and recyclable alternative solution to the conventional wrap film. On the one hand it stabilizes the roll container, on the other hand goods are fixed on the container and cannot slip. Due to the high quality plastic, it can be reused numerous times.    Wrap it Up consists of a semi-transparent TPU film and several connectors, which are also made of TPU. The special feature is that the connectors taper so that they become very thin at the point of contact with the film. Both parts can be welded together. This means that no additional adhesive needs to be used and the mono-materiality is retained.

Lukas Henneberger, MA WS2021/22 –

WRAP_IT_UP_doku

project:

 process:

CUBO | Anton Oberländer & Luca Ortmann

CUBO

a reusable glass bottle for dairy products

With CUBO, we have developed a reusable alternative packaging for dairy products in which the lid is firmly attached to the bottle. As a result, there is no material loss during the entire life cycle. This solves the problem that previous packaging cannot be reused in most cases. Multiple coatings and missing lids when returned make recycling impossible. CUBO combines the convenience of beverage cartons with the ecological materiality of existing deposit glass bottles.

A comparison of the life cycle assessments of different beverage containers shows that, in terms of sustainability, returnable deposit systems and tetrapaks are at the top of the list. Nevertheless, there are many problems that stand in the way of them being 100 percent sustainable. The commercially available beverage carton is not only made of paper but is usually coated with aluminum and plastic. In addition, the twist cap, which most of those products have, is also made of plastic. Overall, the company tetrapak itself, produces about 700,000 tons of plastic per year. Thus, the recycling of this packaging is difficult and is therefore not usually done. Only 33 percent getting recycled. In addition, most of them are thrown into the wrong garbage and thus cannot even be disposed of correctly. The situation is much better with reusable deposit systems. But here, too, the reusable cycle can usually not be completed because of-ten the lids, which are made of sheet metal and are also often coated with plastic, are either not returned or are too difficult to recycle. Both beverage cartons and conventional glass bottles therefore consist of several materials whose separation in the recycling process is not possible or too expensive.

Our goal with CUBO was to design a 100 percent returnable alternative to beverage carton and glass bottles. CUBO is a reusable alternative with the lid firmly attached to the bottle itself. This guarantees that no waste is generated during its entire life cycle. Industrially, on the other hand, the lid can be easily removed for cleaning and filling. It combines the convenience of beverage cartons with the ecological materiality of existing deposit glass bottles. Due to the under-cut-free shape, industrial cleaning of the bottle can be carried out in a much more resource-friendly manner than with conventional glass bottles. The lid can be opened completely in half. Thus, any contents can be poured out comfortably. Food products such as viscous dairy products like yogurt can also be conveniently completely consumed due to the omission of undercuts. In addition, the glass form can be produced more easily, since it is completely open on the top. Another problem with the handling of glass bottles is the lip of the spout. When pouring slowly, the contents usually drip down the neck of the bottle. To protect the glass from breaking, it must be strongly rounded. However, in our design, the edge of the glass is protected by the plastic cap all around, so we can use a sharp edge. Thus, CUBO represents a completely ecological alternative to conventional beverage containers.

Anton Oberländer 3 Sem. WS 2021/22 |
Luca Ortmann, 3 Sem. WS 2021/22 |

CUBO_doku

project:

process:

 

PUBO | Jing Jin

PUBO

A reusable meal-kit delivery packaging
During the pandemic, there’s a growing favor for meal kit services that allow consumers to skip the food prep process. Their delivery packaging is usually consisted of a cardboard box, a layer of insulation and ice packs. To minimize the environmental impact of single-use materials in these packaging, Pubo is created as a reusable alternative. Made of abrasion-resistant TPU sheet from BASF, the light-weight inflatable box provides both insulation and cushioning.

Jing Jin, MA Anpassungssem. WS 2021/22 –

PUBO_doku

project:

process:

 

 

 

monoplan | Tim Schuetze

monoplan

a circular packaging concept for cleaning products
monoplan introduces a new take on refill stations for liquid detergents or cleaning agents. The reusable bulk bag deflates while dispensing, enabling both minimal residue and return volume, ensuring sustainability. It is designed to be refilled in a cradle-2-cradle cycle and eliminates the exhaustive process of internal cleaning before refilling. Once worn out, the bag can be materially recycled due to its mono-material fabrication. It also features an intuitive dispenser that guarantees spill-free bottling – regardless of content.

Tim Schuetze, MA Anpassungssem. WS 2021/22 –   www.timschuetze.com

MONOPLAN_doku

ACKNOWLEDGMENTS

project:

process:

 

IMMERFRISCH | Paula Schwager

 

immerfrisch

a packaging which makes fruit and vegetables last longer

Immerfrisch is a packaging which tackles food waste in the supermarket. During the pulp moulding process of immerfrisch zeolite is added to the material. Zeolite is a mineral, which adsorps ethylene, the gas responsible for the ripening process of fruit and vegetables. Fresh produce stored in immerfrisch has a longer shelf life and gets wasted less.

Every year about a third of all food gets thrown away. This is a huge loss of energy, water, agricultural areas, money and other valuable resources. Supermarkets and grocery stores play a huge role in this because they´re the second biggest food wasters after private households. Because of poor shelf management, consumer habits and the abundant amount of produce available, a lot of groceries land in the trash before they can be sold. Especially fruit and vegetables are at high risk to get wasted. The main problem is to keep fruits fresh and attractive looking because naturally they go bad fast. If it is possible to prolong the shelf life of fruits for even just one day up to 40% of fresh produce could be saved and sold. Immerfrisch offers a way to prolong the freshness of fruit and vegetables. The fruit trays are made from moulded pulp with the addition of zeolite. Zeolite is a mineral which occurs naturally or can be manufactured in the lab. It has the ability to adsorb ethylene, the gas responsible for the ripening process of fruits and vegetables. By binding the ethylene zeolite slows down the ripening process and fresh produce stays fresh longer. Immerfrisch is stackable to create a closed room for the produce and to ensure the best adsorption of ethylene and therefore the longest possible freshness and minimal food waste.

Paula Cosima Schwager, WS 2021/22 –

IMMERFRISCH_doku

 

project:

process:

 

OTTER | Max Hausmann

 

OTTER

is a basket that facilitates supermarket shopping by bicycle

Although shopping is one of the most common mobility activities in everyday life, along with commuting, there are hardly any transport containers designed specifically for this purpose. Otter offers the possibility to easily attach groceries to the bike. By using only polyamide and ensuring that all individual parts are repairable and interchangeable, a new direction in sustainable product development is demonstrated.

Max Hausmann, MA Anpassungssem. WS 2021/22 –

OTTER_doku

project:

 

process:

 

SUPERWAREHOUSE | Peer Alexander Assman

SUPERWAREHOUSE

a concept for the packaging needs of the future, where supermarkets become obsolete and are replaced by online stores and warehouses.

Ebay supersedes flea markets, Amazon crushes department stores, and supermarkets will be substituted next. As such the packaging of the future should no longer cater to the concept of a physical store. It’s goals are space optimisation, digital processing, stack-ability, handling, resource conservation and integration into digital platforms including our digital lives.

Peer Alexander Assmann, WS 2021/22 –

SUPERWAREHOUSE_doku

project:

 

process:

 

<150km | Laura Laipple

< 150km

a future vision on our food system

According to a study by ZALf (Leibniz Centre for Agricultural Landscape Research), a city like Berlin can be fully supplied with food produced within a radius of less than 150km. Using design objects to communicate, the project > 150km envisions an urban society that strives for a direct connection to its food by consuming only products that come from its immediate surroundings.

envisioning a food system for tomorrow:
Every year, millions of tons of food are shipped around the globe to ensure the ready availability of fresh produce in the global North. This long-established food system causes an enormous amount of emissions and food waste. It also puts great pressure on the Third World and developing countries to meet this demand.

By 2050, more than 80% of the world’s population will live in cities, further increasing their dependence on the food industry. So change is needed, and not just to achieve the Green Deal 2030, but a society loses its connection to food production and thus its independence. <150 km envisions what the future could look like if humanity manages to solve these major problems and change its lifestyle to super-local production with strong citizen participation.

According to a study by ZALf (Leibniz Centre for Agricultural Landscape Research), a city like Berlin can be fully supplied with food produced within a radius of less than 150km. Using design objects to communicate, the project <150km envisions an urban society that strives for a direct connection to its food by consuming only products that come from its immediate surroundings. The range of food is defined only by local products. However, they are changing from being places of fast to conscious consumption. Instead of space-consuming discounters, supermarkets are blending into the cityscape and becoming places of social interaction. In 2050, people will no longer go to the supermarket to get something quickly, but to be inspired by what is on offer.

The <150km project represents this reality using various objects. The concept of <150km is transferred to the objects. All products are made from materials sourced in the vicinity of Berlin. Clothes made of linen and hats made of straw. Aesthetic gardening tools made from recycled aluminium to integrate gardening into daily life. Seed banks made of clay to enhance and individualise the seeds. Knives made of recycled steel that have adapted to the changing food culture. This reality is presented through the fictional characters Lilli and Musa, who live in Berlin in the year 2050. These products represent excerpts from their lives.

Laura Laipple, 9 Sem. WS 2021/22 –

<150KM_doku

project:

process:

 

 

COMPAGNON | Jonas Fehrenbach & Marek Asamoah

COMPAGNON

A shopping basket for Bicycles

The Compagnon bike shopper,  it’s a return of a classic. The design is inspired from an iconic shopping basket. However it is equipped with an additional suspension for the bike rack – a small detail with a high symbolic power, converting and combining classical shopping basket and a bike shopper. It’s the  longlife alternative to familiar shopping bags and boxes at the supermarket’s checkout. Made to last and to reuse.

Car Free Zones and Cycling paths as part of many cities‘ strategies and aspirations to support sustainable living are on the rise. At the same time the need for local food supply through supermarkets and grocery stores remains. Especially the demand for fresh and healthy food from local sources  – despite the trend of shopping groceries online – is growing.
The Bicycle as a medium of transport will become  more and more important for short and intermediate distances in urban areas. Yet supermarkets are focusing on car-using-customer’s needs and growing supply of parking spaces but sooner or later alternatives have to be found to put  greener solutions into place.

Introducing Compagnon bike shopper,  it’s a return of a classic. The design is inspired from an old iconic shopping cart. However it is equipped with an additional suspension for the bike rack – A small detail with a high symbolic power, converting and combining classical shopping basket and a bike shopper. It is made from solid stainless steel wires, highly robust but lightweight at the same time. Compagnon is a ready to use and easy to handle, low price bike shopper available at the check out of local supermarkets.

It’s the  longlife alternative to familiar paper shopping bags, plastic bags or shopping boxes at the points of sale. Made to last and to reuse.

Jonas Fehrenbach, WS 2021/22 –
Marek Asamoah, WS 2021/22 –

COMPAGNON_doku

project:

process: 

Suit Yourself – 48 Hour Projekt

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Suit Yourself- 48 Hours Projekt

Lehrende: Prof. Wowo (Waldemar) Kraus, Gast Prof. Julian Zigerli

 

 

Arkadiusz Swieton & Yeram Kim 

 

Lena Kleinert und Melchior Rasch

 

David Korn&Luis Amslgruber

 

 

Nikolai Keller & Dominik Bittman

Aimee Grünewald & Viktor Dietzsch

 

Charlotte Huttenloher & Bob Chapri Silalahi

                                                                        

Lucille Gonzalez & Kieun Hong

Maj Doehring& Rosalie Bock

Constatin Prückner& Leon Simonis

Jil Theisges, Marina Kolushova, Mallki Garrafa

Déclic | Sandro Bodet | BA 2021

Déclic | Bachelorarbeit 2021

Das Erforschen und experimentieren am Modell stand im Vordergrund dieser Arbeit. Die Ausgangssituation war zügig klar: CNC-Fräse, Sperrholz, Stecksystem.
Eine Schnittstelle zwischen Architektur und Design sollte dabei erarbeitet werden, wobei die Idee des Bausteins im Mittelpunkt stand. Dieser Jahrtausende alte
Begleiter der Menschen manifestierte sich in vielen Formen und Materialien. Mein Ziel war es eine neue Antwort zu präsentieren, die sich den aktuellen Themenschwerpunkten
und Möglichkeiten bedient. Aus Holz, dem nachhaltig nachwachsenden Rohstoff, können stabile und standardisierte Werkstoffe wie Sperrholz hergestellt werden, aus
denen, mittels CNC-gesteuerter Bearbeitung, präzise Teile in hoher Stückzahl entstehen können. Um diesen Umstand attraktiv und erlebbar zu machen, habe ich verschiedenste
Verbindungen mit variierender Komplexität entwickelt und gefräst. Der daraus resultierende déclic-Mechanismus ist sowohl Verbindung für die Bestandteile der Bausteine, als
auch für die Bausteine untereinander. Diese können in alle Richtungen aufeinander gestapelt werden und halten als Struktur durch den hinterschnittigen Formschluss der einzelnen Elemente.

The exploration and experimenting on the model was crucial to this work. The starting point was clearly defined: CNC-mill, plywood, plug system. The connection
between design and architecture should be investigated, reguarding building block as companion for centuries in human history. The brick had many forms and materials
and my goal was to find a modern attempt with new priorities. Wood, as a regrowing resource, can be stabilised and standartised as plywood, which is perfectly suited
for cnc-machining – precise pieces in high quantity. To make this circumstance perceptible, I milled various wood connections in different complexities. The finally
emerging déclic-mechanism is simultaneously the connection of the brick components and the connection of the bricks themselves. They can be stacked in every direction
and build stable structures due to a undercutted form lock between the building blocks.

 

Prozess

 

Betreut durch

Prof. Burkhard Schmitz, Prof. Holger Neumann, KM Antonia Kühne

HOODIE GUT, ALLES GUT (2021)

 

HOODIE GUT, ALLES GUT //  Basisprojekt Mode // SS21

Bei glücklichem Ausgang eines Hoodies sind die dafür überwundenen Mühen und Schwierigkeiten schnell vergessen – Analyse und Interpretationen eines Kaputzenpullovers.

Ein stark konnotiertes Kleidungsstück dessen Aussagekraft und Codes klar gesetzt sind – Wohlbefinden, soziale Schichten, Materialitäten, Formensprache.

Was macht den Hoodie zum Hoodie?

Klare Merkmale sollen in dem Semester hinterfragt, neu definiert und noch klarer und präziser gesetzt werden.

Durch upcycling oder Materialbearbeitung (Siebdruck ausgeschlossen) soll ein Hoodie kreiert und dessen Grenzen getestet werden.

Ist die Form relevant? Ist die Funktion relevant, oder reicht das Material und die Codes der Taschen?

Um tiefer in all diese Fragen einzutauchen soll im ersten Schritt eine Hoodie Analyse, sowie eine Recherche zu Material, Form und Schnitt gemacht werden.

Die Präsentationsform am Ende des Semesters kann eine Installation, eine Kampagne, ein Video oder eine Performance sein.

Lehrende: Gast Prof. Julian Zigerli, KM Magdalena Kohler

 

Achim Kwon // „sense of weight“

Der Entwurf verdeutlicht das Gefühl von Gewicht in meinem Inneren.Es bedeutet das Maß an Verantwortung, die ich fühle oderder Grad der Atmosphäre, die ich empfinde, wenn ich bestimmte Dinge sehe.Der Oberkörper (Weste) des Hoodies erscheint schwer, indem breit geschnittene Jerseystreifen aus einem alten Kleid neu verstrickt wurden.Das Wesen des Kleides bleibt somit in einer anderen Form erhalten.Der Kapuzenteil des Hoodies ist großzügig geschnitten und besteht aus leichtem und dehnbarem Jersey. Die Silhouette sollte leicht beginnen und in ein Wechselspiel der Schwere und Leichtigkeit der Materialien übergehen.Der Rock zeigt gewissermaßen eine grobe rechteckige Form. Durch die Beschaffenheit der Seide klebt der Rock am Körper und zeigt die Silhouette im Inneren.Um den Rock mit dem Oberkörper zu verbinden, habe ich eine dünne Kette verwendet.Ich mag die Harmonie der leichten Seide verbunden mit der dünnen Kette.Fein aber stark, verschwommen und dennoch sicher.

 

Elea Jenner // „Play“

Playing with covering and veiling the body in a society where one is sexualised and sexually objectified, often depending on what and how much one shows off oneself.How do I deal with sexualization? How do I choose to act in this context every day? I seek balance anew every day.The hoodie is the starting point of the veiling. Large opaque volumes drape over the body, making the actual shape of the body unrecognizable. In contrast, tight mesh garments enclose the body tightly and not only leave it visible, but put an additional focus on it.The two materials play with each other, wrestle with each other. They take on the qualities of the other. A negotiation between veiling and unveiling.
Model: Ayleen Tuncer / Photography: Elea Jenner

 

Elizaveta Efimova // „PXOENIX“

For my project I was inspired by the beauty of nature in its primal state. I wanted to focus on contrasting accents such as solid and liquid, cold and burning hot, dark and light, life in motion versus stillness, and movement as something deadly yet beautiful. In my video I wanted to emphasize these contradictory elements to show the flow of life and its integration with nature, as well as the melancholy of motionlessness. The volcano was the main inspiration for my hoodie, which was the mood board not only for the colors but also for the textures I chose.The volcano rewards with life through its stillness and punishes with death through its movement – for me this reflects the embodiment of beauty.Through the smocking technique, the pleats and wavy lines, I wanted to translate the organic texture of the stone into the garment, and the knitted red rough lines hidden between the pleats and revealed at the top represent burning, flowing lava erupting in the form of the hood over the hoodie.
Models: Achim Kwon, Daria Kazak

 

Ina Bak // „Blaze of color“

Die Insperation kam von dem Anime Film „Colorful“. Dieser Film erzählt das jede/r seine eigene Farbe hat, egal ob sie schön oder hässlich ist. Die Frage ist, ob du deine eigene Farbe herausfinden kannst.Der schwarze Hoodie wird mit dem Reißverschluss in zwei Teile geöffnet um mit den farbenfrohen Blüten die Innenseite zu zeigen. Nach der Öffnung der Kapuze sieht man den Farbübergang, obwohl die schwarze Dunkelheit noch darunter liegt.Das Öffnen des Reißverschlusses symbolisiert das Aufblühen einer Blume. Als veränderter Prozess sehen wir nicht mehr den schwarzen Hoodie, der einen versteckt, sondern schöne Farben in Form von Blumen.Durch diese Inside Out Transformierung möchte ich mit dem Hoodie eine Assosiation zum Überstehen von Hinderniessen schaffen. Das Überstehen kann vieles unterschiedliches sein, denn jede Person hat seinen eigenen Kampf. Was könnte ein Kampf sein? Manche Menschen leiden unter Depression und müssen den Mut aufbringen, zum Arzt zu gehen , oder Andere haben Angst in einer Fremdsprache zu versagen und brauchen die Motivation zum Lernen , und widerum Andere kämpfen mit dem Weg zur Selbstständigkeit.Durch das Ziehen des Schnur wird die Kapuze geöffnet und die farbenfreue Innenseite bezeigt.Das Ziehen bzw. Reißverschluss steht die Motivation / der Wille / die Aktion da, und als Ergebnis davon sehen wir nicht mehr Schwarze Kapuze, die einem versteckt , sondern schöne Farben in Form Blumen. Dieser Prozess symbolisiert das Aufblümen einer Blume.
Model : Achim Kwon

 

Iva Hoes // „Zweite Haut“ / „Second Skin“

The skin offers us protection and is the visible outer shell of living beings. As well as the hoodie as a second layer becomes a very personal, own part of our body, of our existence. Safe, protected, as if fitted to one’s own body, the garment exists on and connected to the human being. The play between the natural and an outer shell, becomes one.My project deals with the human surface in its biological form, designed by self-produced bioplastics that, like us, will eventually decay. Inspired by nature, water and waves, the garment wraps asymmetrically and organically around the body. It is reminiscent of a mystical transformation of the human being in the hoodie. This installation represents the excursion of bio-based materials, which are our future, with the abstract representation of the human form.

 

Jakob Deutschmann // „Wandertag“

 

Es ist Wandertag: Es ist sehr heiß und die Sonne strahlt, nein, brennt vom blauen Himmel herunter, der hier und da von weiß-strahlenden, ungefährlichen Wolken durchbrochen wird, darüber können nur die Sterne sein. Man wandert zu einem Gipfel der Alpen, weit hoch, so hoch, dass normalerweise nur Vögel dort sind, doch erst muss ein steiniger Weg hinter einem gelassen werden. Die grauen, harten Berge formieren sich vor einem, vor dem Anstieg weiß man schon: Das wird ein Kampf! Die Hitze ist enorm, es ist anstrengend, doch hat man große Freude, denn der Weg ist das Ziel. Wenn man aber doch das Gipfelkreuz des höchsten Berges weit und breit endlich erreicht hat, hat man es geschafft, man ist frei, kann sich entspannen und die Aussicht genießen. In einem Hoodie fühlt man sich wohl, es ist ein Kleidungsstück zum Entspannen und um abzuschalten. Dasselbe passiert auch beim Wandern und in den Bergen, weswegen ich meinen Hoodie mit dieser Freude des Wanderns, einem Gefühl der Freiheit und der Naturverbundenheit verbinden wollte, eins mit der Natur werden, der Träger wird zur Natur, Mensch und Natur, eine Symbiose.

 

Jonathan Richter // „Ärmel hoch, Hose runter“

„Ärmel hoch, Hose runter“ geht ehrlich mit der Rolle der Workwear als Dekoration um und entzieht ihr konsequent den Nutzen. Medizinische Schuhe werden zu hoch um drin zu laufen, Schutzhandschuhe werden aufgeschnitten und Helme werden weich. Die Kapuze wird zu dem dekorativen Element, dass sie eigentlich schon immer war. Und einige Elemente erscheinen auch nur, weil sie schön sind – denn nicht alles in Menswear bedarf einer Erklärung.
Model: Luis Schrümpf / Makeup: Alice Daniela Kister / Photographie: Matthias Leidinger

 

Khulan Klecker // „My Hood UB“

„My HoodUB“ is a new interpretation of the classical streetwear hoodie influenced by traditional mongolianelements. Mongolia is literally my hood, since I spent there my childhood. Young people call the capital Ulaanbaatar “UB”.For the last few years the music industry is flourishing, especially the rap scene. These artist are strongly influenced by the western culture but never forget their own culture, the nomadic way of life. You probably see a rapper on a camel in the steppes only in Mongolia today.My goal was to show exactly this contrast and its fusion of the nomadic and the hoodie as a streetwear. To achieve this, I used felt, which is still used to this day by nomads as a main material for their home, yurt. In form and cutting, I was inspired by the traditional clothing , called deel. I also used the traditional knotting techniques for buttons.

 

Kiarash Amourizi Varnamkhasti // „Unter der Sonne“ / „Under the sun“

Hugging, sunlight and the color yellow have one thing in common: the release of serotonin in the body, helping to balance the flow of emotions and mood in a being. In fact, one of the hardest things to unlearn is the feeling of physical touch. The most human, friendly and simple act between two people, became almost impossible due to the pandemic. How to express this intimate exchange of feelings between two people?By the feeling of safety and peace that you get from wearing a hoodie, you come closer to the feeling of hugging.Everyone deserves a hug. My design is an accessory for everyone who is in the shadow of the pandemic. For everyone who feels left behind. For all who simply miss the feeling of touch….
Photo by Karla Vandon / Models: Alia shashaidullina, Le Dok, karim baazaoui

 

Leif Kessler // „Inside out“

Models: Jakob Deutschmann, Luca Ortmann, Sofia Sieron, Arthur Vuillamoz, Azande

 

Leo de Payrebrune // „subversive sex“

„Certain body parts become imaginative centers of pleasure precisely because of how they correspond to the normative ideal of such a body specific to gender identity.“[1] – Judith Butler
The simplest form of concealment can be done by deforming the body with the help of clothes. Among these is the contour-dissolving hoodie. In contrast, the corset puts the focus on sexualized limbs, additi-vely is straining the body and leaves drawings in the name of restrictive gender roles. The work deals with the process of differentiation and becoming aware of one‘s own gender identity and the accompany-ing dysphoric relationship to the body. The original points of view of the corset are intentionally shifted to other points.
[1[ Judith Butler, Gender Trouble: Feminism and the Subversion of Identity, 1990, p. 111
Photographer: Matthias Leidinger / Model: Alice Daniela Kister

 

Mai Hoang // „avoid the social gaze“

Shame is a powerful emotion, whose very existence involves the perceived and internalised Gaze of society. It’s essentially being used as a weapon to manipulate individuals to behave in a certain way, hiding their true identity. The internalisation comes to a point that one lives with a constant tension between the self’s action and the self’s standards.Either secluding oneself from society or hiding one’s true identity and personality are the only ways out if you feel not fit to live in your own community. avoid the social gaze addresses our daily struggles with the feeling of shame since our very actions are steered by the need to avoid feeling shame.The whole body is covered by at least one garment with only bits and pieces of bare skin peeking out. The hoodie is masking the most identifiable part of the body – the face. The lies you tell the people around you to fit their expectations of you just start to pile up and wear you down. Living this way is uncomfortable, suffocating and unsatisfying. Stuck in the facade you once built yourself even when you finally decide to shed that shell.
Photography by Matthias Leidinger / Model: Tim Escher

 

Maren Eisemann // „Rendezvous“

Reminiscent of the page 6 it girls, this deconstructed three-piece knit hoodiebrings back memories of Paris Hilton, Gwen Stefani and the like.With the tiny kangaroo-pocket handbag, a mix of textures and color and abutterfly inspired cut. But it’s made for the it-girls of today. Tik-Tok is their realm and they grew up with strong fashionistas as their childhood idols.It is inspired by the historical fact that women first wore hoodies in the 17th century to be able to go to their rendezvous unrecognized. Such a girl might consider a classical hoodie unflattering, unfashionable andinterfering or hindering a good posture.The hand knitted chain hood helps to keep their privacy safe but is still able todisplay their love for art, fashion, jewelry and self-made pieces.

 

Tim Escher // „Distorted Perception Of The Body“

Throughout history, an ideal body has developed that people have not been able to distance themselves from for a long time. People who do not fit into this perfect image are prisoners in their body, which is not perceived as perfect by society. The hoodie serves as protection and a place of retreat from contemptuous looks and comments. Dealing with this subject has led me to develop a distorted perception of the body. Between stigmatized classical beauty, a sculptural figure develops that distorts/deconstructs the body as it is known and is meant to bring it into new dimensions. A play between space and body emerges that both relate to the body and distances itself from it. By modifying the silhouette, a positive reference is drawn to inequalities that are inherent in everybody.By creating a manifestation, the viewer is encouraged to distance himself from the „normal“ ideal image. The wearer must turn away from familiar body shapes in his appearance, which creates a stadium between sculpture and human being. They should feel comfortable and fade out the reduction to society’s ideal image.

 

infoveranstaltung BA

Liebe Studierende,

Am Montag, 15.11. findet um 17 Uhr digital die Infoveranstaltung für die Bachelor-Anmeldung für das SS22 hier statt:
https://udk-berlin.webex.com/meet/bewerbungbachelor
Hier vorab die Terminliste:
https://design.udk-berlin.de/wp-content/uploads/2021/09/BA-SS22-Langzeitterminliste-15.09.21.pdf

Alle Unterlagen die die Anmeldung und Prüfungen betreffen finden sich hier:
https://design.udk-berlin.de/ueber-das-studium/formulare-termine

Viele Grüße!
Der PA

gescheiter scheitern | Mina Bonakdar | 2021

 

 

Mina Bonakdar | BACHELORARBEIT 2021 

„losers quit when they fail, winners fail until they succeed“

Aber was genau ist ein Verlierer und was ein Gewinner? Was bedeutet es zu verlieren und wie wird in der Gesellschaft damit umgegangen?
Diese Fragen, die auch in Kleidung und ihrer Performance wiederzufinden ist, widmet sich das Projekt „gescheiter scheitern“, indem es Hilfestellungen anbietet um das „scheitern“ erträglicher zu machen.
Weiterhin soll die Bewertung von „Erfolg“ und „Versagen“, „gut“ und „schlecht“ und der Dualismus der hinter diesen steckt hinterfragt werden:
„ Ein schlechtes Buch, ein Schlechtes Bild“, und er gibt immer den Anschein etwas sachliches zu sagen. Immerhin verrät die Miene dabei, dass er es gerne sagt.
Denn die Form der Äußerung täuscht, und sie geht sehr bald in eine persönliche über. “Ein schlechter Dichter“ oder „ein schlechter Maler“ heißt es dann gleich, und es klingt als sage man „ein schlechter Mensch“. Die Freude am negativen Urteil ist immer unverkennbar.
“was immer das Gute ist, es ist da, damit es sich vom Schlechten abhebt.“
(Canotti, Elias,Masse und Macht,1960, S.351)

„losers quit when they fail, winners fail until they succeed“

But what exactly is a loser and what is a winner? What does it mean to lose and how does society deal with it?
These questions, which can also be found in clothing and its performance, are addressed by the project „fail better“, which offers assistance in making „failure“ more bearable.
Furthermore, the evaluation of „success“ and „failure“, „good“ and „bad“ and the dualism behind them should be questioned:
“ A bad book, a bad picture“, and he always gives the appearance of saying something factual. After all, his expression reveals that he likes to say it.
For the form of the utterance is deceptive, and it very soon turns into a personal one. „A bad poet“ or „a bad painter“ is then immediately said, and it sounds as if one is saying „a bad person“. The pleasure in negative judgment is always unmistakable.
„whatever the good is, it is there so that it stands out from the bad.“
(Canotti, Elias,Masse und Macht,1960, p.351)

 

 

Betreuer*innen : PROF. VALESKA SCHMIDT-THOMSENPROF. DR. INGEBORG HARMS, KM EVELYN SITTER

Credits:

1 Shoot :
Hair and Make Up: Titia Grefe
Fotografie: Robert Hamacher
Models: Sabina Ross, Carla Loose

2 Shoot: Models: Ulla Grubinger, Anna Zrenner, Ilaaf Khalfalla

For all true lovers, of whatever species | Delia Rößer | 2021

 

 

Delia Rößer | BACHELOR THESIS 2021 

What if the story about the development of human society was not shaped by the western hero myth, who portrays the human being as an overpowering individual?

Which narratives and objects would result from an alternative human-animal relationship?

 

„For all true lovers of whatever species“ is a speculative design project that explores the common becoming between humans and animals based on considerations of co-evolution.

In the face of an approaching presence of global warming and geographic changes, the narratives do not seek to stop the unstoppable, but rather to explore being-new-in-the-world.

How can we live with new connections and upcoming challenges?

Three fictional scenarios question the human relationships to different species and the influence on the interrelationships that arise between animals, microorganisms and humans.

What if the narrative of human societal development were not shaped by the Western myth of the hero, which portrays the human being as an overpowering individual?

What narratives and objects would emerge from an alternative human-animal relationship?

 

„For all true lovers of whatever species“ is a speculative design project that explores the common becoming between humans and animals through considerations of co-evolution.

In the face of an approaching present of global warming and geographical change, the narratives seek not to stop the unstoppable, but to explore newness-in-the-world-ness.

How can we live with new connections and coming challenges?

Three fictional scenarios question human relationships with different species and the impact on the emerging interconnections between animals, microorganisms and humans.

 

 

Credits:
Editorial
Fotografie
Tessa Meyer
Licht & Video
Niclas Moos
Styling
Elias Knorr
Model
Jannik Schneider
Finn Brauckmann
Assistant for everything
Fabian Senk
 

Play Harder | Katharina Spitz | 2021

 

 

Alessandro Gentile | BACHELORARBEIT 2021 

PLAY HARDER
Haben wir das Spielerische als kulturelle Praxis verdrängt und vergessen? Wir haben es ausprobiert. Wir haben gespielt. In diesem Spiel sind ornamentale Objekte entstanden. Ganz unpraktisch und nutzlos, aber äußerst funktional für die spielerische Interaktion. Spielen ist Interaktion. Spielen ist Nähe. Kleidermode, die im Spiel kreiert und re-kreiert wird, ist lebendige, wechselwirkende Auseinandersetzung und Beziehung. Beziehung zueinander, Beziehung zu unserer materiellen Umgebung, Beziehung zu dem Neuen das entsteht. Wieder und wieder. Wir sind Teil dieses Neuen, der Objekte und Ideen und sie sind Teil von uns. Unsere ermächtigende, transformative Strategie ist das „sich Kleiden“. Die Betonung liegt auf spielerisch.

Play Harder.
Engage. Alter. Create.
Transform. Engage. Interact.
Change. Re-act. Engage.
Re-create. Engage. Wonder.

PLAY HARDER

Have we suppressed and forgotten „play“ as a cultural practise? We tried. We played. In playful interventions ornamental objects are created. The objects are very impractical and useless, but extremely functional for playful interaction. Play is interaction. Playing is engagement. Fashion that is created and re-created in play is living, interactive discussion and relationship. Relation to one another, relation to our material surrounding, relation with the new that arises. Again and again. We are part of this new, the objects and ideas. And they are part of us. Our empowering, transformative strategy is the act of dressing. The emphasis is on playful.

Play Harder.
Engage. Alter. Create.
Transform. Engage. Interact.
Change. Re-act. Engage.
Re-create. Engage. Wonder.

 

 

Credits:

Fotografen bitte nicht ohne Angabe der vollständigen Credits veröffentlichen.
„Play Harder“
Design: Katharina Spitz
Photography: Angelina Vernetti
Spielgemeinschaft: Frederik Britzlmair, Olga Mia Raz, Laura Talkenberg, Elizaveta Efmova,
Philipp Kind.
IG-Credits:
„Play Harder“
Design: Katharina Spitz
Photography: Angelina Vernetti
Spielgemeinschaft: Olga Mia Raz , Frederik Britzlmair, Laura
Talkenberg , Elizaveta Efmova, Philipp Kind.

SELECT MASCULINITY | Alessandro Gentile | 2021

 

 

Alessandro Gentile | BACHELORARBEIT 2021 

Im Rahmen meiner Abschlussarbeit habe ich mich mit dem Thema der toxischen Männlichkeit im Kontext der Mode, der Videogames und des Militärs beschäftigt.
Im Wandel der letzten 10 Jahre haben sich zunehmend neue Schnittstellen dieser drei Elemente kreiert. Videogames haben heute in der westlichen Gesellschaft eine viel größere Relevanz als vor einigen Jahren, weil die angeblich verpönten kindlichen Videogamespieler_innen von damals heute ein wichtiger Bestandteil der Gesellschaft geworden sind. Wo einmal Videogames vollkommen Fehl am Platz waren, sind heute immer mehr zu sehen, auch in der Mode.
Allerdings bringen Videogames eine ganze Menge hypermaskuliner, toxischer Werte mit sich. Auch wenn es nicht die einzigen darin enthaltenen Werte sind, sind die Bilder der modernen Videogames überfüllt mit militärischen Machos, die für ihre Gefühllosigkeit und “heldenhafte” Gewaltausübung verherrlicht werden.
Die Vertretung dieser und die Identifikation mit diesen Werten seitens der Männern sowie die Vermarktung durch weitere Männer beruht auf einem bestimmten gesellschaftlichen Konstrukt: der Vorstellung, dass ein Soldat die höchste Form eines Mannes sei .

Doch obwohl dieses Ideal nur ein Konstrukt ist, werden Männer so aufgezogen als wäre es das Natürlichste, wonach sie streben könnten. Selbst wenn man sich dessen bewusst ist, dass das ein toxisches Konstrukt ist, kann das trotzdem Teil der eigenen Identität und nicht komplett veränderbar sein.

So stellte ich mir die Frage: Wie kann ein Mann sich von diesen Werten distanzieren und trotzdem mit dem leben, was das Patriarchat aus ihm für einen Menschen gemacht hat?
Durch meine Recherche habe ich verschiedene Ambivalenzen und Inkohärenzen, die in dem hegemonialen Männlichkeitsbild, insbesondere im Militär, präsent sind, gefunden.

Diese sind dann Bestandteil der Kollektion geworden. Man trägt also diese Inkohärenzen nach außen, um bewusst dieses toxische Konstrukt auseinander zu nehmen und sich gleichzeitig mit der eigenen Identität wohlfühlen zu können.

In my graduation work I dealt with the topic of toxic masculinity in the context of fashion, videogames and military.
In the transition of the last 10 years, new intersections of these three elements have increasingly been created. Videogames have a much greater relevance in western society today than they did a few years ago, since the supposedly frowned-upon childish videogame players of the past have become an important part of society today. Where once videogames were completely out of place, they are seen today more and more, even in fashion.
However, videogames bring with them a whole lot of hyper-masculine, toxic values. Even if that’s not all that can be found in them, the images of modern videogames are overflowing with military machos glorified for their insensitivity and „heroic“ use of violence.
The representation and identification with these values on the part of men, as well as the marketing to them on the part of, yes, actually other men, is based on a certain social construct: the idea that a soldier is the highest form of a man.

Yet even though this ideal is only a construct, men are raised as if it were the most natural thing they could aspire to. Even if one is aware that this construct is toxic, it can still be part of one’s identity and not completely changeable.

So I asked myself the question, how can a man distance himself from these values and still live with what patriarchy has made of him?
Through my research I found various ambivalences and incoherencies that are present in the hegemonic image of masculinity, especially in the military.

These then became part of the collection. So one carries these incoherencies to the outside, to consciously take apart this toxic construct and at the same time to be able to feel comfortable with one’s own identity.

 

 

Betreuer*innen : PROF. VALESKA SCHMIDT-THOMSEN,  Prof. Wowo (Waldemar) Kraus, PROF. DR. INGEBORG HARMS

Credits:

Direction Editorial: Alessandro Gentile

Fashion Design: Alessandro Gentile

Photography: Marco Lombardi

Hair and Make-Up: Elisa Sankowski

Models: Niklas Jeroch, Emanuele Corsini, Timo Thomalla (Faze Models), Alessandro Gentile

Qinglin Hou | 2021

 

 

Qinglin Hou | BACHELORARBEIT 2021 

Mit dem Schmetterling als häufig verwendetem Motiv ist der Verwandlungsgedanke ein wesentlicher Bestandteil dieser Kollektion. Ähnlich wie der Prozess der Metamorphose selbst können die Kleidungsstücke eine äußere Schicht ablegen, die ein anderes Aussehen offenbart. Aber die Transformation beschränkt sich nicht nur auf die Kleidungsstücke, sondern auf die Garderobe der Trägerin im Allgemeinen. Nachhaltigkeit wird zunehmend als wesentlicher Bestandteil der Zukunft der Mode anerkannt. Durch ihre Konstruktion verfügen die Kleidungsstücke über Elemente, die der Trägerin mehrere Looks bieten. Dieses Designelement bietet dem Träger mehr Möglichkeiten, das Kleidungsstück zu stylen. Ähnlich wie die Entstehung des zarten Schmetterlings verändert auch das Design der Kleidungsstücke den Körper der Trägerin. Durch das Entfernen von Schichten kommt der Körper mehr zum Vorschein, verändert aber auch die Silhouette des Körpers. Transformation ist ein facettenreiches Element dieser Kollektion.

With the butterfly as an often used motif, the idea of transformation is a key component to this collection. Much like the process of metamorphosis itself, the garments are able to shed an outer layer that reveals a different look. But the transformation is not limited to the garments but the wearer’s wardrobe in general. Being that sustainability has increasingly become recognized as a vital component to the future of fashion. Through its construction, the garments have elements that offer the wearer multiple looks. This design element gives the wearer more ways to style the garment. Also much like the emergence of the delicate butterfly, the design of the garments changes the body of the wearer as well. By removing layers, the body is revealed more but also changes the silhouette of the body as well. Transformation is a multifaceted element in this collection.

 

 

Betreuer*innen : PROF. JOZEF LEGRAND(EHEMALIG) GAST PROF. DEEPTI BARTH , PROF. DR. INGEBORG HARMS

Credits:

Photographer: yizi

Model: Cleo Miao

Butterfly image: Aylin

Waldwärts | Julian Kuf | BA 2021

Waldwärts|  Bachelorarbeit 2021

Das Projekt ‚waldwärts‘ beschäftigt sich mit der Zukunftsfähigkeit der Gesellschaft und dem komplexen System Wald. Der Wald ist das prägendste Element der deutschen Kulturlandschaft. Die Reinigung von Wasser und Luft durch den Wald ist für uns Menschen von großer Relevanz. Zudem ist er als Rohstofflieferant für den Wirtschaftssektor und somit für die Objekte und Lebensräume unseres täglichen Lebens unverzichtbar. Die klimatischen Veränderungen haben großen Einfluss auf dieses volatile System und die Schäden am Wald nehmen ein beträchtliches Ausmaß an. Durch die zunehmende Bedrohung der natürlichen Versorgungssysteme besteht dringender Handlungsbedarf.

Das Konzept der ‚waldwärts-initiative‘ vereint Naturschutz und strukturelle Nachhaltigkeit in der Produktion von Objekten. Der Verein agiert als Gemeinschaft. Wir gestalten langlebige Artefakte unter sozialen und ökologischen Aspekten. Unsere Versprechen an Gesellschaft und Natur sind für das Gemeinwohl zu wirtschaften, uns politisch in unserer Unternehmung zu positionieren und die globale Anstrengung der Abmilderung des anthropogenen Klimawandels zu verfolgen. Wir wollen andere Menschen inspirieren und streben eine Kooperation mit Gestalter*innen und holzverarbeitenden Gewerken an. Sowohl die Herkunft als auch die Produktion des Rohstoffs werden in Wertschöpfungsketten lokaler Akteur*innen stattfinden.  Das zentrale Vorhaben des Vereins ist, durch Interventionen in das forstliche System einzugreifen. Lokale Akteure sollen gefördert werden und der notwendige Waldumbau sollen durch Investitionen in Aufforstungsprojekte unterstützt werden.

Dadurch ermöglicht der Verein eine intergenerationelle Zukunftsfähigkeit unserer Gesellschaft, indem sie sich für den Fortbestand und Transformation der wirtschaftlichen, gesellschaftlichen und natürlichen Systeme einsetzt. Die Möbelserie ‚picus‘ ist die erste Entwurfsserie der Unternehmung des Vereins.  In ihren Grundsätzen folgt sie dem Vorhaben der Vereinsideologie und stellt eigene Themenschwerpunkte in den Mittelpunkt. Im Bezug zum Leitthema Wald und dessen systemischen Prozessen liegt dem Entwurf die Analogie der Wachstumsverhältnisse zwischen Bäumen und Menschen zugrunde und stellt deren Interpretation im Beziehungsverhältnis von Mensch und Objekt dar. Der Entwurf verfolgt das Ziel, eine Ermächtigung des Handelns durch Anpassung und Mehrfachnutzung der Objekte zu generieren. Dadurch ermöglicht sich eine Teilhabe an den Lebenshöhen Anderer und unterstützt das Erreichen, Bewältigen und Aufsteigen zu neuen Zielen. Die gestalteten Objekte sind Lebensbegleiter und auf lange Nutzbarkeit ausgelegt und stellen sich als hilfsbereites Objekt in den Mittelpunkt der Mensch-Objekt Beziehung.

The ‚waldwärts‘ project deals with the sustainability of society and the complex forest system. The forest is the most characteristic element of the German cultural landscape. The purification of water and air by the forest is of great relevance for us humans. In addition, it is indispensable as a supplier of raw materials for the economic sector and thus for the objects and habitats of our daily lives. Climatic changes have a major impact on this volatile system and damage to the forest is assuming considerable proportions. Due to the increasing threat to the natural supply systems, there is an urgent need for action.

The concept of the ‚waldwärts initiative‘ combines nature conservation and structural sustainability in the production of objects. The association acts as a community.
We design long-lasting artifacts under social and ecological aspects. Our promises to society and nature are to operate for the common good, to position ourselves politically in our enterprise, and to pursue the global effort of mitigating anthropogenic climate change. We want to inspire others and strive for cooperation with designers and woodworking trades. Both the origin and the production of the raw material will take place in value chains of local actors.  The central intention of the association is to intervene in the forestry system. Local actors should be supported and the necessary forest conversion will be driven by investing in reforestation projects. 

With these concepts in mind, the association will contribute to an intergenerational viability of our society by advocating for the continuation and transformation of economic, social and natural systems. The furniture series ‚picus‘ is the first design series of the association’s.  In its principles it follows the intention of the association’s ideology and focuses on its own thematic priorities. In relation to the central theme of the forest and its systemic processes, the design is based on the analogy of the growth relationships between trees and people and represents their interpretation in the relationship between people and objects. The design pursues the goal of generating an empowerment of action through adaptation and multiple use of the objects. This enables a participation in the life heights of others and supports the reaching, mastering and ascending to new goals. The designed objects are life companions and designed for long usability and place themselves as a helpful object in the center of the human-object relationship.

 

 

 

Prozess

 

Betreut durch

Prof. Ineke Hans, Gesine Hillmann, Prof. Jozef Legrand

A thousand seeds or the right to becoming | Julius Fuehrer | BA 2021

 

A THOUSAND SEEDS OR THE RIGHT TO BECOMING |  Bachelorarbeit 2021

Durch Klimawandel, das Schädigen der Biosphäre, Versauerung der Meere, Entwaldung, Müllverschmutzung, Vernichtung der Biodiversität und vielem mehr wird das terrestrische Leben, so wie wir es kennen, bedroht. Zum Vermeiden der Katastrophe werden in unserer zivilisierten, durch Kultur und Technologien bestimmten Welt dabei oft Natürlichkeit und Künstlichkeit miteinander verhandelt. Dabei treten wir als die künstlichen, technologisierten und kulturellen Akteure auf und betrachten die Welt um uns oft als passiv und ursprünglich. Doch sind diese Kategorien obsolet. Natur und Kultur sind vielmehr konstitutiv für einander. Daher erscheint die Frage nach ihren Berührungspunkten spannender. Wo finden die Grenzübergänge statt? Wo wirken die verschiedenen Gefüge aufeinander? Wo geschieht das gemeinsame Werden? Das Werden in Bündnissen? Wer ist mit wem infiziert und welche neuen Gefüge entstehen?

In A Thousand Seeds or the Right to Becoming wird die Ansteckung des Samens mit menschlicher Kultur , den Katastrophen, dem Verlust der Biodiversität behandelt. Durch den Affekt mit und die Faszination von menschlichen technologischen Netzwerken wurde auch er zu etwas anderen und tritt heraus aus seiner scheinbaren Passivität und zeigt seine eigene Handlungsmacht. Durch die Erweiterung seiner Wahrnehmung durch den Kontakt zur Drohne und das parasitäre Nutzen des Internets, beginnt er seine Ausbreitung zu steuern. Das Beobachten des Wetters und die Kommunikation untereinander ermöglichen Bäumen und Samen eine optimale Verbreitung, das Finden der günstigsten Standorte und das Intervenieren in ausgewählten Landschaften zum Sichern der eigenen und anderer Arten. Und kommt mit dieser Handlungsmacht auch das Recht an dieser Entwicklung und lässt sich dieses im kulturellen Netzwerk des Patentrechts sichern?

Climate change, damage to the biosphere, ocean acidification, deforestation, waste pollution, destruction of biodiversity and much more threaten terrestrial life as we know it.In order to avoid the catastrophe, naturalness and artificiality are often negotiated with each other in our civilised world determined by culture and technology. In doing so, we appear as the artificial, technologised and cultural actors and often view the world around us as passive and primal. But these categories are obsolete. Nature and culture are rather constitutive of each other. Therefore, the question of their points of contact seems more exciting. Where do the border crossings take place? Where do the different structures interact? Where does the becoming together happen? Becoming in alliances? Who is infected with whom and what new assemblages emerge?

A Thousand Seeds or the Right to Becoming deals with the infection of the seed with human culture , the catastrophes, the loss of biodiversity. Through his affectation with and fascination with human technological networks, he too became something else, stepping out of his apparent passivity and showing his own agency. By expanding his perception through contact with the drone and the parasitic use of the internet, he begins to control his dispersal. Observing the weather and communicating with each other enables trees and seeds to spread optimally, find the most favourable locations and intervene in selected landscapes to save their own and other species. And does with this agency also come the right to this development and can it be secured in the cultural network of patent law?

 

 

 

Prozess

 

 

Betreut durch

Prof. Jussi Ängesleva, Prof. Kathrin Busch, KM Luiz Zanotello, Prof. Jozef Legrand

MANTA ARRAY | Tizian Heinsohn | BA 2021

 

MANTA ARRAY | Bachelorarbeit 2021

Das Projekt widmet sich der Lärmbelästigung in unseren Lebensräumen. Im englischen Noisepollution genannt. In den vergangen zwei Jahrzehnten gab er mehr Veröffentlichungen zu dem Thema als je zuvor, was nur einer der klaren Anzeichen für die Verbreitung des Problems und die akute Sachlage ist. Die stetig wachsenden Ballungszentren führen zu einer Intensivierung der Grundlärmbelastung. Diese Lärmbelastung betrifft jeden, aber vor allem die Menschen in den Innenstädten. Jeder kennt den Moment in dem die Sprachverständlichkeit so gering ist, dass es einiges an Konzentration fordert, dem Sprechenden zu folgen. Jedem ist das Phänomen bekannt jedoch wird die eigentlichen Auswirkungen auf Körper und Geist zu meist vernachlässigt. Genau dieser Problematik, die nur wenigen wirklich bewusst ist, widmet sich das Projekt.

Manta Array ist ein künstlerisch, -technischer Ansatz die Akustik in unseren Lebensräumen zu verbessern und so die Lärmbelastung der wir täglich ausgesetzt sind zu minimieren.

The project is dedicated to noise pollution in our habitats. In the last two decades there have been more publications on the subject than ever before, which is only one of the clear signs of the spread of the problem. The ever-growing urban centers lead to an intensification of the noise pollution levels. This noise pollution affects everyone, but especially the people living in the inner cities. Everyone knows the situation when they are listening to someone speaking and it requires quite a bit of concentration to follow the speaker. Everyone is aware of this phenomenon, but the actual effects on body and mind are usually neglected. Exactly this problem, of which only a few are really aware, is the subject of this project.

Manta Array is an artistic, -technical approach to improve the acoustics in our living spaces and thus minimize the noise pollution to which we are exposed daily.

 

 

 

Prozess

 

Betreut durch

Prof. Ineke Hans, Prof. Holger Neumann, Steffen Herm

LUKULLUS | KIMIA Amir Moazami | BA 2020

 

LUKULLUS | Bachelorarbeit 2020

Betrachten wir den globalen Norden als Einheit, so sehen wir derzeit den Anspruch auf den vollständigen Verbrauch aller verfügbaren Ressourcen. Dies ist nur durch die erzwungene Verknappung im globalen Süden möglich und führt so zu einer immer größeren Spaltung der Lebenswirklichkeit. Insbesondere der Zugang zu sauberem Trinkwasser ist überlebenswichtig. Die Privatisierung von Wasserressourcen und deren Verbrauch für die Produktion von Konsumgütern schafft ein absurdes Ungleichgewicht in unserer Welt. In Teilen Indiens, Afrikas und Mexikos ist es sogar billiger und vor allem sicherer, ein Softdrink zu kaufen als Wasser.

Mit meinem Entwurf „Lukullus“ gehe ich auf diesen Missstand ein. Lukullus ist ein Filter, der dazu dient, Zucker aus Flüssigkeiten herauszufiltern. Er nutzt die natürliche Eigenschaft der Hefe, die den Zucker verstoffwechselt. Der Filter besteht aus einer 3D-gedruckten Hülle, die zwei verschiedene Filterkammern enthält. An beiden Enden des Filters befinden sich Standardflaschengewinde.

Um Lukullus zu verwenden, wird zunächst der obere Teil des Filters abgeschraubt, die erste Schicht ist ein Filterpapier oder alternativ ein Standard-Wattepad. Nun wird die untere Kammer mit Aktivkohle gefüllt und mit einem weiteren Filterpapier abgedeckt. Die Hefe wird in die Softdrinkflasche gegeben und diese wird auf den Filter geschraubt. In dem Moment, in dem die Hefe auf das Getränk trifft, beginnt sie, den Zucker zu verbrauchen. Wenn die Hefe genug Zucker verbraucht hat, wird der Filter wie eine Sanduhr auf den Kopf gestellt und die Hefe wieder im Filter aufgefangen. Er kann dann für die nächste Charge wiederverwendet werden. Die Aktivkohle filtert nun die restlichen Schadstoffe aus der Flüssigkeit. Wie viel Zucker gefiltert wird, hängt von der Zeit ab, die der Hefe im Getränk gegeben wird.  Das Produkt ist als vorübergehende Lösung für den Status quo gedacht. Es kann also als Erfolg gewertet werden, wenn das Produkt in Zukunft seine Daseinsberechtigung verliert. Durch den Herstellungsprozess mit dem 3D-Drucker kann Lukullus als Open Source Konzept zur verfügung gestellt werden. Die Materialien des Filters sind zugänglich und können zu geringen Kosten erworben werden. 

If we look at the global North as a unit, we currently see the claim of the complete consumption of all available resources. This is only possible due to the enforced scarcity in the global South and thus leads to an ever-widening division of living realities. Especially access to clean drinking water is necessary for survival. The privatisation of water resources and their consumption for the production of consumer goods is creating an absurd imbalance in our world. In parts of India, Africa and Mexico, it is actually cheaper and above all safer to buy a soft drink than water.

With my design „Lukullus“, I am addressing this deplorable state of affairs. Lukullus is a filter that is used to filter sugar out of liquids. It uses the natural property of yeast, which metabolises the sugar. The filter consists of a 3D printed shell that contains two different filter chambers. Standard bottle threads are found at both ends of the filter.

To use Lukullus, first the upper part of the filter is unscrewed, the first layer is a filter paper or alternatively a standard cotton pad. Now the lower chamber is filled with activated carbon and covered with another filter paper. The yeast is put into the soft drink bottle and this is screwed onto the filter. From the moment the yeast hits the drink, it starts to consume the sugar. After the yeast has consumed enough sugar, the filter is turned upside down like an hourglass and the yeast is collected in the filter again. It can then be reused for the next batch. The activated carbon now filters the remaining pollutants out of the liquid. How much sugar is filtered is determined by the time given to the yeast in the drink. The product is meant to be a temporary way to deal with the status quo. So it can be considered a success if the product loses its reason to exist in the future. Through the manufacturing process with the 3D printer, Lukullus can be made available as an open source concept. The filter’s materials are accessible and can be purchased at low cost. 

 

 

 

Prozess

 

Betreut durch

Prof. Ineke Hans, Antonia Kühne, Prof. Dr. Michelle Christensen & Prof. Dr. Florian Conradi, Dr. Ruben R. Rosencrantz, Sany Chea

Kontakt

 

To Hell with good intentions: Amelie Klein | UdK-talk at Kunstgewerbemuseum, 10 Oct.

 

To Hell with Good Intentions
Why design won’t save the world

Design has a long and sad history of complicity. It makes things beautiful, new and desirable and thus contributes to consumer frenzy and increasing pollution of land, water and air. It attracts with user-friendliness and helps to violate data protection regulations and personal rights. It promises solutions to whatever problem and claims to make the world a better place. Better for who? And what’s better? Often too little is given to this.

As a mediator between people and their environment, design has to say goodbye to its self-image as a problem solver. Rather, it has the task of conveying complexity so that we can find our way around the world and with the world. Will everything be fine then? Probably not. Because there is no such thing as black and white.

On Amelie Klein
Amelie Klein is an independent Viennese design curator, writer and critic. Most recently, she opened an exhibition at the Museum für Kunst & Gewerbe in Hamburg, Germany, titled Heimaten – Eine Ausstellung und Umfrage. This summer, she also co-curated the first iteration of the Design Campus School at the Kunstgewerbemuseum in Dresden / Pillnitz dedicated to Design & Democracy.

Until July 2019, she worked at the Vitra Design Museum in Weil am Rhein, Germany, where she was responsible for several international traveling exhibition such as Victor Papanek: The Politics of Design, Hello, Robot. Design between Human and Machine and Making Africa — A Continent of Contemporary Design.
Klein was nominated twice for the German art magazine’s Curator Prize, an award granted for the best exhibition in Germany, Austria and Switzerland. She completed an MFA in Design Criticism at New York’s School of Visual Arts as well as an MBA at the Vienna University of Economics and Business, Austria. For more than ten years, Klein worked as an editor and journalist publishing amongst others in the Austrian daily Die Presse and magazines such as Abitare and Metropolis.

As guest of UdK-Berlin’s project group Design & Social Context Amelie Klein will speak in the Kunstgewerbemuseum in Berlin where she will reflect on design and society today, where themes like new design strategies & politics, sustainability, identity and sense of belonging are topical and also so  reflected in the German Design Graduates exhibition 2019/20 – 2020/21.
Amelie’s talk is therefore part of the talks program of German Design Graduates that was initiated by prof. Ineke Hans and is open for students and the general public.

Seats are limited and there are corona rules
but you can use THIS LINK to make a reservation
(in trouble send a mail to

Date: Sunday 10 October, 13:00 hrs
Venue: Kunstgewerbemuseum Berlin

read more on Amelie and the exhibitions she made HERE and below

 

Making Africa – A Continent of Contemporary Design

www.design-museum.de/en/exhibitions/detailpages/making-africa.html

The Politics of Design

www.design-museum.de/en/exhibitions/detailpages/victor-papanek-the-politics-of-design.html

Heimaten

www.mkg-hamburg.de/de/ausstellungen/aktuell/heimaten.html

 

Zine.Ria | Tomma Suki Hinrichsen | 2020

 

Zine.ria – zinnieren für eine bessere Welt | Bachelorarbeit 2020

Zine.ria ist ein frisch gegründeter Zine-Verlag aus Berlin. Wir gestalten und publizieren Zines: Bunte Hefte, die von selbsternannten Autor*innen hergestellt und in kleinen Auf- lagen veröffentlicht werden. Die vielen unterschiedlichen Geschichten und Visionen, die immer aus der Perspektive der Autor*innen selbst erzählt werden, bieten einen poeti- schen Zugang zu den Themen Stadt und Commons. Es geht hierbei nicht darum, konkrete Nutzungskonzepte für Orte zu erstellen, sondern vielmehr um einen individuellen Blick und die assoziative Ebene der Transformation. Die Zine.ria hat sich am Tempelhofer Flughafen niedergelassen und bietet die Möglichkeit diesen Ort zu erkunden und über ihn zu schreiben, zu zeichnen und zu dichten. 

Der Verlag hat sich aus Rücksicht auf die Umwelt auf Online- Zines spezialisiert, veröffentlicht aber auch Zines im Rahmen von Ausstellungen und/oder zu besonderen Anlässen. Zine.ria bietet Workshops an und ist selbst auch eine lernende Organisation. In den Workshops wird kein Wissen patentiert sondern wild weitergegeben. So kann jedes erstellte Zine wieder zu Collage-Material und somit kreative Anregung für neue Zines werden. 

Jede*r kann zinnieren und jedes Zine hat seine Nische!

Zineria is a newly founded Zine publishing house from Berlin

We design and publish zines: colorful magazines that are published by self-appointed authors. The many personal stories and visions, always told from the perspective of the authors themselves are creating visions and dreams for public space. The Zineria has settled at Tempelhof Airport and offers the opportunity for sharing thoughts and ideas about that place.

The Zineria has specialized in online zines out of consideration for the environment, but also publishes zines in the context of exhibitions and/or on special occasions. Zineria offers workshops and is itself also a learning organisation. In the workshops no knowledge is patented but wildly passed on. So every created zine can become collage material again and thus creative inspiration for new zines.

 

Prozess

      

 

FOUR ONE | Nadia Narges Rezaei | BA 2020

 

Four One – Bacherlorarbeit 2020

Neue Zeiten, neue Möbel. Homeoffice hat sich durch die Pandemie etabliert und wird weiterhin Teil unseres Alltags bleiben. Wir leben und arbeiten jetzt zu Hause: wo Räume hybrid werden, will wenig Raum gut genutzt sein. Die Ansprüche an unsere Möbel verändern sich, da das Büro zu Hause Einzug findet. Da uns im urbanen Raum immer weniger Wohnraum zur Verfügung stehen wird, ist es an der Zeit ein zukunftsorientiertes Umdenken in Sachen Raumgestaltung anzustoßen.

Die Pandemie hat die Welt fest im Griff. Wenn sich in den vergangenen zwei Jahren eines gezeigt hat dann, dass es in der modernen Arbeitswelt in vielen Bereichen möglich ist, von überall aus zu arbeiten. Jedem Arbeitnehmer sollte deswegen ein Arbeitsplatz zur Verfügung stehen, an dem er produktiv und vor allem gesund seinen Tätigkeiten und Aufgaben nachgehen kann – auch im Homeoffice.

Das Sitzobjekt versucht Arbeit und Wohnen spielerisch zu verbinden und steht Symbolisch für eine Work-Life-Balance bei der wir auch zu Hause gesunde Pausen einlegen. FourOne fördert die optimale wechselseitig Anpassung des Menschen an seinen Arbeits- und Wohnumfeld.

Auf vier Seiten des Multi-Chair können verschiedene Sitzpositionen eingenommen werden, welche die organische und aufrechte Körperhaltung unterstützen. Kompatibel im Raum zielt es auf eine inspirierende Arbeitsatmosphäre ab.

Jede Position fördert eine andere Haltung.

It’s important to take a break. Changing position helps changing the perspective.

It’s your day. Chose position for your workflow

New times, new furniture. Home office has been established by the pandemic and will continue to be part of our everyday life. We now live and work at home: where spaces become hybrid, little space wants to be used well. The demands on our furniture are changing as the home office takes hold. With less and less living space available to us in urban areas, it’s time to initiate a forward-thinking rethink of interior design.

The pandemic has the world firmly in its grip. If the past two years have shown one thing, it’s that in the modern working world, it’s possible in many areas to work from anywhere. Every employee should therefore have a workplace where he or she can pursue his or her activities and tasks productively and, above all, healthily – even in a home office.

The seating object attempts to combine work and living in a playful way and is symbolic of a work-life balance in which we also take healthy breaks at home. FourOne promotes the optimal mutual adaptation of people to their working and living environment.

On four sides of the Multi-Chair, different sitting positions can be adopted that support organic and upright posture. Compatible in the room, it aims to create an inspiring working atmosphere.

Each position promotes a different posture.

It’s important to take a break. Changing position helps changing the perspective.

It’s your day. Chose position for your workflow­.

       

 

Betreut durch:

Prof. Ineke Hans, Prof. Holger Neuman, WM Steffen Herm

 


			

Jasmin Halama

Parasit | 2021 | Ba Modedesign

 

̵̢̟̤͖͈̱̈́́̓͐͐̄͊̊̅̏͆̃͘P̸̛̼͈͙͎̖̯̽̓̀̿͂́͌̋͘͜͠ ̷̨̢̛̺͙̙̩̥̼̭̠͖̗͉̤̒̐͒̊̈́͊̑̓̎͠͝͝Ǎ̵͔̗͎̜̘͎͓̊̓͜ ̷̹̄R̸̢̧͍̖̤̮͕̭͉̲̣̓̇͂̌͂͌̎͘ ̶̛̭̠͎̃̑̿̈́̊́̏͐̋̎̕A̵̝̙͛̒̔͆̈̀͘͝ ̶̳̖͇͔̖̜͈̞̝̗̜͉̽͛̃͐̌̾Ś̴̭͕̻̣̰̞͓̬̰͛̃͆̆̓͐̍ ̵̛̩̘͇̹̪̑̂̈́͑̉͑̍̃͒̇͒͝I̶̡͇͇͈̘̼̐̓͗̍̑̏͝ ̵̢̢͓̪̘̪͕̜̣̰̮̐̈́͋͛͗̔̅̾̍̾̓͗̉͘͜Ţ̴̩̪̙̤͇̘͙͕̒͜
̶̦͕̫̳̜͎̮̬̋̑̋ͅ
̶̤͙̎̔̅͊̍̋̔̑͑̇͒̕̚͝͠
̵̢̨̢̛̪̬̪͍̼̹̫̬̥̝͚̔͊̓̓̏́̾̇͘̚͠͝
̵̣̝̼͖̥͉̙͈̼͇͙͍̌
̶̟̱͉̦̙͕͍̖̥̯̜̳͙̈́́͒̅̌͗̉̅̓̒̊̕͝
̴̮̑͝ Ich eigne mir ̵̢̟̤͖͈̱̈́́̓͐͐̄͊̊̅̏͆̃͘p ̷̨̢̛̺͙̙̩̥̼̭̠͖̗͉̤̒̐͒̊̈́͊̑̓̎͠͝͝Ǎ̵͔̗͎̜̘͎͓̊̓͜ ̷̹̄R̸̢̧͍̖̤̮͕̭͉̲̣̓̇͂̌͂͌̎͘ ̶̛̭̠͎̃̑̿̈́̊́̏͐̋̎̕A̵̝̙͛̒̔͆̈̀͘͝ ̶̳̖͇͔̖̜͈̞̝̗̜͉̽͛̃͐̌̾Ś̴̭͕̻̣̰̞͓̬̰͛̃͆̆̓͐̍ ̵̛̩̘͇̹̪̑̂̈́͑̉͑̍̃͒̇͒͝I̶̡͇͇͈̘̼̐̓͗̍̑̏͝ ̵̢̢͓̪̘̪͕̜̣̰̮̐̈́͋͛͗̔̅̾̍̾̓͗̉͘͜Ţ̴̩̪̙̤͇̘͙͕̒͜äre Strategien an, um mein Fortbestehen zu sichern und Grenzdiskurse zu eröffnen.
So dient mir die theoretisierte Figur des ̵̢̟̤͖͈̱̈́́̓͐͐̄͊̊̅̏͆̃͘P̸̛̼͈͙͎̖̯̽̓̀̿͂́͌̋͘͜͠ ̷̨̢̛̺͙̙̩̥̼̭̠͖̗͉̤̒̐͒̊̈́͊̑̓̎͠͝͝Ǎ̵͔̗͎̜̘͎͓̊̓͜ ̷̹̄R̸̢̧͍̖̤̮͕̭͉̲̣̓̇͂̌͂͌̎͘ ̶̛̭̠͎̃̑̿̈́̊́̏͐̋̎̕A̵̝̙͛̒̔͆̈̀͘͝ ̶̳̖͇͔̖̜͈̞̝̗̜͉̽͛̃͐̌̾Ś̴̭͕̻̣̰̞͓̬̰͛̃͆̆̓͐̍ ̵̛̩̘͇̹̪̑̂̈́͑̉͑̍̃͒̇͒͝I̶̡͇͇͈̘̼̐̓͗̍̑̏͝ ̵̢̢͓̪̘̪͕̜̣̰̮̐̈́͋͛͗̔̅̾̍̾̓͗̉͘͜Ţ̴̩̪̙̤͇̘͙͕̒͜en und seine Strategien als gestalterische Grundlage für die praktische Auseinandersetzung mit Körperlichkeit und der Untersuchung ihrer offenen Schnittstellen zu supplementären Disziplinen, wie Mode, Film, Kunst oder Technoscience, die zu fruchtbaren Kopplungen führen können und gemeinsam ko-existieren.
̵̢̟̤͖͈̱̈́́̓͐͐̄͊̊̅̏͆̃͘P̸̛̼͈͙͎̖̯̽̓̀̿͂́͌̋͘͜͠ ̷̨̢̛̺͙̙̩̥̼̭̠͖̗͉̤̒̐͒̊̈́͊̑̓̎͠͝͝Ǎ̵͔̗͎̜̘͎͓̊̓͜ ̷̹̄R̸̢̧͍̖̤̮͕̭͉̲̣̓̇͂̌͂͌̎͘ ̶̛̭̠͎̃̑̿̈́̊́̏͐̋̎̕A̵̝̙͛̒̔͆̈̀͘͝ ̶̳̖͇͔̖̜͈̞̝̗̜͉̽͛̃͐̌̾Ś̴̭͕̻̣̰̞͓̬̰͛̃͆̆̓͐̍ ̵̛̩̘͇̹̪̑̂̈́͑̉͑̍̃͒̇͒͝I̶̡͇͇͈̘̼̐̓͗̍̑̏͝ ̵̢̢͓̪̘̪͕̜̣̰̮̐̈́͋͛͗̔̅̾̍̾̓͗̉͘͜Ţ̴̩̪̙̤͇̘͙͕̒͜ und Wirt bilden in Mensch-Stuhl-Morphs eine Allianz und kollaborieren, ergänzen sich, korrespondieren, doppeln sich, wuchern gemeinsam oder stoßen sich ab.
Die Rollenzuschreibungen von ̵̢̟̤͖͈̱̈́́̓͐͐̄͊̊̅̏͆̃͘P̸̛̼͈͙͎̖̯̽̓̀̿͂́͌̋͘͜͠ ̷̨̢̛̺͙̙̩̥̼̭̠͖̗͉̤̒̐͒̊̈́͊̑̓̎͠͝͝Ǎ̵͔̗͎̜̘͎͓̊̓͜ ̷̹̄R̸̢̧͍̖̤̮͕̭͉̲̣̓̇͂̌͂͌̎͘ ̶̛̭̠͎̃̑̿̈́̊́̏͐̋̎̕A̵̝̙͛̒̔͆̈̀͘͝ ̶̳̖͇͔̖̜͈̞̝̗̜͉̽͛̃͐̌̾Ś̴̭͕̻̣̰̞͓̬̰͛̃͆̆̓͐̍ ̵̛̩̘͇̹̪̑̂̈́͑̉͑̍̃͒̇͒͝I̶̡͇͇͈̘̼̐̓͗̍̑̏͝ ̵̢̢͓̪̘̪͕̜̣̰̮̐̈́͋͛͗̔̅̾̍̾̓͗̉͘͜Ţ̴̩̪̙̤͇̘͙͕̒͜ und Wirt bleiben hierbei undefiniert, indem nicht aufgelöst wird wer wen ̵̢̟̤͖͈̱̈́́̓͐͐̄͊̊̅̏͆̃͘P̸̛̼͈͙͎̖̯̽̓̀̿͂́͌̋͘͜͠ ̷̨̢̛̺͙̙̩̥̼̭̠͖̗͉̤̒̐͒̊̈́͊̑̓̎͠͝͝Ǎ̵͔̗͎̜̘͎͓̊̓͜ ̷̹̄R̸̢̧͍̖̤̮͕̭͉̲̣̓̇͂̌͂͌̎͘ ̶̛̭̠͎̃̑̿̈́̊́̏͐̋̎̕A̵̝̙͛̒̔͆̈̀͘͝ ̶̳̖͇͔̖̜͈̞̝̗̜͉̽͛̃͐̌̾Ś̴̭͕̻̣̰̞͓̬̰͛̃͆̆̓͐̍ ̵̛̩̘͇̹̪̑̂̈́͑̉͑̍̃͒̇͒͝I̶̡͇͇͈̘̼̐̓͗̍̑̏͝ ̵̢̢͓̪̘̪͕̜̣̰̮̐̈́͋͛͗̔̅̾̍̾̓͗̉͘͜Ţ̴̩̪̙̤͇̘͙͕̒͜iert oder ̵̢̟̤͖͈̱̈́́̓͐͐̄͊̊̅̏͆̃͘P̸̛̼͈͙͎̖̯̽̓̀̿͂́͌̋͘͜͠ ̷̨̢̛̺͙̙̩̥̼̭̠͖̗͉̤̒̐͒̊̈́͊̑̓̎͠͝͝Ǎ̵͔̗͎̜̘͎͓̊̓͜ ̷̹̄R̸̢̧͍̖̤̮͕̭͉̲̣̓̇͂̌͂͌̎͘ ̶̛̭̠͎̃̑̿̈́̊́̏͐̋̎̕A̵̝̙͛̒̔͆̈̀͘͝ ̶̳̖͇͔̖̜͈̞̝̗̜͉̽͛̃͐̌̾Ś̴̭͕̻̣̰̞͓̬̰͛̃͆̆̓͐̍ ̵̛̩̘͇̹̪̑̂̈́͑̉͑̍̃͒̇͒͝I̶̡͇͇͈̘̼̐̓͗̍̑̏͝ ̵̢̢͓̪̘̪͕̜̣̰̮̐̈́͋͛͗̔̅̾̍̾̓͗̉͘͜Ţ̴̩̪̙̤͇̘͙͕̒͜iert wird, denn die Figur des ̵̢̟̤͖͈̱̈́́̓͐͐̄͊̊̅̏͆̃͘P̸̛̼͈͙͎̖̯̽̓̀̿͂́͌̋͘͜͠ ̷̨̢̛̺͙̙̩̥̼̭̠͖̗͉̤̒̐͒̊̈́͊̑̓̎͠͝͝Ǎ̵͔̗͎̜̘͎͓̊̓͜ ̷̹̄R̸̢̧͍̖̤̮͕̭͉̲̣̓̇͂̌͂͌̎͘ ̶̛̭̠͎̃̑̿̈́̊́̏͐̋̎̕A̵̝̙͛̒̔͆̈̀͘͝ ̶̳̖͇͔̖̜͈̞̝̗̜͉̽͛̃͐̌̾Ś̴̭͕̻̣̰̞͓̬̰͛̃͆̆̓͐̍ ̵̛̩̘͇̹̪̑̂̈́͑̉͑̍̃͒̇͒͝I̶̡͇͇͈̘̼̐̓͗̍̑̏͝ ̵̢̢͓̪̘̪͕̜̣̰̮̐̈́͋͛͗̔̅̾̍̾̓͗̉͘͜Ţ̴̩̪̙̤͇̘͙͕̒͜en ist immer noch ambig.
Wir erinnern uns an Michel Serres’ l’hote, dessen Bedeutung sowohl Gast als auch Gastgeber meint.
Mein ̵̢̟̤͖͈̱̈́́̓͐͐̄͊̊̅̏͆̃͘P̸̛̼͈͙͎̖̯̽̓̀̿͂́͌̋͘͜͠ ̷̨̢̛̺͙̙̩̥̼̭̠͖̗͉̤̒̐͒̊̈́͊̑̓̎͠͝͝Ǎ̵͔̗͎̜̘͎͓̊̓͜ ̷̹̄R̸̢̧͍̖̤̮͕̭͉̲̣̓̇͂̌͂͌̎͘ ̶̛̭̠͎̃̑̿̈́̊́̏͐̋̎̕A̵̝̙͛̒̔͆̈̀͘͝ ̶̳̖͇͔̖̜͈̞̝̗̜͉̽͛̃͐̌̾Ś̴̭͕̻̣̰̞͓̬̰͛̃͆̆̓͐̍ ̵̛̩̘͇̹̪̑̂̈́͑̉͑̍̃͒̇͒͝I̶̡͇͇͈̘̼̐̓͗̍̑̏͝ ̵̢̢͓̪̘̪͕̜̣̰̮̐̈́͋͛͗̔̅̾̍̾̓͗̉͘͜Ţ̴̩̪̙̤͇̘͙͕̒͜ lauert an Grenzen, überschreitet sie, infiziert sie, täuscht sie, gibt sich nicht zu erkennen.
Ein Unruhestifter, ungebetener Gast, Systemsprenger, Manipulator, Verwandlungskünstler, aber auch Vermittler und Bote, ein Kritiker mit einem Anliegen, sich Grenzdiskursen zu öffnen.
̵̭̓̓̏͊̉̐͋̈́̎͋͝
̶͇̥͂̔̆́̚͝͝
̷̨̢̢̳͙͕͈̞̼̭̞͙͉̭̣̒͗̃́̔̍̉̀͛̏̒̐̚͘
̴̛̹̞͕̣̹̯̘͖͛́͑̒̊̒̈́͝ͅ

Created in consultation with: Prof. Jozef Legrand  / Prof. Wowo (Waldemar) Kraus  /  KM Evelyn Sitter
̶̡̭̊̉͠ͅ

 

Jasmin Erb

 ohne Titel  | 2021 | Ba Modedesign

 ohne Titel

For my final collection, I was exploring the subjectivity of “truth”. I consider garments to be facts.We are so extremely limited in the way we put on garments. We, mostly, wear fashion how it’s supposed to be worn. How it’s shown to be worn. We’re dressing ourselves in preconceived notions of the industry, namely the designers, makers, and stylists, conveyed by marketing and advertising.We do not really have a free choice when it comes to dressing ourselves.I used the concept of “cognitive dissonance” and the distortion of canonical representations as a design method to create my silhouettes. By using contradictory materials, silhouettes, and intents/purposes, I was able to achieve inconsistency within one garment. A garment that can be multiple different garments at the same time.A pocket could turn into an armhole.A top could be a skirt at the same time. But the hem of that skirt could also be the neckline of a jacket or coat.A hood could also be a decorative shoulder piece. And a mini dress can also be a shoulder bag.In my collection, I am leaving the decision-making to the consumer or the observer. I give examples, I give hints. By doing so, I’m qualifying and encouraging the consumer, to step away from the passive act of dressing themselves.The garments I created aren’t facts, they are fluid in their truth.Post-factual garments.

Created in consultation with: Prof. Wowo (Waldemar) Kraus  /  Gast Prof. Franziska Schreiber / Prof. Jozef Legrand / Dr. Renate Stauss

 

 

 Credits
Jasmin Erb /  instagram jasmin_erb
Photos: Milena Rahmanzadeh / instagram milenazara
Video Louis Pawlik / instagram louis.cafoni cafoni_corner
Model: Mengxuan Sun / instagram sailormenx
Shoes: Jiman Jeong / instagram goodgman
Jewellery: Scout Kauffman / instagram scout_by_scout
Make-up & Hair: Jasmin Erb
Nail Artist: Camila Volbert / instagram nailsvoninge
Assistant: Tim Keuschnig
Sponsorship: KaiserBaby www.kaiserbaby.de

Vorkoster | Kimia Amir-Moazami | BA 2020

Vorkoster

Wie können wir Lebensmittelverschwendung verhindern? 

Die EU-Gesetzgebung besagt, dass die meisten verpackten Lebensmittel mit „Verfalls-“ oder „Mindesthaltbarkeitsdaten“ gekennzeichnet sein müssen. Diese Angaben sind hilfreich und wichtig, doch besonders das Mindesthaltbarkeitsdatum wird oft falsch interpretiert und kann zur Verschwendung von Lebensmitteln führen. 

„Vorkoster“ ist ein Deckel, der den Verfall von Lebensmitteln sichtbar macht. In seiner Mitte befindet sich eine PH-sensitive Folie, die auf das Verderben von proteinhaltigen Lebensmitteln mit einem Farbwechsel reagiert. So entsteht ein Objekt, das uns unaufdringlich und analog daran erinnert, Lebensmittel zu konsumieren, bevor es zu spät ist. Der „Vorkoster“ soll eine Alternative zum standardisierten Verfallsdatum bieten und Hilfestellung für eine unverpackte Zukunft sein.

Das Projekt wurde als Open Source Konzept entworfen, daher lag der Fokus auf der Zugänglichkeit der verarbeiteten Materialien und Herstellungsprozesse. Der Deckel ist als 3D Druck Objekt angelegt und ist daher in seiner Materialität flexibel. Die PH-Folie wurde aus Algen hergestellt und funktioniert mit einem selbst gewonnen natürlichen Indikator Farbstoff. Seine Form ist eine Hommage an den umgedrehten Teller, der gerne zweckentfremdet zur Bedeckung von Essen genutzt wird. 

„Vorkoster“ basiert auf dem Gedanken, sich unabhängig von Vorgaben großer Industrien zu machen. Der Versuch, festgesetzt erscheinende Prozesse zu Demokratisieren.

How can we prevent food waste? 

EU legislation states that most packaged food must be labelled with “ expiration“ or „best before“ dates. This information is helpful and important, but the best-before date in particular is often misinterpreted and can lead to unnecessary food waste. 

„Vorkoster“ is a lid that makes the expiry of food visible. In its centre is a pH-sensitive foil that reacts to the spoilage of protein-containing foods with a change of colour. This creates an object that reminds us in an unobtrusive and analogue way to consume food before it is too late. The „Vorkoster“ is intended to offer an alternative to the standardised expiry date and to provide assistance for an unpackaged future.

The project was developed as an open source concept, focusing on the accessibility of the used materials and manufacturing processes. The lid is designed as a 3D printed object and is therefore flexible in its materiality. The pH foil was made from algae and works with a self-generated natural indicator dye. The shape is an homage to the upside-down plate often used to cover food leftovers. 

„Vorkoster“ is based on the idea of becoming independent from the directives of large industries. The attempt to democratise processes that seem fixed.

direct to ACKNOWLEDGEMENTS

 

Betreut durch
Prof. Ineke Hans, Antonia Kühne, Prof. Dr. Michelle Christensen & Prof. Dr. Florian Conradi, Dr. Ruben R. Rosencrantz, Sany Chea

Kontakt

 

 

katharina heckmann

Profiles in Camouflage | 2020 | Ba Modedesign


Profiles in Camouflage

Profiles in Camouflage ist inspiriert von der Geschichte der Tarnung im Krieg und in der Natur und ihrem bis heute vorherrschenden Einfluss auf Kunst und Mode. Während Camouflage ein Sinnbild für Protest und Widerstand ist, ist das „Einmischen“ ein Akt konformistischer Täuschung.

Diese Kollektion ist inspiriert von historischer Tarnkultur, Performativität, Method Acting, Nation Building, Flagology, der obsessiven Ehrfurcht der modernen Gesellschaft vor Logos und der Streetfashion des 20. Jahrhunderts. Uralte Tarntechniken für Krieger, die Pracht und die Haltung militärischer Uniformen stehen der Volkskultur gegenüber.

Anstatt sich auf einen einzigen Ausdruck zu konzentrieren, weigert sich diese Kollektion, eingepackt zu werden. Sie spiegelt das postmoderne, zeitgenössische Leben mit ihrer Mix-and-Match-Thrift-Store-Mentalität wider. Sie ist ein eklektisches Prisma der Remix-Kultur, während sich das Selbst in immer kleinere Teile zersplittert.

Bei dieser Sammlung wurden die Prinzipien und Codes der Tarnung verwendet, um zu reflektieren, wie wir als Menschen Identität leben und wie wir mit der komplizierten, materiellen und psychologischen Umgebung umgehen, in der wir uns befinden.

Die Sammlung ist eine Untersuchung der Rollen, die wir spielen, und der Masken, die wir in unserem Leben spielen: Ankleiden als performativer Akt: Identität bleibt in Metamorphose. Kleidungsstück als Syntax einer Sprache, die verwendet wird, um visuell zu kommunizieren. Die Wahrheit lässt sich manchmal am besten durch Tricks und Illusionen vermitteln. Mode und Kleidung als Requisite im Theater des Lebens: Ein Versteckspiel.

Profiles in Camouflage is taking its  inspiration from t he history of camouflaging in war and in the natural world and its prevailing influence on art and fashion to this day and age. While Camouflage is an emblem of protest and resistance, “blending in” is an act of conformist subterfuge.

This collection is inspired by historical camouflage culture, performativity, method acting, nation building, flagology, modern society obsessive reverence for logos, and 20th century street fashion. Ancient warrior camouflaging techniques, the splendor and poise of military, uniforms are juxtaposed with vernacular culture.

Instead of focusing on merely a singular expression this collection refuses to be boxed in. It is reflective of postmodern, contemporary life with its mix-and-match thrift store mentality. An eclectic prism of remix culture, while t he self becomes fragmented into ever smaller bits and pieces.

With this collection use was made of t he principles and codes of camouflaging to reflect on the way we perform identity as human beings and how we relate to the complicated, material and psychological surroundings we find ourselves in.

The collection is an exploration of the roles we perform and t he masks we play in our l ives: Getting dressed as a performative act: Identity remains in metamorphosis. Garment as the syntax of a language that is used t o communicate via visuals. Truth, sometimes, is best conveyed via trickery and illusion. Fashion and dress used as a prop i n t he t heatre of l ife: A game of hide and seek. Peek a Boo.

Created in Consultation with: Gast Prof. Franziska Schreiber, Prof. Jozef LegrandKM Magdalena Kohler

DAS TUN AN SICH | AGNES KELM | BA 2021

DAS TUN AN SICH | Bachelorarbeit 2021

nicht ganz effektive Objekte für die meditative Praxis zu Hause

Die sechs Objekte sind das Ergebnis der Beschäftigung mit der Frage, wie man durch Objekte den Handlungsprozess vor das Ergebnis stellen kann und sich somit beim Tun vom bloßen Erreichen eines Ziels oder Ergebnisses freimachen kann.

Alltägliche Tätigkeiten, wie das Feges eines Raumes und das Gießen der Zimmerpflanzen werden durch Nutzung der Objekte so verändert, dass sich der Fokus vom Ziel auf den Ablauf verschiebt. So bieten sie Anlass zu einer Auseinandersetzung mit leistungsorientiertem Handeln und hinterfragen übliche Annahmen über die Funktionalität und Effizienz von Abläufen. Mit den Besen kann man fegen und mit den Gießkannen kann man gießen, es funktioniert nur etwas anders als man es gewohnt ist.

Das Wasser muss sich seinen Weg durch den Ausguss der Kannen bahnen. Das geht nicht so direkt wie bei einer herkömmlichen Gießkanne. Es nimmt einen Umweg, aber einen ästhetischen, denn es entstehen Schlangenlinien und Luftblasen, die man betrachten kann während man steht und innehält. Befüllen muss man die Kannen langsam und auch der Weg vom Wasserhahn zur Pflanze ist am besten vorsichtig. Die Materialität unterstützt die bewusste und konzentrierte Handhabung.
Die Besen sind weniger fragil in der Benutzung. Sie ermöglichen große und kleine Bewegungen, mal mehr, mal weniger frei und repetitiv. Die Repetition kann eine meditative Wirkung herbeiführen. In jedem Fall dauert das Fegen des Raumes. In der Wiederholung der Bewegung eröffnet sich die Möglichkeit zum Vergleich und zu erhöhter Konzentration auf die Tätigkeit. Wie bewege ich mich und wie den Besen? Da nehme ich einmal mehr Schwung und einmal weniger. Was verändert sich? Die Bewegungen sind nicht kompliziert, aber sie benötigen doch eine achtsame Zuwendung. Einfach nebenbei machen geht nicht.

The six objects are the result of the occupation with the question of how objects can be used to place the process of action before the result and thus free oneself from the mere achievement of a goal or result when doing.

Everyday activities, such as sweeping a room and watering houseplants, are altered through the use of objects in such a way that the focus shifts from the goal to the process. In this way, they provide an occasion for an examination of performance-oriented action and question common assumptions about the functionality and efficiency of processes. You can sweep with brooms and water with watering cans, it just works a little differently than you’re used to.

The water has to make its way through the spout of the cans. It doesn’t do that as directly as it does with a traditional watering can. It takes a detour, but an aesthetic one, because it creates serpentine lines and bubbles that you can look at while standing and pausing. Filling the cans must be done slowly, and the path from the faucet to the plant is also best done carefully. The materiality supports deliberate and concentrated handling.
The brooms are less fragile in use. They allow for large and small movements, sometimes more, sometimes less free and repetitive. The repetition can induce a meditative effect. In any case, sweeping the room takes time. In the repetition of movement, the opportunity for comparison and increased concentration on the activity opens up. How do I move myself and how the broom? I use more momentum at one time and less at another. What changes? The movements are not complicated, but they do require attentive attention. Simply doing it on the side is not possible.

 

 

 

Prozess

 

Betreut durch

Prof. Ineke Hans, Prof. Holger  Neumann, Annika Unger

Kontakt

 

FRISCHHOLZ | ANNA KOPPMANN | BA 2021

FRISCHHOLZ | Bachelorarbeit 2021

Im Zuge des Klimawandels sind in den vergangenen Jahren hunderttausende Bäume, Schädlingen oderklimatischen Ereignissen wie extremer Dürre oder Stürmen zum Opfergefallen. Unsere Wälder sind gegenwärtig durch die steigenden Temperaturen geschwächt. Aber nicht nur der Wald als Ökosystem leidet unter den drastischen Veränderungen, sondern auch die damit zusammenhängende Industrie und insbesondere die Waldbesitzer*innen haben große Probleme. Die Sägewerke sind überfüllt und die Holzpreise im Keller.Die Waldbesitzer*innen sind gezwungen, das Holz über mehrere Jahre extrem kosten-und energieaufwendig zu lagern. Vielerorts verbleibt das Schadholz deshalb unkontrolliert im Wald, was wiederum die Ausbreitung der Schädlinge begünstigt, die sich auch in Totholz vermehren können.Was also tun mit dem ganzen befallenen Holz?Das „Projekt Frischholz“ bietet die Möglichkeit lokal gewonnenes Schadholz in seinem noch feuchten Zustand mit einfachen Herstellungsmethoden und Werkzeugen zu langlebigen Vollholzmöbeln zu verarbeiten. Die auf Zug und Spannung basierende Verbindung ermöglicht die natürliche Transformation des Holzes, wodurch eine herkömmliche, künstliche Trocknung des Rohstoffs vor seiner Verarbeitung überflüssig wird.Das Projekt soll die traditionellen und industriellen Verarbeitungsmethoden überdenken. Entstanden ist einneuer Ansatz der Holzverwertung, welcher sich unabhängig von derIndustrie positionieren kann und lokale, eigenständige Strukturen unterstützt.

As a result of climate change, hundreds of thousands of trees in Germany have been killed by pests or climatic events such as extreme drought or storms in the recent years. Our forests are currently weakened by rising temperatures. But it is not only the forest as an ecosystem that suffers from the drastic changes, but also the associated industry and especially the forest owners are facing major problems. The sawmills are overloaded and wood prices have fallen dramatically at the same time. The forest owners are forced to store their wood costly and energy-intensive for several years.In many places, the wood remains uncontrolled in the forest, which in turn favors the spread of pests. So what to do with all the damaged wood? “Projekt Frischholz” offers the possibility to process locally harvested wood, in its still wet state, with simple manufacturing methods and tools to long-lasting solid wood furniture. The connection, based on tension, allows the natural transformation of the wood. This eliminates the need for conventional artificial drying of the raw material before it is processed. The project aims to rethink traditional and industrial processing methods. The result is a new approach to wood processing, which can position itself independently of industry and supports local, independent structures.

 

 

 

 

Prozess

Betreut durch
Prof. Ineke Hans, Prof. Holger  Neumann, Steffen Herm

Info

www.projektfrischolz.cargo.site

TAAABLE | SHAO CHUAN LIN | BA 2021

 

TAAABLE | Bachelorarbeit 2021

Taaable ist ein Beistelltisch, eine Workstation, die den starken Präsenz von Technologie in unserem Haus als auch die Auswirkungen auf unseren Lebensstil anerkennt. Es bietet die Möglichkeit eines normalen Schreibtisches oder eines Stehpultes. Und es verfügt über eine abnehmbare Tischplatte, die als Laptop-Unterstützung auf Sofas verwendet werden kann.

Ein Schneckengetriebesystem unterstützt die höhenverstellbare Tischplatte. Um die Sicherheit gegen das Problem des Rückantriebs zu gewährleisten, wird für das Drehmoment ein einzigartiges Magnetdesign verwendet. Die linke Platte des Tisches kann zur Wartung der Taaable leicht entfernt werden.

Die Tischplatte kombinierte eine Eschenholzplatte mit einem Kissen. Damit können Benutzer ihren Laptop bequem auf den Schoß stellen und sich von der Hitze fernhalten, die der Computer häufig erzeugt.

Taaable is a side table, workstation designed to acknowledge the strong presence of technology in our home and its impact on our lifestyle. It offers the option of a regular desk or a standing desk. And it features a removable tabletop, which can be used as laptop support on sofas.

A worm gear system supports the height-adjustable tabletop. And to provide safety against the back drive issue, the torque uses a unique magnet design.  The left panel of the table can be easily removed for gear maintenance.

The tabletop combined an ash wood top with a cushion. So users can comfortably place their laptop on the lap and away from the heat that the computer often generates.

 

 

Prozess

 

 

 

Betreut durch

Prof. Ineke Hans, Prof. Burkhard Schmitz, Prof. Jozef Legrand

 

TENDERLY | LISA MARIE BÖHM | BA 2021

 

Tenderly | Bachelorarbeit 2021

In unserer heutigen Leistungsgesellschaft gilt Stress als ein alltäglicher Begleiter. Das Effizienzstreben der Erwerbstätigkeit überträgt sich mehr und mehr auf das Privatleben. Durch neue Techniken, wie beispielsweise Smartphones, besteht die Möglichkeit jederzeit erreichbar zu sein, wodurch eine Grundspannung erhalten bleibt. Stress erhält somit auch Einzug an privaten Orten, die zu unserer Entspannung dienen. In der Recherche bin ich auf zwei Praktiken aus dem therapeutischen Kontext gestoßen, die unterstützend zur Stressreduktion eingesetzt werden. Die Lagerungstechnik und den Tiefendruck. Gerade jetzt, wo das Thema mentale Gesundheit im Vordergrund steht, kommt die Frage auf, warum diese Techniken eher im Verborgenen bleiben. Wie kann es gelingen diese Techniken, die sich bereits im therapeutischen Kontext bewährt haben, in unseren Alltag und unser Zuhause zu integrieren? Die Arbeit Tenderly ist eine Reihe von drei Objekten, die sich mit dieser Fragestellung auseinandersetzen.

Hugging_pillow – Ein skulpturales Kissen zur Unterstützung des Körpers. Kissen polstern und stützen unseren Körper für eine angenehme Schlaf- oder Liegeposition. Inspiriert ist das H_pillow an der Lagerungstechnik aus dem Pflegebereich. Die Berührungen werden von unserem Tastsinnessystem wahrgenommen und es entsteht ein Gefühl von Geborgenheit. H_pillow greift dieses Thema auf und setzt es in einen neuen Kontext. DeepPressure_vest ist eine Weste, die Tiefendruck generiert. Sie ist mit feinen Glasperlen gefüllte und regt durch den gleichmäßigen Druck auf den Körper, das vegetatives Nervensystem an. Dieser Druck simuliert eine Umarmung und unterstützt dadurch die Produktion des Glückshormons Serotonin. Die Weste wurde für den Alltag gestaltet und bietet die Möglichkeit, in stressigen Situationen oder bei Angstzuständen zu beruhigen. Cocoon_bed ist ein Ruhepol in unserm schnelllebigen Alltag. Das Schlauchkissen ist von Lagerungstechniken aus dem Pflegebereich inspiriert. Die Berührungen werden vom Tastsystem wahrgenommen und erinnern an die Lage im Mutterleib. Mit Glaskugeln gefüllte Deckenteile wirken mit ihrem Gewicht auf das vegetative Nervensystem. Dieser Druck hat eine entspannende Wirkung auf Muskeln, Sehnen und Gelenke, wodurch auch hier die Produktion des Glückshormons angeregt wird. Diese Objekte dienen als Tools, sich zeit und Aufmerksamkeit für sich zu nehmen und auf die Körperliche so wie mentale Gesundheit zu achten.

In today’s competitive society, stress is considered an everyday companion. The striving for efficiency in gainful employment is being transferred more and more to private life. New technologies, such as smartphones, make it possible to be available at all times, which creates a certain level of tension. Stress thus also finds its way into private places that serve to relax us. In my research, I came across two practices from the therapeutic context that are used to reduce stress. The patients positioning technique and deep pressure. Especially now that the topic of mental health is in the foreground, the question arises why these techniques remain rather hidden. How can we succeed in integrating these techniques, which have already proven their worth in a therapeutic context, into our everyday lives and homes? The project „Tenderly“ is a series of three objects that deal with this question.

Hugging_pillow – A sculptural pillow to support the body. Pillows help and support our bodies for a comfortable sleeping or lying position. The H_pillow is inspired by the patients positioning technique from the nursing sector. The touch is perceived by our touch sense and a feeling of security is created. H_pillow takes up this concept and puts it into a new context. DeepPressure_vest is a vest that generates deep pressure. It is filled with fine glass beads and stimulates the autonomic nerve system by applying even pressure to the body. This pressure simulates an hug and stimulates the production of the happiness hormone serotonin. The waistcoat was designed for the daily routine and offers the possibility to calm down in stressful situations or in case of anxiety. Cocoon_bed is a place of calm in our stressful everyday lives. The tube pillow is inspired by patients positioning techniques from the nursing sector. The touch is noticed by the tactile system and is reminiscent of the position in the womb. The weight of the with glass beads filled parts of the blanket has an effect on the vegetative nerve system. The pressure has a relaxing effect on muscles, tendons and joints, which also stimulates the production of the happiness hormone. These objects serve as tools to take care for yourself and to pay attention to your physical and mental health.

 

 

 

Prozess

             

 

 

Betreut durch

Prof. Ineke Hans, Prof. Holger Neumann, Maciej Chmara

 

CONSTRUCTING CONTRADICTIONS | MALTE BOSSEN | BA 2021

 

Constructing Contradictions | Bachelorarbeit 2020

Während wir täglich von vielen Widersprüchen umgeben sind, helfen diese, gegebene Strukturen zu überdenken. In einer Welt, in der Kunst und Design ineinander greifen, in der die Industrie das Handwerk verdrängt, in der wir trotz des Massenkonsums nach etwas Neuem und nach Individualität streben, ist es umso wichtiger, sich zu positionieren.

Während man als StudentIn viel Freiraum hatte, um zu Experimentieren, kann einem dieser Freiraum in der Berufswelt genommen werden. Doch genau diese Arbeitsweise des Experimentierens lässt neue Möglichkeiten und Gedankengänge entstehen. 

„Constructing Contradictions“ hat mir gezeigt, dass es wichtig ist, seine eigenen Widersprüche zu hinterfragen. Wir sind stark voreingenommen, vieles der eigenen Wahrnehmung entspricht nicht der Wahrheit und gleichzeitig ist dennoch vieles subjektiv. Man muss sich entscheiden, wer man sein will und wie man dies vermittelt.

Experimente sind wichtig zur Erzeugung von Neuem in der Prozessgestaltung und sollten nicht auf Grund des Druckes, der heutzutage auf DesignerInnen lastet, vernachlässigt werden. Die entstandenen Sitzobjekte dieser Arbeit haben den Ursprungsgedanken des Überflusses. Benötigen wir noch mehr Sitzobjekte? Es wurde mit design-untypischen Materialien gearbeitet, welche zum Teil nur versteckt benutzt werden und für ihre Eigenschaften nicht viel Aufmerksamkeit in der Designwelt bekommen.

Es ist die handwerkliche Arbeit, die in der rohen Ästhetik der Objekte wiederzufinden ist. Es ist die Gefahr, Widersprüche nicht zu hinterfragen, welche bei der Benutzung dieser Stühle auftritt. Es sind die Materialien, welche aus ihrem ursprünglichen Nutzen herausgenommen und deren kontrastierenden Eigenschaften aufgezeigt wurden.

Since we are surrounded by many contradictions every day, understanding those contradictions help us to rethink existing structures. In a world where art and design are intertwined, where the industry is replacing craft, where we desire something new and individual despite mass consumption, it is even more important to position ourselves. While being a student, one has often a lot of freedom to experiment. But this freedom can be taken away in the professional world despite the fact that it is precisely this working method of experimentation that gives rise to new possibilities and trains of thought.

During the research process of “Constructing Contradictions”, I have learned how important it is to question your own contradictions. Since we are strongly biased, a lot of our own perception does not correspond to the truth and, at the same time, it is mostly subjective. Because of that, you have to decide who you want to be and how to convey this.

Experiments are important for creating something new in process design and should not be neglected due to the pressure on designers today. The sitting objects created during this project are a response to the topic of abundance. Do we need more sitting objects? Atypical design materials were used, some of which are usually only used in a hidden way and because of the properties without receiving much attention in the design world.

It is the craftsmanship that can be found in the raw aesthetics of the objects. There is a risk of not questioning contradictions that arise when using these chairs. It is the materials that have been taken out of their original use and their contrasting properties have been demonstrated.

 

 

Prozess

 

Betreut durch:

Prof. Jussi Ängeslevä, Prof. Jozef Legrand, Prof. Holger Neumann

PAPILIO | TOBIAS TRÜBENBACHER | BA 2021

 

PAPILIO | Bachelorarbeit 2021

Je höher wir unsere Städte bauen, um so windiger werden sie auch. Einerseits steigern Flurwinde, der Venturi-Effekt und Klimawandel die Windintensität, andererseits wird auch durch den Menschen immer mehr Wind aktiv erzeugt — etwa durch Verkehr oder in U-Bahn Schächten. Es existieret daher ein wachsendes Potenzial zur Nutzung von Windkraft im urbanen Raum.

Gleichzeitig nehmen schädliche anthropogenen Einflüsse auf unseren Planeten immer weiter zu, ganz besonders in dicht besiedelten Gebieten. Ein bislang oft vernachlässigtes, sich immer weiter zuspitzendesProblem ist in diesem Zusammenhang die zunehmende Lichtverschmutzung. Jedes Jahr wächst die Menge künstlichen Lichts weltweit um 6 Prozent. 83 Prozent der Weltbevölkerung leiden schon heute unter einem unnatürlich hellen Nachthimmel. Die damit einhergehende Lichtverschmutzung hat nicht nur ernste gesundheitliche Auswirkungen auf Menschen, sondern auch gravierende Folgen für Flora und Fauna. Artensterben, Orientierungsverlust von Zugvögeln, Einschränkungen für Fischwanderungen, sowie gestörte Biorhythmen von Pflanzen sind nur ein kleiner Teil der Konsequenzen. Ganz besonders betroffen sind Insekten. So wird geschätzt, dass derzeit in einer einzigen Sommernacht nur in Deutschland ca. 1,2 Milliarden Insekten durch Straßenbeleuchtung sterben.

Gleichzeitig verbraucht die Weltbevölkerung laut Bundesministerium für Umwelt, Naturschutz und nukleare Sicherheit für öffentliche Beleuchtung weiterhin rund ein Fünftel der gesamten globalen Elektrizität — und setzt dadurch indirekt eine riesige Menge an Treibhausgasen frei. Allein in Deutschland verursachen Straßenlaternen eine Emission von 2,5 Millionen Tonnen CO2 pro Jahr.

Die Straßenlaterne PAPILIO reduziert den ökologischen Fußabdruck von Straßenbeleuchtung um ein Vielfaches, indem sie Strom durch einen integrierten Windgenerator erzeugt und Lichtverschmutzung gleichzeitig minimiert. Zur Energiegewinnung dient ein Savonius-Rotor, bei dem die Windrichtung irrelevant ist. Durch dessen diagonale Anordnung kann dieser sowohl aus vertikalen (natürlicher Wind), wie auch horizontalen Luftströmungen (z.B. Luftverdrängung durch Verkehr) klimaneutrale Energie erzeugen.

Ein Akku speichert den erzeugten Strom und kann so auch windstille Phasen überbrücken. Dies macht es möglich, PAPILIO einerseits komplett autonom zu betreiben, sodass die aufwendige Verlegung von Elektrizitätsinftrastruktur entfällt. Alternativ kann das Produkt auch mit einem bestehenden Stromnetz verbunden werden, um bei starkem Wind überschüssigen Strom einzuspeisen.

Um Lichtverschmutzung zu minimieren, ist das Produkt als „Full-Cut-Off-Leuchte“ konstruiert, die Licht ausschließlich nach unten auf die Straße abstrahlt und deren Abstrahlwinkel dabei weit unter der Horizontalen liegt. Darüber hinaus verfügt die Straßenlaterne über einen Infrarotsensor, der das Licht nur dann aktiviert, wenn es tatsächlich benötigt wird. Das verwendete Lichtspektrum hat durch eine warme Farbtemperatur von 2700 Kelvin eine geringere Anziehung auf Insekten.

Bei der Straßenlaterne PAPILIO wird der Prozess der Energiegewinnung zum zentralen Element der Straßenlaterne zu einem ästhetischen Spiel, das die Umgebung bereichert — sowohl am Tag, wie auch in der Nacht. Es ist eine Straßenlaterne für eine lebenswerte Zukunft.

The higher we build our cities, the more windy they become. On the one hand, rising air masses above cities, the Venturi effect and climate change increase the wind intensity in urban surroundings. On the other hand, also humans actively generate more and more wind – for example by traffic or in subway shafts. As a result, there is a growing potential for using wind power in urban areas.

At the same time, however, the harmful anthropogenic influences on our planet are increasing — especially in densely populated areas. A problem that has hitherto often been neglected in this context is the drastically intensifying light pollution. Every year the worldwide amount of artificial light is growing by 6 percent. 83 percent of the world’s population already suffer from an unnaturally bright night sky. Light pollution not only has bad health effects on people, but also a serious impact on flora and fauna. Extinction of species, orientation loss of migratory birds, significant restrictions on fish migration, as well as disturbed biorhythms of plants, are only a fraction of these consequences. It is estimated that currently in Germany alone around 1.2 billion insects die because of street lighting in one single summer night.

Nonetheless, according to the BMU, the world’s population continues to spend nearly a fifth of the total global electricity on public lighting, which releases a significant amount of greenhouse gases. In Germany alone, street lights indirectly emit 2.5 million tons of CO2 per year.

The lamp PAPILIO is reducing the ecological footprint of street lighting many times over by generating electricity with an integrated wind generator while at the same time minimizing light pollution. An integrated Savonius rotor made of folded sheet metal, is used to produce climate neutral energy. For its operation the wind direction is irrelevant and due to its diagonal orientation, the rotor works with vertical (natural wind) as well as horizontal air streams (e.g. airflow caused by traffic).

A rechargeable battery stores the generated electricity and can thereby also bridge periods of calm. This makes it possible to either operate PAPILIO completely autonomously without a necessity for expensive underground electricity infrastructure. Alternatively, the product can also be connected to an existing power grid in order to feed surplus energy into the network during strong winds.

In order to minimize light pollution, the product is designed as a “full-cut-off light”, which only emits light downwards, while the lighting angle is far below the horizontal. Moreover, the street lamp provides an infrared sensor, only activating the light when it is actually needed. In addition, the used light spectrum is less attractive to insects due to a warm color temperature of 2800 Kelvin.

With PAPILIO, the process of generating energy becomes the central element of the street lamp and an aesthetic play, enriching streets, walkways and city squares — both during the day and at night. It is a street lamp for a future worth living in.

direct to ACKNOWLEDGEMENTS

 

 

 

 

Prozess

 

 

Betreut durch

Prof. Ineke Hans, Prof. Holger  Neumann, Steffen Herm

Contact

www.tobiastruebenbacher.com

MUSEUM OF ALTERNATE HISTORY | PAULINA HEINZ | BA 2021

 

Museum of Alternate History | Bachelorarbeit 2021

Was wäre, wenn sich Europa nicht vor dem Hintergrund des Patriarchats, sondern eines Matriarchats entwickelt hätte? Welche Geschichten würde seine historischen Artefakte erzählen? Wie würden sie aussehen und welche Aktionen würden sie unterstützen? Würden sie uns desorientieren? …Oder würden sie uns dazu inspirieren, unsere gesellschaftlichen, historischen, sozialen und politischen Strukturen kritisch zu re-evaluieren?

What if European culture had not developed in the context of the patriarchy, but of a matriarchy instead? What stories would historic artefacts tell? What would they look like and which actions would they support? Would they have a disorienting effect on us? …Or would they inspire us to critically re-evaluate our every day life, our society, our history, culture, politics and possibly also our visions for the future?

“Das Schreiben der Cyborgs handelt vom Willen zum Überleben, nicht auf der Grundlage ursprünglicher Unschuld, sondern durch das Ergreifen eben jener Werkzeuge, die die Welt markieren, die sie als Andere markiert hat. Diese Werkzeuge sind häufig wieder- und neu erzählte Geschichten, Versionen, die die hierarchischen Dualismen naturalisierter Identitäten verkehren und verrücken. Im Wiedererzählen derUrsprungserzählungen untergraben die Cyborg-Autorlnnen die zentralen Mythen vom Ursprung der westlichen Kultur.” (Donna Haraway)

Das Museum of Alternate History verbindet feministische Gender Theorien und Spekulatives Design in dem alternativen Geschichtsszenario eines europäischen Matriarchats. So kommentiert es unter anderem die strenge patriarchalische Einordnung von Körpern in zwei “gegensätzliche” Geschlechter und die Unterwerfung und Disziplinierung von weiblichen und nicht-hetero-normativen Körpern. Sechs verschiedene Objekte und ihre beschreibenden Texte übertragen kritische Reflexion in Materialität und eröffnen so wortwörtlich den Raum für die Auseinandersetzung mit vielseitigen politischen, sozialen und kulturellen Themen. 

“Cyborg writing is about the power to survive, not on the basis of original innocence, but on the basis of seizing the tools to mark the world that marked them as other. The tools are often stories, retold stories, versions that reverse and displace the hierarchical dualisms of naturalized identities.“ (Donna Haraway)

The Museum of Alternate History combines feminist and gender theories with a speculative design approach in the alternate history scenario of a European matriarchy. In doing so it comments on the the strict patriarchal divide of bodies into two genders and the submission and regulation of female and non-heteronormative bodies in our society. Six objects and their descriptive texts transform critical though into materiality and – quite literally – open up the room for discussion and reflection. 

 

Prozess

 

Betreut durch 

KM Anja Lapatsch, Prof. Axel Kufus, Prof. Dr. Sophia Prinz

 

Kontakt 

Cardboard Works | Ayosha Kortlang | BA 2020

 

Cardboard Works | Bachelorarbeit 2020

Cardboard Works ist eine Maschine zum Schneiden von Karton und einer Reihe weiterer Produkte. Die Maschine macht es möglich, Karton vor Ort zu verarbeiten. Es handelt sich um eine mobile Maschine, die innerhalb von zwei Tagen aufgebaut werden kann. Die Pläne dafür sind Open Source und jedes spezielle Teil, das man nicht im Baumarkt um die Ecke bekommt, ist 3D-gedruckt. Das offene System ermöglicht es, eigene Werkzeuge zu entwickeln und in der Produktion kreativ zu werden oder die Anwendung an die örtlichen Gegebenheiten anzupassen. Als Ausgangsbasis wurden 3 Werkzeuge zum Schneiden, Rillen und Zeichnen entwickelt. Ein Hocker und ein Abfalleimer, die bei der Produktion vor Ort ohnehin nützlich sind, wurden mit einem Faltplan aus einem flachen Kartonbogen als Ausgangspunkt für die lokale Produktion entwickelt. 

Cardboard Works is a machine for cutting cardboard and a series of products. The machine makes it possible to process cardboard on site. It is mobile and easy to build within two days, the plans are open source and every special part that you can´t get in you corner building shop is 3D printed. The open system makes it possible to develop one’s own tools and to become creative in the production or to adapt the application to local conditions. As a starting point 3 Tools for cutting, creasing and drawing where developed. A stool and a bin that come in handy at on site production anyways where developed with a folding plan from a flat sheet of cardboard as a starting point for local production. 

 

Prozess

 

Betreut durch
Ineke Hans, Holger Neumann und Steffen Herm

Kontakt
ayoshakortang.de
@ayosha_kortlang

Katharina Achterkamp

Illusions of Space | 2021 | Ba Modedesign

Illusions of space

„Illusions of Space“ beschäftigt sich mit der Veränderung von Raumgefühl und der Illusion von Tiefe durch digitale Abbildung und Bildübertragung.

Wir leben in einem Zeitalter der visuellen Information. Jeden Tag werden Millionen von Bildern produziert und als Momentaufnahmen in digitalen Archiven abgelegt.

Unser Alltag wird von zweidimensionalen Bildern bestimmt, die Ausschnitte von verschiedenen Realitäten abbilden.

Dreidimensionalität und perspektivische Tiefe werden suggeriert und eine neue Art von Raum oder Realität wird geschaffen.

Foucault nennt ein Beispiel für eine Art Misch- oder Mittelerfahrung zwischen physischem und virtuellem Raum, einen Ort außerhalb aller Orte und gleichzeitig innerhalb: den Spiegel.

„Im Spiegel sehe ich mich da, wo ich nicht bin: in einem unwirklichen Raum, der sich virtuell hinter der Oberfläche auftut;“ 

(Michel Foucault, Andere Räume (in: Barck, Karlheinz u.a. (Hg.), Aisthesis. Wahrnehmung heute oder Perspektiven einer anderen Ästhetik, Leipzig 1992, S. 34 – 46); S. 39)

In fortschreitender Digitalisierung werden auch soziale Kontakte zunehmend vom physischen Raum in den digitalen Raum verlegt.

Im Videocall tut sich dieser „unwirkliche“ Raum auf.

Diesen abstrakten digitalen Raum versuche ich mit meiner Arbeit in vier Objekten zu untersuchen.

Die Screenshots aus den Videocalls werden zum Bekleidungselement. Hintergrund und Vordergrund verschmelzen und werden zur Einheit. Die vier Oberteile ergeben sich aus der digitalen Bildrahmung, wie sie im Videocall sichtbar werden; und sind an Outdoorbekleidung angelehnt. Sie verdeutlichen den übergestreiften Charakter der digitalen Identität. 

Die Fläche des zweidimensionalen Bildes wird auseinander gezerrt, der oder die TrägerIn in das „Bild“ eingesetzt.

Es entsteht ein neuer virtueller Raum, ein Raum im Raum.

„Illusions of Space“ deals with the change in the feeling of space and the illusion of depth through digital imaging and image transmission.

We live in an age of visual information. Every day, millions of images are produced and stored as snapshots in digital archives.

Our everyday life is determined by two-dimensional images that depict sections of different realities.

Three-dimensionality and perspective depth are suggested and a new kind of space or reality is created.

Foucault gives an example of a kind of mixed or middle experience between physical and virtual space, a place outside all places and at the same time inside: the mirror.

„ …since it is a placeless place. In the mirror, I see myself there where I am not, in an unreal, virtual space that opens up behind the surface; I am over there, there where I am not, a sort of shadow that gives my own visibility to myself, that enables me to see myself there where I am absent;“ 

(„Of Other Spaces“, Author(s): Michel Foucault in Architecture /Mouvement/ Continuité October, 1984; (“Des Espace Autres,” March 1967 Translated from the French by Jay Miskowiec) p.4)

In advancing digitalisation, social contacts are also increasingly being transferred from physical space to digital space.

In the video call, this „unreal“ space opens up.

I try to examine this abstract digital space with my work in four objects.

The screenshots from the video calls become the clothing element. Background and foreground merge and become one. The four tops result from the digital image framing as they become visible in the video call; and are based on outdoor clothing. They illustrate the slipped-over character of the digital identity. 

The surface of the two-dimensional image is pulled apart, the wearer is inserted into the „image“.

A new virtual space is created, a space in space.

Created in Consultation with: Prof. Wowo (Waldemar) Kraus, Gast Prof. Franziska Schreiber, Prof. Jozef Legrand

 

 

Credits:
Fotografie: Seb Winter
Set: Mandy Peterat
Styling: Carmen Abele
Haare und Make-Up: Jasmin Erb
Models: Emily Zanon, Fatemeh Roshan, Laurids Köhne, Fabian Senk

 

Manfred Elias Knorr

Hybrid Priests | 2021 | Ba Modedesign

 

Hybrid Priests

Die Hybrid Priests sind eine moderne Priesterklasse, verbunden durch die gemeinsame Anbetung der Ware. Sie sind halb Mensch halb Maschine. Gesichtlose Symbole eines technisch durchdrungenen Lifestyles, in dem der Begriff Güter alles einfasst. Sie vermitteln zwischen ihrer Gottheit und den Gläubigen, da die Faszination der Ware schon lange nicht mehr für die Einzelnen greifbar ist.

The Hybrid Priests are a modern priesthood. Connected by their worship of commodities. They are part human, part machine. Faceless symbols of a technocratic lifestyle, which is characterized by the notion that everything is considered a commodity. They mediate between deities and believers, since the fascination of products isn’t tangible anymore.

Created in Consultation with: Prof. Wowo (Waldemar) Kraus, KM Evelyn Sitter, Prof. Dr. Ingeborg Harms

credits:
shoot by Joseph Kadow @josephkadow
styling by Tim Heyduck @timheyduck
hair and make up by Jasmin Erb @jasmin_erb
production assistant: Jakob Krause jakob.k.krause
models: Dominik and Konstantin @IZAIO management, Finn and Jung @core
sponsoring: Limonta and Ecco Leather

 

Tim Süssbauer

SMall Town Boy | 2021 | Ba Modedesign

SMall Town Boy

Created in Consultation with: Prof. Wowo (Waldemar) Kraus, KM Magdalena Kohler, Dr. Renate Stauss

 

 

credits photoshooting:
photography: José Cuevas
hair and make up: Philipp Verheyen
production: Oliver Tippl

 

MIA ALVIZURI SOMMERFELD

Somatogenesis | 2021 | Ba Modedesign

 

Somatogenesis

„Bodily experience is related to fashion’s effects on our bodies, body image, and identity. Fashion is a performative medium, a poetic expression in which the body becomes fictionalized.“

Die Wahl unserer Kleidung reproduziert nicht nur Geschlechtsidentität, sondern Mode selbst bewegt sich in einem binären System. Bestimmte weibliche Kleidungsstücke sind so konstruiert, dass sie laut Diane Crane ein Indikator für den Raum sind, den eine Frau im Gegensatz zum Mann einnehmen darf: „Women, as a consequence of their inferior status, are expected to occupy less space than men. This is seen in the expectation that clothing should be neat and well put together. Women’s legs are supposed to be closed rather than apart and arms should be close to the sides of the body.“ Nähte, Schnitte, Passform und Material haben eine direkte Auswirkung auf die Darstellung des Körpers und auf körperlichen Erfahrungen, wie beispielsweise Bewegungsmuster. Kleidung wird weitestgehend als statisches Produkt für Konsument:innen hergestellt, bei denen der Körper sich in erster Linie nach der Kleidung richten soll. Verändern sich körperliche Attribute, verändert sich die Kleidung nicht automatisch mit uns. Unter diesen Beweggründen liegt die Auseinandersetzung des Entwurfs auf performative Designansätzen als Methode, mit der Modedesign als etwas verstanden werden kann, die nicht nur Objekte, sondern auch Einstellungen und Kontexte umfasst, in denen sich Körper bewegen. Ein Schwerpunkt der Arbeit liegt darin, die Reproduktion von Körpern in der Mode zu beleuchten und neue Handlungsmöglichkeiten zu erforschen. 

„Bodily experience is related to fashion’s effects on our bodies, body image, and identity. Fashion is a performative medium, a poetic expression in which the body becomes fictionalized. „ 

Not only the choice of our clothing reproduces gender identity, but fashion itself operates in a binary system. Certain female garments are constructed in such a way that, according to Diane Crane, they are an indicator of the space a woman can occupy compared to a man: “Women, as a consequence of their inferior status, are expected to occupy less space than men. This is seen in the expectation that clothing should be neat and well put together. Women’s legs are supposed to be closed rather than apart and arms should be close to the sides of the body.“ Seams, cuts, fit and material have a direct effect on the representation of the body and on physical experiences such as movement patterns. Clothing is largely manufactured as a static product for three dimensional bodies, that primarily should fit into the clothing. However, if physical attributes change, clothing does not automatically change with us. Among these motives, the design process of this project explores performative design approaches as a method within fashion design, that can be understood as something that not only includes objects, but also attitudes and contexts in which bodies move.

Created in Consultation with: Prof. Wowo (Waldemar) Kraus, KM Alexandra Börner, Dr. Renate Stauss

 

 

Credits:
Fotografie: Mia Alvizuri Sommerfeld
Model: Tanja Bombach

 

Fabian Senk

Icarus Down | 2021 | Ba Modedesign

Icarus Down

„Ich ermahne dich, Ikarus, dich auf mittlerer Bahn zu halten, damit nicht, wenn du zu tief gehst, die Wellen die Federn beschweren, und wenn du zu hoch fliegst, das Feuer sie versengt. Zwischen beiden fliege.“

– Ovid

Created in Consultation with: Prof. Valeska Schmidt-Thomsen, KM Evelyn Sitter, Prof. Dr. Kathrin Busch

Credits:
Fotografie:Tessa Meyer
Licht & Set: Niclas Moos
Szenografie & Set: Delia Rößer
Haare & Make-Up: Vi Nghiem Tuong
Model: Adriaan Kruitfeld 

 

Philip Gultschewski

State of Surveillance / Surveillance State | 2021 | Ba Modedesign

State of SurveilLance / SurveilLance State

Dieses Projekt hat sich mit Überwachung, ihren Technologien und Gegentechnologien und ihrer Zukunft beschäftigt.
Wie funktioniert Algorithmen basierte Erkennung und wie schützt man sich vor ihr?
Welche Gegenbewegungen gibt es und was sind ihre Strategien?

In Experimenten mit Open-source Erkennungssoftware, habe ich die Limits von Erkennungssoftware getestet und ihre Eigenschaften recherchiert. Funktionale Textilien und Print werden verwendet, um den Träger von unerwünschten Blicken zu schützen. Dieses Projekt macht sichtbar, was meistens im Unsichtbaren passiert. Betrachter*innen werden für Überwachung sensibilisiert.

Ich möchte mich bei Jil Gieleßen für die Fotos und meinen Models Ringo Lukas und Guilherme für das Fotoshooting und Ferdinand Schmidt-Thomé für das Sponsoring bedanken.

This project is about surveillance, its technologies, counter technologies and its futures.
How does algorithmic detection work and how does one protect oneself?
What counter movements against surveillance exist and what are their strategies?

In experiments with open-source detection technologies I have tested their capabilities and researched its characteristics.Applications of functional textiles and print are applied to protect the wearer from unwanted views.This project visualizes what mostly happens invisibly. The viewer’s perception of surveillance is challenged.

I want to thank Jil Gieleßen for the photos and Ringo Lukas and Guilherme for modelling and I want to thank Ferdinand Schmidt-Thomé for the sponsoring.

Created in consultation with: Prof. Wowo (Waldemar) Kraus, Gast Prof. Deepti Barth, KM Magdalena Kohler

 

 

Dominik Musewitsch

Cummi | 2021 | Ba Modedesign

Cummi

Latex ist ein interessantes Material. Mann kommt im Alltag ständig damit in Berührung und dennoch haftet ihm etwas sexuelles an. Umso weniger verwundert es, dass viele aufgrund dessen Berührungsängste damit haben. Wenn es um Latexbekleidung geht, so findet diese meistens in einem sexuellen Kontext statt. Um die Vielseitigkeit des Materials aufzuzeigen und es somit einem breiterem Publikum zugänglich zu machen, muss es zuerst seine sexuelle Assoziation verlieren. Durch die Manipulation der Haptik und Optik wird dem Latex eine neue Stofflichkeit zu eigen. Im Gegenzug soll gezeigt werden, dass konventionelle Stoffe, durchaus eine sexuelle Konnotation erhalten können. 

Rubber is a fascinating material. We meet it everywhere in our daily life, but there is still something sexual about it. Thinking about rubber wear, we do mainly find it in a sexual context. To show the variety of the material and therefore make it accessible for a wide range of people, it has to overcome its sexual association. Through the manipulation of the material’s surface it gains complete new qualities. On the other hand there are convenient fabrics, which of course can also get a sexual connotation.

Created in consultation with:Prof. Valeska Schmidt-Thomsen, Alexandra Börner, Prof. Jozef Legrand

 

 

 

Credits:
Fotograf: Dennis Haase
Models: Bastian Fährmann & Lev Puchinin
MUAH: Jasmin Erb
Assistenz: Liska Speranskaja

 

Katerina Ivanova

Babushka | 2021 | Ba Modedesign

Babushka

between ash and dust, swamps and birches
– there lies my babushkaland.
lets cover it with warm woolen scarves
of embroidered flowers and call it
the country of women.

This project is an attempt to connect myself to my Belarusian roots. In psychotherapy there is an understanding, that all of us carry some kind of transgenerational trauma in us. Women in Slavic regions have undergone extreme circumstances in the last century and the Babushka (Russian for old woman) is the perfect archetype to lean on to explore these traumas. Decoding their way of clothing means researching many layers of Slavic and Soviet traditions and understanding the role of women in this region in general. 

The economical despair, several wars and communist oppression robbed the men of the possibility to claim their position in society, fulfilling the traditional male role. Most of them turned alcoholics, emotionally castrated, put in Fruedian terms… As the traditional female role isn’t threatening to this type of totalitarian government, they seem to be the only ones to bear the weight of both, the traditional female and male roles. Still Belarusian women are at the forefront of the opposition in Belarus right now, because of the underestimation they face and their determination.

The clothes are a translation of the traumas of absent men, the socialist regime, the war and the post soviet disappointment. They make references to Naum Korzhavins poetry („столетье промчалось. И снова, как в тот незапамятнный год- коня на скаку остановит, в горящую избу войдёт. (..) Но кони всё скачут и скачут. А избы – горят и горят.“ Rus. „…A century flew by. And once again,/ As in that time immemorial/ She’ll stop a horse in mid-gallop,/Enter a burning hut. (..) /But the horses keep galloping./And the huts keep burning.“) and Svetlana Alexejevitch books (f.e. „Der Krieg hat kein weibliches Gesicht“). They are mostly in red and white colours to reference to the original Belarusian flag.

Created in Consultation with: Prof. Valeska Schmidt-Thomsen, Prof. Dr. Ingeborg Harms, Prof. Jozef Legrand 

Marilia Afxentiou

Open-Ended Play | 2021 | Ba Modedesign

 

Open-ENded Play

When thinking about my project and designing the games, I wanted children to create from their imagination rather than following instructions. Giving the opportunity to children to create on their own with what is given to them, so that they are free to imagine, explore ideas, and invent new things. With my designs I wanted to create tools for the imagination. These modular systems are manipulable parts that inspire constructive and creative play. Abstract in their identity, these toys inspire children to imagine their use.

“What is it?” and “What does it do?”

The toys, are designed to be used in the children’s daily life. They can be worn, played or even used as a play rug. They are ideal for open-ended play since there are endless possibilities during playtime. There are no instructions for children to follow. Children have the flexibility to form their own decisions and fully engage their creativity and imagination. They can be used in pretend play as well. It is amazing how children with such simple shapes and by just using their imagination can transform a triangle shape into a cape, pretending to be a superhero, who will save the world, or transform a butterfly shape into a sleeping bag ready to shelter them in the deep jungle. The fact that there is not a right or wrong answer, gives the children, this sense of “I can do it, I can think for myself.”

Created in consultation with: Prof. Wowo (Waldemar) Kraus, Gast Prof. Franziska Schreiber, KM Magdalena Kohler

 

 

Credits:
Photographer: Jiuk Kim @keemgeewook
Models: Emil Grimm & Luisa Grimm
Assistant: Koralia Afxentiou @_koralia_

Sara Smed & Patricia Wagner

DIMENSION EXPLORERS | 2020 | Ba Modedesign

DIMENSION EXPLORERS

The graduation collection “Dimension Explorers“ reflects our diverse potential when joined forces. Our creations emerge from another dimension guided by peculiar spiritual fishes caught within a digital web reflecting the tendencies of our times. It’s about courage, play, attitude and imagination. It’s a demanding avant-garde graphical universe where the different pieces share a particular colour pallet. They are combinable in many inspiring ways or taken out of their “dimensional habitat” they breathe life into a more minimalist classic wardrobe. 

Our collection operates on a multidimensional scale and shows diversity yet connection. This means, that the pieces are both gendered & genderless, mulitsize & tailored, exaggerated & tranqualised, mulitcoloured & binary, handmade unique showpieces & reproducible manifactured ready-to-wear. The collection consists of a variety of tactile experiences made of handpicked materials chosen for their specific purpose, haptic feel and sustainable qualities. With “Dimension Explorers“ we present an alternative uplifting answer to the current by materialising joy and playfulness through our creations – It’s aware vivid fashion.

Created in consultation with: Prof. Valeska Schmidt-Thomsen, KM Magdalena Kohler, PROF. JOZEF LEGRAND  

 

 

 

Sponsorship & Collaborations:
Knitwear by Knitoffice b.v.b.a (Belgium)
Jacquard textiles by Weberei (Berlin & Italy)
Textile printing by Spoonflower (Berlin)
Hats and caps by Mathilde Førster (Denmark) 

 

 

NEW WORK | SASCHA HUTH | BA 2020

New work | Bachelorarbeit 2020

When I defined my expose under the title “HomeOffice“ in winter 2019, I didn’t know how important this topic will be for the whole world in the following year.

What was considered impossible for employers and employees just a few months ago has now become part of our everyday life: 

Not only freelancers but also employees from different generations work from home and keep company structures alive. 

Between mountains of laundry, schoolwork or shared flat roommates, the same service had to be delivered overnight as in a familiar office environment. 

Digital tools such as zoom or other programs quickly emerged to enable communication and replace physical meetings.

Due to a lack of planning and knowledge, this work structure became a challenge, especially for parents, students and other professionals. 

Achieving a better work-life balance became the number one issue. 

My task as a designer was to enable a better work life integration through product and process changes:

The term New Work was introduced in the late 1970s by the Austrian-American social philosopher Prof. Dr. Frithjof Bergmann. Bergmann, coined the term New Work and is considered as a pioneer of the movement.

Today he describes the structural change in our working world. The reasons for this include digitisation, globalisation and the development of artificial intelligence, which open up completely new opportunities and possibilities in the execution and organisation of work.

New Work means a new way of combining life and work. Work – and private life should be better integrated:

New Work is a mobile furniture collection to enable agile working at home. The family consists out of three objects. A lounge chair, a side table and a stool.

Every object includes two modi. On and Off. New Work supports a better work life integration.

Material: Powder – coated aluminium

Prozess

Betreut durch 

Prof. Ineke Hans, Prof. Holger Neumann, Prof. Gesche Joost, KM Steffen Herm

Kontakt

Sascha Huth (@actehuth)

www.actetm.com (@actetm)

ELEMENTS | VALENTIN BUFLER | BA 2020

 

elements | Bachelorarbeit 2020

elements ist eine modulare Küche, die auf den Prinzipien des universellen Designs basiert. Ein System das leicht Änderungen ermöglicht, mitwachsen kann und individualisierbar ist und somit von jedem benutzt werden kann.

elements besteht zum einen aus einem Basismodul, welches in U-Profile, die an der Wand befestigt sind, eingehängt werden. In diese Basismodule können nun untereinander verschraubt, mit Schubladen oder geschlossenen Fronten versehen und mit verschidenen Aufsätzen abgeschlossen werden. Sämtliche Fronten sind aus geölter Douglasie hergestellt. 

Ebenfalls in die U-Profile eingehängt wird ein Schrank mit eingebautem Paternostersystem. Hier sind die Seitenwände aus Douglasie und die Front aus Edelstahl, sodass die Mechanik gut mit den Wänden des Schrankes verbaut werden kann. Eingesetzt in den Schrank sind sechs Regalfächer, die über ein Paternostersystem herbeigeholt werden können. Dieses wird über ein Gurtband an der Vorderseite des Schrankes bedient. Der Paternoster Schrank ermöglicht die Nutzung von anderweitig nicht zugänglichem Stauraum.

elements is a modular kitchen based on the principles of universal design. A system that allows easy changes, can grow with you and is customizable and can therefore be used by everyone.

elements consists on the one hand of a basic module, which is hooked into U-profiles that are attached to the wall. These basic modules can now be screwed together, fitted with drawers or closed fronts and completed with various attachments. All fronts are made of oiled Douglas fir.

A cabinet with a built-in paternoster system is also hung in the U-profiles. The side walls are made of Douglas fir and the front is made of stainless steel, so that the mechanical parts can be easily installed on the walls of the cabinet. There are six shelves inserted in the cupboard, which can be fetched via the paternoster system. This is operated via a strap on the front of the cabinet. The paternoster cabinet enables the use of otherwise inaccessible storage space.

 

Sämtliche Elemente, mit denen der Benutzer interagiert, sind in der RAL Farbe 5015 (Himmelblau) gehalten. Blau hat die wenigsten Überschneidungen mit Lebensmitteln die in der Küche verarbeitet werden, und bleibt so stets erkennbar. Im Gegensatz dazu sind die U-Profile an der Wand in der RAL Farbe 9016 (Verkehrsweiß) pulverbeschichtet, um möglichst zurückhaltend aufzutreten.

Der Arbeitsbereich besteht aus drei Modulen, die mit den drei wichtigsten Tätigkeiten korresponieren: Ein Zubereitungsmodul mit zwei eingelassenen Behältern, ein Wasch-/Spülmodul und ein Kochmodul mit zwei Induktionskochfeldern. Die Basiskonfiguration, die in dem Prototypen dargestellt ist, ist sowohl horizontal als auch vertikal erweiterbar. Weitere Basismodule können sowohl von unten, als auch von oben an bereits installierte Basismodule angedockt werden.

elements bleibt auch nach dem Aufbau flexibel. Arbeitshöhen können verändert und angepasst, Freiräume wo nötig geschaffen und bei wachsenden Bedürfnissen von Arbeitsfläche oder Stauraum kann elements erweitert werden.

All elements with which the user interacts are kept in RAL color 5015 („Himmelblau“). Blue has the fewest overlaps with food that is processed in the kitchen, so it is always recognizable. In contrast, the U-profiles on the wall are powder-coated in RAL color 9016 („Verkehrsweiß“) in order to appear as restrained as possible.

The work area consists of three modules that correspond to the three most important activities: a preparation module with two embedded containers, a washing / rinsing module and a cooking module with two induction hobs. The basic configuration shown in the prototype can be expanded both horizontally and vertically. Additional base modules can be docked to base modules that have already been installed both from below and from above.

elements remains flexible even after construction. Working heights can be changed and adjusted, free space can be created where necessary and elements can be expanded if the need for work surfaces or storage space increases.

Prozess

Betreut durch

Prof. Ineke Hans, Prof. Holger Neuman, Prof. Jozef Legrand

OMNIA | MARTIN FENSKE | BA 2020

 

Omnia | Bachelorarbeit 2020

Omnia ist ein modulares System zur Herstellung von Strukturen, die als Möbel und/oder architektonische Elemente fungieren können.

Der Entwurf basiert auf der Auseinandersetzung mit dem Thema Wohnraumverknappung in Städten und den Grundprinzipien von Wohnqualität. Dabei beschreibt er die Notwendigkeit, nachhaltig eine Transzendenz zwischen Möbel und Architektur zu schaffen.

Nach einfachen Konstruktionsprinzipien lassen sich simple oder komplexe Strukturen bilden, die in Höhe, Breite und Tiefe frei erweiterbar sind. Sechs verschiedene Plattenformate und spezielle Verbinder bilden die Grundelemente, um in jedem Raum individuelle Strukturen zur Aufbewahrung, Tätigkeitsinseln, Spielplätze, Rückzugsbereiche oder Raumteiler zu integrieren. Alle Entscheidungen sind dabei reversibel und das System immer wieder in neuen Szenarien verwendbar.

Die speziellen Verbinder wurden für Omnia in Zusammenarbeit mit der Firma scheulenburg-direkt auf Grundlage deren Verbindungstechnik entwickelt.

Als zusätzliche Elemente wurden Türen aus Stahlblech, anbaubare Interaktionslemente, Polster und Rollen integriert.

Die hier dargestellte Struktur dient beispielhaft der Veranschaulichung verschiedener Gestaltungs- und Gebrauchsmöglichkeiten.

Omnia is a modular system for creating structures that can function as furniture and / or architectural elements.

The design is based on dealing with the issue of housing shortages in cities and the basic principles of quality of living. It describes the need to create a lasting transcendence between furniture and architecture.

Using simple construction principles, simple or complex structures can be created, which can be freely expanded in height, width and depth. Six different panel formats and special connectors form the basic elements to integrate individual structures for storing, activity islands, playgrounds, areas of retreat or room dividers in every room. All decisions are reversible and the system can be used again and again in new scenarios.

The special connectors were developed for Omnia in cooperation with scheulenburg-direkt based on their connection technology.

Doors made of sheet steel, add-on interaction elements, upholstery and rollers were integrated as additional elements.

The structure shown here serves as an example to illustrate various design and usage options.

Prozess

Betreut durch

Prof. Ineke Hans, Prof. Jozef Legrand, Prof. Holger Neumann

Contact

www.martinfenske.com

Die Werkelküche | Christine Oehme | 2020

 

Die Werkelküche – ein genderoffener Aktionsspielplatz für Kinder | Bachelorarbeit 2020

Die Welt von Kindern ist lebhaft, impulsiv, spannend, witzig, sinnlich und bunt. Doch oft ist die bunte Welt von Kindern in Wirklichkeit eine eher pastellfarbene oder outdoorblaue Welt, ihre Klamotten zieren entweder Autos oder Einhörner und in den Kinderbüchern erlebt entweder der mutige Abenteurer oder das lustige Pferdemädchen die Geschichte. Diese binären Gegensätze zwischen den Geschlechtern spiegeln sich schon in Kinderwelten wieder und manifestieren so schon früh das Bild von stereotypen Geschlechtsrollen. 

Die Werkelküche ist ein genderoffener Aktionsspielplatz, der Kindern ein Eintauchen in freie Spielwelten ermöglicht. Im Gegensatz zu genderkonnotierten und -getrennten Spielwaren bieten die Elemente der Werkelküche vielfältig assoziierbare Bespielmöglichkeiten. Die geschwungene Arbeitsplatte kann Spühle, Werkstatt und Skipiste sein. Die seitlichen Fächer können Stau-und Versteckraum bieten oder knusprige Brötchen backen. Mithilfe der bunten und austauschbaren Werkzeuge können Kinder ihre Ideen verwirklichen und die Welt der Erwachsenen spielerisch nachahmen. 

Die Werkelküche eint formale und ästhetische Merkmale von Kinderküchen und -werkbänken. Dadurch eröffnen sich vielfältige Spielmöglichkeiten die zwischen, neben oder jenseits des Spannungsfeldes der Küche und Werkstatt liegen.  

A gender-open activity playground for children

The world of children is lively, impulsive, exciting, funny, sensual and colorful. But often the colorful world of children is actually a rather pastel-colored or outdoor blue world, their clothes either adorn cars or unicorns and in the children’s books either the brave adventurer or the funny horse girl experiences the story. These binary opposites between the genders are already reflected in children’s worlds and manifest the image of stereotypical gender roles at an early stage.

The „Werkelküche“ is a gender-open activity playground that enables children to immerse themselves in free play worlds. In contrast to gender-linked and gender-segregated toys, the elements of the „Werkelküche“ offer diverse, associative examples. The curved worktop can be used as a sink, workshop or ski slope. The side compartments can provide storage and hiding space or bake crispy rolls. With the help of the colorful and interchangeable tools, children can realize their ideas and imitate the world of adults in a playful way.

The „Werkelküche“ combines the formal and aesthetic features of children’s kitchens and workbenches. This opens up a wide range of play options that lie between, next to or beyond the tension between the kitchen and the workshop.

 

Prozess

 

Betreut durch 

Susanne Strauch, KM Steffen Herm, Karin Schmidt-Ruhland

GUM | Daniel Tratter | 2020

 

GUM | Bachelorarbeit 2020

Laut Medienberichten konsumiert jeder deutsch rund 100 Kaugummis im Jahr, wodurch sich ein Gesamtverbrauch von 8 Milliarden pro Jahr ergibt. Auf jedem deutschem Quadratmeter Straße kleben durchschnittlich 80 Kaugummireste.

Das entfernen dieser kostet zwischen 1 – 3 € pro Kaugummi da die„Kaugummi-Base“, der Hauptbestandteil des Kaugummis, überwiegend aus erdölbasiertem Kunststoff besteht.

Deshalb ist Kaugummi, wie andere Plastikprodukte, biologisch (nachweislich mehrere Jahre) nur schwer abbaubar und somit eine Ressourcenvergeudung, die umweltschädigend und teuer ist.

Dies war der Ausgangspunkt der Bachelorarbeit „GUM“, die sich mit der Entwicklung eines Materials aus gebrauchtem Kaugummi befasste. 

Ziel war es, hochwertige Materialen aus gekautem Kaugummi als Kunststoffrezyklat durch Modifikation und Extrusion herzustellen und anschließend weiterzuverarbeiten. Der gekaute Kaugummi wird in einen wirtschaftlichen Kreislauf neu eingebunden, damit die Inhaltsstoffe nicht ungeachtet auf der Straße enden.

Aus dem dabei entstandene Material wurden Alltagsgegenstände entwickelt, die einem, wie der Kaugummi, den Alltag versüßen.

According to media reports, every German consumes around 100 chewing gums a year, resulting in a total consumption of 8 billion per year. On the average, there are 80 chewing gums gluing on every square meters of street in Germany. Removing them costs between 1 – 3 € per piece because the „gum base“, the main ingredient of chewing gum, consists mainly of petroleum-based plastic.

Therefore, chewing gum, like other plastic products, is not easily biodegradable (demonstrably needing several years).

So it´s a waste of resources that is both, harmful to the environment and expensive.

That was the starting point of my bachelor thesis „GUM“, which dealt with the development of a material from already used chewing gum. 

The aim was to produce high-quality materials from chewed chewing gum as recycled plastic through modification and extrusion and then processing it further on. The chewed gum is re-integrated into an economic cycle so that the ingredients do not end up on the street and unnoticed.

The resulting material is used to develop everyday objects that, like chewing gum, sweeten the everyday life.

 

Prozess

 

Betreut durch 

Prof. Jozef Legrad, Prof. Holger Neumann, KM Anja Lapatsch

KEYFRAME | YANNIK ROHLOFF | BA 2020

 

Keyframe | Bachelorarbeit 2020

Keyframe ist ein modulares Möbelbau-System. Es besteht aus Edelstahlverbindern, Eichenträgern und CDF-Platten, welche als Verbindung, Möbelstruktur und Korpusse dienen.

Für mein Abschlussprojekt dient das System als modulare Küche. Der Fokus lag dabei von Anfang an auf einer nachhaltigen Lösung. Da der Begriff der Nachhaltigkeit aktuell sehr inflationär genutzt wird, bestand ein großer Teil der Arbeit darin, herauszufinden: „Was ist nachhaltig?“.

Keyframe ist gestaltet, um ein langes Leben der Materialien und Teile zu begünstigen.

Bei der Materialwahl wurde auf Beständigkeit geachtet. Mit der Idee eines Mietsystems bleibt der Produzent im Besitz der Teile und damit auch in der Verantwortung. So kann der Produzent alle Teile wiederaufarbeiten, weiternutzen oder recyceln. Dadurch ist gesichert, dass das Material in Kreisläufen bestehen bleibt.

Keyframe is a modular furniture system. Its main parts are stainless-steel connectors, oak beams and CDF-boards that function as connection, structure and body.

In this case the system serves as a modular kitchen. From the beginning of the project the goal was to design a sustainable furniture system. 

But today sustainability kind of lost its meaning. So it was one major part of this project to find out: „What is sustainable?“.

Keyframe is designed to make a long material life possible. First to mention is that the used materials are very durable. Second, a rental system makes it possible to return the material to the producer. Third, all parts are refurbishable, reusable or recyclable. That way the producer can find a new purpose for the material at any time, so it stays in material circles.

 

Betreut durch
Prof. Ineke Hans, Prof. Holger Neuman, WM Steffen Herm

RE:FORM FRUGAL | MERLIN EVERDING | BA 2020

 

»Re:Form« new forms of living culture | Bachelorarbeit 2020

FRUGAL wurde mit dem Ziel geschaffen, zeitgenössische Möbel zu schaffen, die den modernen Lebensstil mit hochwertiger Handwerkskunst und industrieller Produktion widerspiegeln. FRUGAL versucht, neue Lebensweisen zu verstehen und darüber nachzudenken, was moderne Bedürfnisse in Wohn- und Arbeitssituationen sind. Entwerfen eines Produkts, das diese Bedürfnisse erfüllt. 

Das Design zeichnet sich durch eine moderne Palette klassischer und zeitgenössischer Farben aus, die die Fähigkeit des Systems unterstreichen, ein einzigartiges und individuelles Erlebnis zu bieten. Graphitschwarz, Hellgrau und Tannengrün sind die traditionellen Farbcodes, während tiefes Orange, leuchtendes Orange und Ultramarinblau die charakteristischen Farben sind, die das Design unsere traditionellen Erwartungen an Regalsysteme übertreffen lassen. 

Flexibel und dauerhaft.

Geschaffen für Esszimmer, Büros, Wohnzimmer und Wohnräume. Hochmoderne Designmaterialien, die sich für Empfangsbereiche, Büros und Ligusterwohnungen eignen.

FRUGAL was created with the aim of creating contemporary furniture that reflects the modern lifestyle with quality craftsmanship and industrial production. FRUGAL seeks to understand new ways of life and to think about what modern needs are in living and working situations. Create a product that meets these needs. 

The design features a modern palette of classic and contemporary colors that highlight the system‘s ability to provide a unique and personalized experience. Graphite black, light gray and fir green are the traditional color codes, while deep orange, luminous orange and ultramarine blue are the signature colors that make the design exceed our traditional expectations for shelving systems. 

Flexible and lasting.

Created for dining rooms, offices, sitting rooms and living. Cutting-edge designs materials to suit reception areas, offices and privet homes.

 

FRUGAL M.F. ORDNUNG

Regal- und Aufbewahrungssysteme passen sich gut in die häusliche Umgebung ein und werden durch eine kleine Auswahl an Elementen und Erweiterungen abgerundet.

THE FRUGAL FAMILY hat eine eigene, unverwechselbare Identität und ein einzigartiges Profil, dennoch teilen sie alle den gleichen Fokus auf präzise Details.

FRUGALER TISCH

bietet funktionale und ästhetische Lösungen für das Wohn- oder Arbeitsumfeld. Der Tisch

verbindet den strukturellen Charakter der Architektur mit der Dynamik der Mode in bleibender Qualität.

THE GLASS ORDER wurde mit dem Ehrgeiz geschaffen, zeitgenössisches Geschirr zu schaffen, das mit handwerklicher Qualität modernen Lebensstilen dient. Diese Serie von Gläsern ist stapelbar und in vier verschiedenen Größen erhältlich. Zwei verschiedene Korpusvolumina ermöglichen es dem Benutzer, sie in verschiedenen Variationen zu verwenden. Sie eignen sich zum Trinken von Tee, Kaffee und anderen Getränken wie Wein und anderen alkoholischen Getränken.

FRUGAL M.F.S ORDER 

Shelving and storage systems are well fitting for the home environment and are rounded off by a small selection of elements and extensions.

THE FRUGAL FAMILY has its own distinct identity and unique profile, yet they all share the same focus on precise detailing.

FRUGAL TABLE

offers functional and aesthetic solutions for the living or working surrounding. The table

combines the structural character of architecture with the dynamics of fashion in lasting quality.

THE GLASS ORDER was Created with the ambition to create contemporary tableware that serve modern lifestyles using quality craftmanship. This series of glasses is stackable and available in four different sizes. Two different body volumes allow the user to use them in different variations. They are suitanle for drinking tea, Coffee and other beverages like Wine and other alcoholic drinks.

 

Skizzen

Prozess

 

Betreut durch

Prof. Ineke Hans, Prof. Holger Neumann, KM Steffen Herm

Kontakt

www.studiomce.de

Entropoform | Tillman Vanhöf | 2020

 

Entropoform | Bachelorarbeit 2020

Der Zweite Hauptsatz der Thermodynamik und seine zentrale Größe, die Entropie, formulieren ein
grundlegendes Gesetz für unser Universum. Die Welt, uns selbst eingeschlossen, bewegt sich stets
von Zuständen minderer Wahrscheinlichkeit zu solchen einer höheren Wahrscheinlichkeit, bis ein
Zustand der größtmöglichen Wahrscheinlichkeit erreicht wird.
Dieser ist allgemeinhin erreicht, wenn ein Gleichgewicht erlangt ist. Auf dem Weg zu dieser
Gleichgewichtsverteilung muss es zur Auflösung und Verstreuung „geordneter“ Strukturen kommen,
während erodierte Strukturen an anderer Stelle aber wieder neue Akkretionszyklen, Strukturbildungs-
und Selbstorganisationsprozesse begründen.
Phänomene solcher Art lassen sich bei granularer Materie, als visuelles Pendant zum atomaren Aufbau
unserer Welt, beobachten.

Entropoform setzt sich gestalterisch mit Auflösung, Neuordnung, Selbstorganisation und
dissipativen Prozessen auseinander. Es beschreibt das Potential der Form sich in neue Gleichgewichte
ergeben zu können und trotz dessen, die Möglichkeit zu haben, sich wieder zurückzubilden zu einer
Form die von Außen kommt. Ein permanentes Werden und nie wirklich ein Sein, nie erstarrt zu
vollkommener Härte sondern immer flexibel und weich. Sie kann alles werden und nichts für immer bleiben,
doch ist es gerade das, was sie so interessant bleiben lässt.

The second law of thermodynamics and its central quantity, entropy, formulate a fundamental law for our universe.
The world, ourselves included, is always moving from states of lower probability to states of higher probability
until a state of the greatest possible probability is reached. This is generally achieved when equilibrium is reached.
On the way to this equilibrium distribution, the dissolution and dispersion of „ordered“ structures must occur,
while eroded structures in other places give rise to new cycles of accretion, structure formation and self-organisation
processes.
Phenomena of this kind can be observed in granular matter, as a visual counterpart to the atomic structure of our world.

Entropoform deals creatively with processes of dissolution, reorganisation, self-organisation and dissipative processes.
It describes the potential of form to surrender to new equilibria and, despite this, to have the possibility to regress
to a new form that comes from the outside. A permanent becoming and never really a being, never frozen into complete
hardness but always flexible and soft. It can become everything and remain nothing forever, but that is precisely what
keeps it so interesting.

 

Prozess

Betreut durch

LB Michael Bertuleit, Prof. Holger Neumann, Prof. Burkhard Schmitz, Prof. Dr. Kathrin Busch, WM Steffen Herm

Trans*itions | Pauline Schlautmann | 2020

 

Trans*itions | Bachelorarbeit 2020

„Transitioning“ (eng. Übergehen) bezeichnet den Prozess, den trans* Personen durchgehen um ihr Leben sozial, körperlich und/oder juristisch ihrer Geschlechtsidentität anzugleichen. Ziel des Projekts „Trans*itions“ war es zu erforschen, wie man Menschen dabei designtechnisch unterstützen und ihren Alltag angenehmer gestalten kann. Der Boa Binder ist aus Beobachtungen zu Praktiken entstanden, die trans* Menschen dabei helfen ihr Aussehen ohne invasive Maßnahmen wie Operationen geschlechtsspezifisch anzupassen. Brustbinden ist eine der gängigsten Interventionen bei transmaskulinen und nichtbinären Personen. Dabei wird störendes Gewebe mithilfe von Tape, Bandagen oder Kompressionsoberteilen an den Körper gedrückt, um ein flacheres Brustprofil zu erzeugen. Der konstante Druck auf den Brustkorb führt über längere Zeit leider bei den meisten zu Atemnot, Schmerzen, Überhitzung oder Hautirritationen. Zwar gibt es inoffizielle Regeln, um solche Nebenwirkungen zu vermeiden, diese werden allerdings oft ignoriert, da der positive psychische Effekt so schwer wiegt. Genau hier setzt die Idee des Boa Binders an. Der Einstellmechanismus an beiden Seiten ermöglicht es, den Druck je nach Aktivität und Tagesform zu variieren und eine optimale Passform zu finden. Durch das Quick-Release-Feature können Atempausen eingelegt werden und das An- und Ausziehen wird erleichtert. Vor allem hat die Benutzung des Boa Fit Systems einen symbolischen Wert. Die Marke ist für ihren Einsatz bei hochwertigen Sport- und Medizinprodukten bekannt. Der Entwurf stellt sich eine Kooperation mit einem etablierten Binderhersteller wie Underworks oder GC2B vor. So eine Zusammenarbeit würde nicht nur eine enorme Sichtbarkeit für Transgender Themen generieren, sondern auch zur Legitimierung von Bindern als Hilfsmittel beitragen, die dann vielleicht zukünftig auch durch Krankenkassen verfügbar gemacht werden könnten. 

„Transitioning“ describes the process that trans* persons go through to socially, physically and/or legally affirm their gender identity. The goal of the project „Trans*itions“ was to explore the ways in which design could support people throughout this process. The Boa Binder was developed from observations of genderaffirming practices that help trans* people to adapt their appearance without invasive methods like surgery. Chest binding is one of the most common interventions for transmasculine and non-binary individuals. When binding, the chest tissue is pushed down with tape, bandages or compression tops to create the look of a flat chest. Unfortunately, regular, longterm use often causes breathing problems, pains, overheating or skin irritation. There are some guidelines to avoid such side effects, but they are often ignored, because the positive psychological effect is so significant. This was the starting point for the Boa Binder. The mechanism on both sides makes it possible to adjust the pressure depending on different activities and to achieve an optimal fit. Thanks to the Quick-Release-Feature, it’s easy to fit in moments to breath freely without taking off the entire garment. Most importantly, the use of the Boa Fit System as opposed to another mechanism is ist symbolic value. The brand is known for its high-quality application in sports und medical products. The design imagines a collaboration with an established binder manufacturer like Underworks or GC2B. A joint venture like this would not only generate an enormous amount of visibility for transgender issues, but also help to legitimise Binders as a tool, that could possibly be made available by health insurance providers in the future. 

 

Prozess

 

Betreut durch 

Prof. Susanne Strauch, Prof. Jozef Legrand, WM Steffen Herm

Global Experimental Live-Lab [GEL-Lab] Design Studio

Global Experimental Live-Lab [GEL-Lab] Design Studio

 

Team:
75 participants from 5 continents
working in groups of 8 students
in 2 tracks, each 6 weeks long. 

UdK Students:
Atasayar, Destina
Stefan Damnig
Dain, Park
Dirk Erdmann
Dietz, Janik
Loebach Dennis
Asamoah, Marek
Aleksander Luczak

About the project:
Globally We Design (GloWD) is an independent global thought-leadership think-tank started some five years ago. It exists to identify, explore, and formulate, as well as disseminate new thinking for all design disciplines, practices and processes. GloWD aims to address ever more pressing and contemporary problems facing humanity today. Comprised of visionary and forward-looking designers and design educators, GloWD facilitates leading-edge conversations and connections across all design disciplines. GloWD achieves outcomes that expand the reach, impact, and viability of applied design into the future. Adopting universal values, GloWD strives to affect a positive global impact through and by design. GloWD’s GEL-Lab Design Studio was conceived three years ago, well in advance of the COVID-19 pandemic. This project presents a unique opportunity for multidisciplinary, multigenerational, and multinational intellectuals and creatives to collaboratively and iteratively explore new design frontiers for all aspects of applied design.
Find the full project documentation here.

The Challenge:

Identify and address any societal issue of great impact. This can be of any type or scale but must require immediate investigation and intervention for civic needs, opportunities, and possibilities for people across the world. Projects ranging from the massive (identification, review of, and preparation for the cataclysmic) to the intimate (handheld objects, digital/apps, graphics and communications), including investigations into living systems and the built environment, policy positioning for government, economic systems, and ways of ownership may be studied, designed and presented as design deliverables. Designed deliverables are required to holistically address project specifics, including the physical, mental, emotional, economic, scientific, and social aspects.


The Moment | Team Ängeslevä

 

Stand by you | Team arbely

 

Musico | Team castellanos / díaz barriga morales

 

Liveable | Team wilde

 

Links

https://www.globallywedesign.com/2020-gel-lab-design-studio
https://www.instagram.com/_glowd/

MYSELF IN CIRCLES

Titia Grefe

Betreut durch:
Prof. Jozef Legrand
KM Caroline Bittermann
LA Carsten Struck
LA Bruno Eritt
HA Julia Heunemann

Projekt: Dark Liquid
3. Semester

Birth of a Blackhole

Philip Welp

Betreut durch:
Prof. Jozef Legrand
KM Caroline Bittermann
LA Carsten Struck
LA Bruno Eritt
HA Julia Heunemann

Projekt: Dark Liquid
3. Semester

Learning Basket Weaving


click images to download the full pdf

A guide by Katharina Sauter

„This semester started while a pandemic was still spreading over the world. We are urged to limit our contacts and it was neither possible to go to university (most of the time) nor to visit the workshops. Basket weaving is what helped me to stay sane in these last few months. Like everyone else I spend a lot of time at home and decided that I want to learn a new craft I can practice without a lot of machines or tools.

In this guide you can see the whole process of how I learned basket weaving and the results of this semester. I included the websites as well as the YouTube channels that inspired me to learn this new craft.The baskets brought me a lot of joy and distracted me a little bit from what was going on outside.

I know a lot of people think „why should I sit there for hours and work on a basket when I can pay someone to do it faster (or have it made industrially) so I can spend my time doing something els?“ But I just love sitting there for hours and hours working on something with my hands, creating something while listening to music. I made a playlist with music I’ve been listening to while weaving.

It gives me SO much satisfaction to hold an object in my hands that I completely made myself. Also for me is doesn’t feel like a lot of time because during this process I am in a flow. I will only realize that I’ve been working on the basket for three hours because my back hurts or my hands are really dry. I can hardly think of anything else that is able to give me this feeling.

I made this interactive guide (there are links included!) for future Katharina in case she will forget what I learned in the last few months. I myself benefited a lot from the basket weaving folk who published their knowledge online so that is why I want to make my guide accessible for more people, too.

If one day were allowed to meet again I would love to start a club, where we can be crafty together and benefit from each others knowledge. Please contact me if you’re interested in participating!“

Betreut durch:
Prof. Jozef Legrand

Seminar: Meine Idee. Mein Projekt
5. Semester +

Eine ungewöhliche Freundschaft

Fatma Cankaya & Jakob Deutschmann

Betreut durch:
Prof. Jozef Legrand
KM Caroline Bittermann
LA Carsten Struck
LA Eva Wilde
HA Julia Heunemann

Projekt: Das Ungeheuer das aus der Tiefe kam
1. Semester

Symbiose | Luca Ortmann & Elea Jenner

Luca Ortmann & Elea Jenner

Betreut durch:
Prof. Jozef Legrand
KM Caroline Bittermann
LA Carsten Struck
LA Eva Wilde
HA Julia Heunemann

Projekt: Das Ungeheuer das aus der Tiefe kam
WISE 20/21, 1. Semester

PLUS MINUS 25°C | Anna Koppmann & Esmée Willemsen

PLUS MINUS 25°C

a temperature regulating curtain

In the coming years, temperatures will rise worldwide. This means that we rely more and more on cooling equipment in the summer months. In comparison to conventional devices this curtain is a self maintaining cooling/warming system without using electricity.
The fabric is printed with phase changing material. Above 25°C the microencapsulated PCM absorbs heat when it’s changing from a solid to a liquid state. When the room temperature drops again the absorbed heat is released. It has a cooling effect in summer and a warming effect in winter.

Anna Koppmann, 7.sem WS 2019/20 – https://annakoppmann.eu/
Esmée Willemsen, 5.sem WS 2019/20 – www.esmeewillemsen.com  –

 

Process

 

BABY GOT BAG! | Daniel Theis | BA 2019

 

Baby got Bag!  | Bachelorarbeit 2019

BabyGotBag! ist ein innovatives und vielseitiges Baby-Tragesystem, welches das Gewicht des Nachwuchses ideal auf den Körper des
tragenden überträgt und somit dauerhaft eine aufrechte
und gesunde Körperhaltung ermöglicht. Die Benutzung ist intuitiv und „kinderleicht“. BabyGotBag! macht das Eltern sein zu einem aktiven Abenteuer, bei dem man den Nachwuchs im wahrsten Sinne des Wortes „auf die leichte Schulter“ nimmt.

BabyGotBag! Is an innovative versatile BabyCarrier system, which transfers the weight of the baby ideally to the body of the carrier.
This allows a permanent upright and healthy posture.
The use is intuitively and extremely easy which makes parenthood an active adventure where you can literally take your offspring lightly.

 

 

Betreuer*innen 

Prof. Burkhard Schmitz, Prof. Holger Neumann, KM Steffen Herm,

Zine.Ria | Tomma Suki Hinrichsen | 2020

 

Zine.ria – zinnieren für eine bessere Welt | Bachelorarbeit 2020

Zine.ria ist ein frisch gegründeter Zine-Verlag aus Berlin. Wir gestalten und publizieren Zines: Bunte Hefte, die von selbsternannten Autor*innen hergestellt und in kleinen Auf- lagen veröffentlicht werden. Die vielen unterschiedlichen Geschichten und Visionen, die immer aus der Perspektive der Autor*innen selbst erzählt werden, bieten einen poeti- schen Zugang zu den Themen Stadt und Commons. Es geht hierbei nicht darum, konkrete Nutzungskonzepte für Orte zu erstellen, sondern vielmehr um einen individuellen Blick und die assoziative Ebene der Transformation. Die Zine.ria hat sich am Tempelhofer Flughafen niedergelassen und bietet die Möglichkeit diesen Ort zu erkunden und über ihn zu schreiben, zu zeichnen und zu dichten. 

Der Verlag hat sich aus Rücksicht auf die Umwelt auf Online- Zines spezialisiert, veröffentlicht aber auch Zines im Rahmen von Ausstellungen und/oder zu besonderen Anlässen. Zine.ria bietet Workshops an und ist selbst auch eine lernende Organisation. In den Workshops wird kein Wissen patentiert sondern wild weitergegeben. So kann jedes erstellte Zine wieder zu Collage-Material und somit kreative Anregung für neue Zines werden. 

Jede*r kann zinnieren und jedes Zine hat seine Nische!

Zineria is a newly founded Zine publishing house from Berlin

We design and publish zines: colorful magazines that are published by self-appointed authors. The many personal stories and visions, always told from the perspective of the authors themselves are creating visions and dreams for public space. The Zineria has settled at Tempelhof Airport and offers the opportunity for sharing thoughts and ideas about that place.

The Zineria has specialized in online zines out of consideration for the environment, but also publishes zines in the context of exhibitions and/or on special occasions. Zineria offers workshops and is itself also a learning organisation. In the workshops no knowledge is patented but wildly passed on. So every created zine can become collage material again and thus creative inspiration for new zines.

 

Prozess

      

 

Der Hirsch im Regenwald und der Tukan auf der Eiche | Sarah Sekles | 2020

 

Der Hirsch im Regenwald und der Tukan auf der Eiche | Bachelorarbeit 2020

Ich habe die Zeit der Bachelorarbeit genutzt intensiv in mich selbst hinein zu schauen, um den Katalog meiner Erfahrungen, meiner Fähigkeiten, die Hintergründe meiner Erziehung, den Aufbau meines Wertesystems und somit die Begründung meines Handelns, tiefgründiger kennen zu lernen. Die Herkunft, die Familiengeschichte und ihre gesellschaftliche Positionierung formen und beeinflussen die Methodik des Denkens und Handelns einer Person. Sie prägen ihre Identität. Das Verständnis und das Anerkennen der Individualität ist eine essentielle Grundlage der Schaffenstätigkeit.

Ich bin das Resultat einer bikulturellen Zusammenkunft. Meine Arbeit thematisiert diese Situation und beleuchtet die Eigenschaften aus denen ich bestehe. Ich betrachtete die jeweiligen Erkenntnisse und assimilierte sie. Die Recherche zur Bachelorarbeit beruhte auf der Analyse meiner eigenen Erfahrungen, auf den Gesprächen mit Verwandten und der Auswertung vieler Dokumente, bis hin zur Gegenüberstellung der gesellschaftlichen und geschichtlichen Oberthemen. Es galt herauszufinden, welche besonderen Merkmale in den jeweiligen Ländern und deren Kulturen zu finden sind, in Bezug auf Tradition und Geschichte. Während der Recherche ist ein Raum entstanden indem die Territorialitäten nicht länger getrennt waren. Es sind Verschmelzungen, Widerstände und Zufälle entstanden. Vieles was ich in meiner Recherche lernte und erfuhr begründet die Auswahl, Methodik, und das Resultat meiner Objektkollektion.

Die Objektkollektion behandelt 6 verschiedene Themen. Alle Objekte machen eine persönliche Geschichte oder Erfahrung sichtbar. Das Resultat porträtiert meine individuellen Emotionen über das Interagieren mit 2 verschiedenen Identitäten. Es dient meinem eigenen Verständnis von Nationalität und Herkunft. Entstanden sind Tonarbeiten, Schaumskulpturen, Textildesigns, Farbkompositionen, Malereien, Poesiecollagen, botanische Bilder.
Das abschließende Ausstellungskonzept dient der Zusammenführung und ist der Ort, wo Trennungen und Andersartigkeiten zu Harmonie und Einigkeit werden.

I used the time of the bachelor’s thesis to look deeply into myself in order to get to know the catalog of my experiences, my skills, the background of my upbringing, the structure of my value system and thus the reasons for my actions. The origin, family history and their social positioning shape and influence the methodology of a person’s thinking and acting. They shape their identity. Understanding and recognising individuality is an essential foundation of creative activity.

I am the result of a bicultural combination. My work addresses this situation and highlights the properties that I consist of. I looked at the respective findings and assimilated them. The research for the bachelor thesis was based on the analysis of my own experiences, on conversations with relatives and the evaluation of many documents, up to the comparison of the main social and historical topics. The task was to find out what special features can be found in the respective countries and their cultures, in terms of tradition and history. During the research, a space was created in which the territoriality’s were no longer separated. Mergers, resistances and coincidences have arisen. Much of what I learned in my research justifies the selection, methodology, and the result of my object collection.

The object collection deals with 6 different topics. All objects make a personal story or experience visible. The result portrays my individual emotions about interacting with 2 different identities. It serves my own understanding of nationality and origin. The results are clay works, foam sculptures, textile designs, color compositions, paintings, poetry collages, botanical images. The final exhibition concept serves to merge and is the place where separations and differences become harmony and unity.

 

Die Landschaft in Parana, Brasilien, wird von einer roten Erde geprägt . Wenn es regnet wird der Boden schlammartig und es bilden sich überall rote Pfützen. Am auffälligsten zeichnet sich diese Erde an den Häuserfassaden ab. Diese saugen bei Nässe die Bodenflüssigkeit in ihre Gesteinsschichten auf. Dadurch hat der untere Teil der meisten Häuser eine rote Fläche, die sich nach oben hin verläuft und in die ursprüngliche Fassadenfarbe übergeht. Daraus entstand die Idee des gewebten Wandteppichs. Dieser beginnt als Wandgebilde und wird wie eine Hohlkehle auf dem Boden zu einem herkömmlichen Teppich. Wegen der Form einer Hohlkehle erschloss mir die Idee, den Farbverlauf der roten Erde, aufzugreifen und im Textil aufzuzeigen.

Außerhalb von größeren Städten findet man in der brasilianischen Landschaft viele Termitenhügel. Manche sind mehrere Meter hoch, andere breit und fett, manche schmal, entweder mit vielen kleinen pickelchen oder ganz glatt.
Mir kam die Idee die Termitenhügel als eine Art Sitzkissen / Polster neu zu interpretieren und zu tarnen. Meine Termitenhügel bestehen aus Schaumstoffkernen. Die deckende Oberfläche ist mit der Technik des Trockenfilzens hergestellt. Die Filztechnik erlaubt mir den gewünschten Farbverlauf und die Unruhe der Erde zu kreieren.

The landscape in Parana, Brazil, is shaped by the red earth. When it rains, the ground becomes muddy and red puddles arise. This earth is most striking on the house facades. These absorb the soil liquid into their rock layers when its wet. As a result, the lower part of most houses has a red surface that runs upwards and changes to the original facade color. This resulted into the idea of ​​the woven tapestry. It begins as a wall structure and becomes a conventional carpet like a fillet on the floor. Because of the shape of a cove, I got the idea to portray the color gradient of the red earth in the textile.

Outside of major cities, there are many termite mounds in the Brazilian countryside. Some are several meters high, others are broad and fat, some are narrow, either with many small spots or very smooth. I got the idea to reinterpret and camouflage the termite mounds as a kind of seat cushion. My termite mounds are made of foam cores. The covering surface is made with the technique of dry felting. The felt technique allows me to create the desired color gradient and the agitation of the earth.

 

Meine Vorfahren haben vor dem 2. Weltkrieg als deutsche Juden im brasilianischen Dschungel Zuflucht vor den Nazis gefunden. Ohne Mittel, ohne Transport- und Einkaufsmöglichkeiten, musste der Hunger unteranderem mit barbarischen Mitteln bekämpft werden. Also kam es dazu, dass mein Opa irgendwann Jagt auf die Papageien der Region machen musste. Ich habe mir vorgestellt wie meine Familie im Dschungel saß und Papageien auf den mitgebrachten Tellern aus gutem, deutschen Meissner Porzellan aßen. Ich habe Porzellanteller hergestellt und ein eigenes Dekor gestaltet, welches die Elemente des Zwiebelmusters aus Meissen mit der Schönheit der Papageien verbindet. Das Konzept beruht auf der kontrastreichen Gegenüberstellung beider Motive.

Before the Second World War, my ancestors found refuge from the Nazis as German Jews in the Brazilian jungle. Without means of transport and shopping, hunger had to be fought with barbaric means. So at some point my grandfather had to hunt the parrots in the region. I imagined my family sitting in the jungle and eating parrots on their German Meissen porcelain plates they brought. I made porcelain plates and designed my own decor, which combines the elements of the „Zwiebelmuster“ pattern from Meissen with the beauty of the parrots. The concept is based on the contrasting comparison of both motifs.

 

 

In nahezu jedem brasilianischen Haushalt findet man eine Tonfigur von Mestre Vitalino. Sie fallen aufgrund ihrer Einfachheit, Ursprünglichkeit, der naiven Bearbeitung und der ironischen Interpretation der brasilianischen Gesellschaft angenehm auf. Die Figuren zeigen den Brasilianer in seiner Urform in verschiedenen Tätigkeiten.
Einer der bedeutesten Arbeiten von Mestre Vitalino ist „Retirantes“, auf Deutsch „Flüchtlinge“. Ich erkenne darin eine Analogie zu meiner eigenen Familiengeschichte. Ich wollte mit dem selben Handwerk, Technik und Material von Mestre Vitalino arbeiten und wählte einen ähnlichen rot-bräunlichen Ton aus. Ich zeige 6 Familienmitglieder, jeder Figur habe ich ein Charaktermerkmal gegeben um erkennbar zu machen wer sie sind. Wie bei Mestre Vitalino steht meine Familie hintereinandergereiht auf einer Bodenfläche, die als Schale bzw. Teller genutzt werden kann.

Mein Vater wuchs mit Vorhängen vor den Fenstern auf. Auch in Berlin beobachte ich oft, vor allem dort wo ältere Menschen wohnen, dass die Fenster zugehängt sind.
Ich erarbeitete ein für mich interessantes Textilkonzept, eine Tragfläche für die Erzählung meiner Vorfahren und deren Herkunft aus Wuppertal. Entstanden sind Vorhänge auf denen eine Poesie meiner Uroma gestickt wurde. Das Garn färbte ich mit der Krappwurzel. Wuppertal war einst Industriestadt der Textilherstellung und des Färbens.

A clay figure by Mestre Vitalino can be found in almost every Brazilian household. They attract attention because of their simplicity, originality, naive processing and ironic interpretation of Brazilian society. The figures show the Brazilian in his archetype in various activities.
One of the most important works by Mestre Vitalino is „Retirantes“, in English „Refugees“. I see an analogy to my own family history. I wanted to work with the same craft, technique and material from Mestre Vitalino and chose a similar red-brown tone. I show 6 family members, I have given each figure a characteristic to make clear who they are. Like the work from Mestre Vitalino, my family is lined up on a surface that can be used as a bowl or plate.

My father grew up with curtains in front of the windows. This I often observe in Berlin, especially where older people live, that the windows are closed by curtains. I developed an interesting textile concept, a surface for telling my ancestors story and show their origin from Wuppertal. The results are curtains on which a poetry of my great grandmother was embroidered. I dyed the yarn with the Krapp root. Wuppertal was once an industrial city of textile production and dyeing.

 

Prozess

Nalu | Sandra DuCarrois | 2020

 

Nalu | Bachelorarbeit 2020

Als MIDI Controller bietet NALU die Möglichkeit, durch die Erzeugung verschiedener Hirnstromwellen mittels Konzentration, einen experimentellen Input zur herkömmlichen Musikproduktion zu schaffen. Die vier messbaren Hirnstromwellen – Theta-, Alpha-, Beta- und Gamma-Welle – bieten sich als Eingabequelle an und können in der Musik-Software, der Digital Audio Workstation, auch ‚DAW’ gennant – verschiedenen digitalen Instrumenten zugewiesen werden. Die Gamma-Welle, die die höchste Form der Konzentration darstellt, kann durch Übungen von jedem Menschen erzeugt werden. Dabei verhält es sich ähnlich wie bei einem Musikinstrument, wie beispielsweise der Gitarre, das man durch regelmäßiges Üben erlernen kann.

Die zwei NALU Controller sind über Bluetooth mit dem Laptop und der Musik-Software verbunden und verfügen über jeweils fünf Bedienelemente, die mit Befehlen verknüpft werden, die Instrumente und Effekte innerhalb der Musik-Software steuern. NALU dient als experimentelles Musikinstrument, das die Musikproduktion mit Hirnstromwellen unterstützt und eine Verbindung zwischen meditativer Konzentration und Klangerzeugung schafft.

As a MIDI controller, NALU offers the possibility of creating an experimental input for conventional music production by generating brainwaves through concentration exercises. The four measurable brainwaves – theta, alpha, beta and gamma wave – are an ideal source of input and can be assigned to various digital instruments and music effects used in a music software – a digital audio workstation also known as DAW. Similar to a regular musical instrument, such as a guitar, it requires regular practice to improve.

NALU connects wirelessly to a computer transmitting measured brainwaves using an EEG headband and translates these to MIDI signals that commence a previously assigned digital instrument within a DAW. Resting your hands upon the controllers only minimal motion is required to activate touch controls assigned to DAW commands such as delay, reverb or similar sound modulations as well as additive sound effects like kick, snare or drums. Throughout the process of brainwave and thereby sound generation one is able to either modulate while concentrating or after recording one of the four measurable brainwaves.NALU is a musical instrument that supports music production using brainwaves and creates a connection between meditative concentration and sound generation.

 

Prozess

 

PrüferInnen 

Prof. Burkhard Schmitz, Prof. Holger Neumann, KM Antonia Kühne

Relics | Georgia von le Fort | 2020

 

Relics | Bachelorarbeit 2020

In der Porzellanproduktion entstehen bis zu 40% Ausschussware. Auch im Haushalt geht Porzellan zu Bruch. Da das Material nach dem Brand so eine extreme Härte besitzt, bedeutet eine Wiederverwendung des Mülls einen hohen Energieaufwand. Die meisten Porzellanabfälle werden daher abgelagert und stellen eine Belastung für die Umwelt dar.
Das Ziel dieser Arbeit war, Porzellanabfälle wiederzuverwerten und eine nachhaltige Produktlösung zu finden. Es wurde eine Methode entwickelt, um alte Porzellanscherben durch Mahlen und Versintern wieder zu einem festen Material zu verbinden, das zu 100% aus Rezyklat besteht. Dieses Material bietet Eigenschaften wie z.B. Festigkeit und Porosität, die sich für Behältnisse von Lebensmitteln eignen: RELICS sind Gefäße aus diesem recycelten Porzellan, die eine längere Haltbarkeit von Obst und Gemüse ermöglichen. Ein Einlegeboden saugt durch die poröse Struktur kaltes Wasser auf, indem er unter den Wasserhahn gehalten wird. Wenn dieser dann in das Gefäß gelegt wird, kühlt der Innenraum ab und die Luftfeuchtigkeit steigt. Durch diesen physikalischen Prozess der Verdunstungskälte besitzen die Gefäße einen Kühleffekt. Diese Bedingungen sorgen bei bestimmten Lebensmitteln, wie Tomaten, Äpfeln oder Rüben für eine schonende Lagerung und beeinflussen die Haltbarkeit und Qualität positiv. Außerdem schützt das feuchte Klima in den Gefäßen bestimmte Gemüsearten vor Austrocknung. Wenn der Boden nicht gewässert ist, herrscht ein dunkles, luftiges, trockenes Klima bei Raumtemperatur. Dann bildet das Gefäß eine Lagermöglichkeit für frische Lebensmittel die kälteempfindlich sind, ihr Aroma durch Kälte verlieren oder kurzfristig reifen müssen. Die Behältnisse bieten somit optimale Klimabedingungen, um die Haltbarkeit von Obst und Gemüse zu verlängern und Lebensmittelabfälle zu reduzieren.
Durch RELICS werden Porzellanabfälle recycled, Lebensmittel bleiben länger frisch und eine ressourcenschonende Lebensweise wird unterstützt.

Up to 40% rejects are produced in porcelain production. Porcelain also breaks in the household. Since the material is extremely hard after the fire, reusing the waste means a lot of energy. Most porcelain waste is therefore deposited and is a problem for the environment.
The aim of this work was to recycle porcelain waste and to find a sustainable product solution. A method was developed to recombine old porcelain shards by grinding and sintering to a solid material that is made from 100% recycled material. This material offers properties such as strength and porosity that are suitable for food containers: RELICS are containers made from this recycled porcelain, which enable fruit and vegetables to have a longer shelf life. A tray absorbs cold water through the porous structure by holding it under the tap. If this is then placed in the container, the inner space cools down and the air humidity rises. Due to this physical process of evaporative cooling, the container have a cooling effect. With certain foods such as tomatoes, apples or beets, these conditions ensure gentle storage and have a positive effect on shelf life and quality. The humid climate in the containers also protects certain types of vegetables from drying out. If the tray is not watered, there is a dark, airy, dry climate at room temperature. Then the container forms a storage option for fresh foods that are sensitive to the cold, lose their aroma due to the cold or have to ripen briefly. The containers thus offer optimal climatic conditions to extend the shelf life of fruit and vegetables and reduce food waste.
With RELICS, porcelain waste is recycled, food stays fresh longer and a resource-saving lifestyle is supported.

 

HIHEEL | Ethem Civelek | 2020

 

HiHeel | Bachelorarbeit 2020

In meiner Bachelorarbeit „Hiheel“, setze ich mich mit dem Gedanken auseinander, generische Typologien und Herstellungsweisen von Stöckelschuhen zu untersuchen und diese mit Hilfe der 3D-Druck-Technologie neu zu definieren. Durch diese Arbeit sollen neue Beispiele einer Formsprache und neue strukturelle Möglichkeiten entstehen. Ich wollte schon immer Schuhe herstellen, beherrsche aber nicht das Handwerk des Sattlers oder Schuhmachers, geschweige denn den Zugang zu den benötigten Maschinen und Werkzeugen. Durch 3D-Druck kann ich mir dieses Objekt erschließen und auf meine persönliche Art und Weise denken und gestalten. Die 3D-Druck-Technologie gehört zu den Rapid Prototyping Technologien, also zu den Fertigungsverfahren, die das Ziel haben, CAD-Daten möglichst ohne manuelle Umwege, direkt und schnell in Werkstücke umzusetzen. 

In my bachelor thesis “Hiheel”, I deal with the idea of examining generic typologies and manufacturing methods of high-heeled shoes and redefining them with the help of 3D printing technology. This work is intended to create new examples of a formal language and new structural possibilities. I’ve always wanted to make shoes, but I don’t master the craft of the saddler or shoemaker, let alone access to the necessary machines and tools. Through 3D printing I can open up this object and think and design in my own personal way. 3D printing technology is one of the rapid prototyping technologies, i.e. the manufacturing processes that aim to convert CAD data into workpieces directly and quickly, if possible without manual detours. 

Prozess

 

Prüfer

Prof. Holger Neumann, Prof. Achim Heine, KM Gesine Hillmann

Stadt Land Fluss | Daniel Schult | 2020

 

Stadt Land Fluss | Bachelorarbeit 2020

In der vorliegenden Bachelorarbeit „Stadt Land Fluss“ habe ich mich dem Thema Boote angenähert und auf die Bootsart des Kajaks eingegrenzt. Angefangen mit einer ausführlichen Produktrecherche über die historische Entwicklung, die generelle Einteilung der verschiedenen Bootsklassen, Nutzungsmöglichkeiten bis hin zu dessen Aufbauten und Attributen. Die daraus wichtigsten Erkenntnisse sind in den Entwurf in zusammengefasster Form ausformuliert und eingeflossen. Das entstandene Faltboot ist insgesamt nur 5,34kg schwer und misst eine Länge von 2,7m. Die Aufbauzeit beträgt unter 3min. Damit grenzt sich der Entwurf deutlich von anderen Faltbooten ab. Durch das geringe Gewicht und der geringen Taschengröße von 50cm x 70cm wird es zu einen Gegenstand des täglichen Gebrauchs.

In the bachelor thesis „Stadt Land Fluss“ I approached the subject of boats and narrowed it down to the boat type of kayak. Starting with a detailed product research about the historical development, the general Classification of the different boat classes, possible uses down to its structures and attributes. The most important findings are included in the draft in a summarised form and incorporated. The resulting folding boat weighs only 5.34kg and measures 2.7m in length. The assembly time is under 3 minutes. This clearly distinguishes the design from other folding boats. Due to the low weight and the small bag size of 50cm x 70cm it becomes an object of daily use.

 

WAYSTE | Clara Poeverlein | 2020

 

WAYSTE | Bachelorarbeit 2020

Wie kann es gelingen, Abfall als ungenutzte Ressource in den Wertstoffkreislauf zurückzuführen und einen Werkstoff zu entwickeln, der sowohl ästhetisch ansprechend als auch funktional und technisch überzeugend ist? Aus meiner Versuchsreihe WAYSTE, die mit der Verwertung von Obst- und Gemüseabfällen der Saftherstellung begonnen hat, ist MACCHIA entstanden. MACCHIA ist ein überwiegend aus Kaffeesatz hergestellter Verbundwerkstoff, der sich durch seine einzigartige Materialität auszeichnet: eine fein strukturierte Oberfläche, eine intensive dunkle Farbigkeit, hohe Festigkeit und gute Formbarkeit. Darüber hinaus bietet das Material eine angenehme sanfte Haptik und vielfältige Möglichkeiten der Oberflächenbehandlung beispielsweise durch Prägetechnik.
Für MACCHIA werden zu 100% natürliche Rohstoffe verwendet. Vor allem aber nutzt MACCHIA die Ressource Abfall zur Gewinnung eines neuen Werkstoffes und leistet einen Beitrag das stetig wachsende Müllaufkommen zu reduzieren und die Kreislaufwirtschaft zu fördern.
Das Material ist aus einer unkonventionellen Art des Gestaltungsansatzes entstanden. Ziel war es nicht, ein Material mit vorher bestimmten Eigenschaften oder ein klar definiertes Produkt zu entwickeln, sondern einen Werkstoff zu kreieren, für dessen Herstellung ausschließlich ungenutzte Ressourcen wiederverwertet werden.
Vorstellung hierbei ist es, einen interdisziplinären Dialog im Sinne eines materialorientierten Gestaltungsansatzes zu eröffnen, der zu einer Symbiose aus technisch-konstruktiven, funktionalen Materialeigenschaften und sensitiven Qualitäten führt.

Is it possible to create a sophisticated material that merely consists of waste and meets the needs of an aesthetically pleasing, functional as well as technically convincing material?
The idea was to create a material derived from a series of experiments I conducted. The project WAYSTE started with the recycling of fruit and vegetable scraps from juicing. 
MACCHIA is a composite material mainly made from coffee grounds, which is characterized by its unique materiality: a finely structured surface, an intense dark color, great sturdiness and good formability. In addition, the material offers a pleasant, soft feel and unlimited surface treatment options, for example by using embossing technology.
MACCHIA is made of 100% natural raw materials. It contributes to reduce the amount of daily waste and advocate the reuse of by-products in a sustainable way.
This material is the result of an unconventional design approach. The aim is not to develop a material with previously defined properties or a clearly defined product. The goal is to create a material that solely consists of recycled by-products. 
The intention is to open an interdisciplinary dialogue in the sense of a material-oriented design approach that leads to a symbiosis of technical-constructive, functional material properties and sensitive qualities.

Prozess

 

GRAVITATIONEN | BASTIAN THÜRICH | 2020

 

Gravitationen | Bachelorarbeit 2020

“Gravitas” ist der lateinische Begriff für Schwere.Die Schwerkraft ist eine der vier fundamentalen Wechselwirkungen, durch die sich physikalische Objekte gegenseitig beeinflussen. Mittels eines Pendels wurden bereits 1855 komplexe Schwingungsgeometrien, auch bekannt als “Lissajou-Figuren”, vom gleichnamigen französischen Physiker Jules Antoine Lissajou, beschrieben. Diese Formen und Rhythmen sind, da sie auf grundlegenden Gesetzmäßigkeiten beruhen, in ihrer Manifestation gleichermaßen ein Ausdruck angewandter Physik. Ähnlich wie in natürlichen Wachstumsprozessen die Fibonacci-Folge und der Goldenen Schnitt Anwendung finden, lässt sich auch hier in der schlichten Stringenz und den sich ergebenden Proportionen die Schönheit der Mathematik erleben. Diese Kohärenz, zwischen der Nutzung einfachster Mittel und dem Visualisieren von “Perfektion” bildet das grundlegende Interesse für die Wahl dieses Themenfeldes in meiner Arbeit.

Oft neigen Produktionsmethoden dazu, mit großer Maschinerie und unter Einsatz hoher Energiemengen Materialien in eine vorher definierte Form zu zwingen. Es wird gesägt, gerichtet, gepresst, geschweißt, gebogen. Es wirkt so, als möchte man sich die Welt untertan machen, statt symbiotisch mit ihr zu agieren. Mir scheint jedoch, dass alles was es manchmal braucht ein “fester” Punkt und ein “Anstoßen” sind; die Gravitation ist ja schon da. Die Produktionsmethodik wird dann einem natürlichen Phänomen angepasst.

Als alles allein entscheidender Gestalter tritt der Mensch „defacto“ in den Hintergrund. Es gibt keine Entwurfszeichnungen oder zeitgenössischen Geschmackspräferenzen mehr, die Formgebend agieren. Dennoch ist der Akteur Bestandteil des Prozesses, als “Produktionshelfer”, da es gilt die Voraussetzungen zu bestimmen. Allerdings, ab dem Zeitpunkt, an dem das Pendel der Schwerkraft überlassen wird, ist es die selbige allein, welche gestaltend wirkt. Wie sich in Vorversuchen mit dem Pendel und einer aus Porzellan oder Steinzeug bestehenden Gussmasse gezeigt hat, kann eine große Vielzahl an verschiedenen Endergebnissen in Form und Struktur erzielt -beobachtet- werden.

All diesen Ergebnissen liegt, resultierend aus den oben genannten Gesetzmäßigkeiten, eine gewisse Notwendigkeit und Präzision zugrunde, wodurch eine Wiederholbarkeit erzielt werden kann. Wenn also gewisse Faktoren von einem zum nächsten Mal gleich bleiben, lässt sich im Hinblick darauf von einer teilautomatisierten, repetitiven Fertigungsmethode sprechen. Außerdem soll die These untersucht werden, dass die Möglichkeit besteht den bisher gängigen zweidimensionalen “Pendel-Bildern” eine Dreidimensionalität zu geben. Eine Art analoger “3d-Gravitationsdrucker”. Dies konnte in den oben genannten Vorversuchen, in Ansätzen, bereits verwirklicht werden. Es ist anzunehmen, dass hierin noch Potenzial verborgen liegt, welches es aufzudecken gilt.

In einer Reihe von Versuchsanordnungen sollen außerdem folgende Fragestellungen betrachtet und evaluiert werden:

1.Welche Materialien sind geeignet? Wobei zunächst, in Porzellan und Steinzeug gearbeitet wird, da sich diese Materialien in Vorversuchen als geeignet erwiesen haben. Hier bleibt allerdings die genaue Zusammensetzung, im Hinblick auf die Viskosität zu überprüfen. In diesem Zusammenhang spielt wiederum die Art und Größe der Düse, sowie der zu erzeugende Pressdruck, eine Rolle.

2. Wie lässt sich der Aggregatzustand des Materials schnellstmöglich von flüssig zu hart verändern, um ein 3d-Druckerzeugnis zu generieren, ohne die Frequenz der Schwingungen zu beeinträchtigen ?

3. Es gibt mehrere Arten von Pendel. Welche Ergebnisse lassen sich, durch die Anwendung der jeweiligen erzielen ?

4. Wie wirkt sich die Größe des Pendels auf die Frequenz der Schwingung, die Schwingungsdauer und die daraus resultierenden Formen aus ?

5. Wie ist es zu konstruieren, formal, low- oder hightech, Lesbarkeit, Mobilität ?

6. Wie lässt sich der Prozess manipulieren? Vibration, zusätzliche Rotation ?

7. “Lissajou-Figuren” finden sich auch in der Musik; in Tönen und in Wechselströmen. Lässt sich das kombinieren; gegenseitig beeinflussen; überlagern, verdoppeln, nevilieren; Nikola Tesla`s Wellentheorie ?

8. Wie könnte eine vierte Dimension (z.B. Zeit) inkludiert werden ?

9. Wie wirkt sich Vakuum auf den Prozess aus? Wie schwingt ein Pendel auf dem Mond (theoretisch) ?

10. Wie präzise lassen sich die Formen vorhersagen, berechnen? Könnte in diesem Zusammenhang ein digitaler Prozess, unterstützend, von Bedeutung sein “deep learning” ?

11. Wie kann ein “Mapping” der Versuchsanordnungen sinnvoll visualisiert und kommuniziert werden?

12. Gibt es zweckmäßige Anwendungsmöglichkeiten für die entstandenen Objekte, als Gebrauchsgegenstände?

13. Wäre eine Verortung dieses Verfahrens, evtl auch in technologisch unterentwickelten Gegenden interessant? Ein Pendel lässt sich fast überall aufhängen.

Prozess

  

 

Prüfer

Prof. Axel Kufus, Prof. Burkhardt Schmitz, KM Caroline Bittermann

Folding of Space | Moriel Blau

 

Folding of Space

The exploration and realization of monolithic yet flexible geometries are now, due to technological developments, more tangible. “Monolithic-yet-flexible“ describes the concept of compliance, where mobility is gained from the deflection of flexible members, rather than only from movable joints. Thus, compliance dispenses
with the traditional joint-concept while relying on control over the material and its reversible deflection. Structures, mechanisms, or entire objects can be constructed using this concept.
Deformations and instabilities are usually avoided in human-made engineering, as they often represent mechanical failure. The majority of existing designs are constructed on the requirement of being both stiff and strong; therefore, the distinctiveness of these properties is difficult to perceive. This results in a lack of differentiation, but stiffness and strength are not the same. Exemplary for this is the comparison between nature and human engineering.
Natural structures tend to be more flexible than human-made constructions, as human-made engineering relies on the criterion of stiffness. These structures contain a lot of material to reach stiffness. Nature’s engineering, on the other hand, tends to build on the criterion of strength while using less material. Considering movements from nature, it can be observed that they are mostly generated from bending flexible parts. Therefore, flexibility and compliance are nature’s concept for achieving movement.
However, nature’s examples show how integrating compliance into human-made engineering can lead to additional functionality. Monolithic-yet-flexible structures could improve or even add new functionalities to objects. Production methods, such as 3d printing, offer new possibilities to produce monolithic objects.

COMPAGNON | Jonas Fehrenbach & Marek Asamoah

 

COMPAGNON

A SHOPPING BASKET FOR BICYCLES

Car Free Zones and Cycling paths as part of many cities‘ strategies and aspirations to support sustainable living are on the rise. At the same time the need for local food supply through supermarkets and grocery stores remains. Especially the demand for fresh and healthy food from local sources  – despite the trend of shopping groceries online – is growing.

The Bicycle as a medium of transport will become  more and more important for short and intermediate distances in urban areas.        Yet supermarkets are focusing on car-using-customer’s needs and growing supply of parking spaces but sooner or later alternatives have to be found to put  greener solutions into place.

Introducing Compagnon bike shopper,  it’s a return of a classic. The design is inspired from an old iconic shopping cart. However it is equipped with an additional suspension for the bike rack – A small detail with a high symbolic power, converting and combining classical shopping basket and a bike shopper. It is made from solid stainless steel wires, highly robust but lightweight at the same time. Compagnon is a ready to use and easy to handle, low price bike shopper available at the check out of local supermarkets.

It’s the  longlife alternative to familiar paper shopping bags, plastic bags or shopping boxes at the points of sale. Made to last and to reuse.

Jonas Fehrenbach, WS 2021/22 –
Marek Asamoah, WS 2021/22 –

Project:

 

Process:

 

Let the good times roll | Luisa Wittkamp | BA 2019

 

Let the good times roll | Bachelorarbeit 2019

The walker - an object that is essential to the life of many, yet viewed as
unattractive and distasteful. An observer can feel the conflicting emotions
of pity and disgust while watching the heavy and tottery constructions
being pushed around. Many users feel shame and frustration associated with
these necessary, but often dysfunctional and unappealing objects. This
stigmatisation stands in contrast with the rising demand for walkers due to
baby boomers entering the retirement stage, increasingly longer life
expectancy and the high purchasing power held by sixty-somethings.

“Let the good times roll” takes on this issue and researches alternative
approaches to existing walkers. The goal is to challenge the current
perception of the walker and its users by rethinking its functionality and
aesthetics: How can its design be more centered around its users needs? How
can the interaction be uncomplicated and intuitive? How can it’s appearance
be made engaging and pleasant instead of shameful?

“Let the good times roll” distances itself from the shiny metal and cheap
plastic parts that characterize the clinical and overly technical look of
standard walker models. Key of the design is the reworked folding
mechanism, which gives the walker a more minimal and clean identity. The
mechanical components that are usually attached additively all over the
frame are integrated into the central joint, so the user is seeing only elements to interact with, such as buttons, flaps and levers. The color
choices further highlight these parts to make their use guided and inviting. Furthermore, the construction allows for potential individualizations. The project is designed to enable satisfying, joyful interactions with an object that has long been neglected.

 

Prozess

 

 

Betreuer

B. Schmitz, H. Neumann, S. Herm

SpinCuisine | Milan Siegers | BA 2019

 

SpinCuisine | Bachelorarbeit 2019

SpinCuisine ist eine Eismanufaktur, in welcher durch eine

vertikales Schleudergussverfahren Stieleis hergestellt wird.

In einem ergebnisoffenen Prozess wurden mit experimentellen Methoden die formgebenden Potentiale der Fliehkraft ergründet. Die Erkenntnisse verhalfen zur Entwicklung einer performativen Eisherstellungsmethode.

Eine vertikal rotierende Zentrifuge dient als Schleudergussform, in welcher das Eis Schicht für Schicht aufgebaut wird. Es kann zwischen unterschiedlichen Kuvertüren, Infills und Eissorten ausgewählt werden.

In der vorgekühlten Silikonform erstarrt geschmolzenes Karamell und Schokolade in der Rotationsbewegung. Daraufhin wird ein Eiskern mit Stiel eingefügt, welcher sich mit den äußeren Schichten verbindet.

Die Eisform orientiert sich an den Eigenschaften des Schleuderguss-Verfahrens, welche paraboloide Körper begünstigt. Die dreidimensionale Oberfläche erzeugt eine heterogene Materialstärke der ersten Schicht und verstärkt das taktile Erlebnis.

SpinCuisine is an ice cream manufactory in which a vertical centrifugal casting process is used to produce popsicles.

In an open end process, experimental methods were used to explore the shaping potentials of centrifugal force. The findings helped to develop a performative ice making method. A vertically rotating centrifuge serves as a casting mould in which the ice is built up layer by layer. You can choose between different types of couvertures, infills and ice cream flavours.

In the pre-cooled silicone mould, melted caramel and chocolate are solidified in a rotational movement. An ice core with a stick is then inserted. It connects with the outer layers.

The shape of the ice is based on the properties of the centrifugal casting process, which favours paraboloids. The three-dimensional surface creates a heterogeneous material thickness of the first layer and enhances the tactile experience.

 

Prozess

 

Betreuer

I. Hans, A. Heine, S. Herm

KLINE | Dennis Nguyen | 2019

 

KLINE |  Bachelorarbeit 2019

Mit den raschen Veränderungen innerhalb unseres täglichen (und nächtlichen) Arbeits- und Ruheverhaltens erkennen wir, dass unsere objekthafte Umwelt immer weniger unseren neuen Lebensbedingungen nachkommen kann: So krümmen wir uns in unseren Betten über unsere Laptops oder knicken uns für ein Nickerchen über den Schreibtisch.
KLINE greift in den Raum zwischen Aktivität und Non-Aktivität und schlägt minimalistische Möbel vor, die uns in unseren neuen Arbeits- und Ruhesituationen assistieren sollen. Das Arbeiten aus dem Bett soll weniger als Stigma verstanden werden denn als Forderung nach einer veränderten objekthaften Umwelt, die unserer neuen Lebensweise besser entspricht.

With rapid shifting of working and resting situations we are finding ourselves inside an object environment decreasingly able to accomodate our new lifestyles: Slouching in our beds while responding to emails or hunched over, sleeping at the working desk.
KLINE sees the space-in-between activity and non-activity and offers minimalistic furniture that assists in establishing our newly won work and resting spaces. Working out of bed should not be seen as a dreadful situation per se, but rather as a demand for an ever so slightly change inside our usual object environment to better fit our new lifestyle.

 

Prozess

Betreuer

A. Heine, K. Busch, S. -L. Wal

Holz und Wasser | Niklas Böll | BA 2019

 

Holz und Wasser | Bachelorarbeit 2019

Die Arbeit „Holz und Wasser“ setzt sich mit der Fragestellung auseinander, wie der Werkstoff Holz in der Industrie und im Handwerk verarbeitet wird. Es untersucht die natürlichen Eigenschaften und Eigenheiten des Holzes und wie Holz auf seine Umgebung eingeht und mit Quellen, Schwinden und Verziehen reagiert. Aus dieser Fragestellung ist eine Experimentelle Möbel – und Objektreihe aus Vollholz entstanden, die sich mit der natürlichen Formgebung des Holzes auseinandersetzt und diese unterstützt. Dem Holz wird in dieser Reihe von Objekten und Möbeln die Möglichkeit gegeben, sich zu bewegen und sich natürlich zu formen und so einen Teil des Gestaltungsprozesses der Objekte und Möbel zu übernehmen.

„Holz Und Wasser“ deals with the question of how the material wood is processed in the wood  industry and in the crafts. It examines the natural characteristics and peculiarities of the wood and how wood affects its environment. From this question an experimental furniture and object series was created, which deals with the natural shape of the wood and supports it.

Prozess

Betreuer

Prof. Ineke Hans, Prof. Holger Neumann, KM Julian Ribler

Sitcom | Charlotte Marabito | BA 2019

 

Sitcom | Bachelorarbeit 2019

Die Stadt ist ein Ort der Vielfalt. Immer mehr Bürger*innen wollen bei der Stadtgestaltung mitreden und mitdiskutieren. Um ein breiteres Publikum zu gewinnen, finden Beteiligungsformate zur Stadtentwicklung oft im Freien statt. Diese Veranstaltungen brauchen sensibel gestaltete Orte, so können Strukturen in der Kommunikation gefördert werden. Im Zentrum des Zusammenkommens und Redens steht auch die Sitzgelegenheit. Je nachdem wie sie gestaltet ist, wird die Gesprächskultur beeinflusst. 

Sitcom steht für “Sit & Communicate”, denn hierum geht es. Die Rundung der Bänke macht es möglich sie zu einem Kreis zusammenzustellen – der Beginn einer jeden Gesprächsrunde. Je nach Bedarf können größere Formationen erstellt werden. Das Design von Sitcom ermöglicht flexible Sitzstrukturen für unterschiedliche Gelegenheiten, z.B. im Kontext von Workshops. Feste Formationen benötigen einen Verbinder um den Aufbau zusammenzuhalten.  Anders als herkömmliche runde Bänke ist Sitcom mobil und stapelbar. Sie ist durch die Wahl von nachhaltigen und neuen Materialien extrem witterungsbeständig und komplett recyclebar.

The City is a place of diversity. More and more citizens want to have a say in planning their urban environment. Formats of participation dealing with city planning take place outdoors in order to reach a wider audience. These events need sensitively designed places to foster a structure of communication. On the subject of getting together and communicating there is also the question of seating. According to its design, the culture of discussion can be affected.

Sitcom stands for “Sit & Communicate”, because this is what it’s all about. The round form of the benches facilitate a circular arrangement which enables discussion. Various and bigger formations can be built upon need. The design of the benches provides flexibility for use in many occasions, for example within workshops. Certain formations of the benches require use of the connectors to stabilise the desired seating structure. Compared with conventional round benches Sitcom is mobile and stackable. Through the choice of using sustainable and new materials it is extremely weather-resistant and fully recyclable.

 

Prozess

 

Betreuer

Prof. Ineke Hans, Prof. Holger Neumann, Prof. Axel Kufus

Credits

Bilder: Manuel Meinhardt

compliance | Moriel Blau | 2019

 

compliance | Bachelorarbeit 2019

Turning off the alarm clock, pulling up the window shades, pushing the button of the coffee machine, opening and locking the door, changing the gears, tapping on the keyboard, unscrewing the wine bottle, switching off the light — all are common daily routines. These routines have one common single success-enabling factor — mechanisms. These products are made possible by their incorporation.

Mechanisms are found everywhere. They are small devices with high mechanical demands.  Mechanisms that gain some or all of their motion through the deflection of their flexible members are classified as compliant mechanisms. This subcategory of mechanisms dispenses with the traditional joint-concept while relying on control over the material and its reversible deflection. Accordingly, the decisive component of these mechanisms is their geometry. This results in a dependency of form and function. The design of the compliant mechanism’s form alone decides on the type and quality of its function. Crucial to the behavior of these forms is their geometrical configuration. One continuous monolithic geometry emerges by omitting joints and rigid connections.

This reduces the number of components to only one, while simultaneously equipping it with a mono-material property.

“compliance“ is a research project in the field of flexible, one-piece mechanisms, proving that the task to be performed by the traditionally constructed mechanism can be replaced by a flexible and resistant structure —  a compliant mechanism. For this purpose, the designed and manufactured objects were constructed from a monolithic and continuous geometry.

Mechanisms with a compliant behavior often provide significant advantages, such as a reduction of components, simplified manufacturing, no assembly, less or no friction, less or no wear, no lubrication, high precision, compactness, miniaturization, light weight and lower costs.

By reducing the number of components to one, a globally distributed production, the subsequent shipment, the possible storage of individual elements before assembly and the assembly itself, is eliminated. Thus, the complex logistics of contemporary production would be eliminated, resulting in a reduction of the ecological footprint of these products.

Betreuer

Prof. Burkhard Schmitz, Prof. Holger Neumann, KM Antonia Kühne

Credits

Fotos: Adrian Escu

Familie Hempel | Marie Radke | BA 2019

 

About Chaos | Bachelorarbeit 2019

‚Familie Hempel‘ ist eine Hommage an den ‚Klamottenstuhl‘.

Dieses eine Möbelstück, worauf Kleidung abgelegt wird, die schon getragen ist aber noch nicht gewaschen werden muss. Auf den ersten Blick sieht dieser Stuhl nach absolutem Chaos aus. In Wahrheit jedoch hält er die Ordnung aufrecht. Sein einziger Makel: Man kann nicht mehr auf ihm sitzen.

Mit der Familie Hempel wird der Klamottenstuhl aus einer Grauzone geholt. Um gegen den immer größer werdenden gesellschaftlichen Ordnungszwang à la Marie Kondo anzugehen bietet die Möbelkollektion Raum um Chaotisch zu sein. 

Familie Hempel ist eine Kollektion bestehend aus vier Möbelstücken:
Einem Hocker, einem Pouf, einer Bank und einem Hochsitz, an und in denen man Kleidung unterbringen kann.

Familie Hempel is a Hommage on the classic pile of clothes on a chair. 

This Special Chair where you put clothes on which are already worn but still not ready for the washing machine. This chair looks like absolute chaos. But to be true: its pure organisation. The only problem is that you can not use it as a chair. 

Familie Hempel drags this kind of chair out of the grey area. The collection rebels against the pressure of a society which aims for a ‚Marie-Kondo-like‘ perfection. Familie Hempel provides space to be chaotic. The title is inspired by an old german saying, shouted out when somebody sees a messy room: „Bei dir sieht es ja aus wie bei Hempels unterm Sofa!“ („Your room looks like family Hempel’s place!“)

It’s a collection of 4 members:
A stool, a pouf, a bench, and a high seat, where you store clothes.

Prozess

Betreuer
Prof. Ineke Hans, Prof. Jozef Legrand, Prof. Holger Neumann

Credits
Fotos: Arda Funda