Es wirkt oft, als wäre es noch nicht gelungen die digitale Zukunft in unser aller Zuhause zu bringen, ohne ebenjene Eigenschaften, die Zuhause definieren, zu zerstören. Wenn Zuhause nach wie vor für Komfort und Sicherheit stehen soll, dann bedürfen dessen Technologien einen materiellen Wandel. 

Ceramic Touch erlaubt mit ihrer ästhetischen, beinahe skulpturalen Qualität natürlicher Bestandteil unserer Zuhause zu werden. Gleichzeitig ermöglicht sie durch unauffällige und doch definierte Berührungen alle im häuslichen Kontext sich ergebenden digitalen Interaktionen.  

Wenn wir uns die Technologien vergegenwärtigen, welche in unser häusliches Umfeld eintreten, so wird schnell deutlich, dass wir die Vorteile in Komfort und Nützlichkeit durchaus schätzen. Unsicher sind wir vielmehr gegenüber den überwachenden Eigenschaften, die mit diesen Technologien nicht ungleich einem Orwell’schen Albtraum einherkommen. Zentraler Spannungspunkt ist hier meist die Art und Weise der Interaktion mit diesen Technologien: Sprachassistenzen sind nützlich doch kann nie sicher davon ausgegangen werden, dass diese nicht heimlich weiter lauschen. Die direkte Interaktion über Smartphone oder Tablet umgeht dies, doch dessen digitale Präsenz bildet schnell eine scharfe Intrusion in unser Zuhause – einen Ort den wir zuweilen ganz bewusst frei von Displays und Ablenkungen halten möchten. 

Das Projekt Ceramic Touch ergründet hier eine Alternative. Ein konzeptionelles Fundament wird durch Materialwahl, Formgestaltung und Interaktion ausgedrückt. So führt das Hinterfragen aktueller Möglichkeiten der Interaktion mit häuslichen Technologie zum Hinterfragen dessen zentraler Steuereinheit selbst. Eine neu gedachte solche Einheit muss sich ins Zuhause eingliedern ohne einen Bruch zu erzeugen, sowohl in ästhetischer als auch konzeptioneller Natur –  nur aktiv gewollte Interaktion darf zugelassen sein, keine eigenwillige oder gar fremdgesteuerte Souveränität. Ihre Technologie muss versteckt um nicht aufdringlich zu sein und doch offensichtlich, um jeglichem Misstrauen Einhalt zu gebieten. 

Als Interaktion wurde daher die Berührung gewählt – subtil und doch definiert, unaufdringlich und doch zugänglich. Weiterhin stellt diese eine inhärent menschliche Art der Kommunikation dar – sie ist uns natürlich und erlaubt tiefe Verbundenheit. 

Ebenso wichtig ist jedoch das zu berührende Material. Dieses beeinflusst entscheidend ob die Interaktion als kühl oder warm, steril oder herzlich wahrgenommen wird. Übliche Materialien wie Kunststoffe, Metalle und Glas sind tendenziell oft der sterilen, Holz und Textilien der warmen Wahrnehmung zuzuordnen. Ein besonderes Zwischenfeld öffnen jedoch Keramiken, welche klare und zeitlose Eleganz mit einem gewaltigen kulturellen Erbe verbinden – Eigenschaften die dieses Material tief in der menschlichen Geschichte verankern. Wir interagieren mit diesem Material in natürlicher, ungezwungener Art und Weise und seine Ästhetik verbinden wir inhärent mit Attributen des Zuhause. 

Das finale Objekt ist eine Zusammenkunft des Beschriebenen. Ein skulpturales Porzellanobjekt, definiert durch klare, kristalline Flächen, einzig durchbrochen von einer konkaven Mulde, welche die Hand zum Verweilen und Erforschen der Oberfläche einlädt. Das unwissende Auge mag dieses Objekt als reinen Teil einer geschmackvollen Einrichtung wahrnehmen, doch die Bewohner dieses Zuhause kennen die Feinheiten von Berührung und Gesten, die diesem Objekt komplexe Steuerung verschiedenster häuslichen Technologien ermöglichen, von Beleuchtung über Medien, Temperatur und vielem mehr. Die Steuerung selbst bleibt dabei stets intim und nahbar, ganz im Gegensatz zu den meisten aktuellen Alternativen. 

It often seems we have not yet found a way to bring the digital future into our homes without sacrificing the very attributes of home itself. If home is supposed to mean comfort and secureness, then home technologies need a material change.

Ceramic Touch, through its aesthetic and sculptural quality offers to become a natural part of ones home living environment, while providing all necessary ways of digital home interaction through subtle yet definitive touch gestures. 

When thinking of the technologies entering our homes nowadays, it quickly becomes clear that we actually do want most of their specific conveniences and comforts, yet we are uneasy about their surveilling presence that on occasion parallels an Orwellian dystopia. The main point of contention seems to be the way we interact with these technologies. Voice assistants are useful yet you may never be sure whether they are secretly listening. Controls through a phone or tablet computer may alleviate this, yet their digital presence can become a sharp intrusion into our home environment – a place that at times we specifically want to be devoid of screens and distractions. 

The Ceramic Touch project tries to come up with an alternative through a number of ideas. At its core is a conceptual ground work, that is then expressed through materials, shape and interaction. To create a new way of interacting with our home technologies, the part we need to question is quite obviously the digital hub that is center to it all. This hub needs to blend into our home environment in both an aesthetic as well as a conceptual way – only open to actively intended interaction, not sovereign in itself. Its technology should be hidden as to not intrude, yet obvious in its functioning as to not raise unease. 

As its input, touch was therefore chosen – given it is subtle yet definitive, unobtrusive yet always accessible. Yet more importantly, touch is a core way of human communication – it comes natural to us and builds deep connection. 

Equally important however is the material forming the surface to be touched, as it informs whether this interaction is perceived as cold or warm, sterile or welcoming. Commonly used materials such as plastics, metals and glass tend to fall into the more sterile perception, while woods and textiles fall into the historically more homely one. A unique material in between however are ceramics. It combines the clear and timeless elegance that glass and metals may achieve while having a huge cultural heritage that grounds it firmly in human culture. We interact with ceramics in natural, unforced ways and its aesthetics are inherently tied to attributes we connect with home. 

The final object is therefore a culmination of the above. A sculptural piece of ceramic, defined by crystalline faces for visual clarity and a slightly slanted, concave section which invites the palm to rest on its edge, naturally exploring its shape. To the unknowing eye, it may just be a show piece displayed for its aesthetic value. Yet the people calling its surroundings home know the intricacies of subtle touches and gestures that will reveal control over the various home technologies around such as lights, media, temperature and much more. This way, the control of ones home stay private and intimate, much unlike present solutions. 

CareA ist ein Pflanzenbewässerungssystem, das sich aus Gastronomie Abfällen, wie Joghurteimern, Tomatendosen und alten Leinenbeuteln zusammenbauen lässt. Alle Materialien sind leicht aufzufinden, bei Bedarf auch austauschbar und kostenlos. Die 3D-gedruckten, verbindenden Teile aus recyceltem PLA machen aus den geupcycleten Einzelteilen ein Gesamtsystem. Die Becken aus Dosen können je nach Bedarf verlängert oder gekürzt werden, dadurch, dass sie aus mehreren Gliedern bestehen. Der einfache Aufbau, und das Weglassen von technischen Elementen, wie in anderen hydroponischen Systemen sogt für eine bessere Zugänglichkeit und vereinfacht die Wartung. CareA ist ein Open-Source-Projekt. Eine Bauanleitung, ein Herbarium und alle 3D Modelle können heruntergeladen werden. Die Gemeinschaft der Nutzer soll in den Designprozess inkludiert werden, so kann sich in Foren ausgetauscht werden und das Herbarium wachsen, Tools überdacht und weiterentwickelt werden. Das System wurde konzipiert, um eine Art Haushaltsapotheke, bestückt mit regionalen Wildkräutern, bei sich in der WG, im Gemeinschaftsgarten oder in der Einzimmer Wohnung anzulegen. Fast verloren gegangenes Volkswissen aus Kloster Heilgärten soll wieder aufgelebt werden, und das Bewusstsein über den eigenen Körper und die uns umgebende Natur soll in unseren Alltag integriert werden. Das System ist wassersparend, da das Wasser zirkuliert und mit Nährstoffen versetzt wird und so bis zu einem Monat im Umlauf bleiben kann. Ich habe Prinzipien der Permakultur angewandt, so dienen Haushaltsabfälle oder organische Abfälle als Dünger und die Pflanzen können, durch die langen Becken, gegenseitig positiv bedingend angebaut werden. 

CareA soll nicht die Pharmazie ersetzten, sondern eher ein Bewusstsein, über Ernährung und Fürsorge schaffen. In dem man mehr über Inhaltsstoffe in uns umgebenden Pflanzen lernt, die unsere Gesundheit positiv beeinflussen. Der Ansatz ist es, einen Kreislauf im eignen Haushalt entstehen zu lassen. Haushaltsabfälle, wie Gemüseverschnitt im Bokashi oder fermentiertes Urin, dienen als Dünger und aus den angelegten Kräutern können Tees, Salate oder Salben hergestellt werden, die wieder Auswirkung auf unseren Körper nehmen. Bei dem ganzen Prozess entstehen, so wenig Abfallprodukte wie möglich und verschaffen dem Nutzer gleichzeitig Autonomie. 

CareA is a plant watering system that can be assembled from catering waste such as yoghurt buckets, tomato cans and old canvas bags. All materials are easy to find, replaceable if needed and free of charge. The 3D-printed, connecting parts made of recycled PLA turn the upcycled individual parts into a complete system. The basins made of cans can be lengthened or shortened as needed, thanks to the fact that they consist of several links. The simple construction and the absence of technical elements, as in other hydroponic systems, ensures better accessibility and simplifies maintenance. CareA is an open source project. A construction manual, a herbarium and all 3D models can be downloaded. The community of users is to be included in the design process, so they can exchange ideas in forums and the herbarium can grow, tools can be reconsidered and further developed. The system was designed to create a kind of household pharmacy, stocked with regional wild herbs, in a shared flat, in a communal garden or in a one-room flat. Almost lost folk knowledge from monastery healing gardens is to be revived, and awareness of our own body and the nature surrounding us is to be integrated into our everyday life. The system is water-saving as the water is circulated and nutrient-added and can thus remain in circulation for up to a month. I have applied permaculture principles, so household or organic waste serves as fertiliser and the plants can be grown in a mutually positive way, due to the long basins. 

CareA is not meant to replace pharmacy, but rather to raise awareness about nutrition and care. By learning more about ingredients in the plants around us that positively influence our health. The approach is to create a cycle in our own household. Household waste, such as vegetable cuttings in Bokashi or fermented urine, serve as fertiliser and the herbs grown can be used to make teas, salads or ointments that have an effect on our bodies. The whole process produces as few waste products as possible and at the same time gives the user autonomy. 

LignoFlax ist eine Material und Formstudie, welche das Potenzial von Lignin und Flachsfasern als Verbundwerkstoff untersucht.

Lignin ist ein natürliches Biopolymer, welches sich in Pflanzen und Bäumen wiederfindet. Es fungiert als Kleber, um die einzelnen Zellwände zusammenzuhalten.In jedem Holz oder jeder verholzenden Pflanze kommt ein Anteil von 30 % Lignin vor. Lignin ist eine Ressource, die jedes Jahr um 20 Milliarden Tonnen nachwächst.

Neben seiner hohen natürlichen Verfügbarkeit fällt Lignin zusätzlich in einer weltweiten Höhe von insgesamt 50 Millionen Tonnen pro Jahr als Abfallprodukt bei der Papierherstellung an.

Mischt man Lignin mit Naturharzen, natürlichen Fettsäuren, Cellulose, biologischen Additiven und natürlichen Verstärkungsfasern, so erhält man einen unter Temperatur- und Druckerhöhung verarbeitungsfähigen biologischen Kunststoff.

Das ARBOBLEND® des süddeutschen Hersteller Tecnaro GmbH ist ein Thermoplast, welcher auf industrielle Kunststoffverarbeitung hin konzipiert und optimiert wurde. Der Werkstoff ist zu 100 % bio-basiert und biologisch abbaubar.

Der Flachs oder auch Lein genannt ist eine historische Kultur Pflanze. Leinpflanzen bevorzugen vor allem ein maritimes Klima, deshalb gedeihen sie am besten im Küstenbereich, wie etwa in Nordfrankreich, Belgien und den Niederlanden. Flachs ist eine zwei Nutzungspflanze. Die Samen werden zu Öl und die Fasern zu Textilien verarbeitet. Der Flachs ist unkompliziert im Anbau, braucht keine Fungizide, Insektizide oder Wachstumsregler. Mit keiner Getreide Art verwandt, eignet er sich bestens zur Auflockerung der Frucht Folge. Die weltweite Leinernte beträgt etwa 2 Millionen Tonnen und macht damit 2 % des weltweiten Faseraufkommens aus.

Die Bcomp ampliTex® Serie steht für eine zukunftsweisende Technologie, die Flachsfasern in modernste Verbundwerkstoff-Produkte integriert. Dabei greift das Schweizer Unternehmen auf den regionalen europäischen Flachs zurück. Dabei sorgen die non-crimp Flachsfasergelege für höchste Stabilität und stellen leistungsstarke Naturfaserverbundwerkstoffe dar. Das Sortiment an technischen Geweben umfasst verschiedene Web Arten, biaxial, Twill und UDs – optimiert für leichte Verstärkung.

LignoFlax is a material and shape study investigating the potential of lignin and flax fibers as a composite material.

Lignin is a natural biopolymer based in plants and trees. It acts as a glue to bind the individual cell walls together. In any wood or lignifying plant, 30% lignin is present. Lignin is a resource that grows back by 20 billion tons every year.

In addition to its high natural availability, lignin is also produced worldwide as a waste product in paper production, amounting to a total of 50 million tons per year.

If lignin is mixed with natural resins, natural fatty acids, cellulose, biological additives and natural reinforcing fibers, the result is a bio-plastic that can be processed under increased temperature and pressure.

ARBOBLEND® from the southern German manufacturer Tecnaro GmbH is a thermoplastic that has been designed and optimized for industrial plastics processing. The material is 100% bio-based and biodegradable.

The flax or also called linen is a historical culture plant. Flax plants primarily prefer a maritime climate, so they thrive best in coastal areas, such as northern France, Belgium and the Netherlands. Flax is a two-use crop. The seeds are processed into oil and the fibers into textiles. Flax is uncomplicated to grow, needing no fungicides, insecticides, or growth regulators. Not related to any cereal species, it is best suited for loosening the fruit sequence. The global flax harvest is about 2 million tons, accounting for 2% of the world’s fiber supply.

The Bcomp ampliTex® series represents a pioneering technology that integrates flax fibers into state-of-the-art composite products. The Swiss company uses regional European flax for this purpose. In the process, the non-crimp flax fiber fabrics ensure maximum stability and represent high-performance natural fiber composites. The range of technical fabrics includes various weave types, biaxial, twill and UDs – optimized for lightweight reinforcement.

Ausflüge, Reisen, Urlaub und Ferien sind etwas, wovon wir gerne träumen. Schöne Landschaften, aufregende Städte, faszinierende historische Denkmäler. Unser Wunsch wegzugehen hat meiner Meinung nach mehr mit uns selbst zu tun als mit dem Ziel unserer Träume. Das Glück, das mit einer Reise verbunden ist, hat weniger mit dem Ort zu tun, an den wir gehen, sondern mehr mit der Erfüllung unserer Bedürfnisse und Wünsche. Durch das Reisen schulen wir unsere Vorstellungskraft und die Art und Weise, wie wir die Dinge im Allgemeinen sehen, was zweifellos eines der glücklichsten Dinge am Reisen ist. Wir nutzen den Urlaub als Flucht vor der Realität. Es bietet uns Abstand von zu Hause, unserem Alltag, unseren Routinen und stressigen Jobs und macht uns stattdessen frei und abenteuerlustig. Wir wollen etwas anderes erleben; eine andere Welt und wir sehen es als gesund und normal an, Sehnsucht nach fernen Orten zu verspüren.

Bei diesem Projekt geht es darum, von fernen Orten zu träumen und einen tiefen Drang zu haben, die Welt und all ihre Spektakel zu sehen. Die Ferne und Exotik mit eigenen Augen erleben, anstatt Geschichten zu hören, zu lesen oder Filme über ferne Orte zu schauen. Meine Motivation kommt von einer ständigen Erinnerung daran, dass es so viele Orte gibt, an die man gehen kann, verstärkt durch die Existenz von Social-Media-Plattformen wie Instagram, wo jeder die ganze Zeit überall scheint zu sein.

Was ist der nächste Hotspot, zu dem ich gehen sollte? Wie kommt es, dass ich nie in dieses Museum gegangen bin? Welches der 10 schönsten Cafés dieser Stadt darf ich nicht verpassen? Scheiße, habe ich vergessen, die atemberaubende Aussicht zu teilen, die ich heute Morgen auf diesem Berggipfel hatte?

Die Agency of Unseen Sights wurde gegründet und ihr Zweck ist es zu erforschen, wie Orte behandelt werden, wenn sie mit Objekten markiert sind, die darauf hinweisen, dass es etwas zu sehen gibt. Ich wollte verstehen und sehen, ob die Politik von Objekten vermitteln kann, wie sie verwendet werden sollten und welche Ergebnisse die Verwendung dieser Objekte haben wird. Wird der Betrachter/Benutzer ein tieferes Verständnis für den Akt des Sehens und Besichtigens haben? Wird der neu kontextualisierte Ort, an dem meine Objekte platziert werden, als Sehenswürdigkeit gelesen/gesehen?

Mit Agency of Unseen Sights möchte ich nicht unbedingt positive oder negative Seiten des Sightseeings vermitteln, aber der Zweck ist, dass die Menschen den Akt des Sehens hinterfragen, sich Gedanken darüber machen, wie unsere Augen und Ansichten mit Objekten gelenkt und markiert werden, wie unsere Sehenswürdigkeiten vermarktet werden. Was wollen sie uns zeigen? Vielleicht sogar darüber nachzudenken, ob Ihre eigenen Augen darauf trainiert sind, nach ‘sehenswürdiges’ zu suchen, oder ob alles zu einem Spektakel werden kann, wenn Sie erkennen, dass Sie derjenige sein können, der entscheidet, was Sie sehen möchten. Oder nicht.

Agency for Unseen Sights ist eine neu gegründete fiktive Agentur, die Infrastruktur bereitstellt, um jeden Ort in eine Sehenswürdigkeit zu verwandeln. Mit Objekten aus dem Katalog der Agentur lassen sich Orte, die auf den ersten Blick nicht besonders erscheinen, in Must-sees verwandeln.

Die Agency for Unseen Sights bietet die Möglichkeit, unsichtbare „Sehenswürdigkeiten“ sichtbar zu machen und hinterfragt kritisch die Art und Weise, wie wir für neue Perspektiven und Erfahrungen in die Ferne reisen, und die Gründe, warum wir uns an bestimmte Orte begeben, um sie zu betrachten. Kann man überall schöne Ausblicke genießen? Ist es der Ort, der interessant genug sein muss, um Aufmerksamkeit zu erregen, oder sind es die Umstände? Können mit Hilfe von Infrastruktur, Artefakten, Schildern oder Markierungen interessante Sehenswürdigkeiten geschaffen werden, die uns daran erinnern, dass wir hinschauen müssen, dass etwas passieren muss, das es zu beachten gilt?

Trips, travel, holiday and vacation are something we like to daydream about. Beautiful landscapes, exciting cities, fascinating historical monuments. In my opinion, our wish to go away has more to do with ourselves than the destination of our dreams. The happiness connected to a trip has less to do with the place where we are going, but more with fulfilling our needs and desires. Through travelling we train our imagination and the way we see things in general, which is undoubtedly one of the most fortune things about travel. We use vacations as an escape from reality. It offers us distance from home, our everyday lives, our routines and stressful jobs and instead make us feel free and adventurous. We want to experience something else; a different world and we see it as healthy and normal to feel a longing for distant places.

This project is about dreaming of distant places, having a deep urge to see the world and all its spectacles. experiencing the far away and exotic with own eyes instead of hearing stories, reading or watching movies about far away places. My motivation comes from a constant reminder that there are so many places to go, strengthened by the existence of social media platforms like Instagram, where everyone seems to be everywhere all the time. 

What is the next hot spot I should go to? How come I never went to this museum before? Which cafe of the 10 nicest cafes in this city can’t I miss? Shit, did I forget to share the amazing view I had on this mountaintop this morning? 

Agency of Unseen Sights was born and it’s purpose is to research how places are being treated when they are marked with objects that indicate that there is something to be seen. I was driven to understand and see if the politics of objects can communicate how they should be used and what outcome the usage of these objects will have. Will the viewer/user have a deeper understanding of the act of seeing and sightseeing? Will the newly contextualized place where my objects are put in be read/seen as a sight? With Agency of Unseen Sights I do not necessarily aim to communicate positive or negative sides about sightseeing, but the purpose is for people to question the act of seeing, to have a second thought about how our eyes and views are guided and marked with objects, how our sights are being marketed. What do they want us to see? Maybe to even think about if your own set of eyes are trained to be looking for spectacles, or if everything can turn into a spectacle once you realize you can be the one to decide what to look at. Or not.

Agency for Unseen Sights is a newly founded fictional agency that provides infrastructure to turn any place into a place of interest. With objects from the agency’s catalogue, places that at first-hand don’t seem special can be transformed into must-sees. 

The Agency for Unseen Sights offers the possibility to make invisible ‘sights’ visible and critically questions the way we travel far for new perspectives and experiences and the reasons we are going to specific places to gaze. Can scenic views be enjoyed anywhere? Is it the place that needs to be interesting enough to draw attention or is it the circumstances? Can interesting sights be created with the help of infrastructure, artefacts, signs or markers that reminds us that we have to have a look, that there must be something going one which should be observed? 

Das Projekt Whole Earth ist eine einzigartige Plattform für Notfallmaßnahmen, die einen Dialog zwischen Designern, Herstellern und den Menschen vor Ort ermöglicht.
Ausgehend von der unabhängigen Produktion von Gesichtsschutzschilden und anderen medizinischen Hilfsmitteln wie PSA zu Beginn der Covid-19-Pandemie befasst sich das Projekt Whole Earth mit der Analyse, Konsolidierung und Schaffung von Netzwerken, die der Idee „Think Global, Make Local“ gewidmet sind. Es verfolgt den Ansatz eines dezentralen Produktionssystems mit Open-Source-Ideen, die weltweit geteilt werden. Das Konzept von Open Source und gemeinsamen kreativen Lizenzen ermöglicht es, Produkte als digitale Daten über das Internet zu teilen und nach Bedarf vor Ort selbst zu produzieren. Dies ist eng, aber nicht ausschließlich mit digitalen Fertigungswerkzeugen wie CNC, 3D-Druckern, Lasercuttern und vielen anderen verbunden, die meist in Makerspaces und in Privathaushalten zu finden sind. Daraus ergibt sich die Möglichkeit, dass nicht nur ein oder wenige Akteure, sondern ein globaler Prozess entstehen kann, an dem verschiedene Menschen mit unterschiedlichen Hintergründen arbeiten. Das Projekt Whole Earth plant, diesen Ansatz bei der Bewältigung von Krisen – humanitärer oder ökologischer Art – in die Praxis umzusetzen.
Das Projekt bietet kurz-, mittel- und langfristige Unterstützung für Krisen, indem es bestehende Netzwerke und Makerspaces in der Nähe und rund um den Globus nutzt. Das Projekt entwickelt Werkzeuge und eine Plattform, die für eine fruchtbare Zusammenarbeit erforderlich ist.

Es geht von diesen drei Fragen aus:

Wo ist das Problem und was ist bereits vorhanden? Wir beginnen damit, das Thema zu recherchieren, mit lokalen und globalen Experten zu sprechen, zu verstehen, was gebraucht wird, herauszufinden, welche Lösungen bereits vorhanden sind, auf denen man aufbauen kann, und vor allem, ob eine Produktlösung machbar ist.

Was können wir tun? Wir entwickeln Ideen auf der Grundlage unserer Recherchen: entweder neue Ansätze oder den Ausbau bestehender Ansätze.

Wie können wir es herstellen? Für jede Lösung gibt es mehrere Produktionsmöglichkeiten; es ist wichtig, die effizienteste, nachhaltigste und anpassungsfähigste zu finden. Dieser Prozess kann das nötige Potenzial schaffen, um schnell auf Krisen zu reagieren. Wir schaffen ein dezentrales Produktionssystem, das je nach Bedarf lokal produzieren kann.

Ziel ist es, durch Öffentlichkeitsarbeit und einen Open-Source-Community-Ansatz ein globales Netzwerk von Gleichgesinnten aufzubauen. Eine Plattform wie diese kann der Beginn eines neuen Denkens sein, angefangen bei Krisen, bei dringenden Bedürfnissen bis hin zu Antworten auf die Probleme unseres Alltagslebens. Nur gemeinsam können wir eine Veränderung bewirken.

The Whole Earth project is a unique emergency response platform that facilitates a dialogue between designers, makers, and people working on the ground.
From the starting point of the independent production of face shields and other medical aids, like PPE, during the beginning of the Covid-19 pandemic, the Whole Earth project deals with the analysis, consolidation, and creation of networks dedicated to the idea of Think Global, Make Local. It follows the approach of a decentralised production system, with open-source ideas that are shared globally. The concept of open source and common creative licences allow products to be shared as digital data via the internet and independently produced on-site following a demand. This ties it closely, but not exclusively to digital fabrication tools, like CNC, 3D printers, laser cutters, and many more – mostly found in maker spaces and in homes.

This results in the possibility that not only one or a few actors but a global process can emerge, in which various people with different backgrounds work. The Whole Earth project plans to put this approach into practice in the context of responding to crises – humanitarian or environmental.
The project offers support for crises in the short, medium and long term using existing networks and maker spaces in the vicinity and all around the globe. The project develops tools and a platform, which is needed for fruitful cooperation.

It follows these three questions:

Where is the problem and what is already there? We start with researching the topic, talking to local and global experts, understanding what is needed, discovering what solutions are already available to build on and most importantly if a product solution is viable.

What can we do? We develop ideas based on our research: either new approaches or building on existing ones.

How can we make it? Each solution has several ways of production; it is relevant to discover the most efficient, sustainable, and adaptable. This process can give rise to the potential needed to react quickly to crises. We create a decentralised production system that can produce locally as required.

The aim is to build a global network of like-minded people through public relations and an open-source community approach. A platform like this can be the beginning of a new way of thinking, starting with crises, with urgent needs, and up to answers to the problems of our everyday life. Only together we can make a change.

The MISFIT (in us) ist einen Geschichte über den ersten Eindruck. Sie widmet sich dem Eingangsbereich unseres Zuhauses. Diese wenigen Quadratmeter sind Zeugen unserer täglichen Abreisen und Ankünfte die von einer Vielzahl an Stimmungen und Bedeutungen begleitet werden. Es ist die Übergangszone zwischen Innen und Aussenwelt. Sie steht für Sicherheit und Geborgenheit, ein Ort wo wir uns nach einem langen Tag fallen lassen können, aber auch für einen Bereich der unangenehme Stille und die Empfindung von Einsamkeit auslösen kann, wenn die Tür erst einmal hinter uns ins Schloß gefallen ist. Neben diesen Eigenschaften übermitteln wir der Welt durch diese besondere Zone, den ersten Eindruck von unserer Wohnung . 

Um die Routinen und Handlungen die mit dem Betreten und Verlassen des Zuhauses einhergehen besser organisieren zu können, wurden mannigfaltigste Garderoben und Ordnungssysteme entwickelt. Aber um ehrlich zu sein: Egal wie sehr wir uns bemühen und welche gut durchdachten Garderobensysteme wir installieren, Dinge sammeln sich an!!!

Es gibt immer Gegenstände, die sich zu weigern scheinen in den bestehenden Systemen einen Platz einzunehmen. Entweder gebrauchen wir sie zu unregelmäßig, wie etwa Regenkleidung oder Kleiderbürsten oder das Leben selbst spült sie herein, wie zum Beispiel Sandspielsachen und die  berüchtigte Stocksammlung des Nachwuchses.
Es scheint fast so, als führten die Dinge ein Eigenleben. Sie trachten nach unserer Aufmerksamkeit, sie geben uns Hinweise über unsere bewussten wie auch unbewussten Handlungen. Und ob wir uns nun dessen gewahr sind oder nicht, wir sind mit ihnen verbunden. Wir teilen eine Geschichte. Die Dinge könnten anfangen zu sprechen. Lernen wir, ihnen zuzuhören!…

Der Entwurf : Auf Grundlage eingehender rezeptiv-projektiver Dialoge mit diversen kategoriesträubenden Gegenständen die den heimischen Flur dafür umso hartnäckiger zu bevölkern scheinen, entstanden  drei skulpturale Objekte mit Nutzungsangeboten, die als eigenwillige Wohnungen dieser Alltagsgegenstände verstanden werden können. In  The MISFIT (in us ) geht es nicht primär darum eine praktikable und funktionalen Lösung, im Sinne des Wortes „(los)-lösen“ zu finden!

Vielmehr stand im Vordergrund eine (Rück)-Verbindung, zu diesen Objekten zu schaffen, die auf Grund ihrer zweckerfüllenden schlichten und gewöhnlichen Charakteristik nicht zum Kult oder gar Fetischobjekt taugen und bei kleinsten Mängeln oder Überdruss drohen, leichtfertig gegen eine neuere Ausgabe eingetauscht zu werden. Der Titel MISFIT (in us) deutet auf ein Wechselspiel hin: Der Name MISFIT steht sowohl für die Unangepasstheit des Gegenstandes, wie auch für das Unangepasste, Chaosstiftende, Unbewusste, Imperfekte in uns, das sich unserer Konrolle entzieht und das wir meist vor anderen zu verstecken versuchen. Diese Arbeit darf als Einladung verstanden werden sich diesem Phänomen liebevoll mit einem Augenzwinkern zu widmen und sich die Frage zu stellen, wie ein ganz individueller MISFIT im eigen Zuhause aussehen könnte?

The MISFIT (in us) is a tale of a first impression. It addresses the entrance area of our home. These few square meters witness or daily departures and arrivals which are connected to a variation of moods and meanings. It´s the transmission zone between private space and outside world It stands for comfort and saftyness where we can let go after a long busy day, but also for a location where we can experience uneasy silence and lonelyness once the door locks behind us… Besides these facts it´s the first impression of our home which we display to the world.
To organize the routines and actions which come with entering and leaving the flat we have developed manifold   coatracks and shelfing systems. But to speak the truth: No matter how hard we try and no matter which coat rack we pick, stuff happens!!!

There are always some items which refuse to fit into categories, either because we don´t need them regularly enough, like für example raingear and clothes brushes, or because life itself floods them in the entrance zone like sandbox toys  or the famous  wood stick collection of the offspring. It seems like the objects have a life of their own. They demand our attention, give us hints  about our conscious but also non aware routines. And no matter if we are aware of it or not, we are connected to them. We share a story! The things might start speaking. Let´s learn to listen!…

The project: On base of detailed receptive and projective dialogs with differenet category restisting items, which seem to be even more persistent when it comes to inhabiting the hallway at home, resulted three sculptural objects with offers to use. They can be interpreted as extraordinary habitations for these daily objects. The main focus in The MISFIT (in us) was not to find a practical and functional solution in the meaning of  „getting detached“  or „getting rid“ of  something! The focus was more on finding a (re)-connection to these items, which are due to their plain, common and purposeful character not that suitable to stand for cult or fetish objects. Rather they are threatend to be replaced easily, once they show their first defects or one gets tired of them.

The title MISFIT (in us) indicates an interplay: The name stands for the not fitting item as it does for the not fitting, chaos-making, unconcious, imperfekt parts in ourselves. These parts  tend to slip out of our control and  we often try to hide them from others. This work is an invitation to devote ourselves to this phenomenon with a wink of an eye and in a caring manner. It comes with the question: How would your individual MISFIT look like in your home?

Convivio ist ein räumlicher und metaphorischer Raum, welcher dem geselligen Miteinander und dem geselligen Speisen gewidmet ist. Die Wurzel des Wortes Convivio bedeutet “Zusammenleben”, “Teilen von Lebenserfahrung” und erinnert gleichermaßen an den mit Essen gedeckten Tisch (Lat. Convivium). In diesem Begriff verdichtet sich die Essenz meiner Analyse und die darauf folgende Entwicklung meines Projekts: Die Definition eines Ortes, der dem Teilen gewidmet ist und der ein Katalysator für Geselligkeit sein soll.

Es handelt sich um eine räumliche Intervention in Form einer höhenverstellbaren Kuppel, welche an der Decke hängt und über dem Tisch die Speisende schwebt. Diese zieht durch ihre architektonische Präsenz eine räumliche und konzeptuelle Linie um der Tafel. Unabhängig von dem räumlichen Kontext, in dem sie positioniert wird, stellt Convivio eine Einladung dar sich am Tisch niederzulassen und steht für die Absicht, sich Zeit für das gemeinsame, gesellige Speisen zu nehmen, welches in unserem Alltag ein sehr wichtiger Akt ist.

Dank eines Gegengewichts, das in der Mitte der Kuppel hängt, kann sie vom Benutzer, der unter ihr sitzt, auf der vertikalen Achse bewegt werden. Das Anheben und Absenken der Kuppel versetzt den Benutzer an einen Raum im Raum und ermöglicht ihm, den Grad der Intimität selbst zu bestimmen. Convivio dient auch als sensorischer (Appetit-) Anreger: Die Sicht nach außen wird durch die Kuppel eingeschränkt, damit es zu keiner visuellen Ablenkung kommt und die Konzentration auf das Geschehen im Innenraum und auf die Gäste fokussiert bleiben kann. So bekommen die übrigen Sinne die Möglichkeit sich zu entfalten. 

Die Körbe, in denen die Speisen auf speziell angefertigte Teller gelegt werden, stehen symbolisch für die Mahlzeit und dienen als dekorative Elemente, die mit ihrer besonderen Form und den leuchtenden Farben dazu beitragen, eine einladende Atmosphäre zu schaffen. Diese Körbe haben Öffnungen, die den Duft der darin befindlichen Mahlzeit freisetzen, so erst die Neugierde wecken und dann zum langsamen Essen verleiten. Convivio lässt sich von der Architektur der Nomadenzelte inspirieren, insbesondere das subsaharische Beja-Zelt, den angestammten Behausungen, die unsere Spezies seit jeher bewohnt hat und dessen Umgebung uns instinktiv ein Gefühl von Schutz und Häuslichkeit vermittelt. 

Convivio stellt eine Weltanschauung dar und ist eine Hommage an der Konvivialität.

Convivio is a physical and metaphorical space dedicated to convivial togetherness and convivial dining. The root of the word convivio means „living together“, „sharing life experience“ and is equally reminiscent of the table set with food (Lat. convivium). This term condenses the essence of my analysis and the subsequent development of my project: the definition of a place dedicated to sharing meals and intended to be a catalyst for conviviality.

It is a spatial intervention in the form of a height-adjustable cupola that hangs from the roof above the dining table. Through its architectural presence, the cupola draws a conceptual line around the table. Regardless of the spatial context in which it is positioned, Convivio represents an invitation to take a seat together and stands for the intention to take time for shared, convivial dining, which is a very important act in our everyday lives. Thanks to a counterweight hanging in the middle of the cupola, it can be moved along the vertical axis by the user sitting underneath it. By raising and lowering the cupola the users are transported to a space within a space and they are able to determine the degree of intimacy themselves. 

Convivio also amplifies the sensory aspect of the shared meal: the view to the outside is restricted by the cupola so that the concentration can remain focused on the inside, on the guests and on the meal. This gives the other senses the opportunity to unfold, enhancing the experience of sharing and conviviality. Colorful and variously shaped baskets are placed on the table: food is served in these baskets, and they  contribute to create an inviting and cozy atmosphere. Through special openings at the top of these baskets, the scent of the food is released and slowly spreads around the room. 

Convivio draws inspiration from the architecture of nomadic tents, particularly of the sub-Saharan Beja tent. These tents are the ancestral homes that our species has inhabited since earliest times and their environment instinctively gives us a sense of shelter and domesticity. For this reason, a low table with floor seating was also designed for it. 

Convivio represents a worldview and is a tribute to conviviality.

Mit PlanA wird die Interaktion mit den uns lieb gewonnenen Objekten am Leben gehalten. Die Objekte stehen nicht nur im Raum und bekommen einmalig ihren festen Platz zugewiesen, sie treten auch für uns selber neu in Erscheinung. PlanA lädt dazu ein, damit zu spielen, wie die Objekte präsentiert oder kaschiert werden können. Es wird kein definierter Zustand von geschlossen oder geöffnet erzeugt, sondern ein fließender Übergang entsteht. Das Regalsystem präsentiert, je nach Perspektive, verschiedene Inhalte. Die Objekte können mit den unterschiedlichen Farbpaneele aus recyceltem Acrylglas unterschiedlich hervorgehoben. Mit den Podesten, die auf den gleichen Schienen wie die Farbpaneele laufen, können Objekte noch zusätzlich hervorgehoben werden. Durch das statisch architektonische Erscheinungsbild der Konstruktion und die Farbauswahl der Arcylglas-Paneele, die zu einem farbenfrohen Lichtspiel führen, entstehen Kontraste, die eine Spannung und zugleich Harmonie erzeugen.

PlanA hat eine enorm hohe Variabilität, es kann als Raumtrenner, da es von beiden Seiten “bespielt“ werden kann, als Bücherregal oder als Regal für die Lieblingsobjekte funktionieren, sowohl im privaten Bereich als auch in einer Office-Situation. Die Beine von PlanA sind so gestaltet, dass die Farbpaneelen durch sie hindurchgeschoben werden können, sie sind also nicht wie bei vielen anderen Regalsystemen die limitierende Instanz. PlanA lädt dazu, ein, die Objekte wieder häufiger in die Hand zu nehmen und mit ihnen zu interagieren. Die Objekte stehen nicht mehr einfach in einer Vitrine, sondern können immer wieder neu in Szene gesetzt, oder auch je nach Belieben eher kaschiert werden.

Farben sind enorm wichtige Informationsträger und daher aus unserer Welt der Kommunikation kaum noch wegzudenken. Farben können helfen besser zu differenzieren, Dinge zu verdeutlichen, aber sie können auch Emotionsträger sein. Dieser Umstand wird besonders deutlich, wenn man sich vor Augen führt, dass wir etwa zweihundert Grautöne voneinander unterscheiden können, aber ungefähr 16 Millionen unterschiedlicher Farbtöne. Das recycelte Acrylglas, bietet sehr viele Möglichkeiten, um mit den Objekten, die präsentiert werden sollen, auf unterschiedlichste Weise interagieren zu können. Wenn ein Objekt vor einer der Scheiben steht, kommt es deutlich anders zur Geltung als wenn es vor einer weißen Fläche steht. Werden zwei unterschiedliche Farben, durch das Verschieben der Farbpaneele, übereinander gelagert, können Objekte dahinter komplett verschwinden. Ziel der Farbauswahl war, Farben zu wählen, die eine Strahlkraft haben und zum Spielen einladen, allerdings die Aufmerksamkeit nicht zu sehr auf sich ziehen und den zu präsentieren den Objekten noch genügend Raum zum Atmen geben. Außerdem war es wichtig, dass das Acrylglas zu 100 % recycelt und auch weiterhin recycelbar ist. Daher wurde für den Bau des Prototyps Acrylglas der Firma Madreperla aus der pro Produktpalette Greencast ausgesucht, mit den Farbtönen: Greencast 71059 grün 3 mm, Greencast 71231 lila 3 mm, und Greencast 71112 fluor gelb 3 mm.

With PlanA, the interaction with the objects we love is kept alive. The objects not only stand in the room and are assigned their fixed place once, the objects always have a different appearance to us. PlanA invites you to play with how the objects can be presented or concealed. There is no defined state of closed or open, but a smooth transition is created. Depending on the perspective, the shelving system presents different objects. The objects can be highlighted differently with the different coloured panels made of recycled acrylic glass. With the pedestals, which run on the same rails as the color panels, objects can be additionally highlighted. The static architectural appearance of the construction and the color selection of the acrylic glass panels, which lead to a colorful play of light, create contrasts that create tension and harmony at the same time.

PlanA has an enormously high variability, it can function as a room divider, since it can be „played on“ from both sides, as a bookshelf or as a shelf for your favorite objects, both in the private area and in an office situation. PlanA’s legs are designed in such a way that the colour panels can be pushed through them, so legs are not the limiting instance as with many other shelving systems. PlanA invites you to take the objects in your hands more often and to interact with them. The objects no longer simply stand in a showcase, but can be staged again and again, or even concealed as you wish. Colours are enormously important carriers of information and it is therefore hard to imagine our world of communication without them. Colours can help to differentiate better, to make things clearer, but they can also carry emotions. This fact becomes particularly clear when you realize that we can distinguish about 200 shades of gray from each other, but about 16 million different shades of colour.

The recycled acrylic glass offers many possibilities to interact with the objects and present them in a wide variety of ways. When an object is placed in front of a coloured surface, it appears significantly different than when it is placed in front of a white surface. If two different colours are overlapped by moving the colour panels, objects behind them can disappear completely. The aim of the colour selection was to choose colours that have a radiance and invite you to play, however not draw too much attention to themself and give the objects wich is to be presented visually enough room to breathe. It was also important that the acrylic glass be 100% recyclable and continue to be recyclable. Therefore, for the construction of the prototype, acrylic glass from the company Madreperla was selected from the Greencast pro product range, with the colours: Greencast 71059 green 3 mm, Greencast 71231 purple 3 mm, and Greencast 71112 fluorescent yellow 3 mm.

Das Erforschen und experimentieren am Modell stand im Vordergrund dieser Arbeit. Die Ausgangssituation war zügig klar: CNC-Fräse, Sperrholz, Stecksystem.
Eine Schnittstelle zwischen Architektur und Design sollte dabei erarbeitet werden, wobei die Idee des Bausteins im Mittelpunkt stand. Dieser Jahrtausende alte
Begleiter der Menschen manifestierte sich in vielen Formen und Materialien. Mein Ziel war es eine neue Antwort zu präsentieren, die sich den aktuellen Themenschwerpunkten
und Möglichkeiten bedient. Aus Holz, dem nachhaltig nachwachsenden Rohstoff, können stabile und standardisierte Werkstoffe wie Sperrholz hergestellt werden, aus
denen, mittels CNC-gesteuerter Bearbeitung, präzise Teile in hoher Stückzahl entstehen können. Um diesen Umstand attraktiv und erlebbar zu machen, habe ich verschiedenste
Verbindungen mit variierender Komplexität entwickelt und gefräst. Der daraus resultierende déclic-Mechanismus ist sowohl Verbindung für die Bestandteile der Bausteine, als
auch für die Bausteine untereinander. Diese können in alle Richtungen aufeinander gestapelt werden und halten als Struktur durch den hinterschnittigen Formschluss der einzelnen Elemente.

The exploration and experimenting on the model was crucial to this work. The starting point was clearly defined: CNC-mill, plywood, plug system. The connection
between design and architecture should be investigated, reguarding building block as companion for centuries in human history. The brick had many forms and materials
and my goal was to find a modern attempt with new priorities. Wood, as a regrowing resource, can be stabilised and standartised as plywood, which is perfectly suited
for cnc-machining – precise pieces in high quantity. To make this circumstance perceptible, I milled various wood connections in different complexities. The finally
emerging déclic-mechanism is simultaneously the connection of the brick components and the connection of the bricks themselves. They can be stacked in every direction
and build stable structures due to a undercutted form lock between the building blocks.

Das Projekt ‚waldwärts‘ beschäftigt sich mit der Zukunftsfähigkeit der Gesellschaft und dem komplexen System Wald. Der Wald ist das prägendste Element der deutschen Kulturlandschaft. Die Reinigung von Wasser und Luft durch den Wald ist für uns Menschen von großer Relevanz. Zudem ist er als Rohstofflieferant für den Wirtschaftssektor und somit für die Objekte und Lebensräume unseres täglichen Lebens unverzichtbar. Die klimatischen Veränderungen haben großen Einfluss auf dieses volatile System und die Schäden am Wald nehmen ein beträchtliches Ausmaß an. Durch die zunehmende Bedrohung der natürlichen Versorgungssysteme besteht dringender Handlungsbedarf.

Das Konzept der ‚waldwärts-initiative‘ vereint Naturschutz und strukturelle Nachhaltigkeit in der Produktion von Objekten. Der Verein agiert als Gemeinschaft. Wir gestalten langlebige Artefakte unter sozialen und ökologischen Aspekten. Unsere Versprechen an Gesellschaft und Natur sind für das Gemeinwohl zu wirtschaften, uns politisch in unserer Unternehmung zu positionieren und die globale Anstrengung der Abmilderung des anthropogenen Klimawandels zu verfolgen. Wir wollen andere Menschen inspirieren und streben eine Kooperation mit Gestalter*innen und holzverarbeitenden Gewerken an. Sowohl die Herkunft als auch die Produktion des Rohstoffs werden in Wertschöpfungsketten lokaler Akteur*innen stattfinden.  Das zentrale Vorhaben des Vereins ist, durch Interventionen in das forstliche System einzugreifen. Lokale Akteure sollen gefördert werden und der notwendige Waldumbau sollen durch Investitionen in Aufforstungsprojekte unterstützt werden.

Dadurch ermöglicht der Verein eine intergenerationelle Zukunftsfähigkeit unserer Gesellschaft, indem sie sich für den Fortbestand und Transformation der wirtschaftlichen, gesellschaftlichen und natürlichen Systeme einsetzt. Die Möbelserie ‚picus‘ ist die erste Entwurfsserie der Unternehmung des Vereins.  In ihren Grundsätzen folgt sie dem Vorhaben der Vereinsideologie und stellt eigene Themenschwerpunkte in den Mittelpunkt. Im Bezug zum Leitthema Wald und dessen systemischen Prozessen liegt dem Entwurf die Analogie der Wachstumsverhältnisse zwischen Bäumen und Menschen zugrunde und stellt deren Interpretation im Beziehungsverhältnis von Mensch und Objekt dar. Der Entwurf verfolgt das Ziel, eine Ermächtigung des Handelns durch Anpassung und Mehrfachnutzung der Objekte zu generieren. Dadurch ermöglicht sich eine Teilhabe an den Lebenshöhen Anderer und unterstützt das Erreichen, Bewältigen und Aufsteigen zu neuen Zielen. Die gestalteten Objekte sind Lebensbegleiter und auf lange Nutzbarkeit ausgelegt und stellen sich als hilfsbereites Objekt in den Mittelpunkt der Mensch-Objekt Beziehung.

The ‚waldwärts‘ project deals with the sustainability of society and the complex forest system. The forest is the most characteristic element of the German cultural landscape. The purification of water and air by the forest is of great relevance for us humans. In addition, it is indispensable as a supplier of raw materials for the economic sector and thus for the objects and habitats of our daily lives. Climatic changes have a major impact on this volatile system and damage to the forest is assuming considerable proportions. Due to the increasing threat to the natural supply systems, there is an urgent need for action.

The concept of the ‚waldwärts initiative‘ combines nature conservation and structural sustainability in the production of objects. The association acts as a community.
We design long-lasting artifacts under social and ecological aspects. Our promises to society and nature are to operate for the common good, to position ourselves politically in our enterprise, and to pursue the global effort of mitigating anthropogenic climate change. We want to inspire others and strive for cooperation with designers and woodworking trades. Both the origin and the production of the raw material will take place in value chains of local actors.  The central intention of the association is to intervene in the forestry system. Local actors should be supported and the necessary forest conversion will be driven by investing in reforestation projects. 

With these concepts in mind, the association will contribute to an intergenerational viability of our society by advocating for the continuation and transformation of economic, social and natural systems. The furniture series ‚picus‘ is the first design series of the association’s.  In its principles it follows the intention of the association’s ideology and focuses on its own thematic priorities. In relation to the central theme of the forest and its systemic processes, the design is based on the analogy of the growth relationships between trees and people and represents their interpretation in the relationship between people and objects. The design pursues the goal of generating an empowerment of action through adaptation and multiple use of the objects. This enables a participation in the life heights of others and supports the reaching, mastering and ascending to new goals. The designed objects are life companions and designed for long usability and place themselves as a helpful object in the center of the human-object relationship.

Durch Klimawandel, das Schädigen der Biosphäre, Versauerung der Meere, Entwaldung, Müllverschmutzung, Vernichtung der Biodiversität und vielem mehr wird das terrestrische Leben, so wie wir es kennen, bedroht. Zum Vermeiden der Katastrophe werden in unserer zivilisierten, durch Kultur und Technologien bestimmten Welt dabei oft Natürlichkeit und Künstlichkeit miteinander verhandelt. Dabei treten wir als die künstlichen, technologisierten und kulturellen Akteure auf und betrachten die Welt um uns oft als passiv und ursprünglich. Doch sind diese Kategorien obsolet. Natur und Kultur sind vielmehr konstitutiv für einander. Daher erscheint die Frage nach ihren Berührungspunkten spannender. Wo finden die Grenzübergänge statt? Wo wirken die verschiedenen Gefüge aufeinander? Wo geschieht das gemeinsame Werden? Das Werden in Bündnissen? Wer ist mit wem infiziert und welche neuen Gefüge entstehen?

In A Thousand Seeds or the Right to Becoming wird die Ansteckung des Samens mit menschlicher Kultur , den Katastrophen, dem Verlust der Biodiversität behandelt. Durch den Affekt mit und die Faszination von menschlichen technologischen Netzwerken wurde auch er zu etwas anderen und tritt heraus aus seiner scheinbaren Passivität und zeigt seine eigene Handlungsmacht. Durch die Erweiterung seiner Wahrnehmung durch den Kontakt zur Drohne und das parasitäre Nutzen des Internets, beginnt er seine Ausbreitung zu steuern. Das Beobachten des Wetters und die Kommunikation untereinander ermöglichen Bäumen und Samen eine optimale Verbreitung, das Finden der günstigsten Standorte und das Intervenieren in ausgewählten Landschaften zum Sichern der eigenen und anderer Arten. Und kommt mit dieser Handlungsmacht auch das Recht an dieser Entwicklung und lässt sich dieses im kulturellen Netzwerk des Patentrechts sichern?

Climate change, damage to the biosphere, ocean acidification, deforestation, waste pollution, destruction of biodiversity and much more threaten terrestrial life as we know it.In order to avoid the catastrophe, naturalness and artificiality are often negotiated with each other in our civilised world determined by culture and technology. In doing so, we appear as the artificial, technologised and cultural actors and often view the world around us as passive and primal. But these categories are obsolete. Nature and culture are rather constitutive of each other. Therefore, the question of their points of contact seems more exciting. Where do the border crossings take place? Where do the different structures interact? Where does the becoming together happen? Becoming in alliances? Who is infected with whom and what new assemblages emerge?

A Thousand Seeds or the Right to Becoming deals with the infection of the seed with human culture , the catastrophes, the loss of biodiversity. Through his affectation with and fascination with human technological networks, he too became something else, stepping out of his apparent passivity and showing his own agency. By expanding his perception through contact with the drone and the parasitic use of the internet, he begins to control his dispersal. Observing the weather and communicating with each other enables trees and seeds to spread optimally, find the most favourable locations and intervene in selected landscapes to save their own and other species. And does with this agency also come the right to this development and can it be secured in the cultural network of patent law?

Das Projekt widmet sich der Lärmbelästigung in unseren Lebensräumen. Im englischen Noisepollution genannt. In den vergangen zwei Jahrzehnten gab er mehr Veröffentlichungen zu dem Thema als je zuvor, was nur einer der klaren Anzeichen für die Verbreitung des Problems und die akute Sachlage ist. Die stetig wachsenden Ballungszentren führen zu einer Intensivierung der Grundlärmbelastung. Diese Lärmbelastung betrifft jeden, aber vor allem die Menschen in den Innenstädten. Jeder kennt den Moment in dem die Sprachverständlichkeit so gering ist, dass es einiges an Konzentration fordert, dem Sprechenden zu folgen. Jedem ist das Phänomen bekannt jedoch wird die eigentlichen Auswirkungen auf Körper und Geist zu meist vernachlässigt. Genau dieser Problematik, die nur wenigen wirklich bewusst ist, widmet sich das Projekt.

Manta Array ist ein künstlerisch, -technischer Ansatz die Akustik in unseren Lebensräumen zu verbessern und so die Lärmbelastung der wir täglich ausgesetzt sind zu minimieren.

The project is dedicated to noise pollution in our habitats. In the last two decades there have been more publications on the subject than ever before, which is only one of the clear signs of the spread of the problem. The ever-growing urban centers lead to an intensification of the noise pollution levels. This noise pollution affects everyone, but especially the people living in the inner cities. Everyone knows the situation when they are listening to someone speaking and it requires quite a bit of concentration to follow the speaker. Everyone is aware of this phenomenon, but the actual effects on body and mind are usually neglected. Exactly this problem, of which only a few are really aware, is the subject of this project.

Manta Array is an artistic, -technical approach to improve the acoustics in our living spaces and thus minimize the noise pollution to which we are exposed daily.

Betrachten wir den globalen Norden als Einheit, so sehen wir derzeit den Anspruch auf den vollständigen Verbrauch aller verfügbaren Ressourcen. Dies ist nur durch die erzwungene Verknappung im globalen Süden möglich und führt so zu einer immer größeren Spaltung der Lebenswirklichkeit. Insbesondere der Zugang zu sauberem Trinkwasser ist überlebenswichtig. Die Privatisierung von Wasserressourcen und deren Verbrauch für die Produktion von Konsumgütern schafft ein absurdes Ungleichgewicht in unserer Welt. In Teilen Indiens, Afrikas und Mexikos ist es sogar billiger und vor allem sicherer, ein Softdrink zu kaufen als Wasser.

Mit meinem Entwurf „Lukullus“ gehe ich auf diesen Missstand ein. Lukullus ist ein Filter, der dazu dient, Zucker aus Flüssigkeiten herauszufiltern. Er nutzt die natürliche Eigenschaft der Hefe, die den Zucker verstoffwechselt. Der Filter besteht aus einer 3D-gedruckten Hülle, die zwei verschiedene Filterkammern enthält. An beiden Enden des Filters befinden sich Standardflaschengewinde.

Um Lukullus zu verwenden, wird zunächst der obere Teil des Filters abgeschraubt, die erste Schicht ist ein Filterpapier oder alternativ ein Standard-Wattepad. Nun wird die untere Kammer mit Aktivkohle gefüllt und mit einem weiteren Filterpapier abgedeckt. Die Hefe wird in die Softdrinkflasche gegeben und diese wird auf den Filter geschraubt. In dem Moment, in dem die Hefe auf das Getränk trifft, beginnt sie, den Zucker zu verbrauchen. Wenn die Hefe genug Zucker verbraucht hat, wird der Filter wie eine Sanduhr auf den Kopf gestellt und die Hefe wieder im Filter aufgefangen. Er kann dann für die nächste Charge wiederverwendet werden. Die Aktivkohle filtert nun die restlichen Schadstoffe aus der Flüssigkeit. Wie viel Zucker gefiltert wird, hängt von der Zeit ab, die der Hefe im Getränk gegeben wird.  Das Produkt ist als vorübergehende Lösung für den Status quo gedacht. Es kann also als Erfolg gewertet werden, wenn das Produkt in Zukunft seine Daseinsberechtigung verliert. Durch den Herstellungsprozess mit dem 3D-Drucker kann Lukullus als Open Source Konzept zur verfügung gestellt werden. Die Materialien des Filters sind zugänglich und können zu geringen Kosten erworben werden. 

If we look at the global North as a unit, we currently see the claim of the complete consumption of all available resources. This is only possible due to the enforced scarcity in the global South and thus leads to an ever-widening division of living realities. Especially access to clean drinking water is necessary for survival. The privatisation of water resources and their consumption for the production of consumer goods is creating an absurd imbalance in our world. In parts of India, Africa and Mexico, it is actually cheaper and above all safer to buy a soft drink than water.

With my design „Lukullus“, I am addressing this deplorable state of affairs. Lukullus is a filter that is used to filter sugar out of liquids. It uses the natural property of yeast, which metabolises the sugar. The filter consists of a 3D printed shell that contains two different filter chambers. Standard bottle threads are found at both ends of the filter.

To use Lukullus, first the upper part of the filter is unscrewed, the first layer is a filter paper or alternatively a standard cotton pad. Now the lower chamber is filled with activated carbon and covered with another filter paper. The yeast is put into the soft drink bottle and this is screwed onto the filter. From the moment the yeast hits the drink, it starts to consume the sugar. After the yeast has consumed enough sugar, the filter is turned upside down like an hourglass and the yeast is collected in the filter again. It can then be reused for the next batch. The activated carbon now filters the remaining pollutants out of the liquid. How much sugar is filtered is determined by the time given to the yeast in the drink. The product is meant to be a temporary way to deal with the status quo. So it can be considered a success if the product loses its reason to exist in the future. Through the manufacturing process with the 3D printer, Lukullus can be made available as an open source concept. The filter’s materials are accessible and can be purchased at low cost. 

Wie können wir Lebensmittelverschwendung verhindern? 

Die EU-Gesetzgebung besagt, dass die meisten verpackten Lebensmittel mit „Verfalls-“ oder „Mindesthaltbarkeitsdaten“ gekennzeichnet sein müssen. Diese Angaben sind hilfreich und wichtig, doch besonders das Mindesthaltbarkeitsdatum wird oft falsch interpretiert und kann zur Verschwendung von Lebensmitteln führen. 

„Vorkoster“ ist ein Deckel, der den Verfall von Lebensmitteln sichtbar macht. In seiner Mitte befindet sich eine PH-sensitive Folie, die auf das Verderben von proteinhaltigen Lebensmitteln mit einem Farbwechsel reagiert. So entsteht ein Objekt, das uns unaufdringlich und analog daran erinnert, Lebensmittel zu konsumieren, bevor es zu spät ist. Der „Vorkoster“ soll eine Alternative zum standardisierten Verfallsdatum bieten und Hilfestellung für eine unverpackte Zukunft sein.

Das Projekt wurde als Open Source Konzept entworfen, daher lag der Fokus auf der Zugänglichkeit der verarbeiteten Materialien und Herstellungsprozesse. Der Deckel ist als 3D Druck Objekt angelegt und ist daher in seiner Materialität flexibel. Die PH-Folie wurde aus Algen hergestellt und funktioniert mit einem selbst gewonnen natürlichen Indikator Farbstoff. Seine Form ist eine Hommage an den umgedrehten Teller, der gerne zweckentfremdet zur Bedeckung von Essen genutzt wird. 

„Vorkoster“ basiert auf dem Gedanken, sich unabhängig von Vorgaben großer Industrien zu machen. Der Versuch, festgesetzt erscheinende Prozesse zu Demokratisieren.

How can we prevent food waste? 

EU legislation states that most packaged food must be labelled with “ expiration“ or „best before“ dates. This information is helpful and important, but the best-before date in particular is often misinterpreted and can lead to unnecessary food waste. 

„Vorkoster“ is a lid that makes the expiry of food visible. In its centre is a pH-sensitive foil that reacts to the spoilage of protein-containing foods with a change of colour. This creates an object that reminds us in an unobtrusive and analogue way to consume food before it is too late. The „Vorkoster“ is intended to offer an alternative to the standardised expiry date and to provide assistance for an unpackaged future.

The project was developed as an open source concept, focusing on the accessibility of the used materials and manufacturing processes. The lid is designed as a 3D printed object and is therefore flexible in its materiality. The pH foil was made from algae and works with a self-generated natural indicator dye. The shape is an homage to the upside-down plate often used to cover food leftovers. 

„Vorkoster“ is based on the idea of becoming independent from the directives of large industries. The attempt to democratise processes that seem fixed.

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Im Zuge des Klimawandels sind in den vergangenen Jahren hunderttausende Bäume, Schädlingen oderklimatischen Ereignissen wie extremer Dürre oder Stürmen zum Opfergefallen. Unsere Wälder sind gegenwärtig durch die steigenden Temperaturen geschwächt. Aber nicht nur der Wald als Ökosystem leidet unter den drastischen Veränderungen, sondern auch die damit zusammenhängende Industrie und insbesondere die Waldbesitzer*innen haben große Probleme. Die Sägewerke sind überfüllt und die Holzpreise im Keller.Die Waldbesitzer*innen sind gezwungen, das Holz über mehrere Jahre extrem kosten-und energieaufwendig zu lagern. Vielerorts verbleibt das Schadholz deshalb unkontrolliert im Wald, was wiederum die Ausbreitung der Schädlinge begünstigt, die sich auch in Totholz vermehren können.Was also tun mit dem ganzen befallenen Holz?Das „Projekt Frischholz“ bietet die Möglichkeit lokal gewonnenes Schadholz in seinem noch feuchten Zustand mit einfachen Herstellungsmethoden und Werkzeugen zu langlebigen Vollholzmöbeln zu verarbeiten. Die auf Zug und Spannung basierende Verbindung ermöglicht die natürliche Transformation des Holzes, wodurch eine herkömmliche, künstliche Trocknung des Rohstoffs vor seiner Verarbeitung überflüssig wird.Das Projekt soll die traditionellen und industriellen Verarbeitungsmethoden überdenken. Entstanden ist einneuer Ansatz der Holzverwertung, welcher sich unabhängig von derIndustrie positionieren kann und lokale, eigenständige Strukturen unterstützt.

As a result of climate change, hundreds of thousands of trees in Germany have been killed by pests or climatic events such as extreme drought or storms in the recent years. Our forests are currently weakened by rising temperatures. But it is not only the forest as an ecosystem that suffers from the drastic changes, but also the associated industry and especially the forest owners are facing major problems. The sawmills are overloaded and wood prices have fallen dramatically at the same time. The forest owners are forced to store their wood costly and energy-intensive for several years.In many places, the wood remains uncontrolled in the forest, which in turn favors the spread of pests. So what to do with all the damaged wood? “Projekt Frischholz” offers the possibility to process locally harvested wood, in its still wet state, with simple manufacturing methods and tools to long-lasting solid wood furniture. The connection, based on tension, allows the natural transformation of the wood. This eliminates the need for conventional artificial drying of the raw material before it is processed. The project aims to rethink traditional and industrial processing methods. The result is a new approach to wood processing, which can position itself independently of industry and supports local, independent structures.

Taaable ist ein Beistelltisch, eine Workstation, die den starken Präsenz von Technologie in unserem Haus als auch die Auswirkungen auf unseren Lebensstil anerkennt. Es bietet die Möglichkeit eines normalen Schreibtisches oder eines Stehpultes. Und es verfügt über eine abnehmbare Tischplatte, die als Laptop-Unterstützung auf Sofas verwendet werden kann.

Ein Schneckengetriebesystem unterstützt die höhenverstellbare Tischplatte. Um die Sicherheit gegen das Problem des Rückantriebs zu gewährleisten, wird für das Drehmoment ein einzigartiges Magnetdesign verwendet. Die linke Platte des Tisches kann zur Wartung der Taaable leicht entfernt werden.

Die Tischplatte kombinierte eine Eschenholzplatte mit einem Kissen. Damit können Benutzer ihren Laptop bequem auf den Schoß stellen und sich von der Hitze fernhalten, die der Computer häufig erzeugt.

Taaable is a side table, workstation designed to acknowledge the strong presence of technology in our home and its impact on our lifestyle. It offers the option of a regular desk or a standing desk. And it features a removable tabletop, which can be used as laptop support on sofas.

A worm gear system supports the height-adjustable tabletop. And to provide safety against the back drive issue, the torque uses a unique magnet design.  The left panel of the table can be easily removed for gear maintenance.

The tabletop combined an ash wood top with a cushion. So users can comfortably place their laptop on the lap and away from the heat that the computer often generates.

In unserer heutigen Leistungsgesellschaft gilt Stress als ein alltäglicher Begleiter. Das Effizienzstreben der Erwerbstätigkeit überträgt sich mehr und mehr auf das Privatleben. Durch neue Techniken, wie beispielsweise Smartphones, besteht die Möglichkeit jederzeit erreichbar zu sein, wodurch eine Grundspannung erhalten bleibt. Stress erhält somit auch Einzug an privaten Orten, die zu unserer Entspannung dienen. In der Recherche bin ich auf zwei Praktiken aus dem therapeutischen Kontext gestoßen, die unterstützend zur Stressreduktion eingesetzt werden. Die Lagerungstechnik und den Tiefendruck. Gerade jetzt, wo das Thema mentale Gesundheit im Vordergrund steht, kommt die Frage auf, warum diese Techniken eher im Verborgenen bleiben. Wie kann es gelingen diese Techniken, die sich bereits im therapeutischen Kontext bewährt haben, in unseren Alltag und unser Zuhause zu integrieren? Die Arbeit Tenderly ist eine Reihe von drei Objekten, die sich mit dieser Fragestellung auseinandersetzen.

Hugging_pillow – Ein skulpturales Kissen zur Unterstützung des Körpers. Kissen polstern und stützen unseren Körper für eine angenehme Schlaf- oder Liegeposition. Inspiriert ist das H_pillow an der Lagerungstechnik aus dem Pflegebereich. Die Berührungen werden von unserem Tastsinnessystem wahrgenommen und es entsteht ein Gefühl von Geborgenheit. H_pillow greift dieses Thema auf und setzt es in einen neuen Kontext. DeepPressure_vest ist eine Weste, die Tiefendruck generiert. Sie ist mit feinen Glasperlen gefüllte und regt durch den gleichmäßigen Druck auf den Körper, das vegetatives Nervensystem an. Dieser Druck simuliert eine Umarmung und unterstützt dadurch die Produktion des Glückshormons Serotonin. Die Weste wurde für den Alltag gestaltet und bietet die Möglichkeit, in stressigen Situationen oder bei Angstzuständen zu beruhigen. Cocoon_bed ist ein Ruhepol in unserm schnelllebigen Alltag. Das Schlauchkissen ist von Lagerungstechniken aus dem Pflegebereich inspiriert. Die Berührungen werden vom Tastsystem wahrgenommen und erinnern an die Lage im Mutterleib. Mit Glaskugeln gefüllte Deckenteile wirken mit ihrem Gewicht auf das vegetative Nervensystem. Dieser Druck hat eine entspannende Wirkung auf Muskeln, Sehnen und Gelenke, wodurch auch hier die Produktion des Glückshormons angeregt wird. Diese Objekte dienen als Tools, sich zeit und Aufmerksamkeit für sich zu nehmen und auf die Körperliche so wie mentale Gesundheit zu achten.

In today’s competitive society, stress is considered an everyday companion. The striving for efficiency in gainful employment is being transferred more and more to private life. New technologies, such as smartphones, make it possible to be available at all times, which creates a certain level of tension. Stress thus also finds its way into private places that serve to relax us. In my research, I came across two practices from the therapeutic context that are used to reduce stress. The patients positioning technique and deep pressure. Especially now that the topic of mental health is in the foreground, the question arises why these techniques remain rather hidden. How can we succeed in integrating these techniques, which have already proven their worth in a therapeutic context, into our everyday lives and homes? The project „Tenderly“ is a series of three objects that deal with this question.

Hugging_pillow – A sculptural pillow to support the body. Pillows help and support our bodies for a comfortable sleeping or lying position. The H_pillow is inspired by the patients positioning technique from the nursing sector. The touch is perceived by our touch sense and a feeling of security is created. H_pillow takes up this concept and puts it into a new context. DeepPressure_vest is a vest that generates deep pressure. It is filled with fine glass beads and stimulates the autonomic nerve system by applying even pressure to the body. This pressure simulates an hug and stimulates the production of the happiness hormone serotonin. The waistcoat was designed for the daily routine and offers the possibility to calm down in stressful situations or in case of anxiety. Cocoon_bed is a place of calm in our stressful everyday lives. The tube pillow is inspired by patients positioning techniques from the nursing sector. The touch is noticed by the tactile system and is reminiscent of the position in the womb. The weight of the with glass beads filled parts of the blanket has an effect on the vegetative nerve system. The pressure has a relaxing effect on muscles, tendons and joints, which also stimulates the production of the happiness hormone. These objects serve as tools to take care for yourself and to pay attention to your physical and mental health.

Während wir täglich von vielen Widersprüchen umgeben sind, helfen diese, gegebene Strukturen zu überdenken. In einer Welt, in der Kunst und Design ineinander greifen, in der die Industrie das Handwerk verdrängt, in der wir trotz des Massenkonsums nach etwas Neuem und nach Individualität streben, ist es umso wichtiger, sich zu positionieren.

Während man als StudentIn viel Freiraum hatte, um zu Experimentieren, kann einem dieser Freiraum in der Berufswelt genommen werden. Doch genau diese Arbeitsweise des Experimentierens lässt neue Möglichkeiten und Gedankengänge entstehen. 

„Constructing Contradictions“ hat mir gezeigt, dass es wichtig ist, seine eigenen Widersprüche zu hinterfragen. Wir sind stark voreingenommen, vieles der eigenen Wahrnehmung entspricht nicht der Wahrheit und gleichzeitig ist dennoch vieles subjektiv. Man muss sich entscheiden, wer man sein will und wie man dies vermittelt.

Experimente sind wichtig zur Erzeugung von Neuem in der Prozessgestaltung und sollten nicht auf Grund des Druckes, der heutzutage auf DesignerInnen lastet, vernachlässigt werden. Die entstandenen Sitzobjekte dieser Arbeit haben den Ursprungsgedanken des Überflusses. Benötigen wir noch mehr Sitzobjekte? Es wurde mit design-untypischen Materialien gearbeitet, welche zum Teil nur versteckt benutzt werden und für ihre Eigenschaften nicht viel Aufmerksamkeit in der Designwelt bekommen.

Es ist die handwerkliche Arbeit, die in der rohen Ästhetik der Objekte wiederzufinden ist. Es ist die Gefahr, Widersprüche nicht zu hinterfragen, welche bei der Benutzung dieser Stühle auftritt. Es sind die Materialien, welche aus ihrem ursprünglichen Nutzen herausgenommen und deren kontrastierenden Eigenschaften aufgezeigt wurden.

Since we are surrounded by many contradictions every day, understanding those contradictions help us to rethink existing structures. In a world where art and design are intertwined, where the industry is replacing craft, where we desire something new and individual despite mass consumption, it is even more important to position ourselves. While being a student, one has often a lot of freedom to experiment. But this freedom can be taken away in the professional world despite the fact that it is precisely this working method of experimentation that gives rise to new possibilities and trains of thought.

During the research process of “Constructing Contradictions”, I have learned how important it is to question your own contradictions. Since we are strongly biased, a lot of our own perception does not correspond to the truth and, at the same time, it is mostly subjective. Because of that, you have to decide who you want to be and how to convey this.

Experiments are important for creating something new in process design and should not be neglected due to the pressure on designers today. The sitting objects created during this project are a response to the topic of abundance. Do we need more sitting objects? Atypical design materials were used, some of which are usually only used in a hidden way and because of the properties without receiving much attention in the design world.

It is the craftsmanship that can be found in the raw aesthetics of the objects. There is a risk of not questioning contradictions that arise when using these chairs. It is the materials that have been taken out of their original use and their contrasting properties have been demonstrated.

“Das Schreiben der Cyborgs handelt vom Willen zum Überleben, nicht auf der Grundlage ursprünglicher Unschuld, sondern durch das Ergreifen eben jener Werkzeuge, die die Welt markieren, die sie als Andere markiert hat. Diese Werkzeuge sind häufig wieder- und neu erzählte Geschichten, Versionen, die die hierarchischen Dualismen naturalisierter Identitäten verkehren und verrücken. Im Wiedererzählen derUrsprungserzählungen untergraben die Cyborg-Autorlnnen die zentralen Mythen vom Ursprung der westlichen Kultur.” (Donna Haraway)

Das Museum of Alternate History verbindet feministische Gender Theorien und Spekulatives Design in dem alternativen Geschichtsszenario eines europäischen Matriarchats. So kommentiert es unter anderem die strenge patriarchalische Einordnung von Körpern in zwei “gegensätzliche” Geschlechter und die Unterwerfung und Disziplinierung von weiblichen und nicht-hetero-normativen Körpern. Sechs verschiedene Objekte und ihre beschreibenden Texte übertragen kritische Reflexion in Materialität und eröffnen so wortwörtlich den Raum für die Auseinandersetzung mit vielseitigen politischen, sozialen und kulturellen Themen. 

“Cyborg writing is about the power to survive, not on the basis of original innocence, but on the basis of seizing the tools to mark the world that marked them as other. The tools are often stories, retold stories, versions that reverse and displace the hierarchical dualisms of naturalized identities.“ (Donna Haraway)

The Museum of Alternate History combines feminist and gender theories with a speculative design approach in the alternate history scenario of a European matriarchy. In doing so it comments on the the strict patriarchal divide of bodies into two genders and the submission and regulation of female and non-heteronormative bodies in our society. Six objects and their descriptive texts transform critical though into materiality and – quite literally – open up the room for discussion and reflection. 

Cardboard Works ist eine Maschine zum Schneiden von Karton und einer Reihe weiterer Produkte. Die Maschine macht es möglich, Karton vor Ort zu verarbeiten. Es handelt sich um eine mobile Maschine, die innerhalb von zwei Tagen aufgebaut werden kann. Die Pläne dafür sind Open Source und jedes spezielle Teil, das man nicht im Baumarkt um die Ecke bekommt, ist 3D-gedruckt. Das offene System ermöglicht es, eigene Werkzeuge zu entwickeln und in der Produktion kreativ zu werden oder die Anwendung an die örtlichen Gegebenheiten anzupassen. Als Ausgangsbasis wurden 3 Werkzeuge zum Schneiden, Rillen und Zeichnen entwickelt. Ein Hocker und ein Abfalleimer, die bei der Produktion vor Ort ohnehin nützlich sind, wurden mit einem Faltplan aus einem flachen Kartonbogen als Ausgangspunkt für die lokale Produktion entwickelt. 

Cardboard Works is a machine for cutting cardboard and a series of products. The machine makes it possible to process cardboard on site. It is mobile and easy to build within two days, the plans are open source and every special part that you can´t get in you corner building shop is 3D printed. The open system makes it possible to develop one’s own tools and to become creative in the production or to adapt the application to local conditions. As a starting point 3 Tools for cutting, creasing and drawing where developed. A stool and a bin that come in handy at on site production anyways where developed with a folding plan from a flat sheet of cardboard as a starting point for local production. 

When I defined my expose under the title “HomeOffice“ in winter 2019, I didn’t know how important this topic will be for the whole world in the following year.

What was considered impossible for employers and employees just a few months ago has now become part of our everyday life: 

Not only freelancers but also employees from different generations work from home and keep company structures alive. 

Between mountains of laundry, schoolwork or shared flat roommates, the same service had to be delivered overnight as in a familiar office environment. 

Digital tools such as zoom or other programs quickly emerged to enable communication and replace physical meetings.

Due to a lack of planning and knowledge, this work structure became a challenge, especially for parents, students and other professionals. 

Achieving a better work-life balance became the number one issue. 

My task as a designer was to enable a better work life integration through product and process changes:

The term New Work was introduced in the late 1970s by the Austrian-American social philosopher Prof. Dr. Frithjof Bergmann. Bergmann, coined the term New Work and is considered as a pioneer of the movement.

Today he describes the structural change in our working world. The reasons for this include digitisation, globalisation and the development of artificial intelligence, which open up completely new opportunities and possibilities in the execution and organisation of work.

New Work means a new way of combining life and work. Work – and private life should be better integrated:

New Work is a mobile furniture collection to enable agile working at home. The family consists out of three objects. A lounge chair, a side table and a stool.

Every object includes two modi. On and Off. New Work supports a better work life integration.

Material: Powder – coated aluminium

elements ist eine modulare Küche, die auf den Prinzipien des universellen Designs basiert. Ein System das leicht Änderungen ermöglicht, mitwachsen kann und individualisierbar ist und somit von jedem benutzt werden kann.

elements besteht zum einen aus einem Basismodul, welches in U-Profile, die an der Wand befestigt sind, eingehängt werden. In diese Basismodule können nun untereinander verschraubt, mit Schubladen oder geschlossenen Fronten versehen und mit verschidenen Aufsätzen abgeschlossen werden. Sämtliche Fronten sind aus geölter Douglasie hergestellt. 

Ebenfalls in die U-Profile eingehängt wird ein Schrank mit eingebautem Paternostersystem. Hier sind die Seitenwände aus Douglasie und die Front aus Edelstahl, sodass die Mechanik gut mit den Wänden des Schrankes verbaut werden kann. Eingesetzt in den Schrank sind sechs Regalfächer, die über ein Paternostersystem herbeigeholt werden können. Dieses wird über ein Gurtband an der Vorderseite des Schrankes bedient. Der Paternoster Schrank ermöglicht die Nutzung von anderweitig nicht zugänglichem Stauraum.

elements is a modular kitchen based on the principles of universal design. A system that allows easy changes, can grow with you and is customizable and can therefore be used by everyone.

elements consists on the one hand of a basic module, which is hooked into U-profiles that are attached to the wall. These basic modules can now be screwed together, fitted with drawers or closed fronts and completed with various attachments. All fronts are made of oiled Douglas fir.

A cabinet with a built-in paternoster system is also hung in the U-profiles. The side walls are made of Douglas fir and the front is made of stainless steel, so that the mechanical parts can be easily installed on the walls of the cabinet. There are six shelves inserted in the cupboard, which can be fetched via the paternoster system. This is operated via a strap on the front of the cabinet. The paternoster cabinet enables the use of otherwise inaccessible storage space.

Sämtliche Elemente, mit denen der Benutzer interagiert, sind in der RAL Farbe 5015 (Himmelblau) gehalten. Blau hat die wenigsten Überschneidungen mit Lebensmitteln die in der Küche verarbeitet werden, und bleibt so stets erkennbar. Im Gegensatz dazu sind die U-Profile an der Wand in der RAL Farbe 9016 (Verkehrsweiß) pulverbeschichtet, um möglichst zurückhaltend aufzutreten.

Der Arbeitsbereich besteht aus drei Modulen, die mit den drei wichtigsten Tätigkeiten korresponieren: Ein Zubereitungsmodul mit zwei eingelassenen Behältern, ein Wasch-/Spülmodul und ein Kochmodul mit zwei Induktionskochfeldern. Die Basiskonfiguration, die in dem Prototypen dargestellt ist, ist sowohl horizontal als auch vertikal erweiterbar. Weitere Basismodule können sowohl von unten, als auch von oben an bereits installierte Basismodule angedockt werden.

elements bleibt auch nach dem Aufbau flexibel. Arbeitshöhen können verändert und angepasst, Freiräume wo nötig geschaffen und bei wachsenden Bedürfnissen von Arbeitsfläche oder Stauraum kann elements erweitert werden.

All elements with which the user interacts are kept in RAL color 5015 („Himmelblau“). Blue has the fewest overlaps with food that is processed in the kitchen, so it is always recognizable. In contrast, the U-profiles on the wall are powder-coated in RAL color 9016 („Verkehrsweiß“) in order to appear as restrained as possible.

The work area consists of three modules that correspond to the three most important activities: a preparation module with two embedded containers, a washing / rinsing module and a cooking module with two induction hobs. The basic configuration shown in the prototype can be expanded both horizontally and vertically. Additional base modules can be docked to base modules that have already been installed both from below and from above.

elements remains flexible even after construction. Working heights can be changed and adjusted, free space can be created where necessary and elements can be expanded if the need for work surfaces or storage space increases.

Omnia ist ein modulares System zur Herstellung von Strukturen, die als Möbel und/oder architektonische Elemente fungieren können.

Der Entwurf basiert auf der Auseinandersetzung mit dem Thema Wohnraumverknappung in Städten und den Grundprinzipien von Wohnqualität. Dabei beschreibt er die Notwendigkeit, nachhaltig eine Transzendenz zwischen Möbel und Architektur zu schaffen.

Nach einfachen Konstruktionsprinzipien lassen sich simple oder komplexe Strukturen bilden, die in Höhe, Breite und Tiefe frei erweiterbar sind. Sechs verschiedene Plattenformate und spezielle Verbinder bilden die Grundelemente, um in jedem Raum individuelle Strukturen zur Aufbewahrung, Tätigkeitsinseln, Spielplätze, Rückzugsbereiche oder Raumteiler zu integrieren. Alle Entscheidungen sind dabei reversibel und das System immer wieder in neuen Szenarien verwendbar.

Die speziellen Verbinder wurden für Omnia in Zusammenarbeit mit der Firma scheulenburg-direkt auf Grundlage deren Verbindungstechnik entwickelt.

Als zusätzliche Elemente wurden Türen aus Stahlblech, anbaubare Interaktionslemente, Polster und Rollen integriert.

Die hier dargestellte Struktur dient beispielhaft der Veranschaulichung verschiedener Gestaltungs- und Gebrauchsmöglichkeiten.

Omnia is a modular system for creating structures that can function as furniture and / or architectural elements.

The design is based on dealing with the issue of housing shortages in cities and the basic principles of quality of living. It describes the need to create a lasting transcendence between furniture and architecture.

Using simple construction principles, simple or complex structures can be created, which can be freely expanded in height, width and depth. Six different panel formats and special connectors form the basic elements to integrate individual structures for storing, activity islands, playgrounds, areas of retreat or room dividers in every room. All decisions are reversible and the system can be used again and again in new scenarios.

The special connectors were developed for Omnia in cooperation with scheulenburg-direkt based on their connection technology.

Doors made of sheet steel, add-on interaction elements, upholstery and rollers were integrated as additional elements.

The structure shown here serves as an example to illustrate various design and usage options.

Die Welt von Kindern ist lebhaft, impulsiv, spannend, witzig, sinnlich und bunt. Doch oft ist die bunte Welt von Kindern in Wirklichkeit eine eher pastellfarbene oder outdoorblaue Welt, ihre Klamotten zieren entweder Autos oder Einhörner und in den Kinderbüchern erlebt entweder der mutige Abenteurer oder das lustige Pferdemädchen die Geschichte. Diese binären Gegensätze zwischen den Geschlechtern spiegeln sich schon in Kinderwelten wieder und manifestieren so schon früh das Bild von stereotypen Geschlechtsrollen. 

Die Werkelküche ist ein genderoffener Aktionsspielplatz, der Kindern ein Eintauchen in freie Spielwelten ermöglicht. Im Gegensatz zu genderkonnotierten und -getrennten Spielwaren bieten die Elemente der Werkelküche vielfältig assoziierbare Bespielmöglichkeiten. Die geschwungene Arbeitsplatte kann Spühle, Werkstatt und Skipiste sein. Die seitlichen Fächer können Stau-und Versteckraum bieten oder knusprige Brötchen backen. Mithilfe der bunten und austauschbaren Werkzeuge können Kinder ihre Ideen verwirklichen und die Welt der Erwachsenen spielerisch nachahmen. 

Die Werkelküche eint formale und ästhetische Merkmale von Kinderküchen und -werkbänken. Dadurch eröffnen sich vielfältige Spielmöglichkeiten die zwischen, neben oder jenseits des Spannungsfeldes der Küche und Werkstatt liegen.  

A gender-open activity playground for children

The world of children is lively, impulsive, exciting, funny, sensual and colorful. But often the colorful world of children is actually a rather pastel-colored or outdoor blue world, their clothes either adorn cars or unicorns and in the children’s books either the brave adventurer or the funny horse girl experiences the story. These binary opposites between the genders are already reflected in children’s worlds and manifest the image of stereotypical gender roles at an early stage.

The „Werkelküche“ is a gender-open activity playground that enables children to immerse themselves in free play worlds. In contrast to gender-linked and gender-segregated toys, the elements of the „Werkelküche“ offer diverse, associative examples. The curved worktop can be used as a sink, workshop or ski slope. The side compartments can provide storage and hiding space or bake crispy rolls. With the help of the colorful and interchangeable tools, children can realize their ideas and imitate the world of adults in a playful way.

The „Werkelküche“ combines the formal and aesthetic features of children’s kitchens and workbenches. This opens up a wide range of play options that lie between, next to or beyond the tension between the kitchen and the workshop.

Laut Medienberichten konsumiert jeder deutsch rund 100 Kaugummis im Jahr, wodurch sich ein Gesamtverbrauch von 8 Milliarden pro Jahr ergibt. Auf jedem deutschem Quadratmeter Straße kleben durchschnittlich 80 Kaugummireste.

Das entfernen dieser kostet zwischen 1 – 3 € pro Kaugummi da die„Kaugummi-Base“, der Hauptbestandteil des Kaugummis, überwiegend aus erdölbasiertem Kunststoff besteht.

Deshalb ist Kaugummi, wie andere Plastikprodukte, biologisch (nachweislich mehrere Jahre) nur schwer abbaubar und somit eine Ressourcenvergeudung, die umweltschädigend und teuer ist.

Dies war der Ausgangspunkt der Bachelorarbeit „GUM“, die sich mit der Entwicklung eines Materials aus gebrauchtem Kaugummi befasste. 

Ziel war es, hochwertige Materialen aus gekautem Kaugummi als Kunststoffrezyklat durch Modifikation und Extrusion herzustellen und anschließend weiterzuverarbeiten. Der gekaute Kaugummi wird in einen wirtschaftlichen Kreislauf neu eingebunden, damit die Inhaltsstoffe nicht ungeachtet auf der Straße enden.

Aus dem dabei entstandene Material wurden Alltagsgegenstände entwickelt, die einem, wie der Kaugummi, den Alltag versüßen.

According to media reports, every German consumes around 100 chewing gums a year, resulting in a total consumption of 8 billion per year. On the average, there are 80 chewing gums gluing on every square meters of street in Germany. Removing them costs between 1 – 3 € per piece because the „gum base“, the main ingredient of chewing gum, consists mainly of petroleum-based plastic.

Therefore, chewing gum, like other plastic products, is not easily biodegradable (demonstrably needing several years).

So it´s a waste of resources that is both, harmful to the environment and expensive.

That was the starting point of my bachelor thesis „GUM“, which dealt with the development of a material from already used chewing gum. 

The aim was to produce high-quality materials from chewed chewing gum as recycled plastic through modification and extrusion and then processing it further on. The chewed gum is re-integrated into an economic cycle so that the ingredients do not end up on the street and unnoticed.

The resulting material is used to develop everyday objects that, like chewing gum, sweeten the everyday life.

Keyframe ist ein modulares Möbelbau-System. Es besteht aus Edelstahlverbindern, Eichenträgern und CDF-Platten, welche als Verbindung, Möbelstruktur und Korpusse dienen.

Für mein Abschlussprojekt dient das System als modulare Küche. Der Fokus lag dabei von Anfang an auf einer nachhaltigen Lösung. Da der Begriff der Nachhaltigkeit aktuell sehr inflationär genutzt wird, bestand ein großer Teil der Arbeit darin, herauszufinden: „Was ist nachhaltig?“.

Keyframe ist gestaltet, um ein langes Leben der Materialien und Teile zu begünstigen.

Bei der Materialwahl wurde auf Beständigkeit geachtet. Mit der Idee eines Mietsystems bleibt der Produzent im Besitz der Teile und damit auch in der Verantwortung. So kann der Produzent alle Teile wiederaufarbeiten, weiternutzen oder recyceln. Dadurch ist gesichert, dass das Material in Kreisläufen bestehen bleibt.

Keyframe is a modular furniture system. Its main parts are stainless-steel connectors, oak beams and CDF-boards that function as connection, structure and body.

In this case the system serves as a modular kitchen. From the beginning of the project the goal was to design a sustainable furniture system. 

But today sustainability kind of lost its meaning. So it was one major part of this project to find out: „What is sustainable?“.

Keyframe is designed to make a long material life possible. First to mention is that the used materials are very durable. Second, a rental system makes it possible to return the material to the producer. Third, all parts are refurbishable, reusable or recyclable. That way the producer can find a new purpose for the material at any time, so it stays in material circles.

FRUGAL wurde mit dem Ziel geschaffen, zeitgenössische Möbel zu schaffen, die den modernen Lebensstil mit hochwertiger Handwerkskunst und industrieller Produktion widerspiegeln. FRUGAL versucht, neue Lebensweisen zu verstehen und darüber nachzudenken, was moderne Bedürfnisse in Wohn- und Arbeitssituationen sind. Entwerfen eines Produkts, das diese Bedürfnisse erfüllt. 

Das Design zeichnet sich durch eine moderne Palette klassischer und zeitgenössischer Farben aus, die die Fähigkeit des Systems unterstreichen, ein einzigartiges und individuelles Erlebnis zu bieten. Graphitschwarz, Hellgrau und Tannengrün sind die traditionellen Farbcodes, während tiefes Orange, leuchtendes Orange und Ultramarinblau die charakteristischen Farben sind, die das Design unsere traditionellen Erwartungen an Regalsysteme übertreffen lassen. 

Flexibel und dauerhaft.

Geschaffen für Esszimmer, Büros, Wohnzimmer und Wohnräume. Hochmoderne Designmaterialien, die sich für Empfangsbereiche, Büros und Ligusterwohnungen eignen.

FRUGAL was created with the aim of creating contemporary furniture that reflects the modern lifestyle with quality craftsmanship and industrial production. FRUGAL seeks to understand new ways of life and to think about what modern needs are in living and working situations. Create a product that meets these needs. 

The design features a modern palette of classic and contemporary colors that highlight the system‘s ability to provide a unique and personalized experience. Graphite black, light gray and fir green are the traditional color codes, while deep orange, luminous orange and ultramarine blue are the signature colors that make the design exceed our traditional expectations for shelving systems. 

Flexible and lasting.

Created for dining rooms, offices, sitting rooms and living. Cutting-edge designs materials to suit reception areas, offices and privet homes.

FRUGAL M.F. ORDNUNG

Regal- und Aufbewahrungssysteme passen sich gut in die häusliche Umgebung ein und werden durch eine kleine Auswahl an Elementen und Erweiterungen abgerundet.

THE FRUGAL FAMILY hat eine eigene, unverwechselbare Identität und ein einzigartiges Profil, dennoch teilen sie alle den gleichen Fokus auf präzise Details.

FRUGALER TISCH

bietet funktionale und ästhetische Lösungen für das Wohn- oder Arbeitsumfeld. Der Tisch

verbindet den strukturellen Charakter der Architektur mit der Dynamik der Mode in bleibender Qualität.

THE GLASS ORDER wurde mit dem Ehrgeiz geschaffen, zeitgenössisches Geschirr zu schaffen, das mit handwerklicher Qualität modernen Lebensstilen dient. Diese Serie von Gläsern ist stapelbar und in vier verschiedenen Größen erhältlich. Zwei verschiedene Korpusvolumina ermöglichen es dem Benutzer, sie in verschiedenen Variationen zu verwenden. Sie eignen sich zum Trinken von Tee, Kaffee und anderen Getränken wie Wein und anderen alkoholischen Getränken.

FRUGAL M.F.S ORDER 

Shelving and storage systems are well fitting for the home environment and are rounded off by a small selection of elements and extensions.

THE FRUGAL FAMILY has its own distinct identity and unique profile, yet they all share the same focus on precise detailing.

FRUGAL TABLE

offers functional and aesthetic solutions for the living or working surrounding. The table

combines the structural character of architecture with the dynamics of fashion in lasting quality.

THE GLASS ORDER was Created with the ambition to create contemporary tableware that serve modern lifestyles using quality craftmanship. This series of glasses is stackable and available in four different sizes. Two different body volumes allow the user to use them in different variations. They are suitanle for drinking tea, Coffee and other beverages like Wine and other alcoholic drinks.

Der Zweite Hauptsatz der Thermodynamik und seine zentrale Größe, die Entropie, formulieren ein
grundlegendes Gesetz für unser Universum. Die Welt, uns selbst eingeschlossen, bewegt sich stets
von Zuständen minderer Wahrscheinlichkeit zu solchen einer höheren Wahrscheinlichkeit, bis ein
Zustand der größtmöglichen Wahrscheinlichkeit erreicht wird.
Dieser ist allgemeinhin erreicht, wenn ein Gleichgewicht erlangt ist. Auf dem Weg zu dieser
Gleichgewichtsverteilung muss es zur Auflösung und Verstreuung „geordneter“ Strukturen kommen,
während erodierte Strukturen an anderer Stelle aber wieder neue Akkretionszyklen, Strukturbildungs-
und Selbstorganisationsprozesse begründen.
Phänomene solcher Art lassen sich bei granularer Materie, als visuelles Pendant zum atomaren Aufbau
unserer Welt, beobachten.

Entropoform setzt sich gestalterisch mit Auflösung, Neuordnung, Selbstorganisation und
dissipativen Prozessen auseinander. Es beschreibt das Potential der Form sich in neue Gleichgewichte
ergeben zu können und trotz dessen, die Möglichkeit zu haben, sich wieder zurückzubilden zu einer
Form die von Außen kommt. Ein permanentes Werden und nie wirklich ein Sein, nie erstarrt zu
vollkommener Härte sondern immer flexibel und weich. Sie kann alles werden und nichts für immer bleiben,
doch ist es gerade das, was sie so interessant bleiben lässt.

The second law of thermodynamics and its central quantity, entropy, formulate a fundamental law for our universe.
The world, ourselves included, is always moving from states of lower probability to states of higher probability
until a state of the greatest possible probability is reached. This is generally achieved when equilibrium is reached.
On the way to this equilibrium distribution, the dissolution and dispersion of „ordered“ structures must occur,
while eroded structures in other places give rise to new cycles of accretion, structure formation and self-organisation
processes.
Phenomena of this kind can be observed in granular matter, as a visual counterpart to the atomic structure of our world.

Entropoform deals creatively with processes of dissolution, reorganisation, self-organisation and dissipative processes.
It describes the potential of form to surrender to new equilibria and, despite this, to have the possibility to regress
to a new form that comes from the outside. A permanent becoming and never really a being, never frozen into complete
hardness but always flexible and soft. It can become everything and remain nothing forever, but that is precisely what
keeps it so interesting.

„Transitioning“ (eng. Übergehen) bezeichnet den Prozess, den trans* Personen durchgehen um ihr Leben sozial, körperlich und/oder juristisch ihrer Geschlechtsidentität anzugleichen. Ziel des Projekts „Trans*itions“ war es zu erforschen, wie man Menschen dabei designtechnisch unterstützen und ihren Alltag angenehmer gestalten kann. Der Boa Binder ist aus Beobachtungen zu Praktiken entstanden, die trans* Menschen dabei helfen ihr Aussehen ohne invasive Maßnahmen wie Operationen geschlechtsspezifisch anzupassen. Brustbinden ist eine der gängigsten Interventionen bei transmaskulinen und nichtbinären Personen. Dabei wird störendes Gewebe mithilfe von Tape, Bandagen oder Kompressionsoberteilen an den Körper gedrückt, um ein flacheres Brustprofil zu erzeugen. Der konstante Druck auf den Brustkorb führt über längere Zeit leider bei den meisten zu Atemnot, Schmerzen, Überhitzung oder Hautirritationen. Zwar gibt es inoffizielle Regeln, um solche Nebenwirkungen zu vermeiden, diese werden allerdings oft ignoriert, da der positive psychische Effekt so schwer wiegt. Genau hier setzt die Idee des Boa Binders an. Der Einstellmechanismus an beiden Seiten ermöglicht es, den Druck je nach Aktivität und Tagesform zu variieren und eine optimale Passform zu finden. Durch das Quick-Release-Feature können Atempausen eingelegt werden und das An- und Ausziehen wird erleichtert. Vor allem hat die Benutzung des Boa Fit Systems einen symbolischen Wert. Die Marke ist für ihren Einsatz bei hochwertigen Sport- und Medizinprodukten bekannt. Der Entwurf stellt sich eine Kooperation mit einem etablierten Binderhersteller wie Underworks oder GC2B vor. So eine Zusammenarbeit würde nicht nur eine enorme Sichtbarkeit für Transgender Themen generieren, sondern auch zur Legitimierung von Bindern als Hilfsmittel beitragen, die dann vielleicht zukünftig auch durch Krankenkassen verfügbar gemacht werden könnten. 

„Transitioning“ describes the process that trans* persons go through to socially, physically and/or legally affirm their gender identity. The goal of the project „Trans*itions“ was to explore the ways in which design could support people throughout this process. The Boa Binder was developed from observations of genderaffirming practices that help trans* people to adapt their appearance without invasive methods like surgery. Chest binding is one of the most common interventions for transmasculine and non-binary individuals. When binding, the chest tissue is pushed down with tape, bandages or compression tops to create the look of a flat chest. Unfortunately, regular, longterm use often causes breathing problems, pains, overheating or skin irritation. There are some guidelines to avoid such side effects, but they are often ignored, because the positive psychological effect is so significant. This was the starting point for the Boa Binder. The mechanism on both sides makes it possible to adjust the pressure depending on different activities and to achieve an optimal fit. Thanks to the Quick-Release-Feature, it’s easy to fit in moments to breath freely without taking off the entire garment. Most importantly, the use of the Boa Fit System as opposed to another mechanism is ist symbolic value. The brand is known for its high-quality application in sports und medical products. The design imagines a collaboration with an established binder manufacturer like Underworks or GC2B. A joint venture like this would not only generate an enormous amount of visibility for transgender issues, but also help to legitimise Binders as a tool, that could possibly be made available by health insurance providers in the future. 

Als MIDI Controller bietet NALU die Möglichkeit, durch die Erzeugung verschiedener Hirnstromwellen mittels Konzentration, einen experimentellen Input zur herkömmlichen Musikproduktion zu schaffen. Die vier messbaren Hirnstromwellen – Theta-, Alpha-, Beta- und Gamma-Welle – bieten sich als Eingabequelle an und können in der Musik-Software, der Digital Audio Workstation, auch ‚DAW’ gennant – verschiedenen digitalen Instrumenten zugewiesen werden. Die Gamma-Welle, die die höchste Form der Konzentration darstellt, kann durch Übungen von jedem Menschen erzeugt werden. Dabei verhält es sich ähnlich wie bei einem Musikinstrument, wie beispielsweise der Gitarre, das man durch regelmäßiges Üben erlernen kann.

Die zwei NALU Controller sind über Bluetooth mit dem Laptop und der Musik-Software verbunden und verfügen über jeweils fünf Bedienelemente, die mit Befehlen verknüpft werden, die Instrumente und Effekte innerhalb der Musik-Software steuern. NALU dient als experimentelles Musikinstrument, das die Musikproduktion mit Hirnstromwellen unterstützt und eine Verbindung zwischen meditativer Konzentration und Klangerzeugung schafft.

As a MIDI controller, NALU offers the possibility of creating an experimental input for conventional music production by generating brainwaves through concentration exercises. The four measurable brainwaves – theta, alpha, beta and gamma wave – are an ideal source of input and can be assigned to various digital instruments and music effects used in a music software – a digital audio workstation also known as DAW. Similar to a regular musical instrument, such as a guitar, it requires regular practice to improve.

NALU connects wirelessly to a computer transmitting measured brainwaves using an EEG headband and translates these to MIDI signals that commence a previously assigned digital instrument within a DAW. Resting your hands upon the controllers only minimal motion is required to activate touch controls assigned to DAW commands such as delay, reverb or similar sound modulations as well as additive sound effects like kick, snare or drums. Throughout the process of brainwave and thereby sound generation one is able to either modulate while concentrating or after recording one of the four measurable brainwaves.NALU is a musical instrument that supports music production using brainwaves and creates a connection between meditative concentration and sound generation.

In meiner Bachelorarbeit „Hiheel“, setze ich mich mit dem Gedanken auseinander, generische Typologien und Herstellungsweisen von Stöckelschuhen zu untersuchen und diese mit Hilfe der 3D-Druck-Technologie neu zu definieren. Durch diese Arbeit sollen neue Beispiele einer Formsprache und neue strukturelle Möglichkeiten entstehen. Ich wollte schon immer Schuhe herstellen, beherrsche aber nicht das Handwerk des Sattlers oder Schuhmachers, geschweige denn den Zugang zu den benötigten Maschinen und Werkzeugen. Durch 3D-Druck kann ich mir dieses Objekt erschließen und auf meine persönliche Art und Weise denken und gestalten. Die 3D-Druck-Technologie gehört zu den Rapid Prototyping Technologien, also zu den Fertigungsverfahren, die das Ziel haben, CAD-Daten möglichst ohne manuelle Umwege, direkt und schnell in Werkstücke umzusetzen. 

In my bachelor thesis “Hiheel”, I deal with the idea of examining generic typologies and manufacturing methods of high-heeled shoes and redefining them with the help of 3D printing technology. This work is intended to create new examples of a formal language and new structural possibilities. I’ve always wanted to make shoes, but I don’t master the craft of the saddler or shoemaker, let alone access to the necessary machines and tools. Through 3D printing I can open up this object and think and design in my own personal way. 3D printing technology is one of the rapid prototyping technologies, i.e. the manufacturing processes that aim to convert CAD data into workpieces directly and quickly, if possible without manual detours. 

In der vorliegenden Bachelorarbeit „Stadt Land Fluss“ habe ich mich dem Thema Boote angenähert und auf die Bootsart des Kajaks eingegrenzt. Angefangen mit einer ausführlichen Produktrecherche über die historische Entwicklung, die generelle Einteilung der verschiedenen Bootsklassen, Nutzungsmöglichkeiten bis hin zu dessen Aufbauten und Attributen. Die daraus wichtigsten Erkenntnisse sind in den Entwurf in zusammengefasster Form ausformuliert und eingeflossen. Das entstandene Faltboot ist insgesamt nur 5,34kg schwer und misst eine Länge von 2,7m. Die Aufbauzeit beträgt unter 3min. Damit grenzt sich der Entwurf deutlich von anderen Faltbooten ab. Durch das geringe Gewicht und der geringen Taschengröße von 50cm x 70cm wird es zu einen Gegenstand des täglichen Gebrauchs.

In the bachelor thesis „Stadt Land Fluss“ I approached the subject of boats and narrowed it down to the boat type of kayak. Starting with a detailed product research about the historical development, the general Classification of the different boat classes, possible uses down to its structures and attributes. The most important findings are included in the draft in a summarised form and incorporated. The resulting folding boat weighs only 5.34kg and measures 2.7m in length. The assembly time is under 3 minutes. This clearly distinguishes the design from other folding boats. Due to the low weight and the small bag size of 50cm x 70cm it becomes an object of daily use.

Wie kann es gelingen, Abfall als ungenutzte Ressource in den Wertstoffkreislauf zurückzuführen und einen Werkstoff zu entwickeln, der sowohl ästhetisch ansprechend als auch funktional und technisch überzeugend ist? Aus meiner Versuchsreihe WAYSTE, die mit der Verwertung von Obst- und Gemüseabfällen der Saftherstellung begonnen hat, ist MACCHIA entstanden. MACCHIA ist ein überwiegend aus Kaffeesatz hergestellter Verbundwerkstoff, der sich durch seine einzigartige Materialität auszeichnet: eine fein strukturierte Oberfläche, eine intensive dunkle Farbigkeit, hohe Festigkeit und gute Formbarkeit. Darüber hinaus bietet das Material eine angenehme sanfte Haptik und vielfältige Möglichkeiten der Oberflächenbehandlung beispielsweise durch Prägetechnik.
Für MACCHIA werden zu 100% natürliche Rohstoffe verwendet. Vor allem aber nutzt MACCHIA die Ressource Abfall zur Gewinnung eines neuen Werkstoffes und leistet einen Beitrag das stetig wachsende Müllaufkommen zu reduzieren und die Kreislaufwirtschaft zu fördern.
Das Material ist aus einer unkonventionellen Art des Gestaltungsansatzes entstanden. Ziel war es nicht, ein Material mit vorher bestimmten Eigenschaften oder ein klar definiertes Produkt zu entwickeln, sondern einen Werkstoff zu kreieren, für dessen Herstellung ausschließlich ungenutzte Ressourcen wiederverwertet werden.
Vorstellung hierbei ist es, einen interdisziplinären Dialog im Sinne eines materialorientierten Gestaltungsansatzes zu eröffnen, der zu einer Symbiose aus technisch-konstruktiven, funktionalen Materialeigenschaften und sensitiven Qualitäten führt.

Is it possible to create a sophisticated material that merely consists of waste and meets the needs of an aesthetically pleasing, functional as well as technically convincing material?
The idea was to create a material derived from a series of experiments I conducted. The project WAYSTE started with the recycling of fruit and vegetable scraps from juicing. 
MACCHIA is a composite material mainly made from coffee grounds, which is characterized by its unique materiality: a finely structured surface, an intense dark color, great sturdiness and good formability. In addition, the material offers a pleasant, soft feel and unlimited surface treatment options, for example by using embossing technology.
MACCHIA is made of 100% natural raw materials. It contributes to reduce the amount of daily waste and advocate the reuse of by-products in a sustainable way.
This material is the result of an unconventional design approach. The aim is not to develop a material with previously defined properties or a clearly defined product. The goal is to create a material that solely consists of recycled by-products. 
The intention is to open an interdisciplinary dialogue in the sense of a material-oriented design approach that leads to a symbiosis of technical-constructive, functional material properties and sensitive qualities.

“Gravitas” ist der lateinische Begriff für Schwere.Die Schwerkraft ist eine der vier fundamentalen Wechselwirkungen, durch die sich physikalische Objekte gegenseitig beeinflussen. Mittels eines Pendels wurden bereits 1855 komplexe Schwingungsgeometrien, auch bekannt als “Lissajou-Figuren”, vom gleichnamigen französischen Physiker Jules Antoine Lissajou, beschrieben. Diese Formen und Rhythmen sind, da sie auf grundlegenden Gesetzmäßigkeiten beruhen, in ihrer Manifestation gleichermaßen ein Ausdruck angewandter Physik. Ähnlich wie in natürlichen Wachstumsprozessen die Fibonacci-Folge und der Goldenen Schnitt Anwendung finden, lässt sich auch hier in der schlichten Stringenz und den sich ergebenden Proportionen die Schönheit der Mathematik erleben. Diese Kohärenz, zwischen der Nutzung einfachster Mittel und dem Visualisieren von “Perfektion” bildet das grundlegende Interesse für die Wahl dieses Themenfeldes in meiner Arbeit.

Oft neigen Produktionsmethoden dazu, mit großer Maschinerie und unter Einsatz hoher Energiemengen Materialien in eine vorher definierte Form zu zwingen. Es wird gesägt, gerichtet, gepresst, geschweißt, gebogen. Es wirkt so, als möchte man sich die Welt untertan machen, statt symbiotisch mit ihr zu agieren. Mir scheint jedoch, dass alles was es manchmal braucht ein “fester” Punkt und ein “Anstoßen” sind; die Gravitation ist ja schon da. Die Produktionsmethodik wird dann einem natürlichen Phänomen angepasst.

Als alles allein entscheidender Gestalter tritt der Mensch „defacto“ in den Hintergrund. Es gibt keine Entwurfszeichnungen oder zeitgenössischen Geschmackspräferenzen mehr, die Formgebend agieren. Dennoch ist der Akteur Bestandteil des Prozesses, als “Produktionshelfer”, da es gilt die Voraussetzungen zu bestimmen. Allerdings, ab dem Zeitpunkt, an dem das Pendel der Schwerkraft überlassen wird, ist es die selbige allein, welche gestaltend wirkt. Wie sich in Vorversuchen mit dem Pendel und einer aus Porzellan oder Steinzeug bestehenden Gussmasse gezeigt hat, kann eine große Vielzahl an verschiedenen Endergebnissen in Form und Struktur erzielt -beobachtet- werden.

All diesen Ergebnissen liegt, resultierend aus den oben genannten Gesetzmäßigkeiten, eine gewisse Notwendigkeit und Präzision zugrunde, wodurch eine Wiederholbarkeit erzielt werden kann. Wenn also gewisse Faktoren von einem zum nächsten Mal gleich bleiben, lässt sich im Hinblick darauf von einer teilautomatisierten, repetitiven Fertigungsmethode sprechen. Außerdem soll die These untersucht werden, dass die Möglichkeit besteht den bisher gängigen zweidimensionalen “Pendel-Bildern” eine Dreidimensionalität zu geben. Eine Art analoger “3d-Gravitationsdrucker”. Dies konnte in den oben genannten Vorversuchen, in Ansätzen, bereits verwirklicht werden. Es ist anzunehmen, dass hierin noch Potenzial verborgen liegt, welches es aufzudecken gilt.

In einer Reihe von Versuchsanordnungen sollen außerdem folgende Fragestellungen betrachtet und evaluiert werden:

1.Welche Materialien sind geeignet? Wobei zunächst, in Porzellan und Steinzeug gearbeitet wird, da sich diese Materialien in Vorversuchen als geeignet erwiesen haben. Hier bleibt allerdings die genaue Zusammensetzung, im Hinblick auf die Viskosität zu überprüfen. In diesem Zusammenhang spielt wiederum die Art und Größe der Düse, sowie der zu erzeugende Pressdruck, eine Rolle.

2. Wie lässt sich der Aggregatzustand des Materials schnellstmöglich von flüssig zu hart verändern, um ein 3d-Druckerzeugnis zu generieren, ohne die Frequenz der Schwingungen zu beeinträchtigen ?

3. Es gibt mehrere Arten von Pendel. Welche Ergebnisse lassen sich, durch die Anwendung der jeweiligen erzielen ?

4. Wie wirkt sich die Größe des Pendels auf die Frequenz der Schwingung, die Schwingungsdauer und die daraus resultierenden Formen aus ?

5. Wie ist es zu konstruieren, formal, low- oder hightech, Lesbarkeit, Mobilität ?

6. Wie lässt sich der Prozess manipulieren? Vibration, zusätzliche Rotation ?

7. “Lissajou-Figuren” finden sich auch in der Musik; in Tönen und in Wechselströmen. Lässt sich das kombinieren; gegenseitig beeinflussen; überlagern, verdoppeln, nevilieren; Nikola Tesla`s Wellentheorie ?

8. Wie könnte eine vierte Dimension (z.B. Zeit) inkludiert werden ?

9. Wie wirkt sich Vakuum auf den Prozess aus? Wie schwingt ein Pendel auf dem Mond (theoretisch) ?

10. Wie präzise lassen sich die Formen vorhersagen, berechnen? Könnte in diesem Zusammenhang ein digitaler Prozess, unterstützend, von Bedeutung sein “deep learning” ?

11. Wie kann ein “Mapping” der Versuchsanordnungen sinnvoll visualisiert und kommuniziert werden?

12. Gibt es zweckmäßige Anwendungsmöglichkeiten für die entstandenen Objekte, als Gebrauchsgegenstände?

13. Wäre eine Verortung dieses Verfahrens, evtl auch in technologisch unterentwickelten Gegenden interessant? Ein Pendel lässt sich fast überall aufhängen.