Archiv der Kategorie: Produktdesign

IT IS STILL HERE | Lukas Dilger

 

IT IS STILL HERE

A preserved image of Antarctic ’Doomsday Glacier’ as a memorandum and decorative tablepiece.

The Thwaites Glacier – also called Doomsday Glacier – is one of the most significant and spectated Antarctic glacier, considering rising sea levels. It is considered as a forefront of Antarctic ice in regard to global warming. With new found warm-water currents underneath its field of ice shelf it is predicted that large parts of the glacier will be fully melting off and flowing into open sea within the next ten years.

It Is Still Here is a new take on the role of porcelain objects as table decorations and conversation pieces as we know them from the 16th century onwards. The collection of four objects shows an abstract portrait of the ever-changing and melting Thwaites Glacier, frozen in time. Preserved in porcelain, a material similar to ice in its color, feeling of temperature and brittleness, but a lot more durable, so one can take the memorandum to the glacier into the comfort of their own home. Reminding us, that right now the glacier is still there.

Depicted are four typical parts of a glacier, modeled after currently existing examples of the Thwaites Glacier, but they can also be projected on many other glaciers, as the threat of melting off is there for a lot of them. Of all glaciers worldwide the major part is receding because of global warming and fueled by smaller factors such as warm water flows and glacial blackness.

The pieces will bring us closer to a spot on earth, which is very important to our climate and will once be lost forever.

 

project:

 

process:

 

Fragile | Fatma Cankaya

Fragile

Away from acrylic nails towards luxurious porcelain accessories. A material study in which the difficulty lay in perceiving porcelain not only as a classic table decoration, but also as an accessory that adorns the body. Since nail studios use fast-hardening acrylic and can therefore glue anything to the nails, and have a wide range of design options, it does not mean that porcelain cannot implement the same properties. With the porcelain fingernails you don’t have to have your nails done again and again and there is no more wasting of materials, you put the nail on like a ring over your finger and the party can start.

As a statement and it-piece object, this unisex piece of jewelry beautifies everyone’s hands, regardless of age, figure or fashion style. The trend of styled nails is increasing, that’s why done nails symbolize a kind of freedom, self-confidence and the expression of one’s personality.

The porcelain nails are suitable for the evening of your life. Especially for special events like the „Met Gala“ in New York. The theme of any red carpet is to stand out and exude as much extravagance as possible.

In order to attract attention, nail designs have to be trumped again and again, and this is only possible up to a certain point. After that, it’s more about which materiality you can use to attract even more attention. Of course with fingernails made of porcelain.

 

project:

 

process:

 

INDENTIFY YOUR IDENTITY | Anna Wibke Münz

INDENTIFY YOUR IDENTITY

The decoration is meant to show that there is an individual behind every balaclava. Every person is unique in their own way. On one hand, the masking leads to an identification with the group, a sense of togetherness, and on the other hand, the individual protects him/herself from attacks from outside. The attached „spikes“ show the harsh reality of political persecution, condemnation and restricted speech, but also the softer side of the person behind the mask, when looked at more closely. For the decoration, solid porcelain was creamed with the addition of water and filled into silicone bags. To achieve the desired result, nozzles were used which are actually used for baking. The creamy porcelain could then be shaped into the desired form with the help of the baking utensils.

project:

process:

 

SILICART | Clara Escobar

SILICART

Silicart enables co-living with algae. The shape is informed by a silicoflagellate micro alga. Algae also grow on its surface. The hollow inside serves as a tank from which the algae irrigate themselves. They filter the water and lead to cleansed water to evaporate into the room which cools down the interior climate. This low-maintenance product can be crafted from local soil and is solely driven by microbiological forces fuelled by sun, CO2 and human care.

 

project:

 

process:

UDK RUNDGANG 2022 | Mode & Produkt Design

UdK BERLIN RUNDGANG 2022
Product Design (IPP) & Mode Design (IBT)

Strasse des 17. Juni 118 – 10623 Berlin
Daily 12.00 – 18.00 h.

22 JULY

12.00-18.00: previews for Professionals
book a preview ticket here / hier

12.00, 14.00, 16.00: IBT-FASHION-WALKS, meeting point: lobby

14.00-15.30: IPP-VIP-TOUR, meeting point: cafeteria/hof – please r.s.v.p. at 

23 JULY

12.00-18.00: IPP & IBT open house for general public, presenting graduates Bachelor & Master projects.
Find all shows and program here / hier online

12.00, 14.00, 15.00: IBT-FASHION-WALKS, meeting point: lobby

20.00 IBT Schau22

24 JULY

12.00-18.00: IPP & IBT open house for general public, presenting graduates Bachelor & Master projects.
Find all shows and program here / hier online

– – – – – – YOU ARE INVITED – – – – – –

One material, one product featured at BASF

The Master group 2021/2022 presented their projects at BASF CreationLab in Ludwigshafen in May.
Their products and films were received very well and BASF made a Feature on it on their website.
Have a look HERE!
oder auf Deutsch HIER! 

OTHER-Control vs. SELF-Determination Exhibition @ designtransfer, OPENING 8.–24. 7

Auguren meets Weizenbaum

designtransfer präsentiert Projekte aus der Auguren Publikation über Fluch und Segen von technologischen Entwicklungen aus der Fakultät Gestaltung / UdK Berlin zusammen mit investigativen künstlerischen Arbeiten aus der Digital Sovereignty Ausstellung / Weizenbaum Institut mit dem Fokus FREMD-Kontrolle vs. SELBST-Bestimmung.

Eröffnung mit digitalem Artist Talk Adam Harvey,
Freitag 8. Juli, 19:00
Ausstellung: Dienstag – Freitag, 12.00 – 18:00

UdK-Rundgang
Feitag 22. Juli, Preview: 12:00 – 18:00
Samstag 23. Juli, 12:00 – 20:00
16:00, Führung mit Präsentationen
17:00, Grillen im Hof mit Berlin Open Lab
Sonntag, 24. Juli, 12:00 – 18:00

Künstler*innen von der Weizenbaum Conference 2022 „Practicing Sovereignty. Interventions for open digital futures“:
Adam Harvey, Joana Moll, Danja Vasiliev, Julian Oliver, Sarah Grant and Juan Pablo Garcia Sossa

UdK Projekte von:
Dominik Annies & Philpp Hainke & Peter Glas, Louie Gavin, Tobias Raschbacher, Natalia Riviera & Jung Hsu, Nadya Shikalova, Zoe Spehr, Erik Anton Reinhardt, Hibiki Ishijima, Dawoon Park, Maxim Tur, Fang Tsai, Sevasti Giannitsi, Marc Loewer, Moritz Sebastian Aust, Elisabeth Schachoff & David Quan Minh Ha & Julia Kressirer & Dominic Gollanek, Josephine Aymar & Thomas Kuhn, Angel Hafermaas, MengXuan Sun, Rafael D’Almeida, Lukas Graf

Anna Koppmann at Triennale Milano

The chair that Anna Koppmann designed for the AHEC-SLOW project will be part of AHEC’s the Forest Tales presentation in the Triennale during the Milan Design Week 2022.
The exhibition celebrates the designers from all around the world that AHEC worked with in the past 2 years demonstrating of the beauty and versatility of American hardwood. Design duo Studio Swine have curated twenty two pieces from four projects, including work by both established and emerging designers, and incorporated them into a labyrinthine ‚mountain‘ of wooden crates hand-painted with landscapes of the forests.

The Full list of exhibitors: Alessandro Gazzardi (IT), Anna Koppmann (DE), Clémence Buytaert (FR), Federico Degioanni (IT), Heatherwick Studio (UK), Ini Archibong (CH), Ivana Taylor (AU), Jaime Hayon (ES), llenia Viscardi (IT), Mac Collins (UK), Maria Bruun (DK), Maria Jeglinska-Adamczewska (PL), Matteo Benedetti (IT), Maximilian Rohregger (AT), Nong Chotipatoomwan (TH), Pascal Hien (DE), Simon Gehring (DE), Siyanda Mazibuko (ZA), Studio Swine (JP/UK), Taiho Shin (KR), Trang Nguyen (VN), Yunhan Wang (CN)
www.forest-tales.com

Triënnale Milano
Viale Emilia Allemagne 6
3-12 June 11.00-21.00 h.

PIXEL CHAIR | Max Hausmann | MA 2023

PIXEL CHAIR

PIXEL CHAIR is a script-based design of a customizable CNC-manufactured chair.
The first input parameters of the script are the basic dimensions and angles, which are gridded to fit the material thickness, which can also be set as an input parameter. The basic design is then translated into pixels with an underlying point grid. By selecting points of this grid with a brush tool, „pixels“ of the chair can be erased. At the same time, a pattern is recalculated and nested.
The script can be seen as a concept for a game/app in wich users can design their own chair in an augmented reality app and achieve a „nesting score“ by erasing pixels of the chair. The basic design of the chair fits on a quarter of an industrial 25mm fibreboard (105 cm x 144 cm). When you play the game and modify the chair, the freed-up space then unlocks bonus objects like a stool or a wardrobe.

Max Hausmann, Anp. Sem SS2022 –

 

 

process:

 

AGENCY FOR UNSEEN SIGHTS | ESMÉE WILLEMSEN | BA 2022

AGENCY FOR UNSEEN SIGHTS | Bachelorarbeit 2022

Ausflüge, Reisen, Urlaub und Ferien sind etwas, wovon wir gerne träumen. Schöne Landschaften, aufregende Städte, faszinierende historische Denkmäler. Unser Wunsch wegzugehen hat meiner Meinung nach mehr mit uns selbst zu tun als mit dem Ziel unserer Träume. Das Glück, das mit einer Reise verbunden ist, hat weniger mit dem Ort zu tun, an den wir gehen, sondern mehr mit der Erfüllung unserer Bedürfnisse und Wünsche. Durch das Reisen schulen wir unsere Vorstellungskraft und die Art und Weise, wie wir die Dinge im Allgemeinen sehen, was zweifellos eines der glücklichsten Dinge am Reisen ist. Wir nutzen den Urlaub als Flucht vor der Realität. Es bietet uns Abstand von zu Hause, unserem Alltag, unseren Routinen und stressigen Jobs und macht uns stattdessen frei und abenteuerlustig. Wir wollen etwas anderes erleben; eine andere Welt und wir sehen es als gesund und normal an, Sehnsucht nach fernen Orten zu verspüren.

Bei diesem Projekt geht es darum, von fernen Orten zu träumen und einen tiefen Drang zu haben, die Welt und all ihre Spektakel zu sehen. Die Ferne und Exotik mit eigenen Augen erleben, anstatt Geschichten zu hören, zu lesen oder Filme über ferne Orte zu schauen. Meine Motivation kommt von einer ständigen Erinnerung daran, dass es so viele Orte gibt, an die man gehen kann, verstärkt durch die Existenz von Social-Media-Plattformen wie Instagram, wo jeder die ganze Zeit überall scheint zu sein.

Was ist der nächste Hotspot, zu dem ich gehen sollte? Wie kommt es, dass ich nie in dieses Museum gegangen bin? Welches der 10 schönsten Cafés dieser Stadt darf ich nicht verpassen? Scheiße, habe ich vergessen, die atemberaubende Aussicht zu teilen, die ich heute Morgen auf diesem Berggipfel hatte?

Die Agency of Unseen Sights wurde gegründet und ihr Zweck ist es zu erforschen, wie Orte behandelt werden, wenn sie mit Objekten markiert sind, die darauf hinweisen, dass es etwas zu sehen gibt. Ich wollte verstehen und sehen, ob die Politik von Objekten vermitteln kann, wie sie verwendet werden sollten und welche Ergebnisse die Verwendung dieser Objekte haben wird. Wird der Betrachter/Benutzer ein tieferes Verständnis für den Akt des Sehens und Besichtigens haben? Wird der neu kontextualisierte Ort, an dem meine Objekte platziert werden, als Sehenswürdigkeit gelesen/gesehen?

Mit Agency of Unseen Sights möchte ich nicht unbedingt positive oder negative Seiten des Sightseeings vermitteln, aber der Zweck ist, dass die Menschen den Akt des Sehens hinterfragen, sich Gedanken darüber machen, wie unsere Augen und Ansichten mit Objekten gelenkt und markiert werden, wie unsere Sehenswürdigkeiten vermarktet werden. Was wollen sie uns zeigen? Vielleicht sogar darüber nachzudenken, ob Ihre eigenen Augen darauf trainiert sind, nach ‘sehenswürdiges’ zu suchen, oder ob alles zu einem Spektakel werden kann, wenn Sie erkennen, dass Sie derjenige sein können, der entscheidet, was Sie sehen möchten. Oder nicht.

Agency for Unseen Sights ist eine neu gegründete fiktive Agentur, die Infrastruktur bereitstellt, um jeden Ort in eine Sehenswürdigkeit zu verwandeln. Mit Objekten aus dem Katalog der Agentur lassen sich Orte, die auf den ersten Blick nicht besonders erscheinen, in Must-sees verwandeln.

Die Agency for Unseen Sights bietet die Möglichkeit, unsichtbare „Sehenswürdigkeiten“ sichtbar zu machen und hinterfragt kritisch die Art und Weise, wie wir für neue Perspektiven und Erfahrungen in die Ferne reisen, und die Gründe, warum wir uns an bestimmte Orte begeben, um sie zu betrachten. Kann man überall schöne Ausblicke genießen? Ist es der Ort, der interessant genug sein muss, um Aufmerksamkeit zu erregen, oder sind es die Umstände? Können mit Hilfe von Infrastruktur, Artefakten, Schildern oder Markierungen interessante Sehenswürdigkeiten geschaffen werden, die uns daran erinnern, dass wir hinschauen müssen, dass etwas passieren muss, das es zu beachten gilt?

Trips, travel, holiday and vacation are something we like to daydream about. Beautiful landscapes, exciting cities, fascinating historical monuments. In my opinion, our wish to go away has more to do with ourselves than the destination of our dreams. The happiness connected to a trip has less to do with the place where we are going, but more with fulfilling our needs and desires. Through travelling we train our imagination and the way we see things in general, which is undoubtedly one of the most fortune things about travel. We use vacations as an escape from reality. It offers us distance from home, our everyday lives, our routines and stressful jobs and instead make us feel free and adventurous. We want to experience something else; a different world and we see it as healthy and normal to feel a longing for distant places.

This project is about dreaming of distant places, having a deep urge to see the world and all its spectacles. experiencing the far away and exotic with own eyes instead of hearing stories, reading or watching movies about far away places. My motivation comes from a constant reminder that there are so many places to go, strengthened by the existence of social media platforms like Instagram, where everyone seems to be everywhere all the time. 

What is the next hot spot I should go to? How come I never went to this museum before? Which cafe of the 10 nicest cafes in this city can’t I miss? Shit, did I forget to share the amazing view I had on this mountaintop this morning? 

Agency of Unseen Sights was born and it’s purpose is to research how places are being treated when they are marked with objects that indicate that there is something to be seen. I was driven to understand and see if the politics of objects can communicate how they should be used and what outcome the usage of these objects will have. Will the viewer/user have a deeper understanding of the act of seeing and sightseeing? Will the newly contextualized place where my objects are put in be read/seen as a sight? With Agency of Unseen Sights I do not necessarily aim to communicate positive or negative sides about sightseeing, but the purpose is for people to question the act of seeing, to have a second thought about how our eyes and views are guided and marked with objects, how our sights are being marketed. What do they want us to see? Maybe to even think about if your own set of eyes are trained to be looking for spectacles, or if everything can turn into a spectacle once you realize you can be the one to decide what to look at. Or not.

Agency for Unseen Sights is a newly founded fictional agency that provides infrastructure to turn any place into a place of interest. With objects from the agency’s catalogue, places that at first-hand don’t seem special can be transformed into must-sees. 

The Agency for Unseen Sights offers the possibility to make invisible ‘sights’ visible and critically questions the way we travel far for new perspectives and experiences and the reasons we are going to specific places to gaze. Can scenic views be enjoyed anywhere? Is it the place that needs to be interesting enough to draw attention or is it the circumstances? Can interesting sights be created with the help of infrastructure, artefacts, signs or markers that reminds us that we have to have a look, that there must be something going one which should be observed? 

 

 

 

 

 

Prozess

 

Betreut durch: Prof. Ineke Hans, Prof. Holger Neumann, KM Annika Unger

Kontakt: | www.esmeewillemsen.com

WHOLE EARTH | LOUIS BINDERNAGEL | BA 2022

WHOLE EARTH | Bachelorarbeit 2022

Das Projekt Whole Earth ist eine einzigartige Plattform für Notfallmaßnahmen, die einen Dialog zwischen Designern, Herstellern und den Menschen vor Ort ermöglicht.
Ausgehend von der unabhängigen Produktion von Gesichtsschutzschilden und anderen medizinischen Hilfsmitteln wie PSA zu Beginn der Covid-19-Pandemie befasst sich das Projekt Whole Earth mit der Analyse, Konsolidierung und Schaffung von Netzwerken, die der Idee „Think Global, Make Local“ gewidmet sind. Es verfolgt den Ansatz eines dezentralen Produktionssystems mit Open-Source-Ideen, die weltweit geteilt werden. Das Konzept von Open Source und gemeinsamen kreativen Lizenzen ermöglicht es, Produkte als digitale Daten über das Internet zu teilen und nach Bedarf vor Ort selbst zu produzieren. Dies ist eng, aber nicht ausschließlich mit digitalen Fertigungswerkzeugen wie CNC, 3D-Druckern, Lasercuttern und vielen anderen verbunden, die meist in Makerspaces und in Privathaushalten zu finden sind. Daraus ergibt sich die Möglichkeit, dass nicht nur ein oder wenige Akteure, sondern ein globaler Prozess entstehen kann, an dem verschiedene Menschen mit unterschiedlichen Hintergründen arbeiten. Das Projekt Whole Earth plant, diesen Ansatz bei der Bewältigung von Krisen – humanitärer oder ökologischer Art – in die Praxis umzusetzen.
Das Projekt bietet kurz-, mittel- und langfristige Unterstützung für Krisen, indem es bestehende Netzwerke und Makerspaces in der Nähe und rund um den Globus nutzt. Das Projekt entwickelt Werkzeuge und eine Plattform, die für eine fruchtbare Zusammenarbeit erforderlich ist.

Es geht von diesen drei Fragen aus:

Wo ist das Problem und was ist bereits vorhanden? Wir beginnen damit, das Thema zu recherchieren, mit lokalen und globalen Experten zu sprechen, zu verstehen, was gebraucht wird, herauszufinden, welche Lösungen bereits vorhanden sind, auf denen man aufbauen kann, und vor allem, ob eine Produktlösung machbar ist.

Was können wir tun? Wir entwickeln Ideen auf der Grundlage unserer Recherchen: entweder neue Ansätze oder den Ausbau bestehender Ansätze.

Wie können wir es herstellen? Für jede Lösung gibt es mehrere Produktionsmöglichkeiten; es ist wichtig, die effizienteste, nachhaltigste und anpassungsfähigste zu finden. Dieser Prozess kann das nötige Potenzial schaffen, um schnell auf Krisen zu reagieren. Wir schaffen ein dezentrales Produktionssystem, das je nach Bedarf lokal produzieren kann.

Ziel ist es, durch Öffentlichkeitsarbeit und einen Open-Source-Community-Ansatz ein globales Netzwerk von Gleichgesinnten aufzubauen. Eine Plattform wie diese kann der Beginn eines neuen Denkens sein, angefangen bei Krisen, bei dringenden Bedürfnissen bis hin zu Antworten auf die Probleme unseres Alltagslebens. Nur gemeinsam können wir eine Veränderung bewirken.

The Whole Earth project is a unique emergency response platform that facilitates a dialogue between designers, makers, and people working on the ground.
From the starting point of the independent production of face shields and other medical aids, like PPE, during the beginning of the Covid-19 pandemic, the Whole Earth project deals with the analysis, consolidation, and creation of networks dedicated to the idea of Think Global, Make Local. It follows the approach of a decentralised production system, with open-source ideas that are shared globally. The concept of open source and common creative licences allow products to be shared as digital data via the internet and independently produced on-site following a demand. This ties it closely, but not exclusively to digital fabrication tools, like CNC, 3D printers, laser cutters, and many more – mostly found in maker spaces and in homes.

This results in the possibility that not only one or a few actors but a global process can emerge, in which various people with different backgrounds work. The Whole Earth project plans to put this approach into practice in the context of responding to crises – humanitarian or environmental.
The project offers support for crises in the short, medium and long term using existing networks and maker spaces in the vicinity and all around the globe. The project develops tools and a platform, which is needed for fruitful cooperation.

It follows these three questions:

Where is the problem and what is already there? We start with researching the topic, talking to local and global experts, understanding what is needed, discovering what solutions are already available to build on and most importantly if a product solution is viable.

What can we do? We develop ideas based on our research: either new approaches or building on existing ones.

How can we make it? Each solution has several ways of production; it is relevant to discover the most efficient, sustainable, and adaptable. This process can give rise to the potential needed to react quickly to crises. We create a decentralised production system that can produce locally as required.

The aim is to build a global network of like-minded people through public relations and an open-source community approach. A platform like this can be the beginning of a new way of thinking, starting with crises, with urgent needs, and up to answers to the problems of our everyday life. Only together we can make a change.

 

Prozess

Betreut durch
Prof. Ineke Hans,  Prof. Holger Neumann,  Steffen Herm

Kontakt

plug&sit – Anton Oberlaender

plug&sit

A minimalist chair CNC machined from a sheet of plywood. This project faces two challenges: maximum material efficiency through an optimized arrangement of the individual parts during the milling process and the elimination of connecting elements such as screws, dowels or glue. The design is based on a simple plug connection. This means that it can be quickly disassembled into all the individual parts and also reassembled without any tools. The arrangement of the individual parts for the milling process was optimized for a set consisting of four chairs. These can thus be produced from one plate (2,440mm x 1220mm) with minimal waste.
The design’s upright yet comfortable seating position allows the chair to be used in the dining room as well as at a desk. Hard edges meet slightly rounded corners and give plug&sit a light, friendly look.

Anton Oberländer, 4. Sem SS2022

 

process:

 

 

CHESS | Paul Krueger

CHESS

In the short term project nesting, I developed a chess game, which can be be made from two 150x200mm plates. Different colored Material is being used to distinguish the players. The outstanding fact about this game is, that 100% of the material is being used and nothing goes to waste. The organically shaped figures, are on one side referencing classic chess figures while also perfectly integrating in the nesting. In the process my goal was to stay close to the original shapes of chess figures, while making little changes to them, that would make them ideal for nesting.

The chessboard is also integrated in the nesting. The oddly shaped stones that emerge from that can be arranged individually. Resulting from this intentional gaps occur, which distinguish it from a traditional chess game and reference its production.

Paul Krueger, 4. Sem SS2022

process:

BALANCIN | Maria Paula Salamanca Millan

BALANCÍN

In the elaboration of BALANCÍN, the industrial cutting process of Nesting was taken into account, which automatically generated a simple trapezoidal geometry of its pieces and as a result a better accommodation of these within the plate layer (860-790mm) of the respective material (plate sperm wood) generating as well the least possible amount of waste of material. BALANCÍN is a children’s seesaw toy for children between 3 and 5 years old with an approximate size of 55cm high x45cm long, which can be assembled and disassembled without the need to use any kind of glue for the union of all its trapezoidal pieces that fit together through their respective incisions. This toy allows the child to swing from front to back by means of its geometry and the gripping or supporting limbs at the front top and bottom (such as the handlebars and footrest).

Maria Paula Salamanca Millan, 4. Sem SS2022

 

process:

 

Nest | Luca Ortmann

NEST

NEST is a pendant lamp made of wood, which consists of organically shaped wooden parts, which are held together by 3 ropes. The panels rest on nodes in the ropes. The shape of the individual wooden parts is ehr undefined. The ropes, by which the wooden parts are held together, however, together form a clear sphere, which additionally brings order to the construction. The warm light of the lamp is additionally enhanced by the light wood. Despite the open construction, the lamp has its own inner life and the layered construction creates an open and warm atmosphere in the room. In the manufacture of the lamp, there is also little waste, because the individual parts fit perfectly into each other. Thus, NEST is also efficient in its production and can also be delivered or stored space-efficiently.

Luca Ortmann, 4. Sem SS2022

 

process:

 

Hugo | Lilly Kraemer

HUGO

Building with Hugo is designed to help children combine their imagination with cognitive thinking and inventiveness, to place process above outcome, and to empower them to create their own world. Without guidelines and free of everything known, the aim is to give an opportunity to give shape and form to that which cannot be captured in words.

Lilly Kraemer, 4. Sem SS2022

 

POTATOEBIKE – Lila Guédin

Potatoe bike

For this short project on Nesting, I was interested in an object that we all know: the draisienne for children. I find this object interesting with its round shapes that remind the world of play and childhood. I imagine that these shapes can be nested to lose as little material as possible during production. What I find interesting with this object is that there are already hundreds of them, it is not for me to draw or invent a new object but to find a virtuous solution for the production of an object that already has a limited life span. The shapes I designed for my bike fit together. For exemple the forks can fit into each other and the seat is placed in the center to lose as little material as possible. The different elements of the bike are like patterns with a repeating connection. The bikes are cut out of a sheet of plywood of 2.44 m by 1.44 m, 24 mm thick, and 6 bikes can be cut out of one sheet. The bike is transported flat, you assemble it yourself with bolts. It is very simple and can be done with the child for a playful moment. The size of the seat is adjustable to allow the child to enjoy this object longer even if he grows up!

Lila Guédi, Exchange Student SS2022

 

process:

 

96 – Lea Dekara & Karoline Heyde

96

96 is a chess game in which black and white aren’t opposed as usual, but round and edged pieces. Both sides have a different formal language and are nevertheless recognizable as belonging to each other. Thus, both sets have similar characteristics, such as the King’s crown and the Tower’s battlements. However, they are presented differently.
Also the playing field is not constructed as a closed surface, but is divided into seperate stones with a thickness of 10mm. Here the distinction is also not solved by colors, but the two formal languages are taken up again. The 25mm thick figures get their character by an optimal and material-saving use of the material. For example, King and Queen can be inserted into each other at their upper ends, so that no residual material is created. The first model made of polysterol gives a first glimpse of what the final design can look like in a 1:1 scale. The final prototype is to be made of solid wood, so that the figures are easy to handle with an optimal weight.
96 pieces that only play together.

Lea Dekara, 4. Sem SS2022

Karoline Heyde, 4. Sem SS2022

 

process:

 

ALIENCHAIR – Hendrik Lucka

ALIENCHAIR

The alien-chair is a lounge chair whose components can be milled from the same wood-based panel. The parts are arranged in such a way that as little material as possible is wasted. The joints between the individual parts are also milled, so that the chair can be assembled directly after milling. Plywood or so-called 3-layer boards with a material thickness of 30 mm can be used.

Hendrik Lucka, 8 Sem. SS2022 |

 

process:

HAKEN3 | Helena Wassilowsky

HAKEN3

Instead of drilling holes in walls, you can slide this hook onto different surfaces. To do this, you have to bend it in four different places. This allows it to adapt to the place where you want it to hold something.#

Helena Wassilowsky, SS2022

process:

Puzzle | Emma Johann

Puzzle

What is the impact of our meat and fish consumption on the environment? We probably all know the answer to this question, but how do you educate children about the negative environmental consequences of meat and fish consumption? PUZZLE provides a playful way to address this
current topic in a more understandable and child-friendly way.

Emma Johann, 4 Sem. SS2022

 

process:

Earwings – Clara Escobar

Earwings

Forest fairies don’t only fly with them, they also decorate themselves with ear wings. From a 5×5 cm silver sheet these seven jewels arose to shine.

Clara Escobar, 4 Sem. SS2022

 

project:

 

 

NIP | Alice Bonanomi

NIP

NIP is a short project about the harmony of organic forms. It is a silicone shell for making ice cubes with the purpose of leisure interaction. The sinuous curvy shapes of the ice forms moulded are shaped to have a firm grip facilitating interactions and designed on the proportion of the body curves. The pieces are nested together on a rectangular base of 26cmx12cm.

Alice Bonanomi, 4 Sem. SS2022

 

process:

Cliffhanger – Alexander Luczak & Jonas Fehrenbach

Cliffhanger

Cliffhanger is a sculptural wardrobe inspired by a rock face.
Made from black coated Multiplex board,  its dimension of 120 by 40 centimeters and a great number of hook like-shapes on its surface, it provides plenty of possibilities to hang jackets, coats, scarfs, caps and bags.
The structure is based on a horizontal wall-mounted hanging system, that provides a support for 6 vertical slats. Each of them is designed after a longitudinal cut of a rock face.
Using Nesting technology , the cnc mill production uses up 96 precent of a standard sized multiplex board (125 x250 cm).
The design process is based on a permanent interplay between the overall visual appearance of the assembled object and the spatial arrangement of single parts on the standard sized plywood sheet.    Hereby material efficiency as well as visual outcome are improved simultaneously.

Alexander Luczak, 8 Sem. SS2022 |
Jonas Fehrenbach, 8 Sem. SS2022 |

 

process:

 

Two UdK projects are finalists in MAKE ME! competition Łódź

In 2022 edition of the Annual Łódź Design Festival, two projects are running up in the awards.

Marie Radke is nominated with her MA project VOLTA and together with Anna Koppmann Marie is also nominated with the First Aid Gloves. This project they are currently working out for production with a Creative Prototyping Stipendium of the Udk

Make Me! is an international design contest for young designers awarded with amounts to PLN 60.000 (~EUR 13.000)!
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Ein-und-zwanzig: Marie & Matthias in Milan!

The 21 winners of the international young talent competition ein&zwanzig have been chosen.

The range of her work extends from flexible systems, seating and office furniture to multifunctional objects, lights, everyday objects and textile design, and…… Marie Radke and Matthias Gschwendtner are part of the selection with their graduation projects!

The 21 winners will be presented from June 6th to 12th, 2022 at the 60th edition of the Salone del Mobile at Officina 3, Via Tortona 31 in Milan. The coveted „Best of Best“ award will be presented on June 6, 2022. This year, the design of the exhibition is being realized by the Parisian design studio N O C O D. The winners of last year’s young talent competition will also be present

LINKS:
Marie Radke: Volta
Matthias Gschwendtner: New Sources
ein-und-zwanzig winners (filter 2022)

Die 21 Winner des international ausgerichteten Nachwuchswettbewerbs ein&zwanzig stehen fest.

Die Bandbreite ihrer Arbeiten erstreckt sich von flexiblen Systemen, Sitz- und Büro-Möbeln über multifunktionale Objekte bis hin zu Leuchten, Alltagsgegenständen und textilem Design, und…. Marie Radke und Matthias Gschwendtner sind dabei mit ihre Abschlussarbeiten!.

Die 21 Winner werden vom 6. bis zum 12. Juni 2022 anlässlich der 60. Edition des Salone del Mobile in der Officina 3, Via Tortona 31 in Mailand präsentiert. Die begehrte »Best of Best«- Auszeichnung wird am 6. Juni 2022 verliehen. Das Ausstellungsdesign realisiert in diesem Jahr das Pariser Designstudio N O C O D. Auch die Gewinnerinnen und Gewinner des letztjährigen Nachwuchswettbewerbs werden anwesend sein.

LINKS:
Marie Radke: Volta
Matthias Gschwendtner: New Sources
ein-und-zwanzig gewinner (filter 2022)

 

PYLON

PYLON – ROTATIONAL MOULDING / OBJEKTE FÜR DRAUssen
Hauptseminar ab 5. Semester – Wahlpflicht Produktdesign und Anpassungsstudium MA

Prof. Holger Neumann, WM Steffen Herm

 

ENDERGEBNISSE

FAHNEN

ENDPRÄSENTATION

ERSTE IDEEN UND MODELLE

EXPERTENBESUCH VON PHILIPP HAINKE

 

EXKURSION ZU GLOBAL SANITÄRSYSTEME NACH COSWIG

MAPPING

Die  individuellen Recherchen der Studierenden wurden als Inspiration und Orientierung mithilfe einer Mindmaps kategorisiert, geclustert und visualisiert.

UNSERE ROTATIONSGUSSMASCHINE  

SEMINARANGEBOT – COURSE OVERVIEW

Hocker von Phillip Hainke

Kontext: Das Rotationsguss- bzw. Rotationssinterverfahren ist ein Prozess zur Fertigung mittelgroßer bis sehr großer, hohler Kunststoffteile, die beispielsweise im Spritzguss nicht mehr möglich bzw. extrem teuer wären. Prinzip: Mit Hilfe von in alle Richtungen gleichmäßig angreifenden Fliehkräften werden flüssige Werkstoffe gegen die Innenwand einer Hohlform gepresst, bis diese erkaltet und der thermoplastische Werkstoff erstarrt – oder bis ein 2-K Kunststoff abbindet und sich verfestigt. Die bewusst chaotische und gleichmäßige Bewegung beim Guss ermöglicht gleichmäßige Wandstärken.

Formfaktor: Der Prozess “verlangt” geschlossene, volumige Hohlformen, die möglichst große Radien aufweisen und üppige Wandstärken vertragen.  Rotationsguss determiniert im besonderen Maße eine bestimmte Formensprache: “Blopp-Formen”. Er profitiert von geringen Formwerkzeugbaukosten im Vergleich zum Spritzguss. Zur Fertigung werden wir die vorhandene Rotationsgussmaschine in unserer Kunststoffwerkstatt nutzen. Brauchbare Materialien werden wir in Versuchsreihen experimentell ermitteln.

Aufgabe: Als Pylon bezeichnet man unter anderem ein “kegelförmiges Hütchen zur Absperrung im Straßenverkehr” (Quelle: Wikipedia). Pylonen markieren Veränderungen im öffentlichen Raum und sollen Aufmerksamkeit auf sich zu ziehen. Diese Eigenschaften stellen den Ausgangspunkt für die gestalterische Übung zum Thema Rotationsguss dar. Die zu entwerfenden Objekte sollen outdoortauglich, wasserfest und vandalismussicher sein. Sie sollen als Objekte dienen, die für (Gruppen)-Outdoor Aktivitäten und Events dienlich sind und als kleine Helfer genutzt werden können: Als Podest, Poller, Abgrenzung, als improvisiertes Sitzmöbel oder Ablage, eventuell in Kombination mit anderen Objekten (Outdoortaugliche Profile oder Halbzeuge). Sie können sicherheitsfördernd konzipiert sein und sind in den Bereichen Straßenfest, Urban Gardening, Spiel, Sport Verkehr und Bau zu finden.

Voraussetzungen
– Regelmäßige Teilnahme am Seminar
– Vortrag
– Präsentationen

Abgabe
– Prototyp
– Dokumentation
– Poster
– Kurz-Video

Betreuer
Prof. Holger Neumann
WM Steffen Herm

THE MISFIT (IN US) | ISABEL MEIER KOLL | BA 2022

THE MISFIT (IN US) | Bachelorarbeit 2022

The MISFIT (in us) ist einen Geschichte über den ersten Eindruck. Sie widmet sich dem Eingangsbereich unseres Zuhauses. Diese wenigen Quadratmeter sind Zeugen unserer täglichen Abreisen und Ankünfte die von einer Vielzahl an Stimmungen und Bedeutungen begleitet werden. Es ist die Übergangszone zwischen Innen und Aussenwelt. Sie steht für Sicherheit und Geborgenheit, ein Ort wo wir uns nach einem langen Tag fallen lassen können, aber auch für einen Bereich der unangenehme Stille und die Empfindung von Einsamkeit auslösen kann, wenn die Tür erst einmal hinter uns ins Schloß gefallen ist. Neben diesen Eigenschaften übermitteln wir der Welt durch diese besondere Zone, den ersten Eindruck von unserer Wohnung . 

Um die Routinen und Handlungen die mit dem Betreten und Verlassen des Zuhauses einhergehen besser organisieren zu können, wurden mannigfaltigste Garderoben und Ordnungssysteme entwickelt. Aber um ehrlich zu sein: Egal wie sehr wir uns bemühen und welche gut durchdachten Garderobensysteme wir installieren, Dinge sammeln sich an!!!

Es gibt immer Gegenstände, die sich zu weigern scheinen in den bestehenden Systemen einen Platz einzunehmen. Entweder gebrauchen wir sie zu unregelmäßig, wie etwa Regenkleidung oder Kleiderbürsten oder das Leben selbst spült sie herein, wie zum Beispiel Sandspielsachen und die  berüchtigte Stocksammlung des Nachwuchses.
Es scheint fast so, als führten die Dinge ein Eigenleben. Sie trachten nach unserer Aufmerksamkeit, sie geben uns Hinweise über unsere bewussten wie auch unbewussten Handlungen. Und ob wir uns nun dessen gewahr sind oder nicht, wir sind mit ihnen verbunden. Wir teilen eine Geschichte. Die Dinge könnten anfangen zu sprechen. Lernen wir, ihnen zuzuhören!…

Der Entwurf : Auf Grundlage eingehender rezeptiv-projektiver Dialoge mit diversen kategoriesträubenden Gegenständen die den heimischen Flur dafür umso hartnäckiger zu bevölkern scheinen, entstanden  drei skulpturale Objekte mit Nutzungsangeboten, die als eigenwillige Wohnungen dieser Alltagsgegenstände verstanden werden können. In  The MISFIT (in us ) geht es nicht primär darum eine praktikable und funktionalen Lösung, im Sinne des Wortes „(los)-lösen“ zu finden!

Vielmehr stand im Vordergrund eine (Rück)-Verbindung, zu diesen Objekten zu schaffen, die auf Grund ihrer zweckerfüllenden schlichten und gewöhnlichen Charakteristik nicht zum Kult oder gar Fetischobjekt taugen und bei kleinsten Mängeln oder Überdruss drohen, leichtfertig gegen eine neuere Ausgabe eingetauscht zu werden. Der Titel MISFIT (in us) deutet auf ein Wechselspiel hin: Der Name MISFIT steht sowohl für die Unangepasstheit des Gegenstandes, wie auch für das Unangepasste, Chaosstiftende, Unbewusste, Imperfekte in uns, das sich unserer Konrolle entzieht und das wir meist vor anderen zu verstecken versuchen. Diese Arbeit darf als Einladung verstanden werden sich diesem Phänomen liebevoll mit einem Augenzwinkern zu widmen und sich die Frage zu stellen, wie ein ganz individueller MISFIT im eigen Zuhause aussehen könnte?

The MISFIT (in us) is a tale of a first impression. It addresses the entrance area of our home. These few square meters witness or daily departures and arrivals which are connected to a variation of moods and meanings. It´s the transmission zone between private space and outside world It stands for comfort and saftyness where we can let go after a long busy day, but also for a location where we can experience uneasy silence and lonelyness once the door locks behind us… Besides these facts it´s the first impression of our home which we display to the world.
To organize the routines and actions which come with entering and leaving the flat we have developed manifold   coatracks and shelfing systems. But to speak the truth: No matter how hard we try and no matter which coat rack we pick, stuff happens!!!

There are always some items which refuse to fit into categories, either because we don´t need them regularly enough, like für example raingear and clothes brushes, or because life itself floods them in the entrance zone like sandbox toys  or the famous  wood stick collection of the offspring. It seems like the objects have a life of their own. They demand our attention, give us hints  about our conscious but also non aware routines. And no matter if we are aware of it or not, we are connected to them. We share a story! The things might start speaking. Let´s learn to listen!…

The project: On base of detailed receptive and projective dialogs with differenet category restisting items, which seem to be even more persistent when it comes to inhabiting the hallway at home, resulted three sculptural objects with offers to use. They can be interpreted as extraordinary habitations for these daily objects. The main focus in The MISFIT (in us) was not to find a practical and functional solution in the meaning of  „getting detached“  or „getting rid“ of  something! The focus was more on finding a (re)-connection to these items, which are due to their plain, common and purposeful character not that suitable to stand for cult or fetish objects. Rather they are threatend to be replaced easily, once they show their first defects or one gets tired of them.

The title MISFIT (in us) indicates an interplay: The name stands for the not fitting item as it does for the not fitting, chaos-making, unconcious, imperfekt parts in ourselves. These parts  tend to slip out of our control and  we often try to hide them from others. This work is an invitation to devote ourselves to this phenomenon with a wink of an eye and in a caring manner. It comes with the question: How would your individual MISFIT look like in your home?

 

Prozess

Betreut durch

Prof. Ineke Hans, Prof. Jozef Legrand, WM Martin Beck

 

Kimia & Sany receive creative prototyping stipendium x sustainablity!

vorkoster / taster

Founders: Kimia Amir-Moazami and Sany Chea

Mentor: Prof. Ineke Hans

funded by: Creative Prototyping x sustainability – the Berlin startup grant at the UdK Berlin

The taster is a product that makes the deterioration of food visible in color. It is used as a lid for all sorts of containers in which food is stored. Its shape is a homage to the upside-down plate, which is often used to cover food. In the middle is a pH-sensitive film that reacts to the spoilage of protein-containing foods by changing color. The color of the lid shows us when the food should no longer be consumed or it reminds us unobtrusively and analogously to use the food in our refrigerator before it becomes inedible.

The Berlin Startup Scholarship is funded by the European Social Fund and the State of Berlin (Senate Department for Economics, Energy and Businesses), more info

 

Anna & Marie receive Creative Prototyping Stipendium X Sustainability!

FIRST AID GLOVES

Founders: Anna Koppmann and Marie Radke

Mentor: Prof. Ineke Hans

funded by: Creative Prototyping x sustainability – the Berlin startup grant at the UdK Berlin

The Berlin Startup Scholarship is funded by the European Social Fund and the State of Berlin (Senate Department for Economics, Energy and Businesses), more info

The human brain decides within eight seconds whether to initiate first aid measures or not. In emergency situations, only every third accident victim in Germany receives first aid, which many people pay for with their lives every year. The greatest inhibitions when carrying out first aid measures are the fear of touching strangers, little knowledge about first aid in emergency situations and the associated lack of practice. The First Aid Gloves combine the basic protection of disposable medical gloves with helpful first aid instructions. They ensure patient and self-protection and, by overcoming inhibitions, promote willingness to provide first aid. The printed medical latex gloves use internationally understandable pictograms to create a safe and intuitive framework for dealing with a hectic emergency situation. On the left hand is a first aid checklist. The right glove is printed with instructions on how to perform chest compressions. The First Aid Gloves impress with their compact and wallet-friendly packaging and are therefore immediately ready for use.
The First Aid Gloves should help, give courage and ultimately save lives.

CONVIVIO | SILVA ALBTERTINI | BA 2022

CONVIVIO | Bachelorarbeit 2022

Convivio ist ein räumlicher und metaphorischer Raum, welcher dem geselligen Miteinander und dem geselligen Speisen gewidmet ist. Die Wurzel des Wortes Convivio bedeutet “Zusammenleben”, “Teilen von Lebenserfahrung” und erinnert gleichermaßen an den mit Essen gedeckten Tisch (Lat. Convivium). In diesem Begriff verdichtet sich die Essenz meiner Analyse und die darauf folgende Entwicklung meines Projekts: Die Definition eines Ortes, der dem Teilen gewidmet ist und der ein Katalysator für Geselligkeit sein soll.

Es handelt sich um eine räumliche Intervention in Form einer höhenverstellbaren Kuppel, welche an der Decke hängt und über dem Tisch die Speisende schwebt. Diese zieht durch ihre architektonische Präsenz eine räumliche und konzeptuelle Linie um der Tafel. Unabhängig von dem räumlichen Kontext, in dem sie positioniert wird, stellt Convivio eine Einladung dar sich am Tisch niederzulassen und steht für die Absicht, sich Zeit für das gemeinsame, gesellige Speisen zu nehmen, welches in unserem Alltag ein sehr wichtiger Akt ist.

Dank eines Gegengewichts, das in der Mitte der Kuppel hängt, kann sie vom Benutzer, der unter ihr sitzt, auf der vertikalen Achse bewegt werden. Das Anheben und Absenken der Kuppel versetzt den Benutzer an einen Raum im Raum und ermöglicht ihm, den Grad der Intimität selbst zu bestimmen. Convivio dient auch als sensorischer (Appetit-) Anreger: Die Sicht nach außen wird durch die Kuppel eingeschränkt, damit es zu keiner visuellen Ablenkung kommt und die Konzentration auf das Geschehen im Innenraum und auf die Gäste fokussiert bleiben kann. So bekommen die übrigen Sinne die Möglichkeit sich zu entfalten. 

Die Körbe, in denen die Speisen auf speziell angefertigte Teller gelegt werden, stehen symbolisch für die Mahlzeit und dienen als dekorative Elemente, die mit ihrer besonderen Form und den leuchtenden Farben dazu beitragen, eine einladende Atmosphäre zu schaffen. Diese Körbe haben Öffnungen, die den Duft der darin befindlichen Mahlzeit freisetzen, so erst die Neugierde wecken und dann zum langsamen Essen verleiten. Convivio lässt sich von der Architektur der Nomadenzelte inspirieren, insbesondere das subsaharische Beja-Zelt, den angestammten Behausungen, die unsere Spezies seit jeher bewohnt hat und dessen Umgebung uns instinktiv ein Gefühl von Schutz und Häuslichkeit vermittelt. 

Convivio stellt eine Weltanschauung dar und ist eine Hommage an der Konvivialität.

Convivio is a physical and metaphorical space dedicated to convivial togetherness and convivial dining. The root of the word convivio means „living together“, „sharing life experience“ and is equally reminiscent of the table set with food (Lat. convivium). This term condenses the essence of my analysis and the subsequent development of my project: the definition of a place dedicated to sharing meals and intended to be a catalyst for conviviality.

It is a spatial intervention in the form of a height-adjustable cupola that hangs from the roof above the dining table. Through its architectural presence, the cupola draws a conceptual line around the table. Regardless of the spatial context in which it is positioned, Convivio represents an invitation to take a seat together and stands for the intention to take time for shared, convivial dining, which is a very important act in our everyday lives. Thanks to a counterweight hanging in the middle of the cupola, it can be moved along the vertical axis by the user sitting underneath it. By raising and lowering the cupola the users are transported to a space within a space and they are able to determine the degree of intimacy themselves. 

Convivio also amplifies the sensory aspect of the shared meal: the view to the outside is restricted by the cupola so that the concentration can remain focused on the inside, on the guests and on the meal. This gives the other senses the opportunity to unfold, enhancing the experience of sharing and conviviality. Colorful and variously shaped baskets are placed on the table: food is served in these baskets, and they  contribute to create an inviting and cozy atmosphere. Through special openings at the top of these baskets, the scent of the food is released and slowly spreads around the room. 

Convivio draws inspiration from the architecture of nomadic tents, particularly of the sub-Saharan Beja tent. These tents are the ancestral homes that our species has inhabited since earliest times and their environment instinctively gives us a sense of shelter and domesticity. For this reason, a low table with floor seating was also designed for it. 

Convivio represents a worldview and is a tribute to conviviality.

 

 

Prozess

 

Betreut durch

Prof. Ineke Hans, Prof. Jozef Legrand, WM Maciej Chmara

Kontakt

www.silva-albertini.com

PlanA | JULIUS TERHEDEBRÜGGE | BA 2022

PLAN A | Bachelorarbeit 2022

Mit PlanA wird die Interaktion mit den uns lieb gewonnenen Objekten am Leben gehalten. Die Objekte stehen nicht nur im Raum und bekommen einmalig ihren festen Platz zugewiesen, sie treten auch für uns selber neu in Erscheinung. PlanA lädt dazu ein, damit zu spielen, wie die Objekte präsentiert oder kaschiert werden können. Es wird kein definierter Zustand von geschlossen oder geöffnet erzeugt, sondern ein fließender Übergang entsteht. Das Regalsystem präsentiert, je nach Perspektive, verschiedene Inhalte. Die Objekte können mit den unterschiedlichen Farbpaneele aus recyceltem Acrylglas unterschiedlich hervorgehoben. Mit den Podesten, die auf den gleichen Schienen wie die Farbpaneele laufen, können Objekte noch zusätzlich hervorgehoben werden. Durch das statisch architektonische Erscheinungsbild der Konstruktion und die Farbauswahl der Arcylglas-Paneele, die zu einem farbenfrohen Lichtspiel führen, entstehen Kontraste, die eine Spannung und zugleich Harmonie erzeugen.

PlanA hat eine enorm hohe Variabilität, es kann als Raumtrenner, da es von beiden Seiten “bespielt“ werden kann, als Bücherregal oder als Regal für die Lieblingsobjekte funktionieren, sowohl im privaten Bereich als auch in einer Office-Situation. Die Beine von PlanA sind so gestaltet, dass die Farbpaneelen durch sie hindurchgeschoben werden können, sie sind also nicht wie bei vielen anderen Regalsystemen die limitierende Instanz. PlanA lädt dazu, ein, die Objekte wieder häufiger in die Hand zu nehmen und mit ihnen zu interagieren. Die Objekte stehen nicht mehr einfach in einer Vitrine, sondern können immer wieder neu in Szene gesetzt, oder auch je nach Belieben eher kaschiert werden.

Farben sind enorm wichtige Informationsträger und daher aus unserer Welt der Kommunikation kaum noch wegzudenken. Farben können helfen besser zu differenzieren, Dinge zu verdeutlichen, aber sie können auch Emotionsträger sein. Dieser Umstand wird besonders deutlich, wenn man sich vor Augen führt, dass wir etwa zweihundert Grautöne voneinander unterscheiden können, aber ungefähr 16 Millionen unterschiedlicher Farbtöne. Das recycelte Acrylglas, bietet sehr viele Möglichkeiten, um mit den Objekten, die präsentiert werden sollen, auf unterschiedlichste Weise interagieren zu können. Wenn ein Objekt vor einer der Scheiben steht, kommt es deutlich anders zur Geltung als wenn es vor einer weißen Fläche steht. Werden zwei unterschiedliche Farben, durch das Verschieben der Farbpaneele, übereinander gelagert, können Objekte dahinter komplett verschwinden. Ziel der Farbauswahl war, Farben zu wählen, die eine Strahlkraft haben und zum Spielen einladen, allerdings die Aufmerksamkeit nicht zu sehr auf sich ziehen und den zu präsentieren den Objekten noch genügend Raum zum Atmen geben. Außerdem war es wichtig, dass das Acrylglas zu 100 % recycelt und auch weiterhin recycelbar ist. Daher wurde für den Bau des Prototyps Acrylglas der Firma Madreperla aus der pro Produktpalette Greencast ausgesucht, mit den Farbtönen: Greencast 71059 grün 3 mm, Greencast 71231 lila 3 mm, und Greencast 71112 fluor gelb 3 mm.

With PlanA, the interaction with the objects we love is kept alive. The objects not only stand in the room and are assigned their fixed place once, the objects always have a different appearance to us. PlanA invites you to play with how the objects can be presented or concealed. There is no defined state of closed or open, but a smooth transition is created. Depending on the perspective, the shelving system presents different objects. The objects can be highlighted differently with the different coloured panels made of recycled acrylic glass. With the pedestals, which run on the same rails as the color panels, objects can be additionally highlighted. The static architectural appearance of the construction and the color selection of the acrylic glass panels, which lead to a colorful play of light, create contrasts that create tension and harmony at the same time.

PlanA has an enormously high variability, it can function as a room divider, since it can be „played on“ from both sides, as a bookshelf or as a shelf for your favorite objects, both in the private area and in an office situation. PlanA’s legs are designed in such a way that the colour panels can be pushed through them, so legs are not the limiting instance as with many other shelving systems. PlanA invites you to take the objects in your hands more often and to interact with them. The objects no longer simply stand in a showcase, but can be staged again and again, or even concealed as you wish. Colours are enormously important carriers of information and it is therefore hard to imagine our world of communication without them. Colours can help to differentiate better, to make things clearer, but they can also carry emotions. This fact becomes particularly clear when you realize that we can distinguish about 200 shades of gray from each other, but about 16 million different shades of colour.

The recycled acrylic glass offers many possibilities to interact with the objects and present them in a wide variety of ways. When an object is placed in front of a coloured surface, it appears significantly different than when it is placed in front of a white surface. If two different colours are overlapped by moving the colour panels, objects behind them can disappear completely. The aim of the colour selection was to choose colours that have a radiance and invite you to play, however not draw too much attention to themself and give the objects wich is to be presented visually enough room to breathe. It was also important that the acrylic glass be 100% recyclable and continue to be recyclable. Therefore, for the construction of the prototype, acrylic glass from the company Madreperla was selected from the Greencast pro product range, with the colours: Greencast 71059 green 3 mm, Greencast 71231 purple 3 mm, and Greencast 71112 fluorescent yellow 3 mm.

 

 

 

 

Prozess

 

Betreut durch

Prof. Ineke Hans, Prof. Holger Neumann, Prof. Jozef Legrand

 

 

YOU & ME RICEBOWLS | En Kitani

 

 

YOU & ME RICEBOWLS

Husband and wife rice bowls* (a pair of rice bowls) have been one of the typical and traditional wedding gifts in Japan up until now.
Rice plays a very important role in the diet of some Asian countries including Japan. For Japanese people, generally it is very common for them to have their own rice bowl. They choose their rice bowl by design, colour, size, material, or texture in order to use it comfortably every single day. Originally rice bowls are selected by people’s own degree of comfort. However, if two people are to use „husband and wife rice bowls“, I would strongly suggest the rice bowls to be not just a pair of bowls, but something that are more meaningful, interweaving the concept of “Showing respect even if you are close to each other” from the Japanese proverb.

Partnership is supposed to be something beautiful and precious.
However we often forget how hard it is to find a partner, and how valuable a relationship and a partner are. We should still show respect to our partners. even as time goes by we may just become careless to them. We should not take their presence for granted.

The design of “You and Me Rice Bowls” is inspired by the Japanese expression “meshing gears” which means (for things or a relationship) to be in sync with each other. The wavy surface of the bowls represents our individual aspects, characters and also each of us has different perspectives on life. Some, but not all of them can be engaged like gears meshed together,  making the partners special to each other. Each bowl is unstable without any support—it can’t stand on the table alone. One is required to hold it all the time during the meal. As the person holds it, by putting their fingers between the wavy parts, it allows them to feel like they are holding their partner’s hand.
The rice bowls become stable if two of them are put together.

Every time someone uses it, it provides them an opportunity to re-think about their partner and re-consider how valuable their partner is— how hard it is to maintain a healthy partnership without care, sympathy, respect and effort required of each other, as well as thankful and grateful feelings towards their  partner to struggle together.

*“Husband and wife rice bowls” is the direct translation of the original name of the product in Japanese. Since partners should not be limited to husbands and wives, I have created a substitutional name for this product with a wish.

 

Spree other accesses – Jan Colomer

Spree other accesses

The purpose of this project is to explore the different correlations between the Spree and the actors that interact with it (architecture, flora and fauna, citizens, authorities, climate, industry…). The aim of the research is to react —through the tools of design— to the following questions: How can the Spree be reactivated as a public space while repairing the exploitative processes it suffered in the last centuries? How can a win-win relationship be achieved, in which humans not only take but also give something back to the river?

 

 

Rotation – Sebastian Schwindt

rotation

2/7„Die Umwandlung mechanischer Energie in Wärmeenergie und die Um-wandlung der geradlinigen Bewegung in die Drehbewegung sind die zwei grundlegenden Naturgesetze, mit denen der Mensch Vorausset-zungen schuf, sich die Dinge der Natur nutzbar zu machen.“ Vor dem Hintergrund meiner eigenen Herkunft und der geografi-schen Nähe zum Erzgebirge wurde ich früh durch das Spielzeug und die Weihnachtsobjekte aus dieser Region geprägt. Die kindliche Leichtigkeit der Farbkombinationen und die freien Anordungen simplen geometrischen Körper zog mich als Kind in ihren Bann und faziniert mich bis heute.Im Rahmen des Masterstudiums möchte ich mich – als Designer und meinem Interesse an der sozialen und gesellschaftlichen Bedeu-tung von Handwerk – mit einer der ältesten Fertigungstechniken, dem Drechseln auseinandersetzen. Diese Handwerkskunst reicht weit in der Menschheitsgeschichte zurück und findet sich in verschiedensten Kulturkreisen wieder. -Wo liegen die Grenzen eines im subtragtiven Verfahren herge- stelltem Rotationskörper heute? -Lassen sich Atribute von Wertigkeit durch zeitgenössische Verfahren transformieren? -Inwiefern repräsentiert die Handwerkstradition einen realen, sozialen Kontext? -Wie kann ihre experimentelle Weiterführung zur Entwicklung von nachhaltigem Design anregen?Um dieses Spannungsfeld zwischen erzgebirgischerHandwerkskunst und dem Drechseln als zukunftsorientierteFertigungstechnik zu eröffnen, möchte ich Forschungsreisenin diese Region unternehmen, mehr über den technologischenStand der Herstellungsverfahren verstehen, Kunsthandwerker*innenkennenlernen und mögliche Kooperationspartner*innen für meine Masterarbeit finden. Die gewonnenen Erkenntnisse möchte ich in abstrahierter Form weiter in eine Reihe von Rotationskörpern übersetzen – als Evolutionskette, deren Kernelemente verknüpft und im einzelnen Objekt zum Ausdruck gebracht werden.

 

-Was zeigt uns/mir wann ein gedrechseltes Element hergestellt wurde?

-Ab wann löst sich das Objekt aus aus der Tradition, bedient sich ihrer Technik zeigt aber ganz klar die Gegenwart. Durch Herstellung eigener Verbundwerkstoffe basierend auf na-türlichen und künstlichen Ausgangsstoffen möchte ichMuster ausarbeiten. Diese Muster, welche durch 3d Formen ent-stehen möchte ich auf ihre Abhänigkeiten untersuchen und kate-gorisieren.Mir geht es darum auf der Grundlage von holzhandwerklichen Verarbeitungswegen neue überraschende Richtungen durch Materi-alexperimente zu finden.Es ist auf der einen Seite die Annäherung über Materialexperi-mente hin zu einem Halbzeug in Form von Stangen, oder Leisten. Leisten welche aus den verschiedensten Materialien und Farben kombiniert werden um dann Ausgangsmaterial für die Weiterver-arbeitung zu werden.Dabei möchte ich mit Kombinationen aus Laubholz, Valchromat, Kunststoff und Acrylic arbeiten. Ich kann mir vorstellen das sich auf der Suche noch mehr zeigen wird, was sich von hieraus noch nicht absehen lässt.Das Freilegen von Mustern stellt eine Zwischenstufe auf dem Weg der Materialexpermente dar.Ich halte kurz inne und lege, mit Fokus auf entstehende Muster gewisse Parameter fest.Die Parameter ergeben sich aus zwei Faktoren. Zum einen aus der Zusammensetzung von unterschiedlichen Materialien nach Kriterien wie Farbe, Größe, Anzahl der verbunden Teile, Anord-nung im Raum und Größenverhältnisse zu einander.Zum anderen aus den angewendeten Profilen, deren Wiederholungen und Streckenabschnitten, also deren Längen ausschlaggebend-sind.Gedanklich sehe ich ein Spannungsfeld zwischen der technischen Transformation und der Gestaltung der Materialkombinationen.Diese Dialogpartner tretten in einen Austausch und bilden die Basis eines Gestaltungsdialogs. T: Was ist mit der Reproduzierbarkeit? M: Keine Ahnung, ich will mich erstmal überraschen lassen .T: Ja ok klingt gut, aber willst du am Ende nicht auch perfekt aussehen? M: Hmm, vielleicht…

 

SEBASTIAN_SCHWINDT_362326_MA-Technologie

SEBASTIAN SCHWINDT_362326_PERSONAL_REPORT_DDW&BASF-min

 

Sebastian Schwindt , MA WS2021/22 –

 

 

 

Reparatur – Niklas Böll

Reparatur

Der alltägliche Umgang des Menschen ist mit Artefakten bestimmt. Der überwiegende Teil dieser Gegenstände ist Ergebnis der industriellen Produktionsweise, ebenso wie die Materialien und die Werkzeuge aus denen sie hergestellt sind. Mit dem heranwachsen zurweltweit bestimmenden Warenproduktion in der Mitte des 19. Jahrhunderts, verloren veraltetete Fertigungsmethoden im handwerklichen Sinne an Bedeutung. Der Anfänglich gute Wille der Industrialisierung, Produkte zu günstigeren Preisen und einer Breiteren Maße verfügbar zu machen schlug jedoch um, in ein Wettrennen um das billigste Produkt in der Weltwirtschaft. Der Mensch verlor das Gespür und die Verbindung zu angeboten Produkten und Objekten des alltäglichen Lebens und aus einem Reparieren und Retten wurde ein Ersetzten.Da mein Vater als Restaurator tätig war, entwickelte ich bereits als Kind großes Interesse an Materialien und deren Gestaltung. Unter seiner Anleitung konnte ich früh verschiedene Techniken der Holzbearbeitung erlernen und einen Einblick in die Vielfalt der Materialien gewinnen. Von einfachen handwerklichen Tischlerarbeiten bis hin zu aufwendigen Oberflächengestaltungen wurde ich in sämtliche Bereiche der Restaurierung eingeführt. Diese frühen Erfahrungen entwickelten sich zu einer Leidenschaft für Gestaltung und die beteiligten Prozesse. Dort fand ich zu neuen Sichtweisen und Erfahrungen in meiner gestalterischen Praxis und konnte meinen kreativen Horizont durch kritische Reflektion erweitern. Anfangs beschäftigte ich mich mit unterschiedlichen Herstellungsprozessen und vertiefte mein Wissen in der Materiallandschaft. Später konnte ich diese Auseinandersetzung durch mein Engagement als Tutor im Fachbereich Technologie und Konstruktion bei Prof. Holger Neumann professionalisieren und fand dabei viel Unterstützung. Nach der umfassenden Auseinandersetzung mit der Materialität Holz und seinen Eigenschaften in meiner Bachelorarbeit möchte ich mich während des Masterprogramms tiefer in das Thema Reparatur und Konservierung im Kontext Nachhaltigkeit und Ästhetik einarbeiten. Durch meinen Vater wurde ich früh an das Universität der KünsteMA WS 2021/22Niklas Böll
Wiederherstellen von Objekten und Möbeln, welche bereits als wirtschaftliche Totalschäden abgestempelt wurden, herangeführt und entwickelte so ein Bewusstsein für Nachhaltigkeit und den ideellen Wert von Objekten, welcher über den reinen Produktwert hinausgeht. Dabei fasziniert mich die Veränderung eines Materials, die durch Benutzung im Alltag, Witterung oder anderweitige Alterung entsteht. Risse tun sich auf, Verfärbungen entstehen, Narben werden zum festen Bestandteil eines Objekts. So kann zum Beispiel die Front eines Schellack polierten Möbelstücks, welche der Sonne ausgesetzt ungleichmäßig bleicht und so die Farbe verändert, dem ganzen Objekt eine neue Ästhetik verleihen. Vormalige Mängel und Irritationen werden zu unverkennbaren Charakterzügen und Qualitäten, welche dem Objekt eine einzigartige Erscheinung geben. Die Reparatur wird ein Teil der individuellen Geschichte des Objekts. Die tagtäglich auf dem Holztisch abgestellte Kaffeetasse, welche ringförmige Verfärbungen auf der Tischplatte hinterlässt und dem Tisch einen individuellen Stempel verpasst; der von meinem Großvater immer wieder reparierte Holzschemel, welcher durch jede Ausbesserung ein neues Detail erhält diese ganz eigenen Ästhetiken und die dabei erzählten Geschichten interessieren mich. Zudem möchte ich untersuchen, in welcher Verbindung der Mensch zu einem Objekt steht und was ein Objekt individuell macht und an persönlichen Wert gewinnt. Inwiefern steht dies mit dem Kunsthandwerk und dem Handwerk und der Produktion in Verbindung, sind es die Materialien, die Spuren der Herstellung, oder einfach nur die Erinnerungen, die uns eine Beziehung mit einem Objekt eingehen lässt?! Interessant ist es hier einen Blick auf die japanische Tradition der “Keramikreperatur“ zu werfen, dem sogenannten „Kintsugi“. Hierbei werden gebrochene Teile in die Ursprüngliche Form gesetzt, jedoch bleibt die Bruchstelle sichtbar, bzw. wird sie hervorgehoben und somit ein Teil des Objektes. Anstelle an Wert zu verlieren, gewinnt das Objekt an Wert und wird meist kostbarer als zuvor. Hier steckt die Ästhetik nicht in der Perfektion, sondern im Fehlerhaften, im Vergänglichen, im Alten. Universität der KünsteMA WS 2021/22Niklas Böll
Im Rahmen des des Moduls 2 möchte ich mich ausführlich mit dem Thema auseinandersetzen und dabei ein Gestaltungskonzept entwickeln, welches auf den Einsichten und Kenntnissen aufbaut, die ich durch eine hybride Arbeitsweise zwischen theoretischer Recherche und praktischer experimenteller Arbeit mit verschiedenen Materialien erlangen möchte.

Im schriftlichen Teil meiner Masterthesis möchte ich mich im Spannungsfeld der Perfektion und des Fehlerhaften in der Gestaltung und der Produktion bewegen. Ich möchte erörtern was Fehlerhaftigkeit für uns in der Gesellschaft bedeutet und wie wir sie Aufnehmen. Unter anderem möchte ich mich mit den Fragen befassen, wie sich die Ästhetik durch umstellen in der Produktion, vom Handwerk hin zum Industriellen bis ins Digitale Zeitalter verändert hat. Fabriken und Fließbandproduktion wuchsen zur produzierenden Größe heran und prägten ein neues Erscheinungsbild der Produkte.Die Individualität, die durch das Handwerk einem jedem Werkstück hinzugefügt wurde, wurde durch ein gleichbleibendes, auf Perfektion ausgelegtes Produktergebnis ersetzt. Die Form und die Materialität der Produkte wurde dem Herstellungsverfahren angepasst. Organische Materialien wurden durch anorganische, leichter zu verarbeitende Materialien ersetzt. So wurde z.B. aus dem ungleichmäßigen Werkstoff Vollholz ein gleichmäßiger anorganischer Werkstoff, wie die Pressspannplatten, welcher wesentlich leichter zu verarbeiten ist.Das Kennzeichen dieser Produktion, der Serienproduktion, ist die sich wiederholende und Zielführende Schaffung eines gleichbleibendes Produkts. Was bedeutet Fehlerhaftigkeit in der Gestaltung? Wieso verspürt die Heutige Gesellschaft den Drang zur Rückkehr zum Individuellen? Interessant ist es hier zu betrachten, wie die Industrie reagiert und durch Prozessgestaltung sich diesem Trend anpasst. Erahnen lässt es sich durch Projekte von Firmen wie “Motel A Mio“, Diese wirbt gar mit Einzigartigkeit auf der eigenen Webseite und bietet Handgefertigte Keramik einer breiten Maße an, welche im Gegensatz zum sehr teuren, handgefertigten Keramik aus der Boutique erschwinglich wirkt. Dieses Verschwimmen von Handwerk und Industrie ist eine Entwicklung die ich ästhetisch und aus einer sozialen Perspektive sehr interessant finde und in meinem schriftlichen Teil meiner Masterthesis untersuchen möchte.

 

Kurzzeitprojekt_Niklas

Master_Modul1_Dokumentation_Niklas_Böll

Niklas Böll, MA WS2021/22 –

 

Transfloralismus – Kim Kuhl

Transfloralismus

Von ‘Transfloralismus’ und Arten übergreifendem Design  In meiner Masterarbeit untersuche ich spekulativ wie ein soziales Kommunikationsnetzwerk  für Bäume in Städten gestaltet werden kann. Ein holistischer Designansatz, in dem natürliche und künstliche, menschliche und nichtmenschliche Akteure miteinbezogen werden, setzt dabei die Basis für ein Projekt, das im stark anthropozentrisch geprägten Ökosystem Stadt die Bedürfnisse und Potentiale nichtmenschlicher Spezies berücksichtigt.  Inspiriert von verschiedenen post anthropozentrischen Ansätzen, steht das Bewusstsein für die Interdependenz und die bewusste Auflösung des Dualismus von Natur und Kultur im Fokus.  Bäume in Städten sind im Anthropozän starken Stressfaktoren ausgesetzt: Platzmangel, Schadstoffe, verdichteter Boden, Schatten, städtische Hitze- und Trockenperioden.  Funktionale und technische Anforderungen der Menschen werden in der Stadtplanung strukturell vor die Bedürfnisse der Bäume gestellt. Während Waldbäume über ihre Wurzeln und Mykorrhiza Pilze kommunizieren (auch ‘Wood Wide Web’ genannt) und in einem sozialen Interspezies Gefüge auf höchst intelligente Art und Weise für das gemeinschaftliche (Über-)Leben kooperieren, sterben immer mehr Stadtbäume als Folge unserer anthropozentrischen Integration und Haltung im urbanen Raum als auch der individualistischen Sicht auf den Baum als Einsiedler. Dabei sind vor allem gesunde Stadtbäume im kollektiven Kampf gegen die Klimakrise essentiell notwendig: Sie kühlen als natürliche Klimaanlage unsere schwülen Asphalt- und Betonlandschaften, sie reinigen und produzieren unsere Luft als ‘grüne Lunge’ der Stadt, sie tragen positiv zu unserer psychischen Gesundheit bei und sind Lebensraum für andere Lebewesen, die wiederum in zahllosen anderen Teilen unseres städtischen Ökosystems ihren Dienst leisten. Für ein baumgerechtes Leben in der Stadt, müssen wir Bäume als ‘Social Player’ ernst nehmen und ihnen ein soziales Kommunikationsnetzwerk ermöglichen, das ihnen erlaubt ihre Bedürfnisse und ihren Zustand zu kommunizieren. Dabei ist zu beachten, dass das Ökosystem Stadt im Gegensatz zum Wald von der Technosphäre dominiert wird und es neben natürlichen menschlichen und nichtmenschlichen Akteuren auch künstliche und ‘tote’ Akteure umfasst, die in der Gestaltung eines sozialen Kommunikationsnetzwerks als Kooperationspartner der Bäume in Frage kommen. Mit diesem Gedankenschritt geht ein grundlegendes Umdenken des romantischen Naturbegriffs einher. Die über Jahre verankerte ideelle Distanz von Natur und Kultur soll aufgelöst werden und der stetige Ausbau der Technosphäre soll die Biosphäre nicht mehr überlagern, sondern sich mit ihr verweben.


MA Modul 1_Kim Kuhl_dokumentation (2)(1)-min


Kim Kuhl, MA WS2021/22 – 
      



DUNKELGRÜNESBLAULICHT | Lilly Krämer

DUNKELGRÜNESBLAULICHT

dunkel grünes blau licht ist ein Versuch die Lampe zu entlasten.

dunkel grünes blau licht arbeitet mit dem was es hat und verstärkt, lenkt, färbt und verformt es. Ohne Umwege und unabhängig von äußeren Faktoren kann es Innenräume verändern und ihnen Charakter verleihen. 

dunkel grünes blau licht bietet die Möglichkeit, tiefer liegende Gebäudebereiche natürlich zu belichten, indem sie die Beleuchtungsstärke in der Raumtiefe erhöhen und damit für eine gleichmäßigere Ausleuchtung sorgen. Dadurch lässt sich der Energieverbrauch für eine künstliche Beleuchtung deutlich senken. 

dunkel grünes blau licht fordert die Auseinandersetzung zwischen Mensch und Licht, mit der Hoffnung sie so eine Beziehung aufbauen zu lassen. Durch die persönliche Adaptierung mit dem natürlichen Licht soll dringend notwendige Wertschätzung gewonnen werden.

dunkel grünes blau licht is an attempt to de-stress the lamp from its job. 

dunkel grünes blau licht works with what is given and amplifies, directs, discolours and deforms it. Without distraction and independent of its surrounding, it can change interiors and give them character. 

dunkel grünes blau licht offers the possibility of naturally illuminating deeper areas of a building by increasing the lighting intensity in the depth of the room and thus providing more uniform enlightenment. This significantly reduces the energy consumption for artificial lighting. 

dunkel grünes blau licht encourages the interaction between people and light, with the hope of allowing them to develop a relationship. Through personal adaptation with natural light, much-needed appreciation is to be gained.

 

 

Prozess

 

FERVID | Helena Wassilovsky

FERVID

EROSION ALS MUTATION

Eine von außen induzierte irreversible Veränderung, welche sich auf seine Umgebung auswirkt. Diese Veränderung zeigt sich in dem schmelzen der Gletscher weltweit. Seit dem 20. Jahrhundert sind diese zwei- bis dreimal schneller geschmolzen als der Durchschnitt. Der starke Schwund der Gletscher verändert Lebensräume an Land und im Wasser. Dieser durch uns unnatürlich ausgelöste, rapide Effekt hat sich mittlerweile verselbständigt und steht außerhalb unserer Kontrolle. Diese Experimente spielen mit den Grenzen von Isomalt, unter dem Einfluss von Hitze. Es ist ein direkter Vergleich zu unserem unvorsichtigen Umgang mit Ressourcen und den damit entstehenden klimatischen Folgen. Die Lichtschirme stehen sinnbildlich für die Abnutzung durch alltägliche Handlungen. In dem Versuch die Abnutzung mit Isomalt zu simulieren, verändert sich das Material visuell und physisch. Zunächst sind die langsamen Veränderungen kaum wahr zu nehmen, bis sich das Objekt plötzlich selbst dekonstruiert. Die Funktion wird aufgehoben und es ist unfähig seine ursprünglichen Eigenschaften aufrecht zu erhalten.

Das Veränderung ist dem Zufall überlassen.

EROSION AS MUTATION 

AN EXTERNALLY INDUCED IRREVERSIBLE CHANGE AFFECTING ITS SURROUNDINGS. This change is reflected in the melting of glaciers around the world. Since the 20th century these have melted two to three times faster than the average. The rapid consumption of the glaciers is changing habitats on land and in the water. The vast effects triggered by us has taken on a life of its own and is beyond our control. These experiments play with the boundaries of Isomalt through controlled exposure to heat. It is a direct comparison to our careless use of resources and the resulting climatic consequences it has on them. The lightshades stand for the wear and tear caused by everyday actions. In an attempt to simulate erosion with Isomalt, the material changes visually and physically. At first, the slow changes are barely noticeable until the object suddenly deconstructs itself. It becomes non-functional and it is unable to maintain its original properties.

The change is left to chance.

 

 

 

 

Prozess

SIEBENSACHEN | Felix Zahner

SIEBENSACHEN

Verschiedene Umstände zwingen gerade junge Menschen ihre Wohnungen zu verlassen und übergangsweise bei Bekannten unter zu kommen. Allein im letzten Jahr musste ich zwei mal auf das Sofa von Freund*innen zurückgreifen. Das eine mal, weil mir meine Wohnung gekündigt wurde und ich nicht rechtzeitig eine neue finden konnte und das andere, weil meine Mitbewohnerin positiv auf Covid-19 getestet wurde. Genau so hatte auch ein Bekannter von mir für einen Monat bei mir gewohnt. Dabei sind mir zwei Dinge besonders aufgefallen: der personal-space wird stark reduziert und das „Leben aus der Tasche“ lässt einem nicht die Möglichkeit sich wie Zuhause zu fühlen. Die Privatsphäre wird auf die mitgebrachte Tasche reduziert. Ich fragte mich wie der personal-space in dieser Situation mutieren könnte und in einem Wohnzimmer entstehen kann. Besonders einem Raum in dem Menschen ein und aus gehen, ohne diesen komplett für sich zu beanspruchen. „Siebensachen“ entstand; eine Tasche in der man all seine sieben Sachen verstauen kann und welche nach kurzem Umbau zu einem Paravent wird. So bildet sich ein abgegrenzter Raum in den man sich zurückziehen kann, ohne das Leben der Gastgeber*innen zu sehr zu beeinträchtigen.

Various circumstances force young people in particular to leave their homes and find temporary accommodation with friends. In the last year alone, I had to fall back on the sofa of friends twice. One time because my apartment was canceled and I couldn’t find a new one in time and the other time because my roommate tested positive for Covid-19. This is exactly how an acquaintance of mine had lived with me for a month. I noticed two things in particular: personal-space is greatly reduced and „living out of pocket“ doesn’t allow you to feel like home. Privacy is reduced to the bag you bring with you. I wondered how the personal-space could mutate in this situation and emerge in a living room. Especially a space where people go in and out without claiming it completely for themselves. „Seven things“ was created; a bag in which you can store all your seven things and which after a short conversion becomes a screen. This creates a separate space where people can withdraw without interfering too much with the lives of their hosts.

 

 

Prozess

 

my.meta | Paul Krüger

MY.META

Das Metaverse. 

Die neue Art des Internets. Aus Machtmonopolen werden Blockchains. Zweidimensionale Websites werden zu dreidimensionalem Raum. Menschen werden von Nutzenden zu Bewohnenden. Von Entwickler*innen zu Avataren. Werden von Fleisch und Blut zu 1 und 0. Potenziell die größte Mutation der Menschheitsgeschichte. Wir leben mit einer zweiten Identität im Netz. Treffen uns in digitalen Räumen zum Arbeiten, investieren unser Geld in NFTs und Cryptowährungen und kaufen NFT-Klamotten für unsere Avatare. All das scheint schon sehr real. 

Aber wie sieht unser persönliches digitales Leben aus? Sollten wir tatsächlich unsere Körper zurücklassen und den Großteil unserer Zeit als Avatare im Metaverse verbringen. Wie würden wir dort leben? Wie sähe unsere Umgebung aus? Mit was würden wir unsere Zeit vertreiben? Wie erleben wir Inhalte wie Nachrichten oder anderen Content im Metaverse? Mit diesen Fragen beschäftigt sich MY.META. Eine Sammlung von Gedanken, wie wir uns das Metaverse zu nutzen machen könnten und eine App, die das dreidimensionale Erleben von Social Media Inhalten ermöglicht und damit neue Arten der Interaktion offenlegt.

The metaverse. 

A new kind of internet. Monopolies become blockchains. Two dimensional websites turn into three-dimensional rooms. Humans evolve from users to residents. From developers to avatars from flesh and blood to 0 and 1. Potentially the biggest mutation in the history of humankind. We are living in the metaverse with a second identity. Arrange meetings in digital rooms, invest our money in NFT and Crypto and buy digital clothes for our avatars. All of that doesn’t seem to far off.

But what does our personal digital life look like? If we actually left our bodies behind to spend most of our time as avatars in the metaverse. How would we live there? What would our environment look like? What would our pastime be? How would we experience content like news or social media posts? MY.META is dealing with these questions. A collection of thoughts about how we can utilize the metaverse and an app, which lets the user experience their social media content in VR and thereby reveals new kinds of interaction.

 

Prozess

 

TRASH CAN! | Liesa Fritzsche

TRASH CAN!

Mutanten aus feinsten Porzellan zur Wertschätzung all dem, was gesellschaftlich als nichtig, unpassend, ekelig, hässlich, abscheulich, abfallend, schlecht, aber doch selbstverständlich wahrgenommen wird. Für die Abtrünnigen, Außenseiter, gebrochenen und unsichtbaren – Ich habe ein Teeservice entwickelt und bringe damit die Straße auf den Tisch für ein unbequemes Kaffeekränzchen. Das Projekt befindet sich noch in der Produktion und Weiterentwicklung, dies ist eine Art Zwischenbericht. Die Mutation begegnet sich dort, wo sich die Form und Material trifft: Nach langem und vielen recherchieren, Brainstorming und Feedbackgesprächen. Kam meine Entscheidungen erst im Prozess. Durch viele Tests in verschiedenen Materialien, wie Ton, Papier, Styrodur wurde für mich erst sichtbar, was überhaupt möglich ist, um auf meine Vorstellungen zu kommen. Ich habe mir ganz feine, realistische Müllcontainer aus Porzellan vorgestellt. Durch das Porzellan kam die Vereinfachung. Da im Prozess zum Porzellan gießen, erst ein mal Gipsformen hergestellt werden müssen – Positiv und Negativ-, diese sollten so einfach wie möglich gehalten werden und wichtig ohne hinter schnitte sein, damit das Porzellan Objekt am Ende auch gut herausnehmbar ist. Deswegen musste ich alle Details der Container entfernen. So einstanden meine Formen der endgültigen Modelle. Mit dem Material und der Formen-Geschichte entsteht die Mutation. Der Gegensatz von den großen, groben, schweren, robusten Containern und dem Porzellan, meist in Weiß, zart, zerbrechlich und fein. Mache ich das grobe zerbrechlich. Dadurch gebe ich dem, was gesellschaftlich als nichtig, unpassend, ekelig, hässlich, abscheulich, abfallend, schlecht, aber doch selbstverständlich wahrgenommen wird, eine Sichtbarkeit und Wertschätzung im Umgang mit diesen.

Mutants made out of the finest porcelain to glorify what is socially considered to be vain, inappropriate, disgusting, ugly, abominable, declining, bad, but still perceived as obvious. For the renegades, misfits, broken and Unseen. I made this Tea Setting to bring the street to the dining table and to create the best uncomfortable Teaparty. The project is still in production and further development, this is a kind of interim report. Mutation meets where form and material meet: After a lot of research, brainstorming and feedback discussions. My decisions came only in the process. Through many tests in different materials, such as clay, paper, Styrodur, it became clear to me what is actually possible to come up with my ideas. I imagined very fine, realistic porcelain waste containers. The simplification came through the porcelain. Since in the process of casting porcelain, plaster molds first have to be made – positive and negative – these should be kept as simple as possible and importantly without undercuts so that the porcelain object can also be easily removed at the end. So I had to remove all the details of the containers. This is how my molds of the final models came into being. The mutation arises with the material and the history of the form. The contrast between the large, rough, heavy, robust containers and the porcelain, mostly in white, delicate, fragile and fine. I make the rough fragile. In this way, I give visibility and appreciation to what is socially perceived as insignificant, inappropriate, disgusting, ugly, abominable, degrading, bad, but still taken for granted.

 

 

 

Prozess

 

TANTE EMMA | Emma Johann

TANTE EMMA

Eine Mutation beschreibt die dauerhafte Veränderung des Erbgutes. Eine Veränderung des Lebenstils? Der Haltung? Der Gewohnheiten? Mutation in den gesellschaftlichen Kontext gestellt, bedeutet die Veränderung von alt eingespielten Sitten, Bräuchen und Kulturen. TANTE EMMA widmet sich der Esskultur und wirft eine spekulative Sicht in die Zukunft.

Welche Beziehung werden wir zukünftig zu Insekten pflegen? Werden wir sie nicht mehr als Plage oder Feind jedes Bauern betrachten, sondern als eine nahrhafte Proteinquelle? Schaffen wir es sogar, dass der Mensch mit dem Insekt eine tiefgründigere bedeutende Beziehung eingehen kann? Eine Bindung die auf Faszination, Respekt und Gleichwertigkeit beruht. Wie die eines Kindes, wenn es zum ersten mal, ganz unvoreingenommen auf etwas Neues stößt. Wenn diese Haltung nicht durch die Meinung vorheriger Generationen unterdrückt wird, sondern dem Interesse Neuem nachzugehen, Freiheit gegeben wird. Wie würde sich dadurch die Sicht der Menschheit auf Insekten ändern? Nehmen wir mal an, wir adaptieren die Offenheit und Unvoreingenommenheit der jeweils jüngsten Generation. Werden wir dann in der Lage sein selber Veränderung zu zu lassen? Wird die Haltung der Menschheit mutieren?

TANTE EMMA konnotiert Insekten neu.
Bringt neue Wertigkeit und Transparenz.
TANTE EMMA spielt mit der Provokation.
Kontextualisiert die Hypermutation.

A mutation describes a permanent change in the genetic material. A change in lifestyle? Attitude? Habits? Put in a social context, mutation means a change in long-established customs, traditions and cultures. TANTE EMMA is dedicated to the food culture and gives a speculative view of the future.

What kind of relationship will we have with insects in the future? Will we no longer see them as a pest or enemy of every farmer, but as a nutritious source of protein? Will we even manage to form a more profoundly significant relationship with the insects? A bond based on fascination, respect and equality. Like that of a child when it encounters something for the first time, without any preconceptions. If this attitude is not suppressed by the opinion of previous generations, but freedom is given to the interest in pursuing something new. How would this change humanity’s view of insects? Let’s assume that we adapt the openness and impartiality of the youngest generation. Will we then be able to allow change ourselves? Will the attitude of humanity mutate?

TANTE EMMA connotes insects in a new way.
Brings new values and transparency.
TANTE EMMA plays with provocation.
Contextualises hypermutation.

 

 

Prozess

 

TAGGED | Fatma Cankaya

TAGGED

Taggen ist nichts anderes als das schreiben von Hand, meistens an Wände oder auf Objekte. dabei geht es vor allem um seine eigene Duftmarke und persönlichen Handschrift, die man so stylisch und individuell wie möglich ausdrückt. ein Tag muss nicht unbedingt lesbar sein, viel mehr soll es ein ästhetisches Gesamtbild geben. Außerdem kann ein Tag viele verschiedene Bedeutungen haben, wie eine Reviermarkierung,  ein Gruß oder ein ich war hier. da es beim taggen viele verschiedene Stile gibt, beschäftige ich mich mit dem „one liner“, also ein Tag, der aus einer Linie besteht. dabei geht es darum einen schnellen und beiläufigen Tag anzubringen und das Zeichenutensil so wenig wie möglich abzusetzen. dies habe ich mit mehreren Modellen aus einem langen Papierstreifen umgesetzt, anschließend aus einem Acrylglas- und Stahlblechstreifen. Meine Mutation besteht darin, den Tag von der Wand zu nehmen und als dreidimensionales Objekt zu übersetzen in einer neuen Objektsprache, also eine neue weise der Kommunikation. dadurch kann man meinen Tag berühren und die ecken, Kanten und kurven spüren, um eine Verbindung mit dem Objekt aufbauen zu können.  Da das neue Objekt keine Wand mehr benötigt, kann es überall platziert werden. Somit entsteht ein neuer öffentlicher Raum, man kann ihn zwar nicht begehen aber man kann sich drum herum setzen, bemalen, anfassen oder als Treffpunkt nutzen. 

Tagging is nothing more than writing by hand, mostly on walls or objects. it’s all about your own scent brand and personal signature, which you express as stylishly and individually as possible. a tag does not necessarily have to be legible, there should be an overall aesthetic picture. In addition, a tag can have many different meanings, such as marking territory, a greeting or I was here. Since there are many different styles of tagging, I’m dealing with the „one liner“, i.e. a tag that consists of one line. the point is to set up a quick and casual tag and set the drawing implement down as little as possible. I have implemented this with several models from a long strip of paper, then from a strip of acrylic glass and sheet steel. My mutation consists of taking the tag off the wall and translating it as a three-dimensional object into a new object language, i.e. a new way of communicating. this allows you to touch my tag and feel the corners, edges and curves to connect with the object. Since the new object no longer requires a wall, it can be placed anywhere. This creates a new public space, you can’t walk through it, but you can sit around it, paint, touch it or use it as a meeting place.

 

 

Prozess

 

SHABTU | Libi Gurdus

SHABTU

Die „Shabtu“-Objekte und -Namen sind eine mutierte Version des jüdischen Shabbat-Rituals. Shabbat ist die Bezeichnung für den siebten Tag der Woche im jüdischen Kalender, also den Samstag. Das Shabbat-Prinzip ist sehr einfach: Man sollte das Wochenende nutzen, um innezuhalten und alles zu unterlassen, was man an den Wochentagen tut. Der Name des traditionellen Shabbat-Rituals ist ‚Kiddusch‘ (hebräisch: „Heiligung“). Das Ziel des Kiddusch-Rituals ist es, zwischen dem Shabbat (Wochenende) und den Wochentagen zu unterscheiden. Das Ritual wird an einem Kidduschbecher mit Wein praktiziert, während das Shabbatgebet gesprochen wird, und wird normalerweise vom männlichen Familienoberhaupt geleitet.

Das Shabbat-Prinzip, mit dem ich mich in diesem Projekt befasst habe, hat nichts mit Glauben oder Gott zu tun, sondern mit dem wachsenden Bedürfnis, einen oder zwei Tage pro Woche zu haben, an denen ich mir bewusst erlaube, innezuhalten, mir Zeit für mich selbst zu nehmen und mich von dem intensiven Wettlauf, der das Leben manchmal sein kann, abzukoppeln. Das Wort Shabbat bedeutet ‚er pausierte‘ und das Wort Shabtu ist eine erfundene Mutation des Wortes ‚Shabbat‘, das geschlechtsneutral ist und ’sie pausierten‘ bedeutet.

Die Shabtu-Objekte sind aus Steingut gefertigt und bestehen aus einer hohen Weinkaraffe und vier runden Gläsern. Das Shabtu-Ritual folgt demselben Prinzip wie das Shabbat-Ritual, nämlich zwischen dem Wochenende und den Wochentagen zu unterscheiden. Das Ritual beginnt, wenn die Karaffe mit Wein gefüllt ist und alle vier Gläser auf den Zylinder der Karaffe gestellt werden. Der Wein muss in die Gläser gegossen werden, aber dazu müssen alle vier Gläser zuerst in die Mitte des Tisches gestellt werden. Die Karaffe wird an die Teilnehmer weitergereicht und jeder Teilnehmer stellt ein Glas ab. Dann wird die Karaffe erneut weitergereicht und jeder Teilnehmer gießt den Wein in einer kreisenden Armbewegung in die runde Hohlglasachse. Nachdem alle Gläser gefüllt sind, kommt die Zeit für einen persönlichen Moment des Shabtu. Jeder Teilnehmer hält das Glas an Mund und Nase, damit er den Wein riechen und spüren kann, und nimmt sich einen Moment Zeit zum Pausieren und Nachdenken.

The ‘Shabtu’ objects and names are a mutated version of the Jewish Shabbat ritual. Shabbat is the name of the seventh day of the week in the Jewish calendar, which is Saturday. The Shabbat principle is very simple: one should take the weekend time for pausing and stop doing anything that one does during the weekdays. The name of the traditional Shabbat ritual is ‘Kiddush’(Hebrew:“Sanctification”). The aim of the Kiddush ritual is to distinguish between the Shabbat(weekend) and the weekdays. The ritual is being practiced over a Kiddush cup of wine while saying the Shabbat prayer and is usually led by the male head of the household.

The Shabbat principle that I have dealt with in this project has nothing to do with faith or god, but with the growing urge I felt to have a day or two each week in which I am knowingly allowing myself to pause, dedicate time for myself and disconnect myself from the intensive race that life can sometimes be. The word Shabbat means ‘he paused’ and the word Shabtu is an invented mutation of the word ‘Shabbat’, which is gender-neutral and means ‘They paused’.

The Shabtu Objects are made out of stoneware and include one tall wine carafe and four rounded glasses. The Shabtu ritual is carrying the same principle as the Shabbat ritual-to distinguish between the weekend and the weekdays. The ritual starts when the carafe is filled with wine and all four glasses are placed upon the cylinder of the carafe. The wine needs to be poured into the glasses but in order to do so, all four glasses have to be placed first at the center of the table. The carafe is being passed among the participants and each participant puts one glass down. Then the carafe is being passed again and each participant is pouring the wine in a circular arm movement into the rounded hollow glass axis. After all glasses have been filled, the time comes for a personal moment of Shabtu. Each participant is holding the glass near to his mouth and nose, so he can smell and sense the wine, and takes a moment for pausing and reflecting.

 

 

 

Prozess

 

RE-VELD | Friedrich Kreppel

RE-VELD

15 Latten, davon 13 mit einem quadratischen Profil und zwei mit einem rechteckigen und zwei Holzbretter sind die visuell wahrnehmbaren Bestandteile des Rot-blauen Stuhls von Gerrit Rietveld. Durch sowohl die Position und den Aufbau, aber auch die Farbgebung, ist dieser Stuhl ein nicht zu verwechselnder Designklassiker. Doch wie verändert sich die Wahrnehmung dieses Stuhl unter diversen Veränderungen und Abstraktionen dieses Stuhls?

Im Rahmen meines Projekts habe ich mich mit der Farb- und Formveränderung des Rot-Blauen Stuhls auseinandergesetzt mit der schlussendlichen vollen Abstraktion vom Stuhl zu 2 Paletten, die von Studenten als kostengünstige Alternative dienen, ein Bettgestell zu bauen. Aber giftige Kleber, die in den Paletten enthalten sind, machen sie eigentlich ungeeignet für den Bettenbau. Lasst Paletten Paletten sein und benutzt in Zukunft vielleicht einfach bestehende Möbel für den Gestellbau.

5 slats, 13 of them with a square profile and two with a rectangular one and two wooden boards are the visually perceptible components of the Red and Blue Chair by Gerrit Rietveld. By both the position and the structure, but also the color scheme of its components, this chair is a design classic that cannot be mistaken. But how does the perception of this chair change under various tweaks and abstractions of this chair?

As part of my project, I looked at the color and shape changes of the Red and Blue Chair with the eventual full abstraction from the chair to 2 pallets used by students as a low cost alternative to build a bed frame. But toxic glues contained in the pallets actually make them unsuitable for bed construction. Let pallets be pallets and maybe in the future just use existing furniture for frame construction.

 

Prozess

 

NATURALITÄT/HYPERMUTATIONEN | Lukas Dilger

NATURALITÄT / HYPERMUTATIONEN

Die vier hier gezeigten Kurzzeitprojekte stehen alle unter dem Thema Hypermutation. Wie verändern sich Dinge, Lebewesen, wie verändern wir uns und wie können wir aktiv Einfluss auf diese Veränderungen nehmen um diese Entwicklung, diese Mutation zu beschleunigen, um sie zur hypermutation zu machen? Allen vier arbeiten liegt auch eine Form von Naturalität zugrunde, das Luftpartikel, das mit Glück vielleicht sogar genau so existieren kann, der Regenschirm, der nicht mehr aus Kunststoff und ausgeklügelter Metallkonstruktion besteht, sondern aus Materialien, die die Natur uns einfach so vor die Füße legt und die genauso leicht auch wieder in diesen Zyklus des Entstehen und Verrotten zurückgeführt werden können. Wir können unsere Träume ganz einfach mit nur ein bisschen Käse beeinflussen und zu unserem Vorteil verbessern, sind allerdings nicht nur auf uns selbst begrenzt sondern können mit Eingriffen auch Bäume und sogar einen ganzen Wald zu unseren Gunsten verändern. Immer wieder in den vergangenen Monaten half auch ein Blick auf Philosophen und Land Artists der Sechziger und Siebziger Jahre, um einen Eindruck davon zu bekommen wonach sie auf der Suche waren und woher beispielsweise Andy Goldsworthy oder Sigurdur Gudmundsson ihre Inspiration und ihre visuelle Sprache fanden. 

The four short projects shown here all deal with the topic of the hypermutation. How do things change, living things, how do we change and how can we actively influence these changes to accelerate this development, this mutation to make it a hypermutation? All four of them also have some form of naturality in them, the air particle that could maybe exist exactly like that, the umbrella that isn’t made plastic and throughoutly engineered metal construction but from materials nature simply gives to us and that can be returned to that cycle just as simple. We can influence our dreams with only a bit of cheese and change them for the better. We are not only limited to ourselves but can shape trees and whole forests with simple interventions. In the recent months looking to philosophers and land artists from the sixties and seventies always helped to get an insight what the were searching for and where for example Andy Goldsworthy or Sigurdur Gudmundsson found inspiration and their visual language.

 

 

 

MYCOTOPIA | Clara Escobar

MYCOTOPIA

In MYCOTOPIA durchzieht eine Symbiose von Pilz und Mensch alle Bereiche des Lebens: Die Menschen haben in Design und Architektur Raum geschaffen für Hypermutationen im Reich der Pilze – begonnen mit Bausteinen, aus denen Städte, Straßen und Häuser erwachsen, geschaffen durch Myzel: Pilze lösen Nährstoffe mit Hilfe von Enzymen aus ihrer Umgebung auf und nehmen diese zu sich. Als Nahrungsquelle können sie so Zellulose nutzen, die aus verschiedenen Reststoffen aus der Agrar- oder Forstwirtschaft wie Stroh, Hanf-Schäben und Holzspänen bezogen werden kann. Dieses dreidimensionale Pilznetzwerk verdichtet das Pflanzenmaterial zu einem festen Verbundwerkstoff, der verschiedene Dichten und damit Eigenschaften haben kann. Das Pilzmyzel bildet somit einen biologischen Mörtel. Myzel kann als Basis für Verbundwerkstoffe eingesetzt werden, die als Isolierung für Thermik, Akustik oder Brandschutz Eigenschaften dient. Mit der MYCOMOULD lässt sich ein vielseitig einsetzbarer Baustein herstellen. Die Vorbereitung der Biomasse benötigt drei Wochen, die Fertigstellung weitere 10-15 Tage. Verschiedene Steckmöglichkeiten ermöglichen das Bauen großer Strukturen ohne zusätzliche Verbindungsmaterialen. Bei kleineren Teilen wie Möbeln könnten die Bausteine vor dem Abtöten der Pilze aufeinander gesetzt werden. Wird das gesamte Objekt in einem sterilen Umgebung gehalten, werden die einzelnen Teile zu einem großen zusammenwachsen ihre Form jedoch beibehalten. Im architektonischen Maßstab ist weder das sterile Zusammenwachsen noch das Abtöten durch Erhitzen der Pilz Elemente möglich. Durch sein Wachstum hinein in Beton, Zement oder Holz jedoch kann der Pilz-Pflanzen-Verbundwerkstoff mit einem dritten Material fest verbunden werden, das zum Bau großer Strukturen notwendig wäre.

In MYCOTOPIA a symbiosis between fungi and humans permeates all areas of life: In design and architecture, humans have created space for hypermutations in the realm of fungi – starting with building blocks from which cities, roads and houses are grown, created by mycelium – fungi dissolve nutrients from their environment with the help of enzymes. As a food source, they can thus use cellulose, which can be obtained from various agricultural or forestry residues such as straw, hemp shives and wood chips. Functioning as a biological mortar this three-dimensional fungal network compresses the plant material into a solid composite material that can have different densities. Mycelium can be used as a base for composite materials, acting as insulation for thermal, acoustic or fire protection properties. MYCOMOULD can be used to produce a versatile building block with applications in design and architecture. Preparation of the biomass for a brick requires three weeks, completion another 10-15 days. Various plug-in options allow for building of large structures without additional connecting materials. For smaller parts such as furniture, the building blocks could be placed on top of each other before being killed by heatdrying. If the entire object is kept in a sterile environment, the individual parts will coalesce into one large one but retain their shape. On an architectural scale, neither sterile coalescence nor heating and killing the fungal elements is possible. However, by growing into concrete, cement, or wood, the fungus-plant composite can be firmly bonded to a third material that would be necessary to build large structures.

 

 

 

 

Prozess

 

FROM WHITE TO LIGHT | Lea Dekara

FROM WHITE TO LIGHT

Birken sind bekannt für ihre weiß schimmernde Rinde und somit bereits aus weiter Ferne gut zu erkennen. Doch was würde geschehen, wenn aufgrund einer durch äußere Umstände ausgelösten Mutation die Bäume Sonnenenergie in ihrer Rinde aufnehmen, speichern und auch wieder abgeben könnten? Das Projekt “From White to Light” simuliert eine Mutation in einer utopischen Welt, in der Birken beginnen, im Stamm gespeichertes Licht über angewachsene Baumpilze oder sich ablösende Rindenstreifen nach außen abzugeben. So kann besonders in der Stadt eine neue Wechselwirkung zwischen Natur und Mensch entstehen. Dies wäre eine natürliche und nachhaltige Alternative zu bisherigen Leuchtquellen wie zum Beispiel Straßenlampen. 

The white bark of birch trees makes them easily recognizable from a distance and is one of the main characteristics of the tree. However, what would happen if trees, due to mutation triggered by external circumstances, were able to absorb, store and release solar energy in their bark? The project titled “From White to Light” simulates a mutation in a utopian world in which birch trees begin to emit light stored in the trunk to the outside via overgrown fungi or peeling bark. Thus, a new interaction between nature and people can develop, especially in the city. In contrast to previous sources of light such as street lamps, this would be a natural and sustainable option. 

 

 

Prozess

 

FOAMABILITY | Cristiano Pereira

FOAMABILITY

Wir Menschen bezeichnen uns selbst als die anpassungsfähigsten Lebewesen unseres Planeten. Über eine lange Zeit der Evolution sind wir nicht nur zu dem geworden was wir sind, sondern haben auch unser Umfeld zu dem gemacht, was wir wollen. Die Umgebung modelliert, uns und die Welt verändert, in die Form gebracht wie wir sie uns wünschen. Nicht starr, stetig im Wandel befindet sich der Wunsch nach Transformation,
Adaption… an neue Umstände und andere Orte, an die derzeitige Situation sowie die zukünftigen.

„HYPERMUTATIONS“

Das Projekt „Foamablity“ befasst sich mit Veränderung, Adaption und Entfremdung beziehungsweise der erneuten Nutzung und neuen Kontextualisierung von Schaumstoff. Ein Material, bestehend aus dem Werkstoff für die Ewigkeit – Kunststoff. 

Ein Material, dass von dem Menschen geschaffen wurde, um bestimmte Eigenschaften zu erzielen, die nicht mit herkömmlichen Naturrohstoffen erreicht werden können. In diesem Projekt soll es aber nicht um die Verbesserung der Welt oder der Verwendung eines nachhaltigeren Materials gehen. Es ist vielmehr eine konzeptionelle Auseinandersetzung mit dem Übriggebliebenen. Durch eine  spielerische und experimentelle Arbeitsweise, ist die Verwendung von alten Matratzen, Schaumstoffresten und gefundenen beziehungsweise vorhandenen Gestellen, Materialien und einfachsten Utensilien, zu einer Reihe von Möglichkeiten geworden, das bereits Vorhande zu etwas Neuem werden zu lassen. Die Mutation von dem was wir geschaffen haben, nicht verwertet haben, gleichzeitig erneut Form annimmt oder besser gesagt sich dieser beugt und biegt.

Have foam!

We humans describe ourselves as the most adaptable creatures on our planet. Over a long period of evolution, we have not only become what we are, but have also made our environment what we want it to be. Modelled the environment, changed ourselves and the world, shaped it into the form we want it to be. Not rigid, constantly changing is the desire for transformation, adaptation… to new circumstances and other places, to the present situation as well as the future.

„HYPERMUTATIONS“ 

The project „foamablity“ deals with change, adaptation and alienation, respectively the renewed use and new contextualisation of foam.

A material consisting of the material for eternity – plastic. A material that was created by the human being in order to achieve certain characteristics that cannot be achieved with conventional natural raw materials. However, this project is not about improving the world or using a more sustainable material. Rather, it is a conceptual exploration of what is left over. Through a playful and experimental approach, the use of old mattresses, foam remnants and found or existing frames, materials and the simplest utensils has become a series of possibilities for turning what already exists into something new. The mutation of what we have created, not recycled, at the same time takes shape again, or rather bends and flexes it.

Have foam!

 

 

Prozess

 

ENMASCARA | Skarlett Balta

ENMASCARA

Die Lebensbedingungen ändern sich, die Umwelt ändert sich, und ebenso muss die Spezies mutieren, sich anpassen, umwandeln und sich in glücklichen Fällen weiterentwickeln. Transformation, permanente Veränderung als Teil der Existenz, um weiter zu sein. Mutation ist die Natur eines jeden Wesens und die Natur ist weise. Die Umwelt beeinflusst das Lebewesen und formt es um, und die Lebewesen wiederum beeinflussen sich gegenseitig und die Welt um sie herum, so dass der Kreislauf weitergeht. Mutation ist eine Konstante, die in verschiedenen Größenordnungen und Geschwindigkeiten auftritt und Teil eines jeden von uns ist, der wiederum Teil des Ganzen ist. Die Gesichtsmaske ist zu einem unverzichtbaren Bestandteil des Alltags geworden, ihre Verwendung ist eine Notwendigkeit und ein Muss. Sie verändert die Art und Weise, wie wir unsere Umgebung wahrnehmen, und die Art und Weise, wie andere uns wahrnehmen. Dieser kleine Gegenstand hat unser Verhalten radikal verändert. Seine Bedeutung ist sehr subjektiv. So wie der Virus, vor dem uns die Maske schützt, immer wieder mutiert, so könnte auch die Maske in Form und Funktion mutieren und dabei vielleicht eine andere Bedeutung erlangen, ein anderes Verhalten hervorrufen, eine andere Rolle einnehmen, eine neue Geschichte erzählen. Wir tragen sie so viele Stunden lang, dass sie sich wie eine zweite Haut anfühlen kann, wie eine Verlängerung von uns selbst. Könnte sie dann eine solche Rolle übernehmen? Sie verbleibt auf unserer Haut als Teil unseres Wesens, anstatt in unseren Taschen gequetscht und verschmutzt zu werden, bis wir sie wieder tragen. Was kann sonst noch neu bewertet, neu gedacht werden? Mein Ziel ist es, mich auf die Maske und ihr Entwicklungspotenzial zu konzentrieren.

Living conditions change, the environment changes, and in the same way the species must mutate, adapt, convert and in fortunate occasions evolve. Transformation, permanent change as part of existence in order to continue being. Mutation is the nature of every being and nature is wise. The environment influences, reshapes the creature and in turn the creatures influence each other and the world around them, so the cycle continues. Mutation is a constant that occurs at various scales and speeds, is part of each of us, who in turn are part of the whole. The facemask has become a daily essential, using it is a necessity and a must. It completely changes the way we perceive our environment and the way others perceive us. This small object has radically transformed our behavior.  Its meaning is quite subjective. Just as the virus, from which the mask protects us, keeps mutating, so might the mask mutate in form and function and perhaps in the process acquire a different meaning, cause a different behavior, take on a different role, tell a new story. Facemask is a game changer. We wear it for so many hours that they can feel like a second skin, like an extension of ourselves. Could it then be able to assume such a role? Staying on our skin as part of our being instead of getting squeezed and contaminated in our pockets until re-worn. What else can be reevaluated; rethought? My aim is to focus on the mask and its potential for development.

 

 

 

Prozess

 

DER SPRINGENDE PUNKT | Karoline Heyde

 

DER SPRINGENDE PUNKT

Ein Quadrat— viele verschiedene Formen, die daraus gefaltet werden können. Das ist das besondere an der Origami-Kunst. Davon inspiriert entstand mein Projekt Der springende Punkt. Ein quadratisches Verpackungspapier, das aus einem Polymer mit Formgedächtnis (Shape Memory Polymer) 3D gedruckt wurde. Unter Wärmeeinfluss, lässt sich die flache Form immer wieder neu zu individuellen Verpackungen verformen, da sie in erwärmtem Zustand wieder zurück in ihre ursprüngliche Position zurückspringt. Gedacht ist es speziell für empfindliche Lebensmittel, wie z.B. Beeren, Tomaten, Pilze oder Chips, die normalerweise dazu neigen im vollen Einkaufsbeutel zerdrückt zu werden und auf die auch auf Lieferwegen nicht viel Rücksicht genommen wird. Als Mehrwegverpackungen sind sie auch um einiges umweltfreundlicher, als viele Verpackungen, die bisher in Supermärkten existieren, ob Plastik oder Papier, das auch nach mehrfachem Falten schnell reißen kann. 

Die Einsparung von Ressourcen und eine umweltfreundlichere Lebensweise sind in der heutigen Gesellschaft bereits ein großes Thema, sollten aber in Zukunft noch mehr an Wichtigkeit gewinnen. Denn was ist wichtiger als der Planet auf dem wir leben? Dies ist eben der springende Punkt.

One square – many different shapes that can be folded from it. That is the special thing about origami art. Inspired by this, my project was born. A square packaging paper that was 3D printed from a polymer with shape memory. With the influence of heat, the flat shape can be reshaped again and again into individual packaging, as it springs back to its original position when heated. It is intended especially for delicate foods, such as berries, tomatoes, mushrooms or crisps, which normally tend to get crushed in a full shopping bag and are not given much consideration on delivery routes. As reusable packaging, they are also a lot more environmentally friendly than a lot of the packaging that exists in supermarkets so far, whether plastic or paper, which can tear quickly even after being folded several times. 

Saving resources and living a more environmentally friendly lifestyle are already a big issue in today’s society, but should become even more important in the future. After all, what is more important than the planet we live on? 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Prozess

 

ANTIBODY | Caspar Fischer

 

 

ANTIBODY

Die somatische Hypermutation beschreibt den Vorgang der Ausreifung der Antikörper unseres Immunssystems, die Idee ist eine möglichst breite Variation an Antikörpern zu haben um für jeden Virus den passenden Antikörper zu haben. Dieses Konzept habe ich auf den Menschen übertragen, ich benutze den menschlichen Körper als den KÖRPER und verschiedene Stühle als ANTIKÖRPER. So soll auch jeder KÖRPER seinen passenden ANTIKÖRPER haben. Eine weitere Muation findet in dem Halbzeug statt, als Kategorie für Stühle habe ich mir Freischwinger ausgesucht, die normalerweise aus Rohren bestehen. Die Idee war es weg zu kommen von den Rohren und hin zum Metallblech. Durch Sicken im Stahlblech konnte ich das Blech versteifen und anschließend in Form bringen. Als Prototypen habe ich einen meiner drei entworfenen Stühle gebaut. Aus einem 1650mm x 460mm x 2mm Stahlblech wurde der ANTIKÖRPER-1 geformt. Mithilfe von vier Matrizen und zwei Pressen konnte ich das Blech verformen, so wie ich es Entworfen hatte. Der Prototyp war auch ein Experiment, teils hat es die Erwartungen erfüllt, teils auch nicht, durch ein paar Ungenauigkeiten hält der Stuhl nur kleinere und leichtere Personen aus. Das ist aber auch in Ordnung, weil die ANTIKÖRPER ja auch immer nur auf einen KÖRPER gut passen.

Somatic hypermutation describes the process of maturation of the antibodies of our immune system, the idea is to have the widest possible variation of antibodies to have the appropriate antibody for each virus. I have transferred this concept to humans, I use the human body as the BODY and different stools as the ANTIBODY. So also every BODY should have its matching ANTIBODY.  Another muation takes place in the semi-finished product, as a category for chairs I have chosen cantilever chairs, which are usually made of tubes. The idea was to get away from the tubes and towards the metal sheet. By beading the sheet steel, I was able to stiffen the sheet and then shape it. As a prototype, I built one of my three designed chairs. The ANTIBODY-1 was formed from a 1650mm x 460mm x 2mm steel sheet. With the help of four dies and two presses I was able to form the sheet metal as I designed it. The prototype was also an experiment, partly it met the expectations, partly not, due to some inaccuracies the chair can only support smaller and lighter persons. But that’s okay, because the ANTIBODIES always fit well only on one BODY.

 

 

 

 

Prozess

 

You Can Make Me Smile – Johanna Karges

You Can Make Me Smile

The addition of pigments makes the recycling of plastics more difficult. Sorting by colour is very time-consuming and expensive at the moment. Therefore, different colours of plastic are recycled together, resulting in a brown color. This color is very unpopular with consumers. Using uncolored “natural” plastics would make the recycling process much easier and would enable a better circular economy. Since even undyed material becomes darker with each recycling process, it also wants to promote the use of brown recycled plastics. “You Can Make Me Smile” is playing with the value of a material.

You get more for your money if you decide to buy the
chair made out of recycled material, as in our society
freshly produced material has a higher price.

This project wants to point out to this topic.
We should ask ourselves which material actually has the higher value……

Johanna Karges, MA WS2021/22 –

 

project:

HOW DO WE ENTER THE SYMBIOSCENE? – Theresa Schwaiger

HOW DO WE ENTER THE SYMBIOSCENE?

The „Symbioscene“ describes an era beyond the Anthropocene in which there is a sustainable relationship between humans and nature that promotes a symbiotic mindset for the mutual benefit of all living things. The question of how we can move closer to this vision of the future will be explored through „Restorative Design,“ among other practices. This practice is about reversing the damage caused by humans and nature. This design strategy is intended to respond to a problem that is a major contributor to climate change, namely the high concentration of CO2 in the atmosphere. The objective is to determine to what extent synthetic CO2 mineralization technology, together with design, can counteract this problem. The overarching question that arises is whether the combination of „Restorative Design“ and technology can be part of the solution towards the „Symbioscene“ era?

Theresa Schwaiger, MA WS2021/22,

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Please Throw Away | Meiying Lu

Recycling is important, but not a solution. It is much more important that the product lasts longer. But at the moment, plastic products are always thrown away. We don‘t even try to fix them as if they were made to be thrown away. Besides, it is not enough to create a product that can be easily repaired because the trend is missing, and that will not go down well with the public. How would a trend like this catch on?

Meiying Lu, MA WS2021/22 –

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Mit Essen spielt man – Emma Mende

 

mit essen spielt man

a card game about sustainability
This card game is supposed to teach about sustainability and health from a young age. The children can collect their cards when shopping more sustainable and will learn with ease and fun about different aspects like regionality, seasonality and eco-balance. This will provide a new understanding and recognition of sustainability inside the supermarket as well as at home.

When we started the project “Supermarket of the future” I initially thought about the future. In my opinion it is the children of this generation. So if you start with them, the future will automatically look more sustainable.
This card game deals with the supermarket in a playful way and is intended to help a young age understand more about aspects such as sustainability, eco-balance, regionality and seasonality.

The game consists of different cards, the product cards representing different foods of the supermarket belonging to seven food groups. Those being: fruit and vegetables, fish and meat, substitute products, animal products, beverages, dry goods and snacks. In addition, there are attacks on each product card that represent its strengths. These attacks damage the opponent’s card. They all have a certain number of sustainability points. This number of points are composed of their eco-balance but also of how healthy the food is. The other cards are called action cards. These are either booster cards or group cards. Both types of cards trigger different actions and often also have a learning aspect about sustainability. For example, with the “own packaging” card, you get 30 additional sustainability points for your own active product card.

Cards are collected directly in the supermarket. The more sustainable and healthier a purchase is, the more tickets are handed over at the end. To make this clear to all those involved, all products in the supermarket are provided with a symbol. These are small dots that are either green, orange or pink. Green dots are seen on particularly good foods, they generate three points, orange dots are on okay foods and generate two points, pink circles are on bad foods and generate either no points or just one. At the cash register, the cashier receives a visual hint of how many card packs to hand over. For every three points collected, one card pack is handed over. There are three cards in each pack. On the back of each pack is a QR code which shows the game manual.

Each child can collect together with its parents their own deck of cards.
As mentioned, two product cards always duel against each other. In each turn you can play any number of action cards and each turn is finished by a selected attack. In order to write down the score there is a simple table in the game manual which you can easily draw on a piece of paper. Otherwise, all you need is a dice.

Mit Essen spielt man is an easy and fun way to learn about sustainability. The aim of the game is that children in the supermarket might prefer to buy their “heroes” instead of the candy stuff and that due to the visual indication on the product, the green marked also land faster in the shopping trolley so that more cards can be collected. All this leads to a more sustainable shopping.Emma

Mende, 5 Sem. WS2021/22 –

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Cafe & Beverage to go – Yuhang Han

Cafe & Beverage to go

a cafe to go beverage which can motivate people to use it in the pfandsystem
This container is designed for those who are willing to try the rental container as a supermarket shopping package. The container is made of ppsu provided by basf, which is lighter in weight than glass containers, cannot be broken, and can be reused 800-1000 times. When packaging is taken back from consumers by recycling companies, it can be further steam sterilized to keep food safe during the pandemic.

Yuhang Han, Anpassungssem. WS2021/22 –

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BILLIEBEAN | Alina Seegert

BILLIE BEAN

a project that brings legumes closer to the consumer.
Eating legumes has an incredible number of benefits for our health and the environment. Their cultivation is also highly important for sustainable soil management and global food security. They have a small environmental footprint, increase carbon storage in the soil, and contribute their own nitrogen fertilizer, thus counteracting climate change. Through their diverse flowers, they counteract insect mortality. This design provides a modern communication and inspiration to include legumes more in our meals again and additionally it encourages to replace the occasional meat meal.

The supermarket display consists of two-sided fine corrugated board. The challenge was to generate the most plausible assembly method possible by folding and inserting only, since the entire product, the display including pulses, is to be delivered to the stores in a flat packs. In a single module is space for 30L leguminous. The package will be delivered on a standard EU pallet 120cm x 80cm.

To create more inspiration, simple generalized recipes are printed on the pillow boxes made of recycled paper, which serve as packaging to avoid all aluminum or plastic packaging. They are meant to encourage you to try your way through the different peas, beans and lentils, which is why the exact variety is not mentioned in the recipe.Together with the Leguminous herbs and spices are exhibited. The direct affiliation should be unmistakable as they can clearly contribute to digestibility. The supermarket display is intended in the vegetable section, because it is a basic food, with incredibly positive heal.

Alina Seegert, 7 Sem. WS2021/22 –

BILLIEBEAN_doku

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WRAP IT UP | Lukas Henneberger

WRAP IT UP

In the supermarket ecosystem, goods are delivered to supermarkets on roll containers. In order to secure the cargo and stabilize the containers, they are wrapped with a plastic film made of polyethylene. According to the manufacturer, PE stretch film is made of 100% recyclable plastic. However, it is a pure single-use product. In the supermarket, it is unraveled and disposed of after the goods are received. Thus, the film is unusable after only one use. With my design, I would like to explore an alternative for this disposable item.

Through a, made of 100% TPU security film this problem can be counteracted. Wrap it Up is a reusable and recyclable alternative solution to the conventional wrap film. On the one hand it stabilizes the roll container, on the other hand goods are fixed on the container and cannot slip. Due to the high quality plastic, it can be reused numerous times.    Wrap it Up consists of a semi-transparent TPU film and several connectors, which are also made of TPU. The special feature is that the connectors taper so that they become very thin at the point of contact with the film. Both parts can be welded together. This means that no additional adhesive needs to be used and the mono-materiality is retained.

Lukas Henneberger, MA WS2021/22 –

WRAP_IT_UP_doku

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RE.ME | Cathy Wolter

 

RE.me

40% of the waste on the street is caused by disposable food packaging. In Germany alone, 770 T of takeaway packaging is generated every day.  The largest share is accounted by packaging made of expanded polystyrene. Therefore, from July 2021 on, the EU Commission has introduced a regulation banning polystyrene food packaging. Plastics consisting of microparticles, such as polystyrene, are particularly difficult to dispose of. They break down into tiny particles and are easily released into the environment.

RE:ME is a reusable solution for expanded polystyrene food packaging and all other disposable containers. The box is made of a mono-material, designed to make recycling processes easier.  It consists of a layered wall system. The outside is made of a food safe, high transparent, colour, odour, and taste neutral, chemical resistant, tough PPSU Plastic.

PPSU particle foam is sandwiched in the middle which is mainly used in transportation design and has great insulation properties.      The different material properties allow, among others, to store hot and cold food and maintain their temperature. In addition, it can endure temperatures as low as -40 and +180 degrees, which allows it to be used in the fridge, freezer, oven, or microwave. The material supports a long lifespan and saves enormous amounts of resources, as it can be sterilised around 1000-1500 times before being recycled.

RE:ME can be developed into a wider system. The rectangular shape not only allows the most efficient use of volume, but also a wide range of food, from pasta to sushi, from burritos to soups. In addition, the concept can be thought further including different variations of boxes to include an even wider range of food varieties.
It is important to think differently about food, resources and materials and use them in the most efficient way.

Cathy Wolter, MA WS2021/22 –

RE.ME_Cathy_Wolter_Doku für UdK

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DUCKIES | Kim Kuhl

DUCKIES – Duck The System

DUCKIES is a 100 % TPU kids shoe integrated into a deposit and return system in shops and kindergartens. With a playful design that develops the wide toe position, DUCKIES borrows the look of a waddling duck foot to make the healthy foot position attractive for toddlers.

DUCKIES – Duck The System

Where can plastic still be useful today and take a sustainable approach? When working on investigating and highlighting sustainability in plastic, this project aims to question and shape not only the product but also the system, the community and the service behind it.
Kids’ feet grow up to 1-1.5 mm per month, which means that children‘s shoes have a short life. 95% of shoes end up in landfills!

57% of children wear shoes that are too small. This can be due to rapid growth as well as to our current shoe culture: shoes often offer the foot little free space, especially in the toe area. With a crooked toe position, kids risk malpositions and foot damage that can affect the entire body. 98% of all children are born with healthy feet but only 20 % can maintain this foot health in adulthood. This is why current trends are moving towards more barefoot running for children.

In its design, DUCKIES shows a radical paradigm shift in the shape of children‘s shoes. With a playful design that develops the wide toe position, DUCKIES borrows the look of a waddling duck foot to make the unusual shape of the healthy foot position attractive for toddlers.

The Radical Freedom of Toes enables the big toe to perform its natural function as an anchor and stabilizer for the foot and thus the entire body. Unlike normal shoes, which hold onto the foot due to the tightness in the toe area, DUCKIES give the foot its hold at the instep and at the heel.

Standing on a 0% heel, the skeleton is naturally aligned and the body weight is evenly distributed over the entire surface of the soles of the feet.
With the principle of extreme flexibility in all directions, push-off and balancing propulsion is mobilized and a real barefoot feeling is created.

DUCKIES was specifically designed according to the performance properties of TPU by BASF. It illustrates the versatility of the material in a ‚One material product‘. TPU meets the intended properties like extreme flexibility and lightness but slip – and abrasion resistance, comfort, nice haptic and breathability.

Following the 100% one material principle, DUCKIES proposes a sustainable use of plastic:
They can be recycled mechanically with relatively little energy, intensifying the material use in a closed product cycle until the material no longer performs.
Moreover, the deposit and return system reacts to the existing and established swap-, rewear- and second-hand culture of kids‘ products and enables access for an easy change of shoe sizes for families, tackling the high rate of children that wear too small shoes. When DUCKIES have been worn (and passed on), they are returned to the shop and can be exchanged for the next size.

MA Modul 1_Kim Kuhl_dokumentation (2)(2)(2)

Kim Kuhl, MA WS2021/22 –

 

project:

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NOMADS TABLE | Sebastian Schwindt

NOMADS TABLE

Ich möchte mich mit meinem Entwurf an Menschen richten , welche sich in einer sich ständig veränderten Lebenssituation befinden, sogenannte modern nomads. Sie leben in Städten, reisen viel und führen ein oft selbstständiges Leben und das meine ich auch in Bezug auf ihre Arbeitsverhältnisse. Für sie steht nicht der berufliche Erfolg im Fokus, sondern die gemeinsame Zeit mit anderen Menschen und ihre Verbindung zur Natur. Sie suchen nach ihren Wurzeln und einem Einklang mit der Umwelt. Ihr Erklärtes Ziel ist es ein in jeder hinsicht Bewusstes und nachhaltiges Leben zu führen. Die Idee meines Entwurfs soll eher als ein mögliches Prinzip Anklang finden. Durch die Niederkomplexität der verwendeten Technologie und deren Werkzeuge in Verbindung zu der leichten Zugänglichkeit von Materialien in Form von Halbzeugen. Dadurch kann man Lieferwege und Produktionskosten gering halten. Über dies hinaus kann ich mir vorstellen den Entwurf frei zur Verfügung zu stellen, damit sich jeder der ein solches 3 in 1 Objekt benötigt es sich selbst herstellen kann und die Vielseitigkeit der Anwendungen nutzen kann. Das 3 in 1 Objekt kann ein Steharbeitstisch sein, wenn man im Homeoffice arbeiten möchte. Ein Tisch, wenn man einen Tisch zum Essen oder Treffen auf dem Balkon oder in der Natur braucht. Oder eine Bank für drinnen und draußen. Jedes Objekt lässt sich unkompliziert umbauen. Das einzige Werkzeug was man braucht ist ein Hammer um die Beine aus den Steckverbindungen zu lösen, oder umgekehrt zu fixieren da es sich bei den Verbindungen im Holm um formschlüssige Steckverbindungen handelt. All das zusammen ermöglicht der Nutzer*in mit einem Bausatz drei Objekte nutzen zu können. Ich glaube dies trifft die Vorstellung von Menschen, welche einer spartanischen Lebensvorstellung folgen. Und sollten sich doch einmal die Lebensumstände ändern kann man den Bausatz einfach recyceln.

Sebastian Schwindt, MA WS2021/22 –

Nomads-table_doku

 

Swimfinergy | Jan Colomer

Swimfinergy

Swimfinergy is a swimming vest that supports the child in all learning phases. It’s made completely of thermoplastic polyurethane, thus making it easily recyclable after use. It consists of two modular parts to provide versatility of use and adaptability.

Swimming vests are usually made of different plastic groups to offer lightness, comfort and portability, however this makes the recycling process difficult or impossible. Children grow fast and learn to swim quickly. The average lifespan of a swimming vest is between 4 to 12 weeks. After use, they are disposed or burned for energy recovering.

The two parts used together place the child in a nearly vertical position, with its head above the water. Thus allowing it to practice its first swimming movements safely while offering stability and greater freedom of movement of arms and shoulders.
When the child feels confident in the water, the waistband helps it discover the swimmer’s horizontal position. The upper collar can be detached and used as a swimming board promoting active learning.

Swimfinergy can be easily washed and reused. When it reaches the end of its life it can be mechanically recycled without having to separate the different parts of the product.

Jan Colomer, MA, WS 2021/22 –

SWIMFINERGY_ doku


project:

 

 

 

 

 

Plastic for Eternity | Charlotte Marabito

ULTRASTONE®

Plastic for Eternity

Did you know that over 50% of all gravestones on German cemeteries come from Asia where they are often mined and processed under poor working conditions? We should not only be aware of the exploitation of labor and a big CO2 footprint when it comes time to choose a memorial due to the loss of a loved one. Choosing a gravestone means creating a personal place to remember and mourn. But what happens after 20 years when its lying has reached an end? Only a minority hold on to the stone, the rest gets disposed. In most cases the gravestones, with which we once chose to remember our loved ones, are turned into rubble. This degradation of a monument is contrary to the emotional value it was once imbued with, as well as to the value for material and labor that lies within. 

An ULTRASTONE® is a new generation gravestone. It is made of Ultrason®E, a durable mono-plastic that can be recycled at least 4 times without any loss of quality. This would correspond to 4 lifespans as a gravestone. Due to the sustainable 3D printing technology and digital craftsmanship, an individual design of the gravestone can be implemented locally, with almost no production waste of the valuable material.

ULTRASTONE® is a circular design concept that uses the property of plastics‘ long lifespan within a controlled and closed system and offers a contemporary perspective on remembrance.

Charlotte Marabito, MA, WS 2021/22 –

Marabito_Ultrastone

project:


process:

CUBO | Anton Oberländer & Luca Ortmann

CUBO

a reusable glass bottle for dairy products

With CUBO, we have developed a reusable alternative packaging for dairy products in which the lid is firmly attached to the bottle. As a result, there is no material loss during the entire life cycle. This solves the problem that previous packaging cannot be reused in most cases. Multiple coatings and missing lids when returned make recycling impossible. CUBO combines the convenience of beverage cartons with the ecological materiality of existing deposit glass bottles.

A comparison of the life cycle assessments of different beverage containers shows that, in terms of sustainability, returnable deposit systems and tetrapaks are at the top of the list. Nevertheless, there are many problems that stand in the way of them being 100 percent sustainable. The commercially available beverage carton is not only made of paper but is usually coated with aluminum and plastic. In addition, the twist cap, which most of those products have, is also made of plastic. Overall, the company tetrapak itself, produces about 700,000 tons of plastic per year. Thus, the recycling of this packaging is difficult and is therefore not usually done. Only 33 percent getting recycled. In addition, most of them are thrown into the wrong garbage and thus cannot even be disposed of correctly. The situation is much better with reusable deposit systems. But here, too, the reusable cycle can usually not be completed because of-ten the lids, which are made of sheet metal and are also often coated with plastic, are either not returned or are too difficult to recycle. Both beverage cartons and conventional glass bottles therefore consist of several materials whose separation in the recycling process is not possible or too expensive.

Our goal with CUBO was to design a 100 percent returnable alternative to beverage carton and glass bottles. CUBO is a reusable alternative with the lid firmly attached to the bottle itself. This guarantees that no waste is generated during its entire life cycle. Industrially, on the other hand, the lid can be easily removed for cleaning and filling. It combines the convenience of beverage cartons with the ecological materiality of existing deposit glass bottles. Due to the under-cut-free shape, industrial cleaning of the bottle can be carried out in a much more resource-friendly manner than with conventional glass bottles. The lid can be opened completely in half. Thus, any contents can be poured out comfortably. Food products such as viscous dairy products like yogurt can also be conveniently completely consumed due to the omission of undercuts. In addition, the glass form can be produced more easily, since it is completely open on the top. Another problem with the handling of glass bottles is the lip of the spout. When pouring slowly, the contents usually drip down the neck of the bottle. To protect the glass from breaking, it must be strongly rounded. However, in our design, the edge of the glass is protected by the plastic cap all around, so we can use a sharp edge. Thus, CUBO represents a completely ecological alternative to conventional beverage containers.

Anton Oberländer 3 Sem. WS 2021/22 |
Luca Ortmann, 3 Sem. WS 2021/22 |

CUBO_doku

project:

process:

 

PUBO | Jing Jin

PUBO

A reusable meal-kit delivery packaging
During the pandemic, there’s a growing favor for meal kit services that allow consumers to skip the food prep process. Their delivery packaging is usually consisted of a cardboard box, a layer of insulation and ice packs. To minimize the environmental impact of single-use materials in these packaging, Pubo is created as a reusable alternative. Made of abrasion-resistant TPU sheet from BASF, the light-weight inflatable box provides both insulation and cushioning.

Jing Jin, MA Anpassungssem. WS 2021/22 –

PUBO_doku

project:

process:

 

 

 

BAYAS | Gloriana Valverde & Maria Salamanca Millán

BAYAS

A packaging and transport system for soft fruit

We aimed to reduce plastic dependency in the packaging industry by designing a berry tray made of paper pulp, which is easily moldable. We were inspired by the geometry of the egg-carton, which implements dents that give rigidness to the form. BAYAS implements a new way of transporting these trays: instead of using boxes, we designed a grid-template, which uses less cardboard. The trays fit into the dents of the grid, allowing a safe transport

During the implementation of our project, we identified and contextualized the problem of consumption in the supermarket. In particular, we looked at the amount of waste and material consumption for transport packaging (such as cardboard boxes, which are produced in large quantities and thrown away after use) and packaging (which is mostly plastic). These plastic packaging materials not only have advantages such as less weight, transparency, flexibility and cheap production, but also have huge social and environmental impacts, as they have been produced in a drastic amount of 8.6 billion tons since 1950, of which only 9% have been recycled. Although there are recycling systems for this material, almost half of the collected material ends up in waste incineration, which causes high emissions of toxic gases.

On the side of producing cardboard boxes in quantities for transportation, the problem of resource and energy consumption for the production of these boxes and their immediate disposal (which often takes place in supermarkets) becomes obvious.

Since we wanted to focus our project on products packaged in plastic, where plastic is also used as a means of transportation, we came up with fruits and vegetables. In this context, we saw the challenge of redesigning the packaging of berries, because plastic is still commonly used for fruits that are sensitive to external damage. Therefore, we decided to look at sustainable production alternatives for packaging that avoid the use of plastic. One of these alternatives is the production of materials from recycled paper fibers and water. This material is not only considered sustainable compared to plastic, but it is also easy to shape, durable due to the binding of compressed paper fibers, and has low production costs.

For this packaging, we made sure to create a geometry that provides stability and security for the contents by adding dimples in the walls and a rim that allows for better handling. In addition, when we redesigned the berry packaging, we came up with the idea of a new type of transport box that is reduced to a grid template and made from recycled cardboard.

This grid weighs only half as much as a cardboard box used for transporting berries, and allows for easy locking of the package by means of intersecting crosses, which makes it almost impossible to shift it unintentionally when transporting the berry package. The grid also covers the contents during transport, so there is no need to put a lid on the container. The semi-cylindrical geometry of the container facilitates handling during transport.

For the production of the two elements, we have designed two corresponding molds (one negative and one positive) that correspond to the actual industrial pulp molding process. For this process, we use a mixture of paper pulp, recycled cardboard and water. When preparing the mixture, we add salt to prevent mold formation when in contact with moisture.

Maria Salamanca Millán, 3 Sem. WS 2021/22 –
Gloriana Valverde, 5. Sem WS 2021/22 – g 

BAYAS_doku

project:


process:

 

monoplan | Tim Schuetze

monoplan

a circular packaging concept for cleaning products
monoplan introduces a new take on refill stations for liquid detergents or cleaning agents. The reusable bulk bag deflates while dispensing, enabling both minimal residue and return volume, ensuring sustainability. It is designed to be refilled in a cradle-2-cradle cycle and eliminates the exhaustive process of internal cleaning before refilling. Once worn out, the bag can be materially recycled due to its mono-material fabrication. It also features an intuitive dispenser that guarantees spill-free bottling – regardless of content.

Tim Schuetze, MA Anpassungssem. WS 2021/22 –   www.timschuetze.com

MONOPLAN_doku

ACKNOWLEDGMENTS

project:

process:

 

IMMERFRISCH | Paula Schwager

 

immerfrisch

a packaging which makes fruit and vegetables last longer

Immerfrisch is a packaging which tackles food waste in the supermarket. During the pulp moulding process of immerfrisch zeolite is added to the material. Zeolite is a mineral, which adsorps ethylene, the gas responsible for the ripening process of fruit and vegetables. Fresh produce stored in immerfrisch has a longer shelf life and gets wasted less.

Every year about a third of all food gets thrown away. This is a huge loss of energy, water, agricultural areas, money and other valuable resources. Supermarkets and grocery stores play a huge role in this because they´re the second biggest food wasters after private households. Because of poor shelf management, consumer habits and the abundant amount of produce available, a lot of groceries land in the trash before they can be sold. Especially fruit and vegetables are at high risk to get wasted. The main problem is to keep fruits fresh and attractive looking because naturally they go bad fast. If it is possible to prolong the shelf life of fruits for even just one day up to 40% of fresh produce could be saved and sold. Immerfrisch offers a way to prolong the freshness of fruit and vegetables. The fruit trays are made from moulded pulp with the addition of zeolite. Zeolite is a mineral which occurs naturally or can be manufactured in the lab. It has the ability to adsorb ethylene, the gas responsible for the ripening process of fruits and vegetables. By binding the ethylene zeolite slows down the ripening process and fresh produce stays fresh longer. Immerfrisch is stackable to create a closed room for the produce and to ensure the best adsorption of ethylene and therefore the longest possible freshness and minimal food waste.

Paula Cosima Schwager, WS 2021/22 –

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project:

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OTTER | Max Hausmann

 

OTTER

is a basket that facilitates supermarket shopping by bicycle

Although shopping is one of the most common mobility activities in everyday life, along with commuting, there are hardly any transport containers designed specifically for this purpose. Otter offers the possibility to easily attach groceries to the bike. By using only polyamide and ensuring that all individual parts are repairable and interchangeable, a new direction in sustainable product development is demonstrated.

Max Hausmann, MA Anpassungssem. WS 2021/22 –

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project:

 

process:

 

SUPERWAREHOUSE | Peer Alexander Assman

SUPERWAREHOUSE

a concept for the packaging needs of the future, where supermarkets become obsolete and are replaced by online stores and warehouses.

Ebay supersedes flea markets, Amazon crushes department stores, and supermarkets will be substituted next. As such the packaging of the future should no longer cater to the concept of a physical store. It’s goals are space optimisation, digital processing, stack-ability, handling, resource conservation and integration into digital platforms including our digital lives.

Peer Alexander Assmann, WS 2021/22 –

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project:

 

process:

 

<150km | Laura Laipple

< 150km

a future vision on our food system

According to a study by ZALf (Leibniz Centre for Agricultural Landscape Research), a city like Berlin can be fully supplied with food produced within a radius of less than 150km. Using design objects to communicate, the project > 150km envisions an urban society that strives for a direct connection to its food by consuming only products that come from its immediate surroundings.

envisioning a food system for tomorrow:
Every year, millions of tons of food are shipped around the globe to ensure the ready availability of fresh produce in the global North. This long-established food system causes an enormous amount of emissions and food waste. It also puts great pressure on the Third World and developing countries to meet this demand.

By 2050, more than 80% of the world’s population will live in cities, further increasing their dependence on the food industry. So change is needed, and not just to achieve the Green Deal 2030, but a society loses its connection to food production and thus its independence. <150 km envisions what the future could look like if humanity manages to solve these major problems and change its lifestyle to super-local production with strong citizen participation.

According to a study by ZALf (Leibniz Centre for Agricultural Landscape Research), a city like Berlin can be fully supplied with food produced within a radius of less than 150km. Using design objects to communicate, the project <150km envisions an urban society that strives for a direct connection to its food by consuming only products that come from its immediate surroundings. The range of food is defined only by local products. However, they are changing from being places of fast to conscious consumption. Instead of space-consuming discounters, supermarkets are blending into the cityscape and becoming places of social interaction. In 2050, people will no longer go to the supermarket to get something quickly, but to be inspired by what is on offer.

The <150km project represents this reality using various objects. The concept of <150km is transferred to the objects. All products are made from materials sourced in the vicinity of Berlin. Clothes made of linen and hats made of straw. Aesthetic gardening tools made from recycled aluminium to integrate gardening into daily life. Seed banks made of clay to enhance and individualise the seeds. Knives made of recycled steel that have adapted to the changing food culture. This reality is presented through the fictional characters Lilli and Musa, who live in Berlin in the year 2050. These products represent excerpts from their lives.

Laura Laipple, 9 Sem. WS 2021/22 –

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project:

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COMPAGNON | Jonas Fehrenbach & Marek Asamoah

COMPAGNON

A shopping basket for Bicycles

The Compagnon bike shopper,  it’s a return of a classic. The design is inspired from an iconic shopping basket. However it is equipped with an additional suspension for the bike rack – a small detail with a high symbolic power, converting and combining classical shopping basket and a bike shopper. It’s the  longlife alternative to familiar shopping bags and boxes at the supermarket’s checkout. Made to last and to reuse.

Car Free Zones and Cycling paths as part of many cities‘ strategies and aspirations to support sustainable living are on the rise. At the same time the need for local food supply through supermarkets and grocery stores remains. Especially the demand for fresh and healthy food from local sources  – despite the trend of shopping groceries online – is growing.
The Bicycle as a medium of transport will become  more and more important for short and intermediate distances in urban areas. Yet supermarkets are focusing on car-using-customer’s needs and growing supply of parking spaces but sooner or later alternatives have to be found to put  greener solutions into place.

Introducing Compagnon bike shopper,  it’s a return of a classic. The design is inspired from an old iconic shopping cart. However it is equipped with an additional suspension for the bike rack – A small detail with a high symbolic power, converting and combining classical shopping basket and a bike shopper. It is made from solid stainless steel wires, highly robust but lightweight at the same time. Compagnon is a ready to use and easy to handle, low price bike shopper available at the check out of local supermarkets.

It’s the  longlife alternative to familiar paper shopping bags, plastic bags or shopping boxes at the points of sale. Made to last and to reuse.

Jonas Fehrenbach, WS 2021/22 –
Marek Asamoah, WS 2021/22 –

COMPAGNON_doku

project:

process: 

PERFORATION PATTERN | Linda Elsner

 

 

PERFORATION PATTERN

Eine Perforation ist ein kleiner Ausschnitt in einem Material. In der Regel gibt es mehr als eine Perforation in organisierter Form, wobei alle Ausschnitte zusammen ein Perforationsmuster bilden. Perforationen können als Leitlinien für das Reißen von dünnem Material entlang einer perforierten Linie oder als Designelement für funktionale oder ästhetische Zwecke verwendet werden.

Ein einheitlich gerastertes Muster ermöglicht zwar eine Dehnung des Materials, durch die Skalierung einzelner Perforationen können jedoch präzise gerichtete Bewegungen erreicht werden. Je näher die Ausschnitte beieinander liegen und je größer der Ausschnitt, desto verformbarer wird der betroffene Teil des Materials. Attractors in Grasshopper machen dieses Prinzip mit sehr wenig Rechenleistung möglich.

Es wird ein Hex-Gitter mit einer vorgegebenen Anzahl von Zellen erstellt. Die Mittelpunkte jeder Zelle dienen als Zentrum für das jeweils gewählte Perforationsmuster. Der Attractor (beliebige Geometrie) bestimmt die Skalierung des Musters innerhalb der Hex-Gitterzelle. Je näher sich eine Zelle an der Attractor Geometrie befindet, desto größer wird das Perforationsmuster skaliert.
Das Ergebnis ist ein flexibler Teil entlang der Attractor Geometrie. Durch das Erstellen eigener Attractor Geometrien werden gerichtete Bewegungen und Verformungen ermöglicht. Ein einfaches Ergebnis ist eine gerade Linie, die eine lineare Biegung verursacht, es sind jedoch komplexere Verformungen möglich.

Die vom dreizackigen Stern abgeleiteten Formen funktionieren am besten in einem sechseckigen Gitter. Die Zwischenräume sind bestmöglich verteilt und die drei Achsen ermöglichen den größten Bewegungsspielraum. Durch das Hinzufügen von Abrundungen (fillet), Kappen und das Abrunden der Geometrie insgesamt wird der Bewegungsspielraum jeweils vergrößert.

Im Online-Konfigurator ist eine beispielhafte Voreinstellung von vier Attraktorgeometrien vorgeladen. Es kann jedoch jede beliebige .dxf- Datei importiert werden. Nach der Anpassung durch die Schieberegler oder manueller Eingabe von Werten und der Fertigstellung des Musters wird die Datei über eine Download- und Exportfunktion gespeichert. Das Format .dxf kann in jedem CAD-Programm geöffnet und für Fertigungsverfahren wie Laser cutten oder 3D-Druck verwendet werden.

 

 

PERFORATION PATTERN

A perforation is a small cutout in a material. There is usually more than one perforation in an organised fashion, where all of the cutouts collectively form a perforation pattern. Perforations can be used as guidelines for ripping thin material along a perforated line or used as a design element for functional or aesthetic purposes.

A uniform pattern enables a stretch in the material but using the scale of singular perforations can achieve precise guided movements. The closer the cutouts are to each other the more deformable that part of the material gets. Attractors in grasshopper make this principle possible with very little computing power.

A hex grid with a predetermined number of cells is created. The middle points of each cell act as the center point for whichever perforation pattern is selected. The attractor (any geometry) determines the scaling of the pattern within the hex grid cell.The closer to the attractor geometry, the bigger the scaling. The result is a flexible part right along the attractor geometry. Directed movements can be made possible by choosing and drawing attractor geometries. A simple result is a straight line causing a linear bend, however much more complex deformations are possible.

Shapes derived from the three pointed star work best in a hexagonal grid. The gaps in between are best distributed and the three axes allow for the most range of movement. In adding a fillet, a capped end and rounding the geometry altogether it increases the range of movement. Circular and hexagonal cutouts take away more dense areal material which is prone to tearing along the bridges.

In the online configurator an exemplary preset of four attractor geometries is preloaded. Any .dxf file can be imported though. After adjusting the sliders accordingly and finalising the pattern, a download and export feature enables the user to save their pattern. The format .dxf can be opened in any CAD program and used for manufacturing such as laser cutting or 3d printing.

 

 

STEMPELSET | Osamah Abouzor

 

 

STEMPELSET

Am Anfang war mein Ziel, eine Menge von Elementen zu erreichen, die durch die Funktion zusammengehen.
Deshalb habe ich nach einem Element gesucht, das je nach Funktion seine Form ändern kann, und hier habe ich mich für den Stempel als Tool entschieden, der im Bereich der bildenden Kunst verwendet werden kann. Der Stempel ist mit dem Konzept von Macht und Entscheidungsfindung verbunden, und das machte ihn für mich als künstlerisches Tool zu einem noch interessanteren Element.

Die Ausführung war auf vier Stempel beschränkt, die auf drei geometrischen Grundformen basierten: dem Quadrat, dem Dreieck und dem Kreis. Diese drei geometrischen Formen sind nicht nur die Grundlage für den Bau dieser Elemente, sondern auch die Formen der Abdrücke, die der Stempel auf Papier oder Stoff hinterlässt, die verwendet werden können, um verschiedene Formationen aus  mehreren Materialien zu erstellen.

 

STEMPELSET

In the beginning, my goal was to achieve a set of elements that belong together through the function. That is why I searched for an element that can change its shape according to the function it performs, and here I chose the stamp as a tool that can be used in the field of visual arts. The stamp is related to the concept of power and decision making and this is what made it an even more interesting element to me as an art-making tool. The execution was limited to four pieces of stamps based on three basic geometric shapes: the square, the triangle, and the circle.

These three geometric shapes are not only the basis for building these elements but also the shapes of the prints that the stamp leaves on paper or fabric that can be used to build different formations using multiple materials.

 

 

 

COZY | Anna Wibke Muenz

 

 

COZY

Verwandtschaft kann durch die unterschiedlichsten Eigenschaften aufgezeigt werden. Form, Farbe, Material aber auch durch ein Zugehörigkeitsgefühl oder einen Nutzen.

Cozy untersucht die Grenzen der Form und den daraus resultierenden Nutzen. Die mit Stoff überzogenen Schaumstoffformen folgen alle dem gleichen Prinzip. Dem Prinzip der Anpassung an den menschlichen Körper.
Die gewundene äußere Form der einzelnen Kissen ist unterschiedlich stark ausgeprägt. Manche engerlaufenden Wölbungen stießen bei der Weiterverarbeitung an ihre Grenzen. Dennoch konnte über mehrere Versuche ein passendes Endresultat erzeugt werden.

Die einzelnen Kissen unterstützen unterschiedliche Körperhaltungen eines Menschen. Dabei ist der individuellen Nutzung keine Grenzen gesetzt. Ob als Stützkissen, Sitzkissen oder als Kopfkissen, die unterschiedlichen Wölbungen ermöglichen größt möglichen Komfort.

COZY

Relations can be a result of different features as form, colour, material or sense of belonging or the use case of something.

Cozy examines the possibilities of form and the resulting use from it. The foam is covered with fabric. Every cushion follows the same principles. The winding form of each is different in its characteristics. Some of the curves have a smaller and so a more difficult radius to process the materials. In some points the fabric and the foam come to a limit of processing. Nevertheless, trough out multiple tries the final result convinces with its usable form.

Different postures can be assisted by the use of the cushions. The possibilities of the individual use are almost endless. You can use it for your knees, your neck, your head or something totally different. It is your choice of needs.

 

 

 

 

DER WILDE TON DES MEERES | Joshua Mirza

 

 

DER WILDE TON DES MEERES

Wenn die Brise an der Nordsee mal wieder so frisch ist, dass man im 45 Grad Winkel über den Deich laufen muss, dann ist ein wärmender Tee danach genau das Richtige.
Der Ton für dieses Teeservice kommt mehr oder weniger direkt aus der Nordsee.
Wenn Steine die Flüsse herunter gespült werden, dann werden sie mit der Zeit so fein gemahlen, dass sie erst zu Sand, dann zu Schluff und irgendwann zu Ton werden.
Dieser Ton setzt sich dann in den ruhigeren Zonen der Flüsse und auch an den vor Wellen geschützten Bereichen des Wattenmeers ab.
Der anfangs dunkelgraue Ton der Nordsee färbt sich beim Brennen in ein Ziegelrot, das so warm ist wie frisch gebrühter Tee.
In passendem Kontrast dazu, ist das Service in Fjordblau glasiert, welches den Farbtönen der Nordsee sehr nahe kommt.
Da die Norddeutschen ihre Angelegenheiten gerne gut im Griff haben, ist der Griff der Teekanne dicker als die meisten seiner Verwandten. Formsprache und Ergonomie lehnen sich dabei eher an modernes Werkzeug als an das Porzellan der Großeltern.
Wer es aber trotzdem klassisch mag, kann das Milchkännchen und die Zuckerdose natürlich auch für Sahne und Kluntjes oder Kandiszucker verwenden.

 

THE WILD CLAY OF THE SEA

When the breeze on the North Sea is so rough that you have to walk across the dyke at a 45 degree angle, a warm tea afterwards is just the thing.
The clay for this tea service comes more or less directly from the North Sea.
As rocks are washed down rivers, they are ground so finely over time that they become sand, then silt, and eventually clay.
This clay then settles in the calmer zones of the rivers and also in the areas of the Wadden Sea that are protected from waves.
The initially dark gray clay of the North Sea turns brick red during firing, which is as warm as freshly brewed tea.
In matching contrast, the service is glazed in fjord blue, which comes very close to the colors of the North Sea.
As North Germans like to have things under control, the teapot’s handle is thicker than most of its relatives. The design language and ergonomics are based rather on modern tools than on grandparents‘ porcelain.
If you still like it classic, you can of course also use the milk jug and the sugar bowl for cream and Kluntjes or rock candy.

 

 

 

 

FLOWERTOWER | Sebastian Mueller-Tiburtius

 

 

FLOWER TOWER

Flower Tower ist ein Spielsteinset für Kleinkinder, dessen lebendige Formen einen anderen Zugang zur kindlicher Phantasie ermöglichen sollen. Fast alle Kinder wuchsen und wachsen mit rechteckigen Bausteinen auf: Was sich leicht zu kleinen Häusern oder Städtchen zusammen stapeln lässt, stößt dabei aber bald an seine Grenzen. Denn erst mit viel Einbildungskraft löst sich der architektonische, kubische Charakter auf, – natürliche, organische Formen lassen sich durch rechteckige Körper nun mal schwerlich nachbilden. Die Bausteine von Flower Tower möchten diese Leerstelle füllen und (wenn gewollt) eine Brücke schlagen. In ihren neutralen aber expliziten Gestalt sehen alle etwas anderes: Mal einen Baum, mal ein Tier, mal eine Insel in einem weiten Meer.

 

FLOWER TOWER

Flower Tower is a toy brick set for toddlers, whose lively shapes are designed to provide a different approach to the child’s imagination. Almost all children grew up and continue to grow up with rectangular building blocks: What can be easily stacked together to form small houses or towns, however, soon reaches its limits. It takes a lot of imagination to dissolve the architectural, cubic character – natural, organic shapes are difficult to reproduce with rectangular bodies. Flower Tower’s building blocks aim to fill this void and (if intentional) build a bridge. In their neutral but explicit shapes, everyone sees something different: sometimes a tree, sometimes an animal, sometimes an island in a broad sea.

 

 

 

INEINANDER | Alice Bonanomi

 

 

INEINANDER

Ineinander ist ein Projekt, das von der Idee einer klassischen Familienstruktur und meiner Wahrnehmung davon inspiriert ist. Ich wollte das Gefühl des „Zusammenklebens“ in Objekte übersetzen, Individuen, die sich in Funktion und Form unterscheiden, aber innerhalb eines Systems arbeiten, in dem die Form des einen das andere beeinflusst.

Meine Erinnerung an die Familie ist eng mit der Küche und dem Sitzen am Tisch verbunden, also habe ich Gegenstände ausgewählt, die zu diesem Moment gehören: eine Teekanne, einen Kaffeefilter und eine Saftpresse.

Ich habe sie wie eine Matroschka strukturiert, die eine enthält die andere. Jedem von ihnen entspricht eine Tasse, die als Aufsatz dient. Jedes der sechs Teile besteht aus zwei Elementen: einem Körper, der als Zylinder, Kegel oder Halbkugel geformt ist, und einem Griff, der, um die Form leichter zu machen, aus hohlen oder durch Kurven geschnittenen Körpern besteht.

INEINANDER

Ineinander is a project inspired by the idea of a classic family structure and my perception of it. I wanted to translate in objects the feeling of being “stuck together”, individuals that differ in function and shape but work within a system, where the shape of one affects the other.

My memory of family is tightly connected to the kitchen and sitting around the table, so I chose objects that belong to that moment: a teapot, a coffee filter and a juicer.

I structured them as a Matrioska, one containing the other. To each of them correspond a cup, that serves as a top. Each of the six pieces consists of two elements: a body, shaped as cylinders, cone or semisphere and a handler that in order of making the form lighter consists in solids made hollow or cut by curves.

 

 

KAPPA | Sheraz Bhatti

 

 

KAPPA

KAPPA ist eine Karaffe, die den manuellen Grad bei Produktionsmethoden, den Ressourcenverbrauch und vor allem die soziale Zugänglichkeit von Designobjekten hinterfragt.
Der Großteil von Objekten, die eine größere Aufmerksamkeit von Gestaltern erfahren, spielt sich im gehobenen Preissegment ab. Manufakturelle Produktionsmethoden und die Wahl von teureren Materialien beschränken den Zugang von schöner gestalteten Objekten auf eine kleine Bevölkerungsschicht.
Beim Aufbrechen dieses etablierten Konsumverhaltens kann der 3D-Druck neue Ansätze geben.
KAPPA entstand aus der Auseinandersetzung mit dem FDM-Druck. Die formale Ausprägung des Gefäßes wurde aus den Funktionsprinzipien des FDM-Druckers gewonnen. Form und herstellende Bewegung sind symbiotisch, sodass vollständig nutzbare Objekte in sehr kurzen Druckzeiten entstehen.
Durch die Kommunikation mit der Form mittels parametrischer Software, werden Vorstellungen von Einzelstücken, Kleinserien und Massenproduktion obsolet.

 

 

HOMMAGE | Anna-Maria Argmann

 

 

HOMMAGE

Materialien mit ihren unterschiedlichen Eigenschaften bedingen die Verarbeitung und so auch die Gestaltung der Produkte. Durch eine experimentelle und lösungsorientierte Annäherung im Modellbau ließen sich passende Arbeitsprozesse finden. Die Gegebenheiten zu akzeptieren und so die Möglichkeiten des Materials entdecken und wertschätzen zu können, schufen einen lehrreichen und interessanten Designprozess.

Die Objekte aus Silber, Edelstahl und europäischen Hölzern sind trotz ihrer Unterschiedlichkeit in Form, Farbe, Haptik und Gewicht, miteinander verbunden. Flache Grundwerkstoffe, Bleche und Holzfurnier, waren der Ausgangspunkt und vereinen Löffel, Becher, Karaffe und Schalen in ihrer ästhetischen Sprache. Verarbeitungstechniken, wie Hartlöten, Furnierverleimung und verschiedenste Versäuberungstechniken der Oberflächen verleihen den Gefäßen ihre Ausstrahlung.

Die einzelnen Objekte stehen für sich, als eigene Charaktere und dennoch bilden sie eine lebendige Gefäßfamilie. Individuell, in getrennten Räumlichkeiten oder gemeinsam als Tafelservice, können die Gefäße vielseitig genutzt werden und sich in ihrer Besonderheit entfalten.

 

HOMMAGE

Materials with their different qualities cause the process and also the design of the products. Through an experimental and solution-oriented approach in prototyping, suitable processes could be found. Accepting the conditions and being able to discover and appreciate the possibilities of the material created an instructive and interesting design process.

The objects, made of silver, stainless steel and European woods, are connected despite their differences in shape, color, feel and weight. Flat base materials, sheet metal and wood veneer, were the starting point and unite spoons, cups, carafes and bowls in their aesthetic language. Processing techniques such as hard soldering, veneer gluing and a wide variety of surface finishing techniques give the vessels their radiance.

The objects stand on their own, with their own characteristics, and yet they form a lively family of vessels. Individually, in separate spaces or together as a dinner service, the vessels can be used in many ways.

 

MASTER CALLS 2022/2023 online!

 

The time to do the paperwork and really send in your application is between 1. March till 1. April, but….  the calls for MA Product Design and MA Fashion Design are online already so you can get familiar with them and prepare yourself.

Find the Master Call Fashion Design HERE
Find the Master Call Product Design HERE
Find all about MA-Design and application procedure HERE

Important dates:
• from now on: OPEN CALLS 2022/2023 online and registration
• 1. March – 1. April 23:59 p.m: send your application
• 8. March 18:00 -19:00 (CET): online info meeting for all questions on the MA programs and the application process PLEASE CLICK LINK HERE

Die Zeit, um die Unterlagen zu erledigen und Deine Bewerbung wirklich einzureichen, liegt zwischen dem 1. März und dem 1. April, aber die CALLS für MA Product Design und MA Fashion Design sind jedoch bereits online, um sich mit ihnen vertraut zu machen und sich vorzubereiten.

Den Master Call Fashiondesign ist HIER zu finden
Den Master Call Produktdesign ist HIER zu finden
Alles über MA-Design und das Bewerbungsverfahren ist HIER zu finden

Wichtige Daten:
• ab jetzt: OPEN CALLS 2022/2023 online und Registrierung
• 1. März – 1. April 23:59 Uhr: Einreichung der Bewerbung
• 8. März: 18:00-19:00 Uhr (MEZ): Online Infotreffen für alle Fragen zum MA-Programm und dem Bewerbungsverfahren LINK BITTE HIER KLICKEN

 

Philipp Hainke & Aleksander Łuczak selected in 2022 Pure Talents contest Köln

Philipp Hainke’s graduation project PowerPlace is selected for the Pure Talents contest in Cologne and Aleksander Łuczak was selected with his Trunk furniture, a system that enables individual combinations of furniture.

The Pure Talents Contest, which is held annually as part of the imm cologne, is one of the most recognized design competitions for young designers worldwide. Here up-and-coming talents can present their products to a large audience and make initial contacts in the international design industry.

IMM mentions: „From the more than 500 entries from 52 countries, the expert jury of the 19th PTC nominated the 20 best designs – despite the cancellation of imm cologne 2022: All selected projects show great market potential and convince both aesthetically and technically. Above all, however, the next design generation is looking for one thing: sustainable product concepts.“
Designer Sebastian Herkner commented on the result of the current Pure Talents Contest: „It’s impressive how many high-quality designs were submitted this year – despite the difficult circumstances of the past few months.“

The 3 winners will be announced in February in the imm Magazine.

More on PowerPlace by Philipp Hainke at Pure Talents on Instagram, below and via www.philipphainke.de

More to Trunk by Aleksander Łuczak at Pure Talents  on Instagram and below in SYSTØM

 

MA-VISIT: Studio Lukas Wegwerth | WiSe 2021/22

9 Nov 2021: visit to Studio Lukas Wegwerth, Berlin

The MA-class visited designer Lucas Wegwerth in his studio in Berlin to hear from him about his work and whereabouts since starting up his studio and to hear about his experience to be in charge of the production of the installations for the supersalone in Milano, Sept 2021.
We had a discussion about how he designs, circularity, his relationship with nature, the value of repairing, open systems, local production, thinking rationally and the rare and beautiful idea of emotional durability.

 

Anna Koppman’s ‚Frischholz‘ in Designpost Köln

Anna Koppmann’s graduation project Frischholz (see below) is presented at Design Post Cologne and Anna is involved in a talk on Monday 17 January.

As a new partner to German Design Graduates, Design Post offered GDG 2021 a chance to present their projects to a professional audience and get involved in the current design debate:
For January 2021 Design Post selected and showcases the work of graduates with a sustainability perspective and a particular interest in material innovations and new manufacturing processes.

Design Post is a year-round showroom and platform founded in 2006 as a showroom, bringing brands together to showcase themselves. Two decades later, it still sees it as its mission to empower brands, design professionals, industry experts and creative industry professionals by giving them the tools, knowledge and networks they need to connect, collaborate and generate new business. Designposts strives to act as a compass for the future of the industry by working together and sharing knowledge.

designpost.de
www.annakoppmann.eu

 

Freie Tutorien

Liebe Produktdesign Studierende ,

hier findet ihr künftig alle Ausschreibungen für studentische Hilfskräfte!

 

 

 

 

 

 

Ab dem Wintersemester 2024/25 sind in der Kunststoffwerkstatt zwei Tutorenstellen frei.

Konkret ab dem 01.10.2024

 

Bewerbungen bitte so kurzfristig wie möglich per Mail

(CV und kleines Portfolio – formlos, als PDF)

 

an Ben Seidel schicken:

 

Voraussetzungen:

du bist Student/in ab dem 4. Semester und hast idealerweise

Kenntnisse und Erfahrungen mit gängigen Modellbaumaterialien

(Polystyrol, Acryl, PET, Holzwerkstoffe, usw.) und deren

Verarbeitung (Drehen, Kleben, thermisches Umformen, etc.).

 

Aufgaben:

 

Unterstützung von Studierenden bei der Umsetzung ihrer Projekte

Betreuung und Bedienung der Maschinen

 

Selbstverständlich wirst du eingearbeitet.

Mindestvetragslaufzeit: 1 Jahr (zwei Semester)

 


 

Déclic | Sandro Bodet | BA 2021

Déclic | Bachelorarbeit 2021

Das Erforschen und experimentieren am Modell stand im Vordergrund dieser Arbeit. Die Ausgangssituation war zügig klar: CNC-Fräse, Sperrholz, Stecksystem.
Eine Schnittstelle zwischen Architektur und Design sollte dabei erarbeitet werden, wobei die Idee des Bausteins im Mittelpunkt stand. Dieser Jahrtausende alte
Begleiter der Menschen manifestierte sich in vielen Formen und Materialien. Mein Ziel war es eine neue Antwort zu präsentieren, die sich den aktuellen Themenschwerpunkten
und Möglichkeiten bedient. Aus Holz, dem nachhaltig nachwachsenden Rohstoff, können stabile und standardisierte Werkstoffe wie Sperrholz hergestellt werden, aus
denen, mittels CNC-gesteuerter Bearbeitung, präzise Teile in hoher Stückzahl entstehen können. Um diesen Umstand attraktiv und erlebbar zu machen, habe ich verschiedenste
Verbindungen mit variierender Komplexität entwickelt und gefräst. Der daraus resultierende déclic-Mechanismus ist sowohl Verbindung für die Bestandteile der Bausteine, als
auch für die Bausteine untereinander. Diese können in alle Richtungen aufeinander gestapelt werden und halten als Struktur durch den hinterschnittigen Formschluss der einzelnen Elemente.

The exploration and experimenting on the model was crucial to this work. The starting point was clearly defined: CNC-mill, plywood, plug system. The connection
between design and architecture should be investigated, reguarding building block as companion for centuries in human history. The brick had many forms and materials
and my goal was to find a modern attempt with new priorities. Wood, as a regrowing resource, can be stabilised and standartised as plywood, which is perfectly suited
for cnc-machining – precise pieces in high quantity. To make this circumstance perceptible, I milled various wood connections in different complexities. The finally
emerging déclic-mechanism is simultaneously the connection of the brick components and the connection of the bricks themselves. They can be stacked in every direction
and build stable structures due to a undercutted form lock between the building blocks.

 

Prozess

 

Betreut durch

Prof. Burkhard Schmitz, Prof. Holger Neumann, KM Antonia Kühne

3. Dec: Mall anders – talk on sustainable consuming

On Friday 3 December there will be a talk 15.30-16.30 in MALL ANDERS, the open learning laboratory for
science & society. The talk is open for a wider audience, but will be in German.

Nachhaltiger Konsum – geht das überhaupt?
with:
Jana Möller (FU Berlin)
Timothee Ingen-Housz (UdK Berlin)
Philipp Brandts (Supermarkt der Zukunft)
Moderation: Michael Wilmes (Climate Change Center)

Vor Ort:
Mall Anders
EG Wilma Shoppen
Wilmersdorfer Str. 46

For more information see THIS LINK (scroll to 3. dec)

Motion Theory

Bewegungslehre, Kooperation mit IGUS GmbH, Köln
Hauptseminar ab 5. Semester – Wahlpflicht Produktdesign und Anpassungsstudium MA

Prof. Holger Neumann, WM Julian Ribler

SEMINARANGEBOT – COURSE OVERVIEW

Endergebnisse
Endpräsentation

Fahnen

 

WORK IN PROGRESS 

BESUCH VON IGUS

MINDMAP
Motion Theory Igus Mindmap_2

Die individuellen Recherchen der Studierenden wurden  als Inspiration und Orientierung mithilfe einer Mindmap kategorisiert, geclustert und visualisiert.
SEMINARANGEBOT – COURSE OVERVIEW

Kontext: Tribologie ist die Bezeichnung der Wissenschaft, die sich mit Reibung-Phänomenen und damit einhergehend Verschleiß und Schmierung befasst. Im Design treffen wir auf Tribologie, wenn es um bewegliche Bauteile und Objekte geht: Beispielsweise in Gleitlagern und Linearführungen in Möbelbeschlägen (Auszüge).

Kooperation: Die Firma igus® GmbH beschäftigt sich damit, tribologische Funktionen zu vereinfachen. Viele Lager und Führungen bestehen aus einer Vielzahl von Teilen, oftmals aus verschiedenen Werkstoffen. Nicht selten muss ein Schmiermittel verwendet werden, dass zudem regelmäßig gewartet werden muss. igus® fasst die vielen Bauteile zu einem Kunststoffteil zusammen, das sämtliche Funktionen übernimmt. Das Kern-Know-how von igus® liegt in der Entwicklung tribologisch optimierter Kunststoffe. 

Aufgabe: Die Semesteraufgabe besteht darin, ein Möbel zu konstruieren, das Bauelemente von igus® verwendet, um neue konfigurierbare Objekte zu entwickeln. Die Ableitung von Bewegungen aus Gebieten wie Mechanik, kinetische Objekte und Getriebetechnik kann dabei als Strategie dienen. Beispiele für Bewegung könnten sein: Schieben, Drehen, Kippen und Schwenken. 

Voraussetzungen
– Regelmäßige Teilnahme am Seminar
– Vortrag
– Präsentationen

Abgabe
– Prototyp
– Dokumentation
– Poster
– Kurz-Video

Betreuer
Prof. Holger Neumann
WMJulian Ribler

OBENAUF – STANDINGWORKSTATION

Konstruktion / Material 3 – Metall
PFLICHTSEMINAR TECHNOLOGIE / 3. SEMESTER BACHELOR

Prof. Holger Neumann, WM Steffen Herm

Basierend auf Referaten und Workshops wurden in Obenauf die relevanten Prinzipien und Parameter von verschiedenen Metallverarbeitungsverfahren vermittelt. Anschließend sollte das Wissen in dem individuellen Entwurf einer Workstation aus 1m³ gefaltetem Stahlblech angewandt werden.

Die Abwicklungen der Blechteile wurden gelasert, in den Werkstätten gebogen und  zusammengesetzt.

Endergebnisse

Fahnen

Umsetzung in der Metallwerkstatt

Erste Ideen und Modelle

EXKURSION

Besuch bei Ferrum-Lasercut.

ZWISCHENPRÄSENTATION – MIT MALTE LICHT

      

MINDMAP

Die individuellen Recherchen der Studierenden wurden  als Inspiration und Orientierung mithilfe einer Mindmap kategorisiert, geclustert und visualisiert.

SEMINARANGEBOT – COURSE OVERVIEW

Projekt “V” von Tomma Hinrichsen und Julius Terhedebrügge

Blech ist eines der wichtigsten Metall-Halbzeuge. Insbesondere Stahl- und Aluminiumblech ist von grundlegender Bedeutung für die Herstellung design-relevanter Objekte. Bleche werden dabei nicht nur für Gehäuse, sondern auch für Lasten-abtragende Konstruktionselemente, Maschinenteile aber auch Monomaterial-Produkte eingesetzt. Wir werden verschiedene Werkstoffe sowie die wesentlichen Be- und Verarbeitungstechniken dieser Werkstoffgruppe ausführlich kennenlernen und uns das für DesignerInnen wichtige Know-how aneignen.

Das Objekt soll aus ausgelaserten und gekanteten Blechelementen bestehen. Alle abgewickelten Elemente müssen auf eine Fläche von 990 x 990 mm passen, wobei ein Mindestabstand von 5 mm zwischen den einzelnen Teilen bestehen muss. Kantungen werden durch gelaserte Perforationen vereinfacht. Die Fertigung der Blechabwicklung erfolgt durch unseren Projektpartner Ferrum Lasercut GmbH.

Besonderen Wert wird auf einen effizienten Materialeinsatz sowie eine dem Prozess und dem Material angemessene Formensprache gelegt. Gemeint ist eine konstruktive Eleganz, die das Zusammenspiel zwischen Konstruktion, Statik und gestalterischer Qualität verkörpert.

Anforderungen
-regelmäßige Teilnahme Seminar + CAD-Seminar
-Referat
-Entwurf
-3D-Datensatz und Prototyp
-Dokumentation
-Poster und Präsentation

Kooperationspartner
Kooperationspartner Ferrum Lasercut GmbH / https://www.ferrum-lasercut.de/

Gast
Dipl. Des. Malte Licht  https://oxyd-gmbh.de/

Betreuer
Prof. Holger Neumann
WM Steffen Herm

Anna Koppmann on show in ‚SLOW‘ by AHEC (KGM Berlin)

SLOW DESIGN FOR FAST CHANGE

Anna Koppmann who graduated last year at UdK’s product design with her project Frischholz – containing an impressive research on the worrying status quo and possible future for German forests –  is one of the nine young designers that are on show in the SLOW exhibition by AHEC in Kunstgewerbemuseum Berlin.

With a focus on American red oak, hard and soft maple and cherry, AHEC (American Hardwood Export Council) has teamed up with 9 young designers to create an object that reflects their approach towards “slow design for fast change”.
The result is an exercise in how young voices of design re-think their profession today, when factoring in the aspects of sustainability, longevity and a focus on quality. Working together with experienced design professionals Hanne Willmann, Sebastian Herkner and Garth Roberts, the designers present their final pieces at Kunstgewerbemuseum Berlin from November 26th 2021 to 20th February 2022.

The final pieces include a wide range of objects from bowls to chairs, benches to shelving systems as well as tables and modular furniture elements. Produced by German workshop Holzfreude, the finished objects symbolize the value of perfect craftsmanship as well as present a selection of the best young voices of design in a unique historical context.

The exhibitors are: Maximilian Beck, Clémece Buytaert, Simon Gehring, Hansil Heo, Sarah Hossli und Lorenz Noelle, Anna Koppmann, Haus Otto (Nils Körner and Patrick Henry Nagel), Theo Luvisotto and Max Rohregger.
The young designers studied under Wolfgang Laubersheimer (KISD Köln), Maddalena Casadei (ECAL Lausanne), Christophe de la Fontaine (ABK Stuttgart), Konstantin Grcic (HFBK Hamburg), Anniina Koivu (ECAL Lausanne), Ineke Hans (Udk Berlin), Stefan Diez (Angewandte Wien).

The American Hardwood Export Council (AHEC) is a strong advocate of wood as a raw material and has successfully developed a sustainable brand around hardwoods from the USA. AHEC is one of the pioneers behind the Life Cycle Assessment (LCA) analysis of hardwoods. Through innovative design projects such as Legacy, The Smile and MultiPly for the London Design Festival, AHEC demonstrated the performance potential of these sustainable materials and provides valuable inspiration.

26 Nov. –  15 May: SLOW (extended till 15 May 2022)
Kunstgewerbemuseum Berlin, read more
see the virtual exhibition HERE

See Anna’s project HERE
+ short interview HERE

find more info on AHEC HERE and a press release on SLOW HERE
and via Instagram @ahec_europe

Tobias Trübenbacher winner BRAUN DesignPrize 2021

18.11.2021:
Tobias Trübenbacher is one of the 10 winners in the Braun DesignPrize 2021 with his graduationproject Papilio.

Papilio is a wind powered streetlight to tackle light pollution. The lamp generates electricity using a wind turbine reducing the ecological footprint of street lighting while at the same time minimizing light pollution. With Papilio, the process of generating energy becomes an aesthetic play, enriching the public space — both during the day and at night.

This years prize had two categories: Students & Young Creatives with less than 5 years work experience.
They could send in Products that are not on the market or in production.
Submissions from all countries were considered and participation was free of charge.
There were 1150 valid entries in 2021.
All submitted projects were reviewed and carefully judged in a multi-stage evaluation process.
The Jury consisted of an international panel of experts, see more here
This years total prize value was 100.000 USD and all ten winners win $ 10.000,00

From November 19 to December 9, 2021, you will have the opportunity to vote for your favorite BraunPrize 2021 winner project and win one of 10 Braun watches. The Public voting will take place on the Instagram channel @Braunprize and will be announced in a separate post on November 19.

See more HERE and read more HERE

 

EXCURSION MA: BASF – Ludwigshafen | WiSe 2021

From 12 till 14 October visited BASF in Ludwigshafen as kick-off for our cooperation project ONE MATERIAL, ONE PRODUCT.
In the BASF Creation Centre we received introductions into 3 material groups: Ultramid, Ultrason and Elastollan from BASF experts had a tour at the production plant and at the Technikum and at the last day some first ideas were presented.

Some more impressions from our visit to BASF:

 

 

 

EXCURSION BA & MA: DDW EINDHOVEN | WISE 2021/2022

20-23 oct. 2021: Dutch Design Week Eindhoven

BELOW:
1: BA Film – 2: MA FILM – 3: full Program – 4: PHOTO IMPRESSIONS

^ BA FILM – MA FILM v

PROGRAM

Day 1
Station Area
• Visit: Eggshell ceramics, Museum of Endagered food
• Visit: DESIGN ACADEMY GRADUATION SHOW 2021, cum laude projects, study information talks
Fuutlaan
Cabinet of collaboration @fuutlaan hall:
Visit: Rick Tegelaar, Krane & Gille, Marjan van Aubel, SPACE 10, Thonik.
• Meeting: Mars Holwerda mobility designer and founder of Studio MOM, and Tom and Roos Meerman and Tom Kortbeek digital design researchers of Fillip Studios
Fuutlaan 14i
ENVISIONS, meeting with Sanne Schuurmans & Maya Leroy founder and participant of this designer collective
Fuutlaan 12b:
DUTCH INVERTUALS, meeting with curator and founder Wendy Plomp about this designer cooperation platform and upcoming exhibition in MAKK Köln.
Kazerne
Visit: Kazerne Awards for DAE alumni, Growth, Neo Stone Age, Social Label

Day 2
Strijp S
Things that Matter @Microlab hall:
• morning coffee with Ineke Hans and Circuform at REX
• visit Circulair WarenhuisDutch Design Awards and more
• HOW & WOW meeting Willemien Ippel, director of Crafts Council Nederland
about the cooperation with instagram initiative Basketclub
• meeting with DDW ambassador Christien Meindertsma at her expo sharing elements

Yksi Expo:
• Meeting with Leonne Cuppen, founder of Yksi and initiator of  the RETHINKING PLASTICS exhibitions
• Visit: Green culture club / What a waste / Sparkling Plastic/ Waste based glazed brick / Lilian van Daal / Why colors matter / Food Design Systems / WDCD – No Waste Challenge / and more
Ketelhuisplein:
• Visit: The Embassy of Inclusive Society / Hara Hachi Bu Village by Arne Hendriks / Embassy of Circular & Biobased Building / Embassy of Health
• Meeting with Kees Brouwer of VPRO television who set up RE//ACTION against cheap production
• Visit Natlab: Smelling Spieces with Frank Bloem, Jelle Zandveld, Arne Hendriks, Thomas Thwaites and Extinction Claims by MediamaticKlokgebouw (the greater number):
• Visit: Labyrinth the Art of Changing Direction by DDW embassador Floris Alkemade / Maacq Oase / Its in our Nature
• Meet Jorn Konijn, curator and program leader of the Greater Number at DDW
• Visit the presentations of Dutch Design Academies / Embassy of Health / Embassy of Safety / Embassy of Mobility / Living and working from home / Embassy of food -Future of the Supermarket / Autonomous Tree by Krzysztof Wronski / Good Industrial Design Awards, Tangible Experiences by HTW Berlin
Strijp T + R
• Meeting: Raw Color to speak about their Temperature Textiles
At Piet Hein Eek:
Visit: shop, workshop, showroom, and various locations & designers
• Visit:  Rop van Mierlo, Studio Rens, Scheublin & Lindeman, Bricknic

Evening:
Pizza at La vita è Bella, with with students & tutors from HTW Berlin, and Weissensee

Day 3
Sectie C:
• Visit o.a: Vantot, S.O.A.P. Sander Wassink, Plastic Fantastic
• Meeting: Deigo Faivre, Minute Manufacturing
• Meeting: product designer Maarten Baptist
Pennings Foundation:
• Meeting: Weissensee Berlin,  All Connected, Postgraduate projects  by Designfarm/Seekicks
• Meeting: Isola, only good news
• Visit Schellens fabriek: a.o. Isola talent factory, Sander Mulder
• Visit Van Abbemuseum: o.a. DAE geo design, 1 m collective
Van Abbehuis:
• Meeting: Steven Visser & Vera Meijwaard at their presentation CRAFTWORK in collaboration with the labels they work for
Hallenweg: 
• Meeting: Rianne Makkink at the Waterschool
• Visit: the Linen Project / 15 years vij5 / AtelierNL

afternoon: free program
evening: meet up at Studio Ineke Hans in Arnhem, asian take -away and stay over

Day 4

Return to Berlin

 

 

IMPRESSIONS:
Dutch Design Week Eindhoven

DAY 1

 

Design Academy Eindhoven ^

Day 2

above: REX by cicuform
below: Christien Meindertsma


 

 

 

 

 

 

 

 

 

above: Crafts Council Nederland x Basketclub
below: Rethinking Plastic at Yksi

 

above: Yksi – Rethinking Plastic

below: Johanna looking at the map

 

 

 

 

 

 

Studio Ineke Hans Arnhem:

 

Below: return to Berlin via Arnhem Central station 

8 November: Kimia Amir Moazami & Tobi Trübenbacher selected for Global Grad Show 2021

Global Grad Show is a programme for graduates in universities across the world whose research and ideas offer solutions to help solve major social and environmental issues. It brings together graduates and professors from over 70 countries and 600 universities who are working on solutions for a better world. From the world’s most prominent academic institutions to local colleges in developing markets, in fields ranging from biomedical engineering to urban design and data sciences.

The 2021 selection of international projects is unveiled online on 8 November, featuring innovative solutions to some of the greatest and often unappreciated challenges of our times. Kimia Amir Moazami and Tobi Trübenbacher are selected with their graduate projects Vorkoster and Papilio.
Vorkoster is selected in the section ‚Future of Food‘.
Papilio is selected in the section ‚Design against Waste‘.
In addition, MENA Grad Show will display social impact projects developed by academic talent from the region, at a physical exhibition held as part of Dubai Design Week.

See and read more about the Global Grad Show 2021 program, HERE
See and hear more about Tobias‘  Papilio HERE
See and hear more about Kimia’s Vorkoster HERE
and…  find out more on Kimia and Tobi’s  projects below.

It is the second time that Tobi’s has a project selected for GGS.
See some impressions of GGS 2019 when his Ignis project was selected with projects of 4 other UdK product design students and when they were all invited to Dubai with Prof. Ineke Hans.